miércoles, 11 de mayo de 2022

Crítica: 14 MILLONES DE REALIDADES


¿Cuánto tendemos a idealizar al otro en nuestras relaciones?

Existe un síndrome llamado “Madame Bovary” o “Bovarismo”, que es un trastorno de comportamiento que surge a raíz de la aparición de las novelas románticas del siglo XIX. Desde entonces, la idealización del amor ha conducido a miles de personas (fundamentalmente mujeres) a una continua frustración y decepción. La búsqueda de ese “amor ideal” siempre termina chocando con la percepción realista de una relación de pareja.

Esto es exactamente lo que le pasaba a Madame Bovary: ella tenía anhelos de personas míticas y todo lo que se le presentaba le quedaba pequeño, buscaba entonces la realización de sus sueños en otros amores, pasionales y platónicos…, pero ninguno de ellos lograba calmar su desesperada ansiedad y sus románticas inquietudes.

Desde la antigua Grecia, existían dos formas de conocer el mundo: el Mythos y el Logos; de alguna manera siguen existiendo muchas personas que cuando empiezan a conocer a alguien lo hacen desde el “mythos”, es decir, lo hacen desde la idealización, desde la construcción de una historia sobre aquella persona que poda casi todo lo que no les gusta y se quedan con todo lo que podría encajar con lo que ellos esperan. Por ejemplo: “Me gusta que esta persona es muy sensible”, cuando en realidad no es así; o “Es muy profundo”, cuando en realidad casi no habla. Entonces mitificamos al otro para que encaje con nosotros. Todo esto pues, es el enamoramiento y siempre acaba, siempre termina, y es cuando finalmente tomamos la decisión de amar o no a esa persona. El enamoramiento es pues, totalmente opuesto al amor.

Imaginen una máquina que pudiera cambiar al ser querido tal cual nuestros requerimientos, pues sería aún más caos, pues por un lado no existe la persona perfecta, ni única, ni especial; y por otro lado, esa persona dejaría de ser tal cual es, para ser algo solo para complacernos. Esto propone la obra 14 millones de realidades, una mujer que ajusta a su gusto a su pareja, pero que, tal cual Madame Bovary, no termina de gustarle ninguna de sus versiones.

Las relaciones son complicadas, pero si vamos desde el mythos, ya estamos entrando en el terreno de la ilusión, cuya caída puede ser fatal una vez que el enamoramiento fenece. ¿Qué queda luego de eso? Pues el diálogo, y tener claro que el amor no lo puede todo, que el amor no es sacrificio y que incluso con amor puedo terminar una relación si siento que estamos en diferentes direcciones; quizá un tiempo podemos conectar bien con la pareja y eso no significa que esa conexión se mantenga toda la vida. Siempre quizá sea mejor ser objetivos.

Un escenario minimalista, apoyado en un gran trabajo de los actores, a veces rompiendo la cuarta pared, invitándonos más a ser partícipes de observar cómo nos estamos relacionando.

Manuel Trujillo

11 de mayo de 2022

Entrevista: MARCO ANTONIO HUACHACA


“Si no vemos teatro ¿de dónde aprendemos?”

En medio de la reactivación teatral de los últimos meses, es de desatacar la labor de Marco Antonio Huachaca, quien se encuentra en cartelera con dos espectáculos teatrales bajo su dirección y además, coprotagoniza uno de ellos. Oficio Crítico conversó con el joven artista sobre su experiencia y trayectoria, así como de sus dos montajes en cartelera: El ornitorrinco y Con mi mamá no te metas.

Escrita por Humberto Robles, El ornitorrinco nos cuenta la historia de Ana y Paco, una pareja que convive y disfruta de su sexualidad dentro de una normalidad aparente; sin embargo, surge la idea de cuestionar la monogamia como una norma que toda relación debe seguir. En este contexto de dudas e indecisión, David, amigo de la infancia de Paco, se involucra sin darse cuenta que él también podría ser víctima de la situación. Sus vidas cambiarán completamente desde este momento.

Se encuentra en temporada los viernes de mayo a las 8:00 p. m. en el Teatro Auditorio de Miraflores.

Por otro lado, Con mi mamá no te metas es una comedia escrita y dirigida por Marco Antonio, en la que la actriz María Victoria Santana es “Doña Cuca”, una madre fuerte y trabajadora, que mantiene sola a sus dos grandes hijos Mayra y Pedro. Ellos han decidido brindarle mayor atención y cariño por el Día de la Madre, ya que se han dado cuenta lo alejados que han estado de ella. Sin embargo, la visita del primo Luisito, sus gestos de cariño y buen trato hacia Doña Cuca, generarán en ellos celos descontrolados y las ganas de eliminarlo de la casa, sin embargo, no tienen idea a lo que de verdad se enfrentan… ¡CON MI MAMÁ NO TE METAS!

La temporada va los sábados y domingos de mayo, también, en el Teatro Auditorio de Miraflores.

La producción general de ambas obras se encuentra a cargo del colectivo Teatro en el Perú.

Sergio Velarde

11 de mayo de 2022

Crítica: SURTE. EL SONIDO DE LOS SUEÑOS


La incansable lucha por los anhelos

Próxima a estrenarse este jueves 12 de mayo en el Teatro de la Alianza Francesa – Miraflores, SURTE. El sonido de los sueños, una coproducción de la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático ENSAD y la Asociación Iberoamericana de Artes y Letras AIBAL, nos trae una historia cargada de emociones, que atrapa al espectador desde el principio.

Escrita por Percy Encinas y Carlos Gonzáles, bajo la dirección artística de Luz Marina Rojas Merchan, la trama nos sitúa en un contexto actual en donde Abi, la orgullosa abuela de Facundo, se prepara para la llegada de su joven nieto, quien partió a otro país con el objetivo de consolidarse como músico; no obstante, los rumbos misteriosos y a veces  injustos que tiene la vida cambiarán los planes de estos personajes. De manera alternativa, se conocen otras historias con distintos personajes, cuyas realidades se entrelazan, teniendo un denominador en común: la conquista de los sueños. Es decir, la historia principal se nutre y complementa con las pequeñas historias alternas, logrando conmovedores momentos.        

Quien escribe tuvo la oportunidad de asistir a una función de preestreno, de la cual se destacan varios puntos importantes. En primer lugar, la acertada y funcional distribución de los actores en escena, quienes no solo interpretan, sino que también se convierten en espectadores de la puesta, otorgándole a una energía presente y viva al desarrollo de las escenas. También el manejo adecuado del diseño de luces, precisaba los cambios y contrastes en los diálogos; de igual forma, la proyección de imágenes acompaña el desenvolvimiento de la historia. Así, el uso de todos estos elementos logra un resultado visual potente que se agradece. Una mención aparte para el equipo a cargo de la composición musical, encabezado por Estefano Encinas, quien toca en vivo. Sin duda, la pertinencia tanto en las letras como en los arreglos suponen un plus que imprime una rítmica especial a las escenas, además de engranar muy bien con los diálogos.

Por otro lado, el impecable elenco conformado por Lilian Nieto, Javier Valdés, Cecilia Monserrate, Lía Camilo, Laly Guimarey, Alejandro Tagle, B’reshith Burstens, Victoria Lara y Jesús Bazalar combina experiencia y entusiasmo, brindándole al espectador sentidas interpretaciones. Si algo habría que recomendar, en el caso del reparto a cargo de las coreografías, sería afianzar y dosificar un poco más la energía; sin embargo, destacamos el trabajo vocal bien sostenido.

SURTE. El sonido de los sueños se manifiesta como una sólida puesta en escena, que nos muestra una historia cotidiana, de la cual se desprenden temas tan vigentes como la violencia, la opresión, la discriminación y la xenofobia, todo ello, en un contexto aún más difícil por la pandemia, que si bien no es el hilo conductor de la narrativa, se puede deducir que agudiza la situación de un migrante, que busca en el país de las oportunidades, cumplir sus sueños. El teatro, una vez más, hace posible vernos en un espejo e identificarnos con los personajes de esta obra, ya que todos andamos, algunos más errantes que otros, luchando por conseguir nuestros anhelos.

Maria Cristina Mory Cárdenas

11 de mayo de 2022 

Entrevista: MANCHI RAMÍREZ


“La impro es más cerebral y el clown es más del corazón.”

Manchi Ramírez es un actor, improvisador y clown con una vasta experiencia. Oficio Crítico conversó con el multifacético artista a raíz del estreno de Cenicienta, una obra de teatro interactiva para toda la familia, en donde el público es quien decide el final. Al lado de Manchi, participan Daniela Linares y Gia Roselina, con el acompañamiento musical de Armando Abanto y la dirección de Piero Fuentes - Castro Dulanto.

Dicen que algunos cuentos están hechos para vivirlos una y otra vez. Pero algunas de estas historias están muy pasadas de moda. Por eso, la tarea de estos tres actores es reescribir los clásicos cuentos que todos conocemos, y agregarles tres veces más diversión y finales alternativos.

Cenicienta se encuentra en temporada en el Teatro Barranco los sábados y domingos a las 4:00 p. m.

Sergio Velarde

11 de mayo de 2022  

martes, 10 de mayo de 2022

Crítica: ENAMORARSE ES HABLAR CORTO Y ENREDADO


Romance en el parque

En medio de la efervescente reactivación teatral, el reacomodo progresivo de nuestras rutinas prepandémicas, la violencia que parece imperar en nuestra sociedad, la tragicómica coyuntura política nacional y el lamentable conflicto armado internacional, tiene que ser el Teatro el que venga a sacudirnos en su forma más básica y efectiva a la vez. Y es que nada es más agradable que sentarse en una butaca, olvidar nuestra propia realidad por 60 minutos e involucrarnos en una sencilla y tierna historia sobre el escenario. Eso es lo que consigue, en términos generales, Enamorarse es hablar corto y enredado (2017), pieza escrita por el dramaturgo argentino Leandro Airaldo y dirigida por Esmeralda Fern, estrenada en la Sala Tovar de Miraflores.

Dos desconocidos se encuentran casualmente en la banca de un parque: ella es una citadina perspicaz y él, un campechano hombre de campo; ambos conviven con la soledad, pero deciden entablar una amistosa conversación. Sin pretender adaptar el montaje a nuestra realidad, Fern acierta en mantener el contexto original del texto, representado por el mate que él le comparte a ella, la clásica bebida gaucha que invita inequívocamente a socializar. Los diálogos son precisos y poéticos, justos y metafóricos, cortos y enredados, justificados por el nerviosismo que asoma de vez en cuando en la pareja, pero que no alterará la conexión entre ellos a pesar de sus evidentes diferencias.   

En estos tiempos tan críticos, ver cómo una mujer sola acepta conversar con un desconocido y además, aceptarle de beber resulta atípico. Sin embargo, la dirección de actores se luce con el trabajo interpretativo de María del Carmen Sirvas y Martín Martínez, quienes lucen convincentes y sólidos en todo momento. Detalles menores como darle un mayor protagonismo al árbol al lado de la banca y que no sea un simple elemento decorativo, así como revisar la inclusión de los efectos de sonido, no afectan el desarrollo de un diálogo honesto y creíble. Enamorarse es hablar corto y enredado, con la producción de Camerino 4 y la misma Fern, es una revitalizante puesta en escena llena de sutilezas, que nos recuerda que el amor y el afecto siempre estarán presentes entre nosotros para salvarnos, aun en los momentos más duros que nos toque vivir como sociedad.

Sergio Velarde

10 de mayo de 2022

domingo, 8 de mayo de 2022

Crítica: SOY JOSÉ MAMANI


¿Para qué ser Mamani, si puedo ser Justin Bieber? 

Nadie puede negar la relevante influencia de la globalización en los países subdesarrollados; en especial, dentro de la personalidad de su juventud que absorbe cantidades cuantiosas de publicidad sobre las nuevas tendencias en modas, vivienda, lenguaje, redes sociales, entre otros aspectos generales. Por ello, La Negra Asociación Cultural de la ciudad de Puno trae a escena el evidente síntoma de la alienación tan contagiosa que choca contra los orígenes autóctonos de una cultura en su adaptación de la obra Soy José Mamani del chileno Fernando Montanares, bajo la dirección de Julissa Paredes y protagonizada por Gustavo Quispe (como José Mamani) y Romina Paredes (como la psicóloga).

La ficción cuenta los problemas de identidad de un joven aymara, quien se considera alejado de todo tipo de parentesco con los “eso” -forma despectiva de referirse a su linaje-. En medio de la terapia que lleva, su psicóloga hará lo posible por encontrar la razón de esta negación violenta, a tal punto que los pensamientos retrospectivos, la carga de la herencia y la realidad se entremezclan. Bajo este sólido argumento la obra se figura como una fuerte crítica a la figura comercial captada por las almas más joviales de la sociedad peruana actual. Ese deseo de acercarse a pertenecer a las altas esferas, tener belleza estética o consumir productos costosos y que contrae la degradación de la personalidad cultural de uno mismo es sintetizado en un brillante montaje capaz de llevarnos a cuestionamientos muy profundos.

Cada elemento de la propuesta está bien colocado: desde la composición del espacio hasta la interpretación de los actores. Su genialidad viene directa de la esencia; se siente un verdadero teatro hecho en provincia. La escenografía nos da la lectura de características de la sierra peruana, incluido el vestuario, las proyecciones de imágenes y el uso de la máscara como un tercer personaje dentro de la trama. Eso en contraste con el personaje de Quispe le da mayor peso a la temática. Aunque por momentos el actor pareciera manejar un solo matiz para todo, poco a poco el ritmo lo hace entregado a los impulsos del cuerpo, logrando mucha verdad y correctas reacciones con su también impecable compañera de escena. El trabajo de Paredes resulta el de mejor progresión dramática. Empezando por lo pasivo e inerte de las expresiones y la corporalidad (casi parecido a un autómata dando terapia), para luego convertirse en la antítesis perfecta de “José Mamani” a lo largo de la función. 

La acertada mirada de la directora en cuestión de relacionar espectáculo con crítica social es admirable, muy fuera del cada vez más común teatro capitalino. No hay duda que hace mucho tiempo las producciones del cine y el teatro de provincia rompen esquemas repetitivos y gastados de la cartelera limeña para entonces brindar nuevos horizontes creativos. 

Tras unas breves funciones en el teatro de la Asociación de Artistas Aficionados y nuevas presentaciones en el escenario arequipeño, nos queda estar atentos a otras temporadas y proyectos de esta sala independiente. 

Christopher Cruzado

8 de mayo de 2022

viernes, 6 de mayo de 2022

Entrevista: CAROLINA RODRÍGUEZ


“Una actriz debe ser muy perseverante en su entrenamiento.”

Katartika Compañía Escénica presentará su cuarta obra oficial, en la que pone punto final a sus aventuras virtuales. Despedida en tres partes, escrita y dirigida por Joaquín Usseglio, tiene entre sus protagonistas a Carolina Rodríguez. Oficio Crítico conversó con la joven actriz sobre su trayectoria y experiencia, así como su participación en el montaje virtual.

Mariela, Víctor y Alejandro son tres hermanos que no se han visto en persona en un largo tiempo. Tras la pérdida de un ser muy querido para ellos deberán reencontrarse, para decir el último adiós a esa persona. Pero esto implicará que ciertas heridas y asuntos no resueltos del pasado vuelvan a salir a flote. ¿Lograrán verse de nuevo a pesar de todo?

Despedida en tres partes inicia su temporada el viernes de 13 de mayo  y finaliza el sábado 28 de mayo. Todos los viernes y sábados a las 8 p. m., por medio de la plataforma virtual Zoom.

Para adquirir sus entradas pueden escribir al IG o Facebook de @Katartika_ce o al número de WhatsApp 910 580 674. Se puede realizar el pago por medio de YAPE, PLIN o trasferencia bancaria.

Sergio Velarde

6 de mayo de 2022

 

jueves, 5 de mayo de 2022

Entrevista: ANGELO CONDEMARÍN


“Descubrí que escribiendo era un hombre libre.”

Oficio Crítico conversó con el destacado autor y productor Angelo Condemarín, responsable del éxito de la pieza Tu madre, La Concho, emblemática puesta en escena dedicada a todas las madres latinas. Justamente, el miércoles 4 de mayo se realizó el lanzamiento de la mencionada obra en formato de audiocomedia en cuatro episodios, disponibles a través del canal de La Gata Teatrera en Spotify, Apple Podcast, Amazon, Ivoox y Google Podcast.

Una madre sobreprotectora al límite, una abuela manipuladora, y una nieta metiche, se unen en un matriarcado familiar para dominar la casa frente a una terrible amenaza: el engreído de la familia quiere independizarse. La audiocomedia cuenta con las voces de Sonia Seminario como Clementina, Lilian Nieto como Concho, Claudio Calmet como Mariano, Lía Camilo como Catalina y Alejandra Guerra como la Gata Teatrera.

Más información en redes sociales de La Teatrera: Instagram: @lateatrera.pe y TikTok: @lateatrera.pe.

Sergio Velarde

5 de mayo de 2022


lunes, 2 de mayo de 2022

Crítica: DETENCIÓN


Ser humano, ser adolescente

La Eme Colectivo Teatral ha estrenado recientemente la obra Detención, escrita y dirigida por Mónica Talavera. El Nuevo Teatro Julieta da lugar a esta producción los días viernes y sábado a las 10:30 p.m., con las actuaciones de Diego Pérez, Lilian Schiappa-Pietra, Daniel Menacho, Andrea Alvarado, Gianmarco Loli y Fernando Pasco. Este montaje nos cuenta la historia de cinco alumnos y alumnas que terminan en detención después de un día de clases. La chica popular, la “rara”, el nerd, el deportista y el alumno violento se encuentran en detención después de clases, cada uno por razones que iremos conociendo. Sin pensarlo, el espectador encontrará que estos cinco estudiantes tienen más aspectos en común de los que parece.

El espectáculo se desarrolla en el salón de detención, al cual van llegando uno a uno los alumnos castigados. Esta entrada de los personajes es un aspecto muy importante, ya que es la carta de presentación de los alumnos. Se notó la especificidad en las marcaciones de entrada de cada uno, lo cual constituía información muy valiosa para que el público pueda conocerlos. La construcción de los personajes estuvo muy pareja, cada uno lleno de detalles que enriquecen la obra. Debo rescatar que cada uno de los caracteres de la obra logró niveles de contradicción humana tan específicos que evitaron la posibilidad de caer en el cliché meramente.

A pesar de que la construcción de personajes fue eficiente a nivel general, el ritmo de la obra no fue claro ni consistente. Hubo momentos donde la marcación de escenas y contraescenas eran muy confusas, por lo que el espectador no podría haber tenido claro cuál era la principal y cuál la secundaria. Esto generó una sensación de desorden, acompañado del hecho de que momentos cumbre de la obra no fueron marcados de manera clara. El engranaje del sistema de luces no fue específico durante la obra, parecía un elemento que no acompañaba realmente el cuadro de intensidad. Lamentablemente este desorden desde la dirección no permitió que el espectáculo se lograra completamente.

Las peripecias de la adolescencia es un tema que nunca dejará de ser vigente. De la mano de Talavera, tenemos la oportunidad de ahondar en las contradicciones que se viven y sienten en esta etapa de la vida. La misma directora reconoce que este momento constituye, tal vez, el primer gran encuentro con lo que es la vida real. El espectador es testigo del  enfrentamiento con situaciones donde el estatus y las ideas de poder van cobrando importancia, y cómo esta “batalla” ha traído consecuencias distintas en cada personaje. Lo más enriquecedor de esta historia es que el público puede identificarse y ver de cerca a estos cinco chicos que, al fin y al cabo, terminan teniendo mucho más en común de lo que parecía.

Stefany Olivos

2 de mayo de 2022

domingo, 1 de mayo de 2022

Crítica: INOPIA DE UN DIOS SALVAJE


La pérdida de la inocencia

La trata de personas, especialmente la de niños, es acaso uno de los delitos más despreciables que pueden existir. Las víctimas son captadas mediante engaños o coacción y son sometidas a trabajos forzados y peligrosos, convirtiéndose esta práctica en una forma alternativa de esclavitud. En nuestro país se registra una enorme cantidad de casos, tanto en la capital como en el interior, provocando un inmenso dolor a miles de familias, que se ven destruidas desde su interior ante el menor descuido. Justamente esta actividad delictiva es retratada en toda su crueldad, pero además con un agradecido sentido de la estética, en Inopia de un Dios salvaje, escrita por el joven actor Alejandro Tagle y que fuera ganadora del concurso de Dramaturgia Joven ENSAD 2021.

Con la certera dirección de Renato Piaggio, la pieza nos presenta las vicisitudes de dos niños secuestrados y encerrados en una oscura e inhóspita habitación. Tanto Bruno (Tagle) como Vania (Daniela Davis) tienen sus propias historias que nos son contadas en desorden temporal, pero de manera comprensible. Además, la dirección plantea un montaje lúdico que abraza su origen teatral, con los actores apareciendo al inicio vestidos de blanco y luego sus vestuarios, descolgándose desde la parrilla de luces. Ambos intérpretes consiguen logradas caracterizaciones, a la vez que entablan una dinámica y tierna relación que hará aun más dramática la resolución final.

A destacar también el tratamiento de los monólogos que asume cada actor en su momento, a excepción del primero grabado en video, algo discursivo. Tanto Davis como Tagle conmueven con sus palabras, provocando en los espectadores un genuino sentimiento de compasión hacia los miles de afectados en el mundo debido a esta práctica delictiva. Con la producción de Kapchiy y Alejandra Zegarra, y presentada en la Casa Tovar de Miraflores, Inopia de un Dios salvaje es un sólido y efectivo llamado de atención frente a la trata de personas, una despreciable manera de explotación ilegal, que es presentada en escena de una manera estéticamente sugerente y profundamente humana.

Sergio Velarde

1º de mayo de 2022