Crítica: LA SUITE

Una suite de locos encantadores

La comedia se instala desde el primer momento, cuando aparece el botones del hotel (Miguel Iza), con una apariencia estrafalaria, casi un Micky Vainilla (el personaje de Daniel Capusoto) con su bigotito hitleriano y delicadeza amanerada, para dar la bienvenida a la pareja de recién casados (Sergio Galliani) y (Connie Chaparro). Completa el elenco Lilian Schiappa, mucama de este increíble hotel.

En una noche de bodas pueden pasar muchas cosas, pero ninguna como las que le sucede a nuestra pareja. Lo peor es que la historia se repite, como un inútil intento de no tropezar, pero el resultado es cada vez más caótico y de ese modo, la diversión del primer momento se intensifica. El único agotado es el pobre novio que debe cargar a la novia cada vez que reingresa a la habitación. Los demás la pasamos felices de que vuelva y quedamos a la expectativa de qué nueva locura nos depara.

Una comedia refiere realidades, pero de manera absurda y nosotros nos reímos de lo absurdo, porque lo creemos imposible y, sin embargo, no resulta tan lejano de nuestra experiencia cotidiana. Claro que nadie espera encontrar a un botones y a una mucama como ellos y seguramente tampoco a recién casados como estos.

Felizmente, el autor (Fernando Schimdt) ha tenido la genialidad de construir estas breves historias sucesivas de modo tal que el ritmo no decaiga en ningún momento sino, por el contrario, que el público se pegue a lo que viene; y los transeúntes que tropiezan con ellos al salir del teatro Marsano, poco antes de las 10 de la noche, ven salir a gente feliz o al menos lo suficientemente alegre para creer que la vida todavía puede ser divertida, pese a lo que pasa en el mundo real.

Galliani, además de sorprendernos bien como director, se complementa con Chaparro para constituir la pareja de recién casados cuya “normalidad” no es tan normal. Pero el ritmo de la comedia se desarrolla gracias a la genial actuación de Iza (a quien acostumbramos ver en estupendas interpretaciones dramáticas). La participación de Schiappa es secundaria, pero juega su rol complementario para refrescar la hilarante acción del botones.

El escenario de la suite nupcial no cambia en cada historia. Ni siquiera los pasos iniciales. Solo se hacen más intensos los efectos y las situaciones resultan cada vez más absurdas. La obra juega con la farsa como propuesta escénica y la frivolidad como temática, que el director logra combinar de manera creativa para conseguir el objetivo: divertir con gags efectivos y sin mayores complicaciones, como le gusta al público del Teatro Marsano, que el último miércoles (popular) llenó a tope la sala. ¡Felicitaciones por ello!

David Cárdenas (Pepedavid)

30 de enero de 2026

Crítica: EL MAGO DE OZ

La relevancia de la inteligencia, el coraje y la solidaridad

La Asociación de Artistas Aficionados (AAA) inauguró la temporada teatral 2026 con el estreno de El Mago de Oz, clásico de la literatura infantil en una adaptación dirigida por Ivi Cordero, con las actuaciones de Miguel Martínez, Pablo Hoyos, Sol González y Beleny Gómez, quien además se desempeña como asistente de dirección.

En esta obra, de una hora de duración, la dramaturga propone una lectura contemporánea de la novela. Dorothy y su perro Totó son arrastrados por una tormenta hasta el mundo de Oz y, en su intento por regresar a casa, recorren el camino amarillo, donde se cruzan con diversos personajes que propician diálogos y reflexiones sobre la infancia, la comunidad y el sentido de pertenencia.

Aunque el texto sostiene que la verdadera magia surge de la inteligencia, el coraje y la solidaridad, la puesta no termina de conectar con todos los espectadores, sobre todo con aquellos menos familiarizados con la historia. Destaca, sin embargo, la interacción con el público infantil, cuya participación entusiasta dinamiza la función.

Si bien el montaje es sencillo, los actores lo aprovechan eficazmente para desarrollar cada escena. En el plano técnico, se evidenciaron fallas que impidieron comprender la letra de la canción inicial. Llama la atención, además, el intento de incorporar el tema Somewhere Over the Rainbow mediante un video reproducido en un dispositivo digital, visible únicamente para el público de las primeras filas del Teatro Ricardo Roca Rey.

Pese a que se trató de una función de estreno, cabe confiar en que el equipo haya identificado los aspectos por mejorar a medida que avancen las funciones. Para quienes decidan asistir, conviene llegar con una mínima referencia de la historia y así disfrutar mejor la propuesta.

Javier Bendezú

28 de enero de 2026 

Crítica: CUERPXS MARRONES EN RESISTENCIA

Marrón tierra, marrón sagrado

El Festival Saliendo de la Caja le devuelve a una frase trillada el sentido y poder con las obras que nos invita a presenciar. Cuerpxs Marrones en Resistencia no es la excepción. Una vez más, el festival cumple el objetivo de incomodar (para acomodar), empujándonos con cada imagen, cada acto, cada frase y mensaje, justamente a pensar y sentir fuera de esa burbuja que nos envuelve y no nos permite ver más allá.

Desde el inicio, la tierra se convierte en una de las protagonistas de la obra cuando un cálido Wedner Velásquez hace una invitación a brindar por ella, a honrarla y respetarla. A hacerle una ofrenda, pedirle permiso y, por supuesto, bendiciones. La tierra es aliada, adorada.

Luego, se impone la tierra sucia, la que se pega a la piel. La que se remueve y se violenta. La que se cava para hacerse ricos mientras se empobrece la vida. Ya no es la tierra divina, sino la oscura y cargada de humanidad. O, en este caso, de toda la inhumanidad llevada por la codicia extractivista. Es el contraste de lo sagrado y lo explotado en un mismo espacio. Y ahí mismo, un cuerpo que carga también con esa contradicción.

Ese cuerpo aparece para explicar lo que no se puede entender. Intenta contarnos de un sufrimiento que no puede sentir quien no lo vive en carne propia, pero que genera repudio si se mira de frente a ese cuerpo, a su transformación, pero más que nada, a quien lo obliga a deformarse. Ese cuerpo, marrón como la tierra, también sagrado y transformado, intenta mostrarnos lo que desde la lejanía de la capital y el privilegio no logramos ver. Y entonces, Lucero Calderón, quien no solo interpreta a ese cuerpo en escena, sino que también escribe y dirige esta obra, se apoya de sonidos que perturban, de imágenes que frustran y encolerizan, de fotografías que nos recuerdan que el arte también es denuncia. Que ya no hay distancia posible: no es ficción, es historia viva, es dolor encarnado.

Lo grotesco también se apodera del escenario y de la historia. Las formas, los gritos, lo brutal de la falta de compasión. La ignorancia del poderoso y la sabiduría de lo ancestral se reflejan en ese cuerpo danzante y en el monstruo que lo observa. 

Cuerpxs Marrones en Resistencia nace de una realidad y un dolor de nuestro país que se intenta esconder bajo la idealización de “progreso”, como muchas otras dolencias que tenemos. Es también fruto de una ardua investigación que busca entrelazar, con mucho respeto, los mundos conocidos y estudiados de la autora. No explica, pero dice todo lo que quiere decir y cala donde tiene que hacerlo. Habla, además, de un pueblo y de su goce como lucha. Habla de un color, de la tierra misma, que no se amilana ante nada pero que, como dice la creadora de esta pieza, hay que proteger.

Cristina Soto Arce

28 de enero de 2026

Crítica: ÑA CATITA

El pasado es presente

La obra maneja un ritmo muy entretenido; los personajes se saben conectar, de tal manera que lo que pareciera largo termina convirtiéndose en un instante impactante, sólido y bien trabajado. La distribución del espacio es sencilla y las luces mantienen un ambiente adecuado para el desarrollo de los personajes.

El texto está particularizado de forma elocuente: la construcción de personajes es concreta y mantiene chispazos de farsa. La forma en que interactúan va generando un aire de sonrisas. La situación es muy conocida por todos: Ña Catita (Lourdes Aquije) hace su aparición y conversa con Rufina (Gloria Melgar), ambas actrices consiguen un nivel de espontaneidad admirable; cabe mencionar que Aquije se traslada en el espacio con gran naturalidad pese a la discapacidad visual que presenta, pareciera al contrario que ve más que todos, que sus ojos alcanzan un horizonte distinto. El poder del teatro es evidente: la magia que envuelve a los artistas permite que nadie sospeche de la situación de la actriz, si es que no se mencionaba yo nunca me hubiera dado cuenta, digno de aplaudir y de admirar, una demostración potente de la trascendencia del arte. 

La interacción entre Juliana (Isabel Pinto) y su amiga (Gabriela del Pilar) también es bastante organizada, es elocuente y en el caso de la amiga esta se presenta acompañada de una construcción corporal que emite un cierto poder energético. La forma del cuerpo cambia la atmósfera, las contracciones de la cadera son como chispas en el espacio, la expresión de las piernas ondula en los ojos de los espectadores. Me río, me entretengo, me olvido del mundo, la capacidad de abstracción del arte, es una condición necesaria, desde mi perspectiva, para descubrir cuando hay amor y dedicación en un trabajo. Día a día nos aburrimos del mundo, de la rutina, entonces aparece el arte y nos hace una pausa, un silencio para ingresar a un universo paralelo, que no conocemos, pero sospechamos. Desde esta mirada, Ña Catita me sedujo por instantes, me paralizó la mente en el presente y me permitió el descanso del pensamiento para aperturarme a la contemplación.

El mayordomo (Jeffrie Fuster) es otro de los artistas que me llamó la atención de forma natural, la manera de emitir la voz y su presencia escénica, eran casuales, no forzadas y la realidad con que se sometía a la ficción permitía una conexión directa con la puesta. Desplazamientos muy inteligentes y sonrisa bien presente, el mayordomo cuenta con el encanto nato del artista, la atención se dirige hacia él y se deja embriagar por las flexiones del cuerpo y el sonido de la voz; muy particular la forma de aproximarse al realismo y a las necesidades de la escena.

Don Jesús (Beto Sánchez) también entra con gran prontitud, su construcción manifiesta experiencia y solvencia en el espacio, la forma de conversación hacia sus compañeros concreta el colectivo, lo afianza, es un buen peso dentro del hilo conductor de la historia. Alejo (Jesús Aranda) posee el picante que necesita la construcción, su presencia es la ruptura de la armonía, la contradicción del amor y de los personajes; buen manejo corporal, secuencias bien logradas y armonía sonora, momentos cumbres en el desarrollo del montaje, la interacción de todo el grupo y la bulla de la multitud eran momentos de profunda contemplación, la energía del público se desplazaba hacia el escenario para proyectar su fantasía en ellos, en los maniquíes del drama, en los espíritus del arte y de la dramaturgia. Manuel (André Mesta) complementaba toda la estructura que ya se había creado; ubicado en su espacio, en su puesto, desarrollaba muy bien su rol, permitiendo que las energías y presencias sean distribuidas armónicamente, todo en su lugar, todo en su punto, ninguna exageración, la sensación de vivir la obra, de creer en la ficción se expresa.

Buen trabajo, el tiempo viaja en sí mismo, el pasado es presente y la conducta del hombre es trasmitida, todo pareciera que se puede manifestar sin tiempo ni espacio, la conducta es atemporal; pero el artista es dueño del tiempo y tiene la capacidad de abrir el mundo y sofocarnos uno nuevo, donde si quieres reflexionas, si no solo contemplas, es importante contemplar, no buscar la perfección, pero si lo genuino de cada uno de los intérpretes. La crítica enfrasca la realidad, la contemplación permite la aprehensión sensorial y cognitiva de la originalidad de cada uno. El arte es un ente de comunicación, no para romperte la cabeza en mil pedazos de racionalidad disruptiva, pero sí para recordar la condición gregaria del ser humano, su condición de grupo y de necesidad de afecto, un afecto que no es una caricia, pero sí puede ser un gesto, un desfase hacia lo extracotidiano o tal vez, hacia la condición primigenia del ser humano, a ese núcleo de expresión que nace como un cauce cristalino.

Moises Aurazo

28 de enero de 2026

Crónica: VISITA A MALA - GRUTEMA

Vocación, entrega y responsabilidad social 

No todos los colectivos teatrales pueden darse el lujo de cumplir 35 años de actividad ininterrumpida. Pues Grutema - Grupo Teatral de Mala, bajo la dirección de Wilman Calderón, puede jactarse de haberlo conseguido; y no solo por su vasto repertorio de puestas en escena, con el que se han paseado por el mundo a lo largo de los años, sino que además se encuentran próximos a lograr una verdadera hazaña tan necesaria para cada uno de los distritos de nuestro país: contar con un teatro propio para su comunidad. Oficio Crítico estuvo visitando, el último fin de semana, la hermosa ciudad de Mala y comprobar tanto lo valioso del trabajo escénico de Grutema como lo hospitalario de su gente.

En primer lugar, se presentó un ensayo de la clásica pieza francesa anónima La farsa de maese Pathelin, todavía en proceso, en el que los jóvenes actores de la agrupación Omar Castillo, Aimar Castillo y José Carlos Torres interpretaron roles de la última escena ocurrida en un juzgado, al lado de Nancy Martínez, pilar fundamental del grupo. Si bien Grutema se ha caracterizado por presentar creaciones colectivas breves, muy entretenidas y ejecutadas con humor a pesar de los temas difíciles e incómodos que muchas veces les toca abordar, sí que es importante que se trabajen obras de texto, abriéndole todo un nuevo panorama interpretativo al grupo, al llevar a buen puerto los personajes, situaciones y objetivos creados por un autor externo.

El sello característico de Grutema llegó a continuación, con la breve presentación del unipersonal A mí siempre me dijeron, en el que se lució la carismática Flor Ángel Ruíz, cantando, bailando y declamando un sentido y contundente mensaje en contra de la discriminación y la injusticia. Luego se presentó la puesta en escena de El arbolito o Ciudadanía Ambiental, en la que Wilman, Nancy y Kathia Isabel Gaspar se reparten diversos y jocosos personajes para enrostrarnos cómo siempre nos quejamos de la contaminación ambiental, pero poco o nada hacemos nosotros por revertirla. Con elementos sencillos de utilería y vestuario, efectos sonoros en vivo, la participación activa del público y la versatilidad del elenco, el mensaje llegó de manera clara y contundente a través de la sencilla historia de este entrañable arbolito, que nació, creció, fue talado y resurgió ante nuestros ojos en escasos veinte minutos. 

Y la noticia más feliz, sin duda, fue que la Asociación Grutema - Grupo Teatral de Mala, reconocida por el Ministerio de Cultura del Perú como Punto de Cultura, ha conseguido asignar un presupuesto para la construcción del Teatro Municipal de Mala. ¡Un atípico suceso que se debe celebrar! Se trata de un más que necesario proyecto que ya es una realidad, gracias a la perseverancia y entrega de Wilman y su colectivo, junto con el apoyo del alcalde Julio Marquinho. Felicitaciones a Grutema por estos primeros 35 años de trabajo y responsabilidad social en favor de la comunidad de Mala.

Sergio Velarde

27 de enero de 2026

Crítica: TSURUKAME

Un desequilibrado festín para los sentidos

En el marco del 25° Festival Saliendo de la Caja, el teatro de la Alianza Francesa le abre sus puertas a Tsurukame, propuesta teatral dirigida por Majo Vargas Hoshi. El peculiar montaje cuenta con la participación de Paul Lazo y de la misma Majo, quienes durante sesenta minutos se encargan de crear todo un mundo de emociones y sensaciones valiéndose únicamente de sus cuerpos. 

Tsurukame no tiene historia. Al menos no una como típicamente la entendemos. No hay diálogo. No hay mayor orden. No hay lógica. Los cuerpos de Majo y Paul yacen de espaldas al público uno al lado del otro, inertes e inanimados. No es sino después del inexplicable e innecesario ingreso de una mujer a escena, quien manipula sus cuerpos como si se trataran de dos maniquíes, que estos personajes (“seres” quizá sería una mejor palabra) cobran vida y empiezan a moverse. Este es, innegablemente, el principal acierto y atractivo de este montaje.

El movimiento de Paul y Majo es sencillamente hipnotizante. A través de secuencias coreográficas enraizadas en la danza contemporánea, ambos artistas nos sumergen en un estado casi onírico, habitando por completo el espacio con su danza, derrochando destreza y pasión con cada movimiento. Ayuda mucho también el empleo económico y preciso de la música, la cual complementa la coreografía y aporta al disfrute de ella. A propósito de las coreografías, es muy interesante cómo estas dan la impresión de haber sido creadas no tanto a partir de la música (como suele ser el caso en el baile coreográfico), sino de forma orgánica, improvisada, frenética e intuitiva. La música no calza perfectamente con los pasos, solo les pone un telón de fondo, añadiendo así una capa sumamente interesante al movimiento. El uso de los pocos elementos en escena también es destacable, ya que ayudan a crear imágenes altamente estéticas. 

Habiendo dicho esto, el montaje pierde un poco su rumbo cuando empieza a incorporar frases en voz en off (las que también son proyectadas sobre el telón de fondo), de carácter aleatorio y existencial, dando la impresión de ser los pensamientos intrusivos de una o más personas que se cuestionan acerca de los más variados aspectos de la vida. No es que estas frases estén mal escritas, o que no sean interesantes individualmente, sino que, al no existir mayor ilación entre ellas, ni tampoco mayor relevancia en relación a lo que está sucediendo en escena, terminan haciendo un poco de ruido. En su afán de querer decirlo todo, terminan hablando de nada. 

De ahí el desequilibrio de Tsurukame. Por un lado, un verdadero placer para los sentidos, pero por otro, un montaje algo cojo, sin una tesis clara ni un mensaje lo suficientemente contundente. Es evidente que el mundo interno de Majo Vargas Hoshi es fascinante, y es precisamente por eso que como espectador no pude evitar sentirme un tanto frustrado, como alguien a quien dejan varado en una ciudad desconocida sin un mapa. 

Sergio Lescano Vásquez

26 de enero de 2026

Crónica: TEATRO LA PLAZA - PROGRAMACIÓN 2026

El poder de estar presentes

Con el corazón en la mano y la añoranza de convertir el 2026 en un espacio lleno de diálogo, inclusión y escucha, y de abrazar el silencio desde las narrativas teatrales, el pasado 10 de diciembre de 2025 el Teatro La Plaza se complació en presentar la programación del período 2026. Esta se propone bajo una mirada reflexiva que cuestiona el teatro desde adentro como una fuente de poder, entendiendo que dicho poder habita en cada espectador, artista, memoria y vínculo.

La Plaza apuesta por el concepto El poder de estar presentes como una suerte de volver a mirar la cotidianidad, procesarla y reobservarla desde la otredad. De este modo, el teatro se plantea como una especie de hogar dispuesto a recibir, procesar y acompañar el encuentro íntimo de distintos cuerpos que se reúnen alrededor del espectador frente a un espectáculo escénico. Ya sea en un mismo mes, día u hora, los recuerdos y el poder estarán presentes en nosotros y en cada unx que tome alguna butaca.

La temporada da inicio con el ciclo Presencias que transforman, conformado por tres obras que reúnen un diálogo íntimo y honesto: Mi madre se comió mi corazón de K’intu Galiano (Premio de Dramaturgia Sara Joffré 2026), interpretada por Vania Accinelli; Volver a mirar, creada y dirigida por Mirella Carbone; y Una obra para quienes viven en tiempos de extinción, dirigida por Norma Martínez e interpretada por Fiorella Pennano. Cada pieza trasciende y se expande desde su lenguaje escénico, transitando la danza contemporánea y el teatro testimonial y político, con el cuerpo como protagonista desde la memoria.

Próximamente, Las cosas que sé que son verdad, escrita por Andrew Bovell y dirigida por K’intu Galiano: una obra que abraza los hilos familiares y el afecto que los sostiene. Seguidamente, Eureka Day! irrumpe en las tablas de La Plaza como una comedia voraz y excéntrica, escrita por Jonathan Spector y dirigida por Vanesa Vizcarra. Cada momento resulta expuesto y revelador, cuestionando lo ético y, sobre todo, aquellas buenas intenciones que atraviesan los lazos personales, diciendo en escena aquello que muchos piensan, pero pocos se atreven a decir.

Continuando con la programación, llega Prima Facie, escrita por Suzie Miller y dirigida por Juan Carlos Fisher, una obra que propone observar e interpelar el sistema judicial a través de volver a mirar una realidad que duele ser vista. Para culminar el año de forma mágica y fresca, La Plaza presenta una versión peruana y contemporánea de Sueño de una noche de verano, clásico de Shakespeare, adaptada y dirigida por Josué Castañeda y Daniela Zea. Una puesta que celebra el trabajo colectivo y concibe el teatro como un juego lleno de posibilidades.

Cada temporada promete una reunión colectiva con el público. La Plaza se consolida como un espacio seguro para comenzar a sentir desde un acto único y revelador: el poder de estar presentes en el aquí y el ahora.

La Plaza Joven

En paralelo, La Plaza Joven presenta un catálogo de obras que conectan con el público desde una sensibilidad particular, reflejando historias con un compromiso escénico constante hacia los más pequeños y los lazos familiares.

La temporada inicia con dos obras que marcaron y conectaron de forma eufórica y exitosa con el público: Cyrano de Bergerac, adaptación de Fito Valles que reúne a cinco actores para contar la historia de un héroe cuyo accionar está atravesado por el amor y donde la apariencia no siempre triunfa. Desde la poesía y las narrativas líricas, La Plaza propone un Cyrano moderno y vigente. Payapaluza: Somos el mundo, dirigida por Cristian Ysla, regresa con un espectáculo lleno de magia que invita a convivir con niños y niñas desde la celebración y el poder de reunir presencias en el teatro.

La programación continúa con Luminos, creada y dirigida por Nuria Araníbar y Els Vandell, que narra la historia de una estrella que cae del cielo y descubre, por primera vez, la belleza del mundo. Un espectáculo que propone reactivar la inocencia y despertar la esperanza en los más pequeños desde un enfoque lúdico. Finalmente, La Plaza Joven cierra su temporada con un clásico metateatral reconocido a nivel internacional: El fantasma de la ópera, adaptación familiar del texto de Gaston Leroux, dirigida por Els Vandell. Una obra que se convierte en una aventura colmada de verdades y secretos.

De esta forma, La Plaza propone un catálogo de obras para un público joven que dialogan desde el poder de estar presentes. Cada una mantiene un propósito claro y un compromiso sensible con el espectador joven, estimulando su imaginación y creatividad.

El Teatro La Plaza presenta así un conjunto anual de obras que consolidan su identidad escénica como productora. La Plaza no es solo un lugar donde se hace teatro: es un espacio que reúne a cientos de personas para encontrarse con el poder de la presencia, el acto de mirar y observar diversas narrativas y lenguajes escénicos, transformar lo que no se nombra y abrazar el encuentro.

Juan Pablo Rueda

26 de enero de 2026

Crítica: FLOW DEL BARRIO

Una mirada al barrio

Flow del barrio propone un retrato crudo de un grupo de jóvenes del Callao que sobreviven a partir de lo que la calle les ofrece, mientras intentan sostener sueños que parecen constantemente amenazados por un entorno hostil. La dramaturgia se articula alrededor de la lealtad, la pertenencia y la violencia estructural, elementos que se tensan con el retorno de un grupo de narcotraficantes al vecindario, hecho que funciona como detonante del conflicto principal y precipita el desenlace trágico de la obra.

Podemos ver que la puesta en escena tiene un conflicto claramente planteado, lo que permite una lectura social directa sobre la realidad urbana de sectores marginados de Lima. La progresión dramática se sostiene gracias al compromiso actoral, evidenciándose una entrega física y emocional constante por parte del elenco. No obstante, esta intensidad, en algunos pasajes, se convierte en un desborde energético que afecta la precisión de las acciones escénicas. Se perciben momentos donde el gesto, la intención y la acción no logran una articulación clara, generando cierta dispersión en la lectura del signo teatral.

Desde la actuación, el trabajo corporal es predominante y responde a una búsqueda de verosimilitud callejera. Sin embargo, la falta de contención rítmica en determinadas escenas provoca acciones imprecisas que debilitan la organicidad del conjunto. Una mayor depuración en la partitura física permitiría que la potencia expresiva no se diluya y se sostenga con mayor coherencia dramatúrgica.

En el plano técnico, la iluminación y el diseño sonoro, elementos fundamentales para la construcción atmosférica del relato, no logran cumplir plenamente su función dramatúrgica. Se evidencian fallas técnicas, como entradas de sonido en momentos inadecuados y cambios de luces desfasados, que interrumpen el flujo escénico y afectan la continuidad narrativa. Estos desajustes rompen la convención teatral y distraen al espectador, restándole fuerza a escenas que requieren tensión y concentración.

En conclusión, Flow del barrio es una propuesta con una base narrativa potente y un claro compromiso actoral, capaz de visibilizar una realidad social urgente. No obstante, una mayor precisión en las acciones escénicas y un ajuste técnico más riguroso permitirían que la obra alcance un nivel más sólido y contundente en su puesta en escena.

Javier Gutiérrez

26 de enero de 2026

Crítica: PADRES TERRIBLES

Una familia de locos

En 1938, Jean Cocteau sacudió a la sociedad parisina con una obra que desnudaba una cruda verdad: una familia puede ser el refugio, pero también el infierno. Padres Terribles nos muestra a una familia aparentemente normal y feliz, compuesta por la madre, el padre, el hijo de ambos y la hermana de la madre, pero que revela su disfuncionalidad en el momento en que el hijo, Michael, de 22 años, anuncia que tiene una novia.

La versión que nos ofrece Ares Teatro respeta lo fundamental de la obra original y desarrolla los conflictos con las llaves lúdicas que propuso el autor, adecuándose sutilmente a los tiempos actuales en el Perú.

Empieza con la inmadurez estereotipada de Michael y la sofocante sobreprotección de su madre, que linda con lo absurdo, para advertirnos que estamos ante una familia disfuncional y cualquier cosa puede pasar en adelante. La obra sacude, divierte, deleita y desorienta, ya que expone, sin ánimo de solución, las extrañas relaciones de Jorge, el padre de Michael, con la novia de su hijo y además con la hermana de su esposa, de modo que la tragedia familiar termina siendo una comedia de situaciones absurdas, para diversión de los asistentes. 

Claramente, ese es el objetivo de la obra y Ares Teatro lo logra, a pesar de la poca experiencia de su elenco y algunas imprecisiones de la dirección, especialmente en el ritmo y algunos personajes que no logran redondear su carácter, sin que ello haga decaer el conjunto en donde el apoyo mutuo es la clave para mantener el equilibrio y se nota.

Una obra que se sustenta en los conflictos personales requiere de un ambiente íntimo. El Teatro Ares y la puesta en teatro circular, permiten la cercanía del público para crear una atmósfera privada. La escenografía es mínima, del mismo modo el vestuario y el uso discreto de las luces y el sonido hace que sea una puesta sobria, apoyada fundamentalmente en la actuación. Todo un reto por cuanto se trata de actores y actrices en formación, en donde sobresale Lucero Sandoval en el papel de Ivonne, la madre sobreprotectora, cuyo amor egoísta y posesivo devela al espectador todos los demonios que se esconden detrás y le toca poner las notas más dramáticas de la obra, que es una tarea difícil en la comedia, pero esta es algo negra y lo permite. 

Pero no es la única con esa "cualidad", pues cada uno tiene un interés especial, salvo el hijo, cuya candidez raya con la estupidez. Al construir su personaje de joven engreído e inmaduro, Francisco Rosero ha cuidado equilibrar ternura y debilidad; su exageración, que por momentos parece una caricatura, no rompe los límites del personaje. Por su lado, Kattsy Chávez estructura su personaje de Madeleine a la altura de las circunstancias; no lo hace trivial ni tonta ni tampoco es una "devoradora de hombres" que se aprovechó del padre y el hijo, sin conocer esa relación, sino que simplemente se dejó llevar por sus sentimientos y ahora se encuentra atrapada en un conflicto del cual no sabe cómo salir y eso la aterra. Ella ingresa a mitad de la obra, con el ambiente ya creado y se adapta perfectamente al clima, al que aporta con la seguridad de su personalidad para entregarnos una novia frágil, confundida y vulnerable, pero totalmente honesta.

La función de estreno conlleva nerviosismo y altos riesgos de error; sin embargo, luego de unos minutos, el elenco alcanza la concentración debida, lo que permite al público disfrutar de los sentimientos que sus personajes transmiten. Hoy empiezan su segunda semana, y estoy seguro que habrán superado los nervios para beneficio del espectáculo.

David Cárdenas (Pepedavid)

24 de enero de 2026

Crítica: YAWAR QAYANI

Migrar no es dejar tu tierra, sino llevarla contigo.

Saliendo de la caja es un festival que cada año les da un micrófono a aquellas voces que tienen algo nuevo que contar, presta un lugar para aquellas obras por las cuales apuesta, creando y promoviendo de este modo espacios seguros para que nosotros, como espectadores, podamos conocer y conectar con distintos artistas y creadores que decidieron contarnos historias tan íntimas como universales.

Sobre un escenario pueden pasar muchas cosas, podemos ser testigos de diferentes sucesos, diferentes acciones y sentimientos, y en el caso del proyecto que Luisa Guerrero nos compartió, presenciamos no solo un espectáculo o una historia más, sino que fuimos parte de un ritual, pudimos ver cómo se van rompiendo barreras de género, cómo dos mujeres se atrevieron a desafiar las normas de su comunidad y familia para poder hacer lo que tanto aman, seguir lo que estaban destinadas a ser.

Con una escenografía muy detallista, donde se pueden apreciar espacios para que cada intérprete pueda poner sus prendas para que todo el público pueda verlas, y siguiendo una estética que nos transporta a un ritual de la sierra peruana, se nos narran las historias de dos mujeres danzantes de tijeras, interpretadas con bastante destreza por Daniela Hudtwalcker e Isabel de la Cruz Lapa. Cada una de ellas tuvo que enfrentarse a los estereotipos y normas impuestas tanto por sus familias como por su comunidad; se les negaron las tijeras que tanto sentían parte de ellas, se le había escondido un pasado que les pertenecía tanto a ellas como a los hombres de sus familias, y lo hicieron con una convicción y firmeza que se transmite en cada una de sus palabras. Se destaca que no solo se trata de contar una historia, sino que ambas artistas nos demostraron por qué son buenas en lo que hacen: ambas se turnaron para adueñarse del escenario cada una a su manera y dejando a cada uno de los asistentes aplaudiendo impresionados.

Es una obra que dialoga con El rincón de los muertos de Sebastián Rubio, y no solo por el tema de la danza de tijeras, sino porque tocan un tema más profundo, el de la carga emocional que conlleva migrar y no renegar de tus raíces en el proceso. En Yawar Qayani, vemos un libreto que se elabora siguiendo cierta sensibilidad, que si bien se siente un poco desordenado por momentos, sobre todo cuando intercala las historias, no deja de lado la importancia del mensaje de que no importa qué tan lejos te vayas y te alejes de tu tierra, esta siempre irá contigo, pase lo que pase.

Barbara Rios

23 de enero de 2026

Crítica: MELORAMAS DEL CORAZÓN

 

Sonidos de la naturaleza 

La vigesimoquinta edición del Festival Saliendo de la Caja trae a escena los distintos proyectos de los estudiantes de Teatro, Danza, Música, Creación y Producción Escénica de la PUCP. Uno de ellos fue Meloramas del Corazón, compuesto y dirigido por María Jesús Hinostroza, bajo la producción de Nalijj Echevarría, y la producción artística de Jack Valenzuela.

Apelando al uso de los sentidos, la propuesta es una experiencia que sumerge al espectador en una parte de nuestra selva peruana, a través de los aromas de las plantas, una escenografía ataviada de ramas y una canoa (también para el uso del público), así como los vestuarios. Sin embargo, la instalación sonora, tanto en los efectos, como la ejecutada por los actores fue la protagonista, pues dicha composición nos acercó a los habitantes, ruidos y silencios de esta inmensa parte de nuestro territorio.

Por su parte, los intérpretes Franzia Inocente, Jimena Donayre y Marcelo Cuadros realizaron un correcto trabajo corporal y vocal, desplazándose por todo el Teatro de la Alianza Francesa, recreando una atmósfera que alude al amor, la paz, la tristeza y el cambio. Ofreciendo una visión de la majestuosidad de la selva, su riqueza y vigor, pero también el peligro y amenaza que representa a quien depreda y agota sus recursos y vida silvestre.

Maria Cristina Mory Cárdenas

23 de enero de 2026

Crítica: CADÁVERES FUTUROS

Cuerpos presentes, cadáveres futuros 

Rompiendo con temas clásicos y jugando a partir del formato con que se pone en escena, la obra Cadáveres futuros nos trae un relato de ciencia-ficción. Escrita y dirigida por Diana Cornetero, esta ha sido presentada en el marco del festival Saliendo de la caja. En dicho espacio se muestran proyectos de los estudiantes de Creación y Producción Escénica de la PUCP, por lo que presenciamos ideas nuevas y propuestas originales. 

Frente a las expectativas que podamos tener sobre la inserción de la ciencia-ficción en el teatro, la obra nos sorprende y brinda nuevas perspectivas. Ante la idea de la extinción humana y los problemas climáticos, nuestros protagonistas son arrastrados a un experimento, que busca resguardarlos para mantener a la especie. Entre el cuidado y el control, sus cuerpos se ven constreñidos por las expectativas del nuevo sistema, y limitados en sus actividades y sensibilidad. Nuestros actores, Norma Venegas, Santiago Montoya, Inés Arroyo y Simón Vásquez de Velasco nos revelan la experiencia de una posible distopía, en los confines de la posmodernidad y al extremo de la idea de progreso. Asimismo, destacamos los elementos de la puesta en escena: las luces, en ocasiones frías por el entorno mecánico, o cálidas para similar los incendios y el calentamiento de la tierra; también el mobiliario básico, lo suficientemente versátil para que los personajes duerman y se sienten, pero minimalista evidentemente por las exigencias del experimento. Especialmente queremos resaltar el uso de proyecciones, que por momentos evocan recuerdos, pero también escenas del cambio climático y el deterioro del planeta. Estas nos sumergen en dicho ambiente claustrofóbico, del que tampoco hay muchas posibilidades de escapar, al ser el exterior igual de peligroso que lo conocido.

Por la calidad de las producciones y la creatividad de los proyectos, invitamos a nuestros lectores a asistir a esta y otras presentaciones del festival Saliendo de la caja. Esperamos, de todas maneras, seguir viendo otras creaciones de Cornetero y quedamos pendientes igual de los próximos trabajos de los actores. Ojalá Cadáveres futuros y nuevas propuestas, ambientadas en distopías y asociadas a la ciencia-ficción, sigan surgiendo. Su aparición nos plantea reflexiones no solo para lo que vendrá en las siguientes décadas, sino también para pensar en cuánto ya se parecen nuestras vidas a ellas, y lo que estamos haciendo frente a la injusticia y la actividad humana en el planeta.

Jimena Muñoz

21 de enero de 2026

Crítica: MICROBUTACA - ENERO

Drama, comedia y performance

Acaso un detalle significativo que se ha ido perdiendo en los recientes espectáculos teatrales de formato breve que coexisten en el mismo espacio sea el de contar con un denominador común: una temática compartida. Esta directiva obligaba a los colectivos a explorar distintas maneras de abordar el mencionado tema central, ya sea en distintos estilos, lenguajes o convenciones en escena; el espectador, por su parte, percibía un trabajo en conjunto más afinado y menos desordenado, enriqueciendo así el visionado global. Vale esta hipótesis como introducción para comentar tres microobras, de temáticas variadas, que vienen presentándose en paralelo en las salas que cuenta Butaca Film, las mismas que llevan por título Microbutaca.

Tres puestas de corta duración, con formatos y estéticas muy distintas entre sí, son las que se ofrecen al público, algunas con mayor fortuna que otras. Rabo de toro de Greymar Hernández mueve sus (demasiadas) fichas en sus escasos quince minutos, a ritmo galopante, sin respiro e inclinándose hacia la comedia. El galán Johan Escalante llega por expresa invitación, luego de un evento social, al departamento de la bella Miriam Paola Contreras; el anticipado juego inicial de seducción se transforma en una situación más oscura que no terminamos de asimilar del todo: el descubrimiento surrealista que le da título a la obra viene acompañado además con capas de ciencia-ficción, empoderamiento femenino, manipulación antiética y denuncia social. La dirección de Igor Olsen y el talento de los intérpretes permiten ordenar, en gran medida, la entretenida propuesta.       

No podía faltar el teatro testimonial en la que tal vez sea la microobra más sólida y conmovedora del grupo, dentro de su aparente sencillez: Velas al mar nos invita a festejar el cumpleaños de su única intérprete Catalina Santillán, quien nos atiende de manera personalizada en su espacio y nos comparte recuerdos y anécdotas de su propia vida, con absoluta soltura y carisma. La directora Karla Reluz se las ingenia además, para crear atmósferas, con ingeniosos trucos de videos, luces y audios, y envolvernos así en esta celebración metafórica de la vida, que culmina con el infaltable “Cumpleaños Feliz”. Santillán y Reluz ofrecen una magnífica y envolvente puesta en escena, que reflexiona sobre el inexorable paso de los años y todo lo que nos resta por hacer, en la que incluso los asistentes comparten sus propios recuerdos, contrastándolos con los de la inspirada actriz.     

La tercera obra breve, sin bien cae en lugares comunes, no deja de tener interés. En Ella y él, conocemos a una novia profundamente enamorada, ultimando detalles para su matrimonio, y también a una de sus mejores amigas, quien actúa de forma sospechosa. Cuando el misterio se destapa previsiblemente, el tono ingenuo del inicio entra de lleno en el melodrama, resolviéndose el conflicto de manera abrupta. No obstante, el buen oficio del director Diego La Hoz rescata los mejores matices de las jóvenes actrices Tahili Sánchez y Jackelyn Ramos Arcos y corrige, en buena parte, los excesos dramáticos que propone el texto, consiguiendo un resultado bastante digno. Bien por la productora Butaca Film por mantener estos espacios de exploración escénica, ya que el teatro de formato breve tiene todavía mucho por aprovechar y ofrecer.

Sergio Velarde

20 de enero de 2026

Crítica: UN MISTERIO, UNA PASIÓN

Barra crema en escena

Percy Ramón Rodríguez Marchand, conocido también como Misterio, no solo fue uno de los hinchas más acérrimos de Universitario de Deportes, sino que además fue uno de los fundadores de la Trinchera Norte a finales de los años ochenta. La violencia con la que convivió Percy, dentro de su fragmentado hogar y en las tribunas de los estadios y sus alrededores, fue la inspiración para que Aldo Miyashiro escribiera una de sus obras más memorables. Un misterio, una pasión encontró su versión definitiva en 2003, en una puesta en escena a la que no le pudo hacer sombra su esmerada reposición del 2018. A finales del año pasado llegó un montaje independiente a cargo de La Escena Producciones, en una única función, que sirvió para recordarnos lo buen dramaturgo que sigue siendo Miyashiro.

El joven artista Johan Robles, en su último trabajo de dirección, toma un enorme riesgo al enfrentarse a una historia de dilatada duración, que dejó huella duradera en los escenarios hace ya más de dos décadas y también en el imaginario colectivo popular, gracias a la miniserie televisiva Misterio (2005), protagonizada por Pietro Sibille. Pudiendo crear una estética en los espacios que ofrece el lugar, Robles elige la austeridad sobre las tablas del Teatro Barranco, breves apagones en los cambios de escena, con un ajustado mobiliario y solo utilizando la ya característica pantalla del foro para las secuencias del noticiero. Si bien, en términos generales, esta decisión no afecta demasiado el producto final, sí deben tomarse consideraciones en cuanto a la época en la que ocurre la acción: si estamos empezando los noventas, cuesta ver a personajes hablando por celular y otros, tecleando máquinas de escribir. Frases como “Qué fue, mano” rompen la convención de aquellos tiempos del inicio de la trinchera.

Sin duda, son las actuaciones las que deben ser la mayor fortaleza de esta nueva adaptación del clásico de Miyashiro. En ese sentido, el elenco que encabeza Miguel Cente como Misterio hace un despliegue de energía, pasión y entrega tal que se desborda muchas veces, pero que permiten bosquejar muy bien a los personajes del drama (algunos, ya icónicos) y consiguen así que el espectador siga las diversas historias con interés. Robles cumple con Un misterio, una pasión uno de sus grandes retos como director: enfrentarse a un enorme texto considerado, por muchos, como intocable; pero apoyado por un elenco entregado por completo a la causa y que con algunos ajustes bien podrían considerar una oportuna reposición en el futuro, en sentido homenaje a un joven director como Robles, que así como Misterio, fue un hincha acérrimo del quehacer teatral.

Sergio Velarde

10 de enero de 2026

Crítica: KORTAS MIÉRCOLES - DICIEMBRE

Entretenimiento de fin de año

Con ya varias salas limeñas rindiéndose a la presentación de obras de teatro de formato breve, conviene irse ya despojando de muchos prejuicios y terquedades al momento de evaluar estos productos teatrales de corta duración, que vienen, en su gran mayoría, estrenándose en cortas temporadas mensuales, y aceptar que sí son capaces (al menos, una gran parte) de contar historias trascendentes, de entretener a su público por un cuarto de hora y, cómo no, de fomentar a oportunas reflexiones. Tal es el caso del longevo ciclo de Kortas en el Teatro Barranco. 

En plena época navideña se reestrena Papa Noel está secuestrado de Luisito Fernández, con la dirección de Tommy Párraga, a cargo de Bello Bello Producciones. La historia involucra a una caprichosa jovencita (Andrea Llamosas), quien secuestra a un Papa Noel (Jeff Bello) debido a un trauma ocasionado por un regalo no deseado. Una ingeniosa trama bien resuelta por la química que exhiben sus actores. Y en Orgullo Toribiano de Butaca C Producciones, escrito por Ivanna Pedresch y con la dirección de Flavia Puglianini, se explora la reconexión con el pasado escolar entre dos jóvenes egresados, con canciones y coreografías incluidas. A pesar de la virtual ausencia de un conflicto mayor, la puesta sale adelante por el carisma y energía que le imprimen Enrique Nieto y Rodrigo Rodríguez.

El siempre interesante Diego La Hoz, con la producción de Espacio Libre, encuentra en este formato la oportunidad de escribir y dirigir una jocosísima comedia titulada Colágeno que entra de lleno en el doble sentido, pero sin caer jamás en lo vulgar y gratuito. En esta empresa colaboran, en gran medida, el talento de Gherson Flores como el inocente repartidor y la gratísima presencia de una recuperada para la escena Rochy Yépez, como la sensual viuda. Finalmente, las muy divertidas Eliana Fry García-Pacheco y Vero Rova desenmascaran en gran forma los tejes y manejes de los retiros de yoga, en la excelente Vibrar alto de Leticia Arbelo, bajo la dirección de Lía Camilo y la coproducción de La Caracola Produce y Eduardo Ramírez, con los intereses y conveniencias personales por delante de cualquier atisbo de enriquecimiento espiritual. Bien por Teatro Barranco por seguir apostando por un formato teatral que tiene todavía mucho por ofrecer.

Sergio Velarde

9 de enero de 2026

Crítica: AUTOMATIC

El tránsito de lo “automatic”

El pasado 19 de diciembre, dentro del Teatro Barranco, se observaba el paso, lo automático y lo extracotidiano de la vida a través de un lenguaje experimental construido con una vehemencia escénica singular y un grito abierto a la melancolía. Automatic, creado y dirigido por Lucas Mendoza Sandoval, se sostiene en un elenco que presta su voz y su cuerpo para narrar una historia personal, integrado por Marcela Álvarez, Luis García, Calu Chávez, Diana Palacios y Fabián Suni.

Automatic es una celebración del ritual de la vida y del tránsito por un camino extracotidiano donde, por momentos, lo extraño permite visibilizar la otredad de la performance y su condición liminal con la vida misma. La pieza se convierte en una especie de umbral que utiliza el cuerpo y la voz como herramientas escénicas primordiales para contar una historia.

De esta manera, la narrativa propone el testimonio como un mecanismo contemporáneo para descifrar respuestas alojadas en la memoria y el silencio, donde cada animal aparece como una especie voraz que, poéticamente, devora al ser humano.

Desde mi punto de vista, la dirección es certera y está cargada de recursos escénicos que permiten encontrar esa lógica que los personajes buscan comprender. Por momentos, los actores se presentan como ellos mismos y abandonan el cuerpo del actor para sensibilizarse con la historia que están narrando.

Automatic se nombra contemporánea no solo por una propuesta fresca y moderna, sino porque traspasa los límites del teatro moderno y se adhiere al conflicto desde diversas dramaturgias escénicas: el cuerpo, el movimiento y la voz. En su conjunto, es una propuesta que se impregna del uso estético de lo humano para atravesar el ritual del autodescubrimiento y el renacimiento.

Juan Pablo Rueda

6 de enero de 2026

Crítica: TODAS SOMOS ELLA

Sanación en un escenario

El sonido retumba, una guitarra rasgada y astral; la música es un mantel o una mesa que flota en el espacio y expone los cuerpos femeninos que danzan, con su voz, con su presencia. Las actrices tienen un decir, algo que sacar dentro del escenario. Me parece muy particular la forma de abordar su sanación, su empoderamiento. Cada una presenta una historia, cada una con algo distinto a la otra, pero con un tema que las conecta, la posibilidad de elegirse a uno mismo, de dejar de lado algo que no es correspondido, que no transita con los mismos pasos.

Dentro de la vida, el proceso de soltar es un factor al que nos enfrentamos en alguna parte de nuestra historia. Es como la nuez para completar el pastel espiritual de nuestra trascendencia. No solo dejamos una pareja, también dejamos amigos, situaciones, pensamientos, familiares; el hecho de entender que nada nos pertenece excepto nosotros mismos es un reto indispensable.

Llevar al teatro una herida es una muestra de valentía, mostrarse vulnerable ante ello no es debilidad: es la fuente principal del renacer, de la fuerza. En tal sentido, ver los cuerpos sacando lo más profundo de sus recuerdos y sus rencores es una dulzura para los sentidos. Las actrices que pronto serán egresadas se enfrentarán a un nuevo reto que es sostenerse en el mundo profesional, pero ya ganaron una batalla y es terminar la carrera.

Los juegos escénicos me gustaron mucho, las transiciones entre el presente cotidiano y extracotidiano, la voz muy bien trabajada, las presencias interesantes en su particularidad, los juegos colectivos de ensoñación precisos y bien ensayados, se nota cuando un producto tiene pasión y esfuerzo.

El trabajo de luces también es un elemento a mencionar. Hubo equilibrio entre los colores y exactitud en el tiempo, mantenía un traslado del tiempo permisible y gentil ante el espectador. Energéticamente hubo pequeñas explosiones a cada instante, los cambios de tiempo permitían una erupción para cada una de ellas, momento genuino, certero y voraz. La forma en que se trabajo lo que se busca decir encontró la poesía, el cuerpo exaltado por el arte, por la fuerza de la interpretación y de los recursos especiales. Todo se mantuvo en un orden adecuado.

El músico y la composición musical guardaban una presencia propia, la sonoridad permitió que los recursos escénicos se conectaran y se engrandecieran. Un buen trabajo, aplausos y apoyo para sus carreras profesionales. El camino es largo, a veces desanima, pero si el pecho late arte, no habrá otro lugar a donde ir; cierras los ojos o abres la boca, duermes o despiertas, el arte estará ahí, triste o alegre, perseverante o pesimista.

Moisés Aurazo

6 de enero de 2026

Crítica: AUSENTES

La poesía de la ausencia 

Dentro de la Casa de la Creatividad, cuatro cuerpos desde el uso performático y el testimonio se reúnen para contar historias que se entrelazan como hilos conductores cargados de memoria. El 5 de diciembre se presentó Ausentes, una creación colectiva de Ana Lucía Glidemeister, Víctor Bullon, María José Echeandia y Diana Palacios.

Resulta interesante observar cómo la propuesta se inscribe en una sensibilidad contemporánea a partir de su vínculo con el testimonio, el recuerdo y la memoria. La creación colectiva sostiene un carácter lúdico y preciso, desarrollado a través del juego escénico: un espacio donde los personajes y las vivencias personales de cada intérprete dialogan de manera punzante y profundamente emotiva.

La obra se articula desde una narrativa fragmentaria, cercana a lo humano, cuyo conflicto constante es la ausencia. Este eje se construye desde diversos lenguajes escénicos y semióticos, entre ellos la escenografía, que transita de una mesa con sillas alrededor a un comedor que parece vacío, pero que se encuentra habitado por lo que falta.

Ausentes encuentra un ritmo particularmente interesante cuando desafía al tiempo. El pasado y el presente se intercalan como capas que se superponen, permitiendo que la ausencia emerja en las palabras no dichas, en las anécdotas y en las vivencias de los personajes.

En cuanto al trabajo actoral, el elenco logra resolver en escena incluso frente a ciertas complicaciones. Esa capacidad de sostener y resolver se vuelve fundamental, especialmente cuando el camino escénico implica desnudar aspectos de la propia vida. Lo que sucede en escena adquiere entonces un carácter casi mágico: pequeñas cápsulas de experiencia que se conectan entre sí hasta construir un sentido de colectividad.

En términos generales, se trata de una propuesta emotiva que apuesta por el testimonio desde el uso del yo cotidiano. Ausentes deja una huella sensible sobre aquello que está y aquello que no, sobre las presencias y las ausencias que atraviesan la vida. En esta obra, la ausencia se convierte en poesía.

Juan Pablo Rueda

6 de enero de 2026

Crítica: EDIPO REY

Efectiva propuesta coral

Uno de los roles fundamentales en la tragedia de Sófocles, Edipo Rey, lo juega el Coro. Este no solo representa a los ancianos tebanos, sino que actúa como un personaje colectivo que comenta, juzga y expresa la voz del pueblo, convirtiéndose en un mediador entre los dioses, los personajes y la audiencia, ante la progresiva revelación de la verdad trágica de Edipo. El director Carlos Delgado Morris acierta, en su particular propuesta del mencionado clásico griego, en conferirle a su Coro, además, las voces del resto de personajes. Quizás sea esta decisión formal y estética la que terminó por convertir a esta nueva actualización de Edipo Rey en un espectáculo recomendable y de necesaria reposición.

La historia es de sobra conocida: el rey Edipo investiga la muerte del rey anterior, Layo, descubriendo trágicamente que él mismo mató a su padre y se casó con su madre Yocasta, sin saberlo, cumpliendo una antigua profecía. Sin embargo, la riqueza de los clásicos radica en su pertinencia y vigencia que nunca pierden actualidad; en ese sentido, la dirección destaca la soberbia del protagonista (Víctor Bullon) en no querer reconocer la verdad de los hechos, ante el destino expuesto por el Oráculo, que hace las veces de su propia conciencia. Esta línea argumental explorada se consigue resolver adecuadamente, gracias a la sólida actuación de Bullon.

Es en el aspecto espacial en el que radica la principal fortaleza de la puesta, específicamente, en el buen aprovechamiento de la Sala Quilla: con los asientos ordenados en los cuatro frentes, incluido el escenario, los dos niveles y la puerta del foro funcionan para darle agilidad a la trama, acompañado por un efectivo manejo de luces. Bien el desenvolvimiento corporal e interpretativo del colectivo femenino, integrado por María Jimena Angulo, Tahira Castro, Gabriela Chávez, Andrea De La Cruz, Andrea Marquina, Maricielo Pérez y Francis Vega, todas impecables en los distintos personajes que les toca representar. Producida por Naima, esta nueva versión de Edipo Rey mantiene la total pertinencia de los clásicos griegos, cumpliendo la tan necesaria función de acercarlos a nuevos públicos.

Sergio Velarde

4 de enero de 2025

Crítica: DOS PARA EL CAMINO

Soledad para dos

Así como A ver, un aplauso y Laberinto de monstruos, no podemos dejar de mencionar (y celebrar) otro de los clásicos que nos ha regalado nuestro dramaturgo César De María y que gozara de una breve temporada el año pasado, específicamente en la Asociación Cultural Arenas y Esteras de Villa El Salvador: se trató de Dos para el camino (2002), una ingeniosa pieza escrita para dos actores, organizada en cuatro monólogos iniciales y una escena dialogada final, en la que interviene un puñado de personajes heridos y desesperados, inmersos en soledad y en busca de redención. Acaso el hecho más destacable del mencionado montaje fue el respeto mostrado hacia el material original, acompañado por una propuesta escénica con personalidad propia.

El espacio de Arena y Esteras es bastante amplio; sin embargo, la directora Carolina Barrantes delimita convenientemente los espacios con el apoyo de las luces en cada segmento. La historia avanza sin tropiezos, manejando bien el suspenso y mostrando claramente los dilemas de cada personaje. Quizás algunos cambios de escena puedan acelerarse y la música clásica escogida para acompañar el montaje pareciera no encajar del todo en ciertas escenas. Se nota la inteligente propuesta de que cada monólogo sea ejecutado por uno de los actores con el apoyo físico del otro; no obstante, la cuarta escena no siguió el mismo formato. 

La juventud de Ariana Dileo y Marco Dasilva los hace destacar por su entrega y energía en cada uno de sus roles, si bien todavía pueden explorarlos en mayor profundidad. Bien el último acto, en el que se resuelve la inclusión de todos los personajes de la puesta, consiguiendo ambos intérpretes una interacción conmovedora y trágica a la vez. Felicitaciones a  La Fija Producciones por animarse a presentar uno de los excelentes textos de De María: Dos para el camino es un ingenioso mosaico de emociones que reflexiona oportunamente acerca de la necesaria compañía con la que deberíamos contar siempre, para no caer en la traicionera soledad que para nada es la mejor consejera.

Sergio Velarde

2 de enero de 2026

Evento: PREMIACIÓN OFICIO CRÍTICO 2025 - VIDEO DE CEREMONIA

Sábado 27 de de dicembre en Teatro Barranco

Evento: PREMIACIÓN OFICIO CRÍTICO 2025 (FOTOS BLOQUE 3)

Lo mejor de las Artes escénicas en nuestra capital

El evento se realizó en el Teatro Barranco el sábado 27 de diciembre de 2025.

BLOQUE 3

Premiacion categorías: 

- COMEDIA

- DRAMA

IN MEMORIAM

Premio especial PASSLINE

Premio de dramaturgia "Sara Joffré" 2025

Despedida