Crítica: CÁSCARAS

El cuerpo como vehículo de la memoria

Hace poco estuve en el auditorio del Teatro Británico para ver Cáscaras, la obra escrita por Eduardo Adrianzén, dirigida y coprotagonizada por Giovanni Arce junto a Rodrigo Chávez, y producida por el colectivo Dilectos Teatreros.

Cáscaras se presenta como un tríptico de ciencia ficción, drama psicológico y memoria histórica. La obra se compone de tres piezas independientes de aproximadamente 30 minutos cada una (Capón, Tres dedos y Cleopatra y Chechezade) en las que, si bien se abordan diversos temas, la noción del tiempo y la del cuerpo humano son transversales.

En cuanto a la dramaturgia, sabemos que la pluma de  Adrianzén destaca por su agudeza para formular preguntas e invitarnos a reflexionar sobre diversos temas. Cáscaras cumple con esta premisa al presentar tres historias distintas, cada una más interesante que la anterior, entre las cuales la tercera es la más lograda en términos dramáticos, pues el texto adquiere un peso emocional orgánico y desgarrador.

Si bien se presentan tres historias diversas, la propuesta enfrenta el reto de la disparidad. La premisa del cuerpo como “cáscara” se siente por momentos forzada, lo que hace que la primera historia funcione como un ejercicio conceptual distante en comparación con el impacto cercano y emotivo de la última.

Al hablar de dirección sabemos que Arce, como director y actor de esta obra, evidencia un gran reto asumido. Él logra que cada una de las tres piezas mantenga un ritmo único y una atmósfera bastante particular, marcando una clara distancia entre ellas.

Sin embargo, es sabido que dirigir y actuar en un mismo montaje entraña sus riesgos. Si bien la puesta en escena se sostiene gracias a un fluir constante, en algunas transiciones se echa de menos una dirección más firme que ajuste el ritmo y dinamice los pasajes donde el texto pesa más que la acción.

Sobre el trabajo de los actores, el peso recae sobre el dúo conformado por Arce y Chávez, quienes deben transformarse radicalmente tres veces consecutivas. Lo mejor de su trabajo fue la entrega física y emocional, el cambio de piel que exigen los personajes a través del tiempo y las épocas es notable. Si bien Chávez ha demostrado una gran flexibilidad interpretativa, destacando en el choque psicológico de Tres dedos, Arce brilla especialmente en la pieza final donde la complicidad entre ambos actores alcanza su punto más alto, construyendo una interacción honesta y desprovista de artificios.

A pesar de esto, el punto débil ha sido la primera pieza, ya que la caracterización inicial bordea por momentos cierto tono mecánico o formal que resta naturalidad a las interacciones, un detalle que se va puliendo a medida que avanza la función y los actores entran en terrenos de mayor vulnerabilidad.

Es necesario mencionar que el trabajo realizado por Dilectos Teatreros en cuanto a la producción ha sido bastante bueno. El diseño de iluminación puede ser considerado como un protagonista adicional, considerándose como un punto positivo; algunos elementos de la utilería se perciben excesivamente funcionales, perdiendo la oportunidad de profundizar estéticamente en el universo futurista de la primera historia, que requería una atmósfera visual más inmersiva para terminar de convencer.

Entonces, después de haber realizado estos comentarios, puedo decir que Cáscaras es una propuesta sincera y valiente que llama a la reflexión. Si bien la estructura fragmentada hace que cada una de las historias no brillen con la misma intensidad emocional, la historia final fue mi favorita.

Espero que puedan verla y así poder leer sus comentarios. La recomiendo muchísimo.

Javier Bendezú

9 de agosto de 2026

Crítica: CÓMO SALIR DE LA DEPRESIÓN ESCUCHANDO A CHARLY GARCÍA

Charly García contra el vacío

Existe algo valioso y lleno de virtud cuando se llega a montar una obra de teatro desde el acto de concebir y resolver una pregunta personal hasta revelarla hacia el otro en un acto de desnudo. Eso es Cómo salir de la depresión escuchando a Charly García. Dirigida por Carla Valdivia e interpretada por Gabriel Iglesias, en el Teatro Barranco.

Desde un primer momento, la obra se adhiere al espectador de una manera generosa y genuina. Hay, frente a nosotros, un hombre intentando salir de su zona de confort para confrontarse consigo mismo a través de un setlist inteligentemente seleccionado. Me parece valioso resaltar que la obra no apuesta por ser agradable ni por construir una experiencia de carácter comercial. Y quizá ahí reside una de sus mayores virtudes: en apostar por un teatro al que no le importa resolver los conflictos, sino permitir que estos permanezcan abiertos frente a nosotros. Volver, de alguna manera, a lo más primitivo del teatro: un público y una persona al frente.

La propuesta se apoya en recursos audiovisuales con el fin de inmiscuir al otro dentro de la experiencia que atraviesa el personaje. La mirada de Valdivia resulta pertinente, puesto que consigue otorgarle cierta contemporaneidad a la propuesta de Iglesias sin despojarla de su intimidad. En ese punto, vale mencionar el afecto que posee la puesta en escena. La obra habita un lugar liminal donde el actor deja de ser únicamente un elemento escénico y pasa a convertirse en una presencia performática que vive dentro de la escena. La voz se convierte entonces en una de las principales fuentes de expresión: una voz que cuenta, recuerda, se expone y, sobre todo, se desnuda frente al espectador.

En ese sentido, el uso de las canciones de Charly García construye una interpretación que va mucho más allá del fanatismo. El setlist está dispuesto en función de la narrativa dramatúrgica de la historia; cada canción parece encontrar un lugar específico dentro de aquello que Iglesias necesita contar. Junto a su voz, la experiencia se vuelve grata y totalmente deleitable, mientras hace un repaso por años de su vida y convierte el escenario en una conversación introspectiva sobre aquello que permanece en lo más íntimo.

El encuentro y el silencio son, además, un hilo fundamental dentro de la acción dramática. Ambos tienen la capacidad de detenerla y, al mismo tiempo, alejarnos de esa expectativa de observar un teatro permanentemente lleno de movimiento. El acto de fragmentar la acción permite que cada recurso estético aparezca de manera oportuna y alimente el unipersonal sin saturarlo. Aquí, el silencio no representa una ausencia: busca ser una acción detenida.

A lo largo de la obra, Iglesias comparte episodios de su vida vinculados a canciones específicas con el objetivo de activar una pregunta en el público: ¿qué música te acompaña cuando estabas mal? Y es precisamente ahí donde la experiencia deja de pertenecer únicamente al actor. Lo que comenzó como una pregunta personal empieza a trasladarse hacia nosotros, hacia nuestra propia memoria.

Hay algo mágico que habita en este tipo de lecturas, y es que la propuesta convive en todo momento con una dramaturgia sonora sostenida en vivo y en directo por Iglesias. La música deja de ser únicamente un acompañamiento para convertirse en una estructura de memoria. Es a través de ella que podemos comprender cómo, en la actualidad, somos atravesados constantemente por crisis ansiosas, momentos de vulnerabilidad y preguntas que muchas veces no sabemos cómo responder. Pero existe alguien, o quizá un ente, como la música, capaz de convertirse en un refugio de escape.

Quizá ahí radica la potencia de esta propuesta: en comprender que la memoria también puede hacer teatro y que una canción puede convertirse en archivo, refugio y testimonio. Una obra que revitaliza las contemporaneidades escénicas desde el archivo y el registro de la memoria, pero que, sobre todo, encuentra en la exposición de lo personal una posibilidad de encuentro con el otro. Generosa, honesta, necesaria y emotiva.

Juan Pablo Rueda

9 de agosto de 2026

Crítica: PAPELITO AVENTURERO

Sobre la identidad y el destino para los más pequeños

Resulta sumamente paradójico que el teatro para niños sea (aún) subestimado por una considerable cantidad de público e incluso, por los mismos teatristas; quizás por una combinación de prejuicios culturales, factores económicos y un profundo desconocimiento de sus exigencias artísticas. Y sí que es una paradoja, puesto que no cabe duda de que es uno de los géneros más difíciles de realizar adecuadamente y con calidad. Se cree además, que el teatro infantil debe funcionar como una herramienta pedagógica para enseñar valores o contenidos escolares; y claro que puede cumplir esa función, pero antes que nada es una manifestación artística. Y la última temporada de la compañía La Mayu Teatro para Niñas y Niños presentada en el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico, titulada Papelito Aventurero, definitivamente es una magnífica creación artística, en la que texto, dirección, actuación y producción se amalgaman para darle brillo a un género, el de teatro para niños, que tiene definitivamente mucho por ofrecer.

Escrita por el destacado dramaturgo César de María y dirigida con eficacia y creatividad por Henry Sotomayor, la obra nos presenta a Papelito (Ethel Requejo), una ingenua servilleta, que emprende un viaje simbólico en búsqueda de su propósito en la vida y de su propia identidad. No es novedad que De María logre extraer de una anécdota tan sencilla una historia con tantos niveles y lecturas, representados por los personajes que se cruzan con Papelito en su periplo, como el Aire, la Nube, el Libro, la Espuma, entre otros, cada uno aportando una nueva enseñanza. La puesta en escena, que combina música y canto en vivo, brilla en el diseño escenográfico y en los elementos de vestuario, a cargo de Luisa Caldas, quien asume también un papel fundamental en la trama; sin descuidar, por supuesto, la activa participación del público de todas las edades. Por otro lado, parte fundamental del éxito de una puesta para niños radica en el elenco; Papelito Aventurero, en ese sentido, cuenta con un elenco sólido y parejo: además de Caldas y Requejo, se desempeñan de manera sobresaliente Aries Córdova y Mehida Monzón, muy bien acompañados por los músicos Paulo Ramírez y Juan Francisco.

Las mejores producciones actuales para niños no se dedican solo a "simplificar" la realidad, sino que deberían abordar temas complejos, como la identidad personal, la amistad verdadera o el propósito de nuestra existencia, mediante recursos poéticos, musicales y visuales adaptados a la experiencia infantil. De ahí que el teatro para niños no debería ser subestimado; no porque sea menos complejo, sino porque todavía persisten los prejuicios que lo asocian con un entretenimiento superficial. En realidad, cuando está bien realizado, constituye una de las formas más sofisticadas del arte escénico, capaz de formar espectadores críticos y sensibles desde los primeros años de vida. Papelito Aventuro cumple sobradamente la mencionada afirmación.

Sergio Velarde

5 de agosto de 2026

Crítica: CUANDO EL RÍO CALLA

Entre formatos, códigos y tonos

Cuando el río calla es el nombre del thriller escrito por Aníbal Samos y dirigido por Gerardo Fernández, que este mes de agosto tiene una breve temporada en el Teatro Barranco. La obra, producida también por Samos con el apoyo de Telón Mestizo y de la CIFA (Centro Integral de Formación Actoral), apuesta por un género no comúnmente visto en las tablas para narrar la historia de cómo un aparentemente inocente viaje entre amigos termina convirtiéndose en un evento sangriento del cual sus protagonistas intentan infructuosamente escapar. El elenco lo componen Diego Cruchaga, Jash Sánchez, Gerardo Fernández, Matt Durán, Sandra Epequin y Paola Carbo, muchos de ellos en doble papel. ¿Logra este montaje transportar con éxito un género tan particular como el thriller psicológico a un escenario, o es que esta historia termina ahogada en un río en el que no tendría por qué estar nadando?

La puesta arranca con fuerza. Durante sus primeros minutos vemos escenas con duplas actorales interesantes (Carbo-Epequin y Cruchaga-Sánchez), además de escenas individuales actoralmente logradas de Fernández y Durán. Es incierta la relación que tienen los personajes, pero el texto es lo suficientemente interesante como para mantener nuestra atención. De hecho, es hasta refrescante que el montaje nos mantenga en ascuas, sobre todo considerando que muchas obras contemporáneas caen rápidamente en la predictibilidad. Eventualmente, sin embargo, cuando la ruta que esta toma se hace evidente, todos los cimientos construidos al inicio se desploman, al no poder sostener una historia que habitaría con mucha más comodidad en el celuloide o en las páginas de alguna novela policial. 

Es realmente interesante cómo el formato en el que uno cuenta una historia es tan importante; cómo lo que funciona en el cine o en una novela literaria no siempre funciona en el teatro y viceversa. Porque no es que Samos escriba malas escenas. De hecho, es inmediatamente notoria su habilidad con la palabra, no solo para los monólogos sino para construir diálogos dinámicos y efectivos. El problema aquí es que la puesta no funciona por estar en el formato incorrecto. En el teatro, todos los personajes (y por consiguiente todas las escenas) deben tener un objetivo claro; deben estar todos alineados a la misma acción dramática y cumplir una función específica a nivel narrativo. Cuando el río calla está lamentablemente llena de escenas (y en cierta medida hasta de personajes) de carácter más expositivo y circunstancial que tranquilamente podrían quitarse sin afectar el desarrollo de la obra, y sin embargo están ahí, entorpeciendo lo que podría ser una pieza muy original. El texto de Samos también tambalea al momento de definir cuál es su columna vertebral; es decir, más allá de contar un hecho, por qué se está contando. ¿Qué es lo que la obra finalmente nos quiere decir? ¿Cuál es la tesis, la frase que podría dar resumen a todo lo visto? Por ratos hay indicios de lo que podría ser el núcleo o centro de la obra (la percibida invisibilidad que sufre uno de los personajes), pero este es abordado de forma tan superficial que el mensaje no llega a calar realmente. Finalmente, el autor parece tener problemas para unificar su historia bajo un mismo tono, transitando entre el drama, la intriga policial y la comedia de forma un tanto errática, lo cual desafortunadamente termina por trivializar casi por completo el crimen que da origen a la trama.

La dirección de Fernández inevitablemente sufre al estar supeditada a un texto que es mucho más cinematográfico que teatral. El reconocido director, actor y gestor cultural hace lo que puede, por momentos aportando a las escenas un acertado y dinámico ritmo, manteniendo un código actoral uniforme entre todos los personajes, intuyendo los in crescendos del texto de forma correcta, y moviendo a sus actores a través del espacio de manera orgánica e interesante. Pero desde que ocurre el primer punto álgido de la obra (un asesinato), el director empieza a tomar decisiones un tanto extrañas y bastante cuestionables. Hay un bizarro y repentino uso de máscaras, por ejemplo, que es inmediatamente chocante por ser tan opuesto al enfoque naturalista mostrado hasta ese momento. Hay convenciones y movimientos en el escenario que coquetean más con el teatro del absurdo o con el teatro coral que con el realismo que la historia pide, y, sobre todo, hay una irredimible falta de atención ante algunos momentos narrativos clave que hace que estos no tengan peso alguno; por el contrario, muchos momentos que deberían ser dramáticos se sienten apresurados y “débiles” justamente por no haberse afinado más la dirección de actores; aunque claro, como mencioné anteriormente, las falencias a nivel de dirección parten del problema principal que constituye el texto en sí, el cual se sabotea a sí mismo desde el inicio.

A nivel actoral, el elenco da todo lo que puede dar en función del material y la dirección que ha recibido. Hay construcciones de personaje interesantes, logradas y sutilmente matizadas en Durán y Fernández, el primero incluso en un efectivo doble papel, y gran manejo de texto en ambos, sobre todo en sus monólogos; de igual manera, hay mucha convicción, presencia y compromiso en Carbo, Cruchaga y Sánchez, todos cumpliendo con delinear exitosamente personalidades distintas, y reaccionando de verdad ante los estímulos que los rodean. Epequin es un tanto menos contundente en su primer papel, viéndose un tanto artificial y no tan presente, pero compensa con su segundo, el cual aborda con mucho más aplomo y seguridad. 

Los detalles más técnicos (luces, sonido) funcionan bastante bien, pero no es suficiente para redimir a la propuesta de sus errores. De hecho, apropiadamente, lo mejor que puedo decir de esta obra es que me recordó a una gran película: Weapons (La hora de la desaparición), la cual toma distintos personajes y desde cada uno de sus puntos de vista va construyendo -o deconstruyendo- un crimen. Tengo el presentimiento de que si Samos convirtiese esta obra en un guión cinematográfico este resultaría en algo similar a esa brillante película. Espero sinceramente ver más de su trabajo, en cualquier formato, porque potencial tiene de sobra. Finalizo diciendo que he sido deliberadamente escueto en cuanto a los detalles de la trama para no espoilearles nada por si desean ir a verla. De hecho, les recomiendo que lo hagan. Siempre es mejor forjar una opinión propia. Les quedan dos funciones, este 8 y 9 de agosto. ¡Nos vemos en el teatro!

Sergio Lescano

3 de agosto de 2026

Crítica: BOR1S

Un crimen organizado: tú eliges el delito, ellos lo actúan

Un domingo cualquiera por la noche en Lince puede convertirse en el preámbulo perfecto para un espectáculo que, sin esperarlo, provocó ruidosas y genuinas risas entre un público que quizás no esperaba divertirse tanto y no era consciente de la gran capacidad de improvisación que tiene el elenco Máster de Teatro del Juego, conformado por  Andrew Taype Chávez, Jonathan Suescún, Mila Delgado, Vanessa Becerra y René Ynquillay.

BOR1S es una propuesta de improvisación en la que un miembro del público elegido al azar es quien escoge el crimen y lugar de los hechos; asimismo, a todos los asistentes se nos pide adivinar apenas entramos a la sala quién creemos que es el culpable, lo cual nos adelanta el dinamismo que obra que estamos por ver y el interés que hay por involucrar al espectador en el proceso de creación; algo poco usual en el teatro contemporáneo, y precisamente es ahí donde reside lo interesante de este concepto. Cada noche, cada presentación es única, con su propia chispa, los actores deben enfrentarse a los problemas técnicos que puedan presentarse en el momento, como una canción puesta antes de tiempo o problemas con la luz, con una agilidad y temple que requiere de mucha preparación.

En una hora o un poco más, el elenco se las ingenia de la mejor manera para entretener al público; desde un determinado sitio se los puede ver detrás de escena discutiendo sobre las posibles futuras acciones, lo cual no hace más que solo reforzar la idea de la ardua preparación. 

Con una escenografía sumamente modesta: una mesa y una silla, los improvisadores empiezan a hacer uso de su imaginación para poner nuevos elementos en la historia y, con ellos, nos invitan a nosotros a hacer lo mismo, devolviéndonos o recordándonos la habilidad de jugar, de volver a crear en colectivo. Todos los actores demostraron una gran química, se leían fácilmente en el escenario, se complementaban y nosotros, desde nuestras sillas, vivíamos cada instante de la historia y participábamos de sus dinámicas.

Teatro del juego, tal como su nombre lo indica, nos devuelve a esa etapa en la que nos gustaba jugar e inventar historias con nuestro grupo de amigos o incluso con desconocidos, nos hace despejarnos, aunque sea por un rato, de la realidad y la rutina con improvisaciones de gran calidad.

Barbara Rios

2 de agosto de 2026

Crítica: LA REPÚBLICA ANIMAL

Cuando la realidad no supera la ficción

Una vez más, la Asociación de Artistas Aficionados AAA fue cómplice de una puesta en escena que revivió y adaptó un clásico muy necesario para el contexto actual. La obra en cuestión es Rebelión en la granja, de George Orwell, cuya premisa es la toma de una granja por parte de los animales que la habitan, todo esto a manera de fábula. La obra pasó a la historia como una sátira del régimen zarista. La Revolución Rusa y el estalinismo, de cómo este corrompe al socialismo.

En esta ocasión, el escritor y director Martín Velásquez Marvelat, junto con la asistencia de dirección de Ester Fajardo, Bravo Productora y BUTACA Arte & Comunicación, adaptaron la obra a la realidad nacional: los animales de una chacra del Perú organizan una rebelión contra el maltrato y la explotación por parte de los seres humanos, expulsando al dueño de la chacra para siempre. De esta manera, instauran un nuevo sistema de organización justo y digno para todos los animales; sin embargo, algunos de ellos empezarán a tomar decisiones en su propio beneficio.

Con un escenario que se servía de lo justo y necesario en lo que se refiere a escenografía, lo que dio más vida a la historia fueron las máscaras de animales y todo el trabajo por parte de los actores para poder imitar los comportamientos del animal que les correspondía interpretar. Se notó que hubo un trabajo de preparación y estudio de cada personaje. Los actores Valeria Arévalo, Juan Carlos Díaz, Miguel Ángel Agurto, Luis Cárdenas-Natteri, Alejandra Reyes, David Huamán, Rocío Montesinos, Omar Velásquez, Keyla Ramirez, Daniel Suárez Lezama, Paola Chacaltana y Edgard Linares se desenvuelven sobre el escenario con una agilidad tanto en acciones como en diálogo. Son capaces de generar escenarios tensos tan solo con gestos y palabras, complementando el juego de luces azules y rojas intensas que también ponían al espectador en una situación de alerta y tensión.

Si bien se dejó de lado el tema del maltrato de los humanos hacia los animales; es decir, no hubo una crítica muy profunda al respecto –lo cual bien podría ser por cuestión de duración de la obra- sí abordó de manera dinámica y sin caer en moralismos o fórmulas que te dicen qué es correcto y qué no. La puesta retrata la realidad nacional, hace parodia de alcaldes que son identificables con los gobernadores de ese entonces. Se percibe como una obra que no tiene miedo de levantar la voz y denunciar lo que considera injusto. El hecho de adaptar un libro de ese estilo a una realidad como la nuestra, si bien no es tarea fácil, vale la pena intentarlo, y en esta ocasión dieron en el clavo. Por más intentos valientes como este.

Barbara Rios

2 de agosto de 2026

Crítica: UNA OBRA PARA QUIENES VIVEN EN TIEMPOS DE EXTINCIÓN

¿Y si nos detenemos a pensar en nuestro paso por el mundo?

A inicios de este año, La Plaza apostó por una historia muy diferente a las habituales. Norma Martínez asumió el reto de dirigir una obra escrita por Miranda Rose Hall que abarca un tema importante pero poco discutido, sobre todo en el mundo del teatro. El tema del medio ambiente y cómo los humanos nos relacionamos con este siempre ha sido relegado a los márgenes o a otras disciplinas como las ciencias, pero nunca ha sido el centro de atención hasta este momento.

La actriz Fiorella Pennano interpreta a una dramaturga, que más allá de solo ejercer esa profesión y actuar bajo esa etiqueta, es una persona, un ser humano que se preocupa por los efectos de su existencia en el mundo y la huella que está dejando. Es así que la obra inicia de una manera poco usual: sale Fiorella al escenario, se la nota muy nerviosa, nadie sospecharía que estuviera actuando, hasta que se presenta como la dramaturga de la obra que íbamos a presenciar, pero que por motivos de fuerza mayor sus actrices no podrán acompañarla, así que ella tomó la decisión de superar su timidez, subir al escenario y explicarnos de qué iba a tratar su obra, pero termina relatándonos, como si se tratase de un salón de clases,sobre la vida en la Tierra en plena era de extinción ocasionada. por el ser humano.

Sobre el escenario tenemos a una Fiorella algo preocupada, desarreglada y con ropa muy casual, se toca constantemente las manos, se pone y saca los lentes cada tanto en tanto, pero a medida que va contándonos sobre las cosas que le apasionan, como son los temas medioambientales, vemos cómo en su rostro conviven tristeza y emoción, una especie de resignación con esperanza, una representación de la frase “hacer algo desde nuestra trinchera”. Y es que la obra no se trata solo de ella ni de lo que solo ella tenga para decir, y ese es uno de los puntos fuertes tanto del libreto como de la dirección: la obra pone su atención en el público, nos da una voz, nos escuchamos y tratamos de comprender cómo llegamos  este punto de no retorno.

Mediante el humor, momentos de angustia y otros de ternura, nos da una clase sobre la historia del origen de todo, del mundo, pero que intercala con emociones y experiencias personales que, a su vez, son muy universales, como tener un juguete favorito con forma de dinosaurio cuando éramos niños, y cómo ahora ese juguete nos ayuda a entender que el tiempo en este planeta se nos está acabando. Esa manera de involucrar al público desde la memoria, lo personal, contándonos entre todos nuestras historias con la naturaleza, como es cuidar de una planta o crecer junto al árbol de tu barrio, despierta una especie de empatía y sensibilidad que muy posiblemente estaba adormecida hasta ese momento, se crea un ambiente de complicidad, un grupo de desconocidos que se sienten unidos a través de sus recuerdos.

Hay este dilema de oscilar entre no querer saber nada, porque en esa ignorancia hay cierta tranquilidad, pero también ese sentir que necesitas saber para estar al tanto de lo que pasa a tu alrededor, porque finalmente todo está conectado. Por ejemplo, mientras uno nacía, había animales que estaban luchando para no extinguirse, una extinción que ellos no causaron. Ninguna existencia es aislada, y la impotencia que vemos en la actriz al sentir que no puede llegar a las personas, hacerlas sentir o hacer que les importe lo que está pasando, es desgarradora y muy compartida.

Finalmente, otro punto importante para destacar de la obra es que, quizás proponiéndoselo o no, no solo nos transmite emociones, sino también conocimientos que de por sí no son tan fáciles de encontrar o no despiertan mucho nuestra atención. Mencionar a mujeres de la Academia como Donna Haraway y Elizabeth Kolbert, no desde el pedestal de profesor de universidad, sino como una amiga que te cuenta sobre su libro favorito, despierta en el espectador la curiosidad de querer saber más al respecto. No son muchas las obras que tienen ese tipo de objetivos y, sobre todo, que puedan lograrlo. La escena limeña contemporánea necesita de más obras de este estilo, que despierten la curiosidad en las personas para querer seguir leyendo e investigando por su cuenta, obras que despierten los sentidos y nos recuerden lo importante que es cuestionarnos de vez en cuando.

Barbara Rios

2 de agosto de 2026

Crítica: LA CASA DE LAS NIÑAS PECULIARES

Entretenido y nostálgico musical

Resulta curioso (o en todo caso, peculiar) que el mismo autor y director de Perúsical: Una clase sobre el Perú (o algo así) sea el mismo de La casa de las niñas peculiares; tomando en cuenta, además, que ambas temporadas se sucedieron casi en simultáneo. Y es que Rodrigo Falla Brousset viene esforzándose por ofrecernos diversos espectáculos foráneos a lo largo de los años, especialmente los de misterio o suspenso, por lo que sí sorprende gratamente con estas dos mencionadas puestas en escena de autoría propia, ambas musicales, pero con fondos y formas muy distintas. 

Quizás sea el apartado estético el que resalte más, pues vemos dos polos diametralmente opuestos en sus respectivos contextos nacionales (como ciertamente lo estamos, simbólicamente, como país): Perúsical se encuentra ambientado en un centro educativo que sufre la huelga de sus maestros; mientras que en La casa de las niñas peculiares, cinco hermanas de clase acomodada se reencuentran, después de años sin verse, en la casa de playa de la madre soltera. Sin embargo, ambas propuestas funcionan bastante bien; y si bien en esta última lo “peculiar” de las señoritas en cuestión solo se limita a sus nombres de origen teatral, la algo dilatada historia con varias líneas argumentales se hace entretenida a través del formato jukebox, uno ya bastante conocido y efectivo. 

Como menciona el mismo Falla Brousset en el programa de mano, y a la inversa que en Perúsical, se decidió que la trama utilice canciones populares ya existentes en lugar de una banda sonora original, adaptándose estas a la historia nueva. La decisión fue atinada: con algunos personajes en el límite del estereotipo y ciertos conflictos previsibles, es el sólido elenco, que se sobrepone y divierte a sus anchas sobre el escenario, haciendo propias las conocidas canciones de los ochentas, noventas y dos mil, bien insertadas en los momentos precisos.       

A destacar entre los intérpretes a la simpática Alexandra Graña (quien brilla como la atribulada madre) y su interés romántico Gustavo Mayer. Muy desenvuelta y carismática, además, la cantante Daniela Darcourt; y una mención especial para Rowi Prieto, como el novio de la hija mayor, robándose todas las escenas en las que aparece. Muy efectivo también el ensamble en pleno. La casa de las niñas peculiares, a cargo de la Asociación Cultural Lima New Stage Group, es un muy recomendable musical, bien escrito y dirigido por Falla Brousset, del que esperamos una pronta reposición.

Sergio Velarde

1° de agosto de 2026

Crítica: CUATRO CORAZONES CON FRENO Y MARCHA ATRÁS

Quince cuerpos, un solo juego: la celebración del artificio teatral en Cuatro corazones con freno y marcha atrás

El Auditorio de Miraflores apuesta por una comedia sobre la atemporalidad: Cuatro corazones con freno y marcha atrás de Enrique Jardiel Poncela, bajo la dirección y adaptación de Cecilia Paitamala. Con un elenco generoso, conformado por quince actores egresados de la Escuela de Teatro Proscenio, la puesta en escena devuelve vida a los entrañables personajes de esta obra. Joanny Cieza, Isa Madrid, Pablo Silva, José Miguel Prieto, David Curi, Génesis Venturi, Gloria Melgar, Silvia García, Priscila Linares, Karen Sánchez, Fernando Tito, Mercedes León, Matías Salgado, Ronald Alarcón y Héctor Sotelo conforman un conjunto que sostiene con energía y precisión el universo propuesto.

La dirección de Paitamala va más allá de un simple armado escénico. Junto al grupo de actores construye escenas caricaturescas donde la exageración, el juego y la fisicalidad conviven para recuperar el espíritu de la comedia clásica. Por momentos, al observar la puesta en escena, aparece la sensación de estar frente a ese teatro de grupo, ese teatro de compañía que parece haber perdido presencia dentro de la cartelera industrial peruana: un espacio donde el trabajo colectivo, la complicidad escénica y el encuentro entre actores son el verdadero motor de la representación.

En ese sentido, el elenco acompaña y sostiene el texto desde una ejecución oportuna, donde el timing cómico resulta fundamental para formular y construir la comedia. Desde el inicio de la historia aparecen personajes grotescos, excesivos y pintorescos, herederos de una tradición clásica, pero atravesados por una mirada contemporánea. El cuerpo, la voz y el ritmo se convierten en herramientas esenciales para potenciar lo lúdico, permitiendo que cada personaje habite el exceso sin perder precisión.

Más allá de la anécdota fantástica sobre la búsqueda de la eterna juventud, Cuatro corazones con freno y marcha atrás encuentra en la dirección de Paitamala una nueva posibilidad de lectura: la comedia como un espacio donde el absurdo revela las contradicciones humanas. La obra no busca esconder su artificio; por el contrario, lo abraza. Sus personajes existen dentro de un universo donde la exageración no funciona como una limitación, sino como el lenguaje necesario para hablar de los deseos, obsesiones y frustraciones que atraviesan al ser humano.

En tiempos donde muchas propuestas escénicas parecen perseguir la naturalidad como única forma de conexión con el espectador, esta puesta reivindica el placer de lo teatral. Aquí los cuerpos no buscan desaparecer detrás del personaje, sino convertirse en una extensión del juego escénico. La interpretación se permite ser grande, colorida y desbordada, recordándonos que la comedia, lejos de ser un género menor, exige una rigurosidad absoluta en el manejo del ritmo, la escucha y la construcción colectiva.

De igual manera, la producción de Proscenio destaca por su precisión y cuidado. Los cambios escénicos entre cada escena se realizan con limpieza y fluidez, construyendo un montaje donde lo espectacular no está determinado por la acumulación de elementos, sino por la capacidad de generar sorpresa desde la resolución creativa. La propuesta escénica encuentra su potencia en la brillantez de sus decisiones y en la mirada de Paitamala, quien comprende que el universo de Jardiel Poncela no necesita ser transformado desde la ruptura, sino celebrado desde sus propias posibilidades teatrales.

La propuesta estética no busca reinventar la comedia, sino recordarnos por qué ciertas formas teatrales siguen siendo necesarias. En una escena donde la rapidez y la inmediatez muchas veces condicionan la creación, la propuesta de Cecilia Paitamala se detiene en algo esencial: el actor como centro del acontecimiento teatral y el escenario como territorio de juego.

Hay algo profundamente valioso en ver a quince intérpretes sostener una maquinaria escénica desde la complicidad, el ritmo, la grandilocuencia y la imaginación. Paitamala entiende que la comedia no vive únicamente en el remate del chiste, sino en la construcción de un universo donde el espectador acepta entrar al artificio y dejarse sorprender. Porque quizá el verdadero freno y la verdadera marcha atrás de esta obra no están en sus personajes, sino en nuestra propia relación con el teatro: una invitación a volver a mirar aquello que parecía perdido, donde ese teatro de compañía muerde con la escucha.

Juan Pablo Rueda

29 de julio de 2026

Crítica: LAS AVES

Una ciudad en el cielo o castillos de humo

Contar con una obra griega presentándose en los escenarios nacionales constituye un evento especial, y lo es aún más si esta no pertenece al género dramático; por ello, la apuesta por Las aves, comedia de Aristófanes (autor de obras como Lisístrata y Las nubes), destaca entre las opciones performativas de la capital por estos días. En esta ocasión, desde el teatro Ricardo Blume y la asociación Aranwa, nos ofrecen la adaptación de este clásico, que aborda temas que desde tiempos antiguos nos hacen reflexionar: la amenaza de la corrupción, las dificultades de la convivencia y el caos constante se desataron tanto en la Atenas de la Guerra del Peloponeso como en los estados de nuestra época. Así, nuestros protagonistas, Pistetero y Evélpides, interpretados por Alberto Ísola y Ricardo Velásquez, respectivamente, huirán de la cuna de la democracia, que para ese momento se encuentra en decadencia, con el fin de buscar un lugar más elevado en el cual poder refugiarse. El espacio que escogen será entonces el cielo, donde convivirán con las aves y fundarán la ciudad de Nubicuculandia, con sus leyes y dinámicas.

Bajo la dirección de Mateo Chiarella, los protagonistas humanos y sus conciudadanos alados, interpretados por Germán Ojeda, Brunella Odar y Renzo Quintanilla, nos transportan a un mundo ideal en principio, pero que poco a poco va perdiendo su aire de fantasía: el castillo de humo se va deshaciendo a medida que se confrontan los intereses de los dioses, los regentes, las propias aves e incluso los visitantes de la ciudad. Para representar este espacio, la producción hizo uso creativo de elementos como telas colgantes, cajones de madera, máscaras y túnicas. Coincidentemente, los juegos de luces y la propia estructura del teatro, donde el público se encuentra alrededor del escenario, nos hacen pensar en la forma del ágora griega.

Definitivamente es una obra que merece ser recomendada, desde por el nivel de sus artistas, pasando por los detalles de producción y, por supuesto, la relevancia de los temas sociales y políticos que movilizan a sus personajes. En estos tiempos, tan polarizados y convulsos, nos hacen falta muestras artísticas que, desde sus orígenes, nos lleven a pensar en el mundo en que vivimos: en Las aves encontramos ideas que nos llevan a reflexionar, y reconocer aquello que nos une, así como lo que nos separa. Esperamos que el público se anime a ir a las próximas funciones de este clásico, que en cada contexto parece renovarse; seguramente generará en ellos, igual que en nosotros, nuevas percepciones de la vida común, tan necesarias actualmente.

Jimena Muñoz

29 de julio de 2026