Crítica: SOLA, UNA HISTORIA VIRTUAL

Cruda y continua realidad

“Cuando nadie hace nada, alguien debe volver para hacerlo”: bajo esta premisa, Río Rojo Producciones estrenó vía Zoom SOLA, Una historia virtual, creación colectiva basada en la técnica de improvisación teatral, misma que combina los géneros de terror y gore, con toques de la cinematografía de Alfred Hitchcock; además del acompañamiento musical del compositor estadounidense Bernard Herrmann.

La trama nos revela la normalización de la violencia a grandes escalas, una penosa realidad que persiste en nuestra sociedad como un mal incurable. Por ello, es justo y preciso que desde los espacios escénico-virtuales se aborde esta problemática con suma honestidad, como es el caso de la propuesta dirigida por Anthony Uriarte, cuyo esquema entrelaza de manera interesante diversas historias: una mujer en búsqueda su hermana desaparecida, un hombre que ha denunciado un supuesto crimen difícil de probar, una pareja que busca en la terapia la solución a sus problemas, una psicóloga sujeta a sus convicciones religiosas y un atormentado personaje que vive atrapado en violentos recuerdos.

El afiatado elenco lo conforman Gloria Tasayco, Javier Montoya, Laura Pereyra, Luis Alberto Céspedes, Roy Zevallos y Vivi LaNeves, quienes realizan un eficiente trabajo en el manejo de los planos en varias escenas, así como interpretaciones sólidas y convincentes, mostrándonos personajes provistos de matices y detalles. Otro punto a destacar es el trabajo de caracterización y maquillaje a cargo de Meryann Yza, quien aportó el toque necesario para redondear el resultado final.

SOLA, Una historia virtual nos revela con crudeza situaciones de violencia que forman parte de las estadísticas del día a día en nuestro país. Sin duda, un importante trabajo audiovisual, que nos recuerda el largo camino que aún debemos recorrer para reconstruirnos como sociedad.

Maria Cristina Mory Cárdenas

30 de octubre de 2021

Crítica: HÉCATE, LA ÚLTIMA BRUJA

Hechizos teatrales

El trabajo audiovisual que hace el director de arte Luis Peche siempre es alucinante e impactante. Sin embargo, como he comentado en otras críticas a las obras de Jorge Pecho, este elemento no menor no es suficiente para que un montaje trascienda y ser universal, como pretende ser el teatro.

No estoy seguro si es una buena idea que una obra de teatro adopte el lenguaje cinematográfico de saga o capítulos. Es decir, es muy difícil que el público sea atraído a asistir a una serie de montajes de manera consecutiva o que estos sean desenlaces de unos con otros. Es muy difícil, dentro del teatro en general, fidelizar de una manera a todo un público durante tanto tiempo. Durante los primeros meses de este año estuve viendo algunas obras virtuales de otros países y me interesaron las presentaciones en el Teatro Nacional La Castellana. Esta institución, en el marco de sus cuarenta años de existencia, presentaron 1980, una serie teatral de doce capítulos que abordaron tabúes y problemas sociales de la sociedad bogotana de aquella época. El montaje fue todo un éxito de espectadores, pues son actores muy reconocidos y con años de experiencia. Haciendo un paralelismo cuestiono si es posible hacer lo mismo para montajes o grupos teatrales con todavía poco público. Menciono esto con mucho respeto.

Por otro lado, mirar Hécate, La Última Bruja implicaba haber visto Titanomaquia 2 y tenerla fresca en la memoria. De otra manera, entender la trama y el contenido sería un poco trabajoso. Lo mejor de la función fueron los diferentes conflictos que atravesaba el personaje de Hécate (Leonela Alarcón), pues fueron impactantes. Creo que su papel como una persona cercana al submundo de la hechicería fue muy realista y creíble. Aunque como mencioné anteriormente, el resto de actuaciones y personajes no me parecieron impactantes y la historia, un poco confusa. Por último, personalmente, recomendaría ver Hécate, La Última Bruja por el trabajo audiovisual de Peche, casi cinematográfico.

Enrique Pacheco

26 de octubre de 2021

Entrevista: RAÚL CASTAGNETO

“La impro es una herramienta para la vida.”

Actor, improvisador y conductor de televisión, Oficio Crítico conversó con Raúl Castagneto, uno de los protagonistas de Parricidio, nueva puesta en escena virtual escrita y dirigida por Alejandra Núñez, presentada por REBOBINA producciones con el apoyo de la Asociación cultural A TODA COSTA. Al lado de Verony Centeno, Raúl asume el papel del novio de Cristina Colón, la hija de nuestro “Descubridor”, en una propuesta llena de humor y emociones fuertes, disponible actualmente desde la plataforma virtual Joinnus.

Parricidio estará en temporada hasta el 10 de noviembre, a través de la plataforma Joinnus Live. El acceso permite ver la obra 48 horas una vez realizada la compra. Las entradas a la venta a través de Joinnus y también desde las redes sociales de Rebobina.

https://live.joinnus.com/lima-parricidio-44028

Instagram: @rebobinaproduce - Facebook: https://www.facebook.com/RebobinaProduce

Sergio Velarde

26 de octubre de 2021

Crítica: PARRICIDIO

Muerte del patriarcado colonial

La risa es sanadora. Nada más cierto. Aproximarse con humor a los grandes problemas sociales es una magnífica estrategia para cuestionarnos y reflexionar acerca de ellos. Así parece haberlo entendido Alejandra Núñez, joven autora y directora de Parricidio, puesta en escena pregrabada de forma presencial en El Galpón Espacio y presentada vía streaming por REBOBINA Producciones, con el apoyo de la Asociación cultural A TODA COSTA. Y es que el crimen que hace referencia el título es nada menos que el descabellado asesinato del mismísimo Cristóbal Colón, nuestro “descubridor” de América, por parte de su hija Cristina. Lo absurdo de la trama es ejecutado de manera impecable e ingeniosa, en una puesta en escena difícil de catalogar, pero que contiene un irónico sentido del humor muy de agradecer.

La ficticia graduación académica de una nerviosa Cristina (Verony Centeno) es el punto de partida para la propuesta escénica. Su exposición sobre el parricidio, con el apoyo de su novio “Chiqui” (Raúl Castagneto) en el proyector multimedia, da un giro radical cuando se descubre el plan criminal de la joven, ante la sorpresa de su novio y de los asistentes a la conferencia, que vendrían a ser el mismo público asistente a la función. Este formato, en el que la cuarta pared es inexistente, funciona de manera acertada, pues la discusión de cuestiones de pareja (pero también la de puntos de vista contrarios) resulta hilarante, con un enorme y polémico tema como las consecuencias de la colonización española puesto en el tapete, mientras se escucha las risas de los espectadores en sala.

Centeno convence como la víctima simbólica de todos los abusos y actos violentos cometidos en el pasado y que, por supuesto, repercuten en el presente; mientras que Castagneto le da una acertada y divertidísima réplica, asomando también en su personaje mucha carga emocional. Parricidio es una sólida y entretenida puesta en escena, muy bien dirigida por Núñez desde el absurdo, que aborda desde el humor la trascendencia de celebrar, o simplemente recordar, el “Descubrimiento”. Y es que la mejor actitud que podemos tener hacia la realidad que nos tocó vivir es aquella basada en el humor. Francamente, solo queda reírnos de las cosas que nos pasan.

Sergio Velarde

25 de octubre de 2021

Crítica: LOS OTROS

Poderes escondidos

La mitología griega sigue siendo fuente inagotable para la producción escénica de Mitos Estudio. Dioses, seres y criaturas legendarias habitan nuestro mundo contemporáneo, coexistiendo con los simples mortales y su estilo de vida. Lejos de notarse el agotamiento creativo, estuvo en cartelera virtual Los otros, nueva propuesta del colectivo, que esta vez cede la dramaturgia a Federico Bejarano y la dirección, a Johan Escalante. Como ya es costumbre, se intercalan secuencias pregrabadas con otras realizadas en vivo, con un elenco comprometido y siempre bien acompañado por la dirección de arte de Luis Peche.

Cada nueva historia presentada por Mitos Estudio puede ocurrir en un determinado universo, en paralelo con otros ya vistos en espectáculos anteriores. En esta ocasión, los dioses mitológicos han desaparecido y poco a poco, la humanidad va dejándolos en el olvido. Sin embargo, la peligrosa diosa Némesis se reencarna en una joven expolicía, la cual traerá muerte y destrucción. Por otro lado, ciertos jóvenes desconocidos entre ellos comienzan a notar que cuentan con extraños y misteriosos poderes. Y es que son otras divinidades reencarnadas, que tendrán como objetivo detener a Némesis. Se trata de una conocida historia que ya hemos visto en algunas cintas de superhéroes, pero que es interpretada con mucha convicción por los actores. La puesta resulta fluida y entretenida.

Alejandra Chavez, Cynthia Bravo, Jose Miguel Argüelles y Roberto Canela están intachables como los jóvenes héroes que van comprendiendo la importancia de su misión, perfilando bien a sus respectivos personajes, enfrentados a una malvada Karin Morris. Escalante dirige acertadamente las secuencias y Peche realiza, como siempre, un magnífico y atractivo trabajo estético. Con la efectiva producción general de Daisy Avilan, Los otros mantiene el buen nivel artístico de la productora y confirma que los clásicos de la mitología griega todavía tienen mucho material explotable para la escena virtual.

Sergio Velarde

24 de octubre de 2021   

Crítica: #SEMILLAR TEATRALIDADES ESTALLADAS VOL. II

Fiesta escénica latinoamericana en línea

Ya señalábamos en anteriores comentarios que acaso uno de los poquísimos aspectos positivos que nos han traído la pandemia y el cierre de los espectáculos presenciales haya sido la posibilidad de poder acercarnos, al menos virtualmente, a los interesantes trabajos escénicos de diversos colectivos a nivel mundial. Con la eficiente producción y coordinación de SPI - Salas PanInmersivas, se pudo disfrutar de una variada gama de propuestas escénicas que exploraron las herramientas que ofrece la virtualidad de manera creativa, en el festival #SemillAR, segundo volumen de un ciclo de Teatralidades Estalladas en Vivo, que vino acompañado además con sus respectivos desmontajes.

Oficio Crítico alcanzó a ver algunos de los espectáculos latinoamericanos presentados, todos ellos sólidos y muy recomendables. El misterio del amor entre varones de la Compañía Teatro en el Incendio, desde México, destacó por la ingeniosa utilización de las herramientas que proporcionan las redes sociales de Instagram y WhatsApp. Este espectáculo crossmedia dirigido por Gilberto Corrales nos presenta una historia de amor entre dos varones (notable trabajo corporal de Carlos Valdés y Daniel Piñeiro) a través de mensajes, audios, fotos, videos e historias publicadas en orden cronológico, para envolvernos virtualmente en la trama desde nuestros móviles. Estéticamente impecable y conceptualmente ingeniosa, esta propuesta utiliza de manera admirable muchas de las posibilidades en línea para construir una ficción escénica entrañable.

El formato de videollamada no parece acusar aún síntomas de agotamiento, mientras que las historias que se presenten mantengan un conflicto interesante y que las actuaciones sean convincentes. Ese es el caso de La sesión, pieza argentina escrita e interpretada por Verónica Bustos y Eduardo Fernández, quienes hacen creíble la desgastante relación que existe entre una conflictuada paciente y su preocupado psiquiatra. Por otro lado, la compañía chilena Teatro Experimento Pierrot presentó Abismal, una divertida creación escénica que explora las consecuencias del encierro forzado y los peligros que asoman en el exterior, pero desde el juego lúdico. Tres personajes deambulan por distintas habitaciones de una antigua casa, viviendo realidades alternativas e cada uno inmerso en su respectiva fantasía. Denisse Duarte,  Franco Ruiz y Cristóbal Muñoz consiguen un espectáculo fluido y cautivante.

Finalmente, En los cuartos, con idea y dramaturgia escénica de la argentina Ada Valdez, se vale de una gran carga poética para describir la incomunicación dentro de la relación de una pareja. Fran Cantó y Laura Zavalla López, cada uno desde su respectiva ventana virtual, están intachables en sus respectivas performances, que mezclan diálogos superpuestos, inspiradas coreografías e interesantes imágenes, como las conseguidas con espejos y sus reflejos. Felicitaciones a los organizadores de #SemillAR, que nos han permitido, en estos tiempos aciagos de incomunicación teatral presencial, la posibilidad de acercarnos a valiosas propuestas escénicas transmediales e interactivas de distintas latitudes de América.

Sergio Velarde

20 de octubre de 2021

Crítica: ¡EL VIAJE AL CIELO!

Teatro como forma de enseñanza

El teatro es un lienzo sobre el cual se representa una historia. El objetivo de su creación puede lograr que el público se motive, reflexione, cuestione, etc. Es decir, nace con una meta de afectación al público objetivo para que este tenga un llamado a la acción o call to action. Sin embargo, su finalidad también podría generar aprendizaje en el espectador. Este es el caso de ¡El viaje al cielo!, obra audiovisual producida por Payazoom y dirigida por Percy Velarde. Asimismo, las actrices fueron Cyntia Grimaldo Valencia, Mayda Sánchez Canasa, Gloria Garate Camacho, Doris América de la Cruz y Claudia Rojas Huamán.

El proyecto audiovisual, que fue presentado a través de YouTube, cuenta el origen de la diversidad de productos de cultivo en los Andes. La historia presenta como personajes principales a animales oriundos de la sierra peruana. Así, el zorro y el cóndor se convierten en los protagonistas de la fábula audiovisual. Sobre esto, la incursión de animales, sobre todo originarios, para contar la historia de nuestros cultivos es muy acertado, pues el público objetivo es la familia, especialmente las niñas y niños. Además, el uso de animales en la representación ayuda a que el target conecte más con lo que se desea comunicar, porque captura su atención e imaginación.

¡El viaje al cielo! presenta narración y dramatización. En otras palabras, presenta a una narradora y a los personajes de la obra. En ese sentido, combinar ambos lenguajes es acertado, porque le brinda dinamicidad a la obra. Sin embargo, no existía una direccionalidad en la acción de algunos personajes, es decir, no especificaban dónde se encontraban sus dirigidos.

¡El viaje al cielo! es un producto de entretenimiento dirigido a niños, particularmente. Perfectible aún, sin embargo, entretiene por los momentos cómicos de interacción entre sus personajes. Además, a través del juego enseña valores que la sociedad está perdiendo.

Elio Rodríguez

20 de octubre de 2021 

Crítica: SE ALQUILA.

Misterios inmobiliarios

Muchos autores escriben sus obras teniendo en mente aquellos grandes temas que les preocupan. Otros, en cambio, parten a la inversa: diversos factores o elementos pueden convertirse en la fuente de inspiración requerida, como una locación en específico, por ejemplo. Este último es el caso de Se alquila., mediometraje escrito, producido y dirigido por Edwin Lam, talentoso integrante de El Patio Colectivo, quien utilizó para la grabación solo un celular. El contar, durante unos cuantos días, con un departamento sin amoblar fue el disparador para crear una historia truculenta, pero ejecutada con mucha inspiración y que captura el interés desde el inicio.

Poner en alquiler un local es la responsabilidad asumida por Renzo, un joven agente educado y correcto en apariencia, pero que se muestra extremadamente preocupado por evitar que el dueño y clientes revisen el cuarto de baño. El posible descubrimiento del estado de su esposa, las excusas cada vez menos creíbles de ingresar al servicio higiénico y la aparición de una atractiva clienta pondrán en aprietos a Renzo, quien irá desmoronándose psicológicamente al ya no poder ocultar su terrible secreto. Lam sorprende con un sólido guion que maneja muy bien el suspenso y que progresivamente va revelando las oscuras intenciones del joven. El manejo de la cámara, la estética y el sonido lucen a su vez muy profesionales.

Por otra parte, las actuaciones, alejadas por completo de la teatralidad, resultan muy efectivas en su naturalidad. Gian Paul Miranda, Ayrton Novoa, Olga Acosta, Alexandra Garcés y especialmente, Manuel Guerrero en rol protagónico convencen en sus personajes. Coproducido por El Patio Colectivo y Piedra Angular, este entretenido thriller, definido por Lam como un “experimento audiovisual y work in progress”, lo revela como un interesante realizador del que esperaremos con mucha expectativa futuros proyectos, sean cuales sean sus disparadores creativos. Se alquila. es, sin duda, un auspicioso debut para un verdadero cineasta en ciernes.

Sergio Velarde

19 de octubre de 2021

Crítica: OCUPA CON CE y RESPLANDOR EN LA EDITORIAL

Peculiares historias en octubre

Bajo la premisa #MicroObras ¡Sorpresa! ¡Porque octubre está lleno de sorpresas!, Sala de Ensayo Teatro presentó dos interesantes textos del autor Marc Egea (Barcelona), bajo la dirección de Martin Medina López. Ocupa con Ce y Resplandor en la Editorial se presentaron mediante la plataforma YouTube, en un cuidado formato pregrabado.

Las breves piezas de aproximadamente quince minutos fueron transmitidas sin mayor inconveniente, siendo la primera entrega Resplandor en la Editorial, interpretada por Ana Rivadeneyra y Carlos Velásquez, quienes hicieron gala de buena química, sosteniendo el ritmo adecuado que requería la historia, la cual se situaba en el año 1974 en una pequeña oficina de los Estados Unidos, donde Jack y Candy, joven matrimonio que emprendió el sueño de la editorial propia, ve amenazados sus sueños de salir adelante por las deudas que han adquirido; sin embargo, un día llega a sus manos la novela inédita de un desconocido escritor llamado Stephen King, que podría cambiar su esquiva suerte. Vale resaltar el acertado acompañamiento musical, con un variado repertorio de los clásicos de los años setenta; además, la correcta edición permitió lucir el trabajo interpretativo, así como los detalles del ambiente, que era una oficina equipada con enseres propios de una editorial. El trabajo de dirección acierta al conducir a los actores, de tal manera que hacen transitar al espectador por todas emociones propias de esta comedia ligera, que llega a tener momentos hilarantes bien complementados con los toques de suspenso y drama.

Por su parte, Ocupa con Ce, interpretada por Isabel Castañeda y Miguel Ángel de la Vega, nos adentra en la historia de una mujer llamada Carla, quien solicita la ayuda de un cerrajero para que arregle una cerradura ‘forzada’; entonces, al acudir al servicio, el hombre empieza a cuestionarse las razones por las cuales debe ayudarla. Una vez más, el buen trabajo de edición logra capturar los momentos clave de la pieza, que revela un drama de la vida cotidiana: ocupar un inmueble en juicio. La honesta y natural interpretación que ofrecen los actores nos permite observar la confrontación de los personajes, quienes provistos de argumentos válidos logran entenderse, a través de la empatía y la solidaridad.

Sala de Ensayo Teatro consigue sólidos resultados con las piezas audiovisuales que viene presentando, los cuales se reflejan en estas dos breves pero significativas obras que nos siguen haciendo reflexionar acerca de nuestra condición de seres humanos.

Maria Cristina Mory Cárdenas

19 de octubre de 2021

Crítica: EL CABEZA DE CLAVELES

Una lección de diversidad e inclusión

Resulta sumamente complicado construir prácticas inclusivas sin haber vivido dichas experiencias. El camino que tenemos que recorrer como sociedad es aún muy largo; sin embargo, existen iniciativas de todo tipo que buscan acortar las brechas. Desde las artes escénicas, se vienen trabajando interesantes proyectos que buscan cambiar nuestros paradigmas y además, que aprendamos a convivir y crear “entre todos”, respetando los aportes específicos que pueda hacer cada individuo. Así, tenemos el II Encuentro de Arte y Discapacidad EADIS 2021 o la presentación de Hemiparesia y Entre Líneas, que buscan la reflexión sobre la discapacidad. A estas propuestas habría que sumarle El cabeza de claveles, bajo la dirección y dramaturgia de J. Miguel Vargas Rosas, que explora la marginación que sufren las personas con autismo.

Presentada en formato pregrabado en una de las salas del Museo José Carlos Mariátegui, la trama involucra a un hombre llamado Julián, que padece no solo autismo sino que también presenta defectos físicos. Es discriminado por la sociedad; no obstante, brindará una verdadera lección de humanidad, luego de atravesar situaciones extremas, cargadas de mucha acción y lirismo. Los jóvenes actores Alexandra Cisneros, Kevin Sulca y Salvador Illatopa cumplen con sus respectivos personajes, mientras que acompañan correctamente con música en vivo Beatriz Betancuort y Mercedez Rojas.  

Si bien a nivel de dramaturgia, la propuesta de Vargas es interesante, la estética de la puesta en escena debe revisarse. El espacio que se dispone debe adaptarse a los requerimientos de la trama y no al revés. Crear la ilusión para entrar en la convención implica un mayor cuidado, por ejemplo, en el manejo de la cámara, o incluso en utilizar más de una, para darle así una mayor fluidez y atractivo al espectáculo. El diseño de los vestuarios y el uso de micrófonos inalámbricos deberían ser considerados para mejorar la experiencia visual y auditiva en próximos proyectos. Presentada por V&R Perú Producciones, El cabeza de claveles vale como una efectiva lección en favor de la diversidad y la inclusión, tan necesarias en nuestra sociedad.

Sergio Velarde

17 de octubre de 2021