Entrevista: NICOLÁS FANTINATO

“Sólo hay dos tipos de teatro, el vivo y el muerto”

“Mi primer encuentro con el arte fue en el colegio, pero a través del canto”, recuerda Nicolás Fantinato, ganador del premio de público al Mejor Actor de Comedia por Le Petit Pan Pan. “Tenía la voz aguda y mi profesor de canto en el colegio San Genaro me daba esperanza; pero finalmente la lleve al tono grave y no la cultivé”. Ya en la Universidad de Lima, y a pedido de su padre, llevó el curso de Desarrollo de la Personalidad a través del Teatro, para conseguir vencer su timidez. “Me animé a estudiar teatro y fue así que estuve 3 años en el Centro Peruano de Teatro, dirigido por Eduardo Navarro”. Nicolás asegura haber aprendido allí lo básico, a impostar la voz y a tener la confianza de estar en el escenario. “Posteriormente llevé otros talleres, y sin querer fui conociendo a mucha gente”.

Nicolás trabajó formalmente como actor con el grupo Splash de Danae Saco Vértiz. “Hacía del payasito Mondonguito en El Circo”. Sobre su directora en aquella ocasión, Eugenia Ende, recuerda que le decía que “hiciéramos todo con verdad, que no tratemos a los niños como tontos, como seres inferiores.” En comedias para adultos, Nicolás trabajó por primera vez con Sétima Scena en la obra El avaro de Molière. “Lo más bonito de esa experiencia fue que interpretaba a un personaje muy mayor (Harpagón) y cuando me quitaba la peluca en el saludo final, el público se sorprendía con lo joven que en realidad era”. Y en drama, actuó en Los árboles mueren de pie de Alejandro Casona, al lado de Anabella Flores. “Recuerdo que tuve una gran compenetración con ella en escena”. Sin embargo, Nicolás considera que es un actor inclinado indudablemente hacia la comedia.

“En 1999 conocí a Luis Gustavo Gonzáles (director del grupo Puesta), a través de David Carrillo”, recuerda Nicolás. “Hicimos la obra Rosas y Jacintos de Sergio Arrau, y después empezamos a investigar la técnica Claun”. La primera obra claun de Nicolás con el grupo Puesta fue Dr. Gen, y afirma que “fue la primera obra en claun propiamente dicha”. También tuvo la oportunidad de trabajar con Osvaldo Cattone en la obra Made in Peru, inspirada en la película Full Monthy. “Era la primera vez que me desnudaba, recuerdo que tenía mucha vergüenza, pero finalmente logré hacerlo”. Sin embargo, Nicolás afirma que al espectáculo no le fue como esperaban, ya que debió enfocar su promoción en otro sentido. “Made in Peru no trataba solo de un streap tease, tenía toda una reflexión sobre la parafernalia política de ese momento”.

Nicolás también participó en numerosos espectáculos de improvisación como Noches de Impro, Improvisaciones Mínimas e Impro de Miércoles. “La improvisación aviva los sentidos”, refiere. “Por supuesto, sin extralimitarse, pues el texto corre el riesgo de desfigurarse, de volverse bufonesco; es importante no payasear”. Recuerda que en un inicio participó con otros actores en Ketó y que se concentraban en armas historias y siempre perdían al enfrentarse con el equipo de Pataclaun. “Lo que sucede es que ellos apuntaban a hacer reír, siempre iban a la broma, no apuntaban a la dramaturgia dentro de la improvisación”.

Entre los múltiples proyectos que tiene Nicolás para este año 2013 figuran el de dirigir La Cena de los Idiotas de Francis Veber, espectáculo en el que también tendrá un personaje pequeño; y la pieza infantil Un cuento de cuentos de Lily Boza; luego actuará en los musicales La Novicia rebelde, dirigida por Jean Pierre Gamarra en mayo; y en octubre en Los Locos Addams, dirigida por Doménico Poggi. Y en agosto estará bajo la dirección de Patricia Romero interpretando a un pequeño niño en Mimi y el Monstruo de la noche, en el nuevo Teatro de la Universidad Pacifico. Además de emprender una nueva aventura claunesca de la mano de Luis Gustavo Gonzales, nuevo montaje del grupo Puesta, a estrenarse en agosto en el CAFAE.

“Considero que existen dos tipos de teatro, el teatro vivo y el teatro muerto: en el vivo, los actores se escuchan, viven el momento, ayudando al compañero o sacando provecho del error; en cambio en el muerto, los actores solo se dan la letra sin importar que o como lo dijo”, concluye.

Sergio Velarde
18 de enero de 2013

Entrevista: GABRIEL IGLESIAS

“La impro te mantiene alerta”

“El teatro para mí llegó de manera espontánea, nunca estuvo planeado”, afirma Gabriel Iglesias, ganador del premio al Mejor Actor de reparto en Drama por la obra A ver, un aplauso, por El Oficio Crítico. “Trabajé a los 13 años con Osvaldo Cattone, en la obra Perdidos en algún lugar con Pablo Saldarriaga, también hice televisión en Canal 5, me gustaba pero no me llenaba; yo quería hacer música, tocaba desde los 10 años con la banda La Roja”.

Gabriel estudió en la universidad la carrera de Comunicaciones, en donde dirigió varios cortos, siempre con mucho humor. “En ese tiempo estaba algo desencantado con la música y quise probar algo nuevo”, recuerda. Es entonces, que se dedica al entrenamiento de improvisación, por las noches y sin ninguna pretensión. “Lo tomé como un hobby y realmente lo disfrutaba. Después llegaron los campeonatos, Pataclaun, Ketó y los unipersonales, además, participé en un Mundial en Buenos Aires”.

“Como actor pienso que la improvisación te mantiene en estado de alerta”, asegura Gabriel. “No te puedes dormir, asumes un estado de presencia; puedes aprender mucha técnica, pero si no estás “presente” no habrá una verdad”. Para Gabriel el concepto de teatro es todo aquello que sea escénico: una obra convencional, un concierto de música, un show de impro, en todos ellos él interpreta un personaje.

La puesta en escena de A ver, un aplauso le permitió a Gabriel conseguir una actuación sobresaliente. “Roberto (Ángeles, el director) nos dio mucha libertad a partir del texto”. Gabriel pensaba que su director era una persona muy seria, pero felizmente entiende que todo en una obra debe ser fresco. “Con Roberto nos llevamos muy bien, hemos empatado bien, me siento comodísimo y me deja ser como soy”.

Uno de los montajes de impro en el que intervino Gabriel fue Velorio, teatro de la improvisación, al lado de Christian Ysla y Patricia Portocarrero, entre otros. “Invitamos a un actor en cada función; al principio estaban con temor, pues tenían una gran responsabilidad, pero fue una experiencia genial”, asegura.

Entre los proyectos de Gabriel para este 2013, figuran la reposición de A ver, un aplauso, premiada obra de César De María. “También estaré en el elenco de Viaje de un largo día hacia la noche de Eugene O’Neill; y en otro proyecto de Impro”, concluye.

Sergio Velarde
17 de enero de 2013

Entrevista: LUISA FERNANDA LINDO

“Me considero una artista multidisciplinaria”

Una de las comedias más entretenidas e inteligentes del año que pasó fue Ficción, nombrada por El Oficio Critico como la mejor del 2012. Su artífice principal, la multifacética Luisa Fernanda Lindo, prefiere no ser catalogada como directora, ya que ella no cree que “el que dirige es director; porque actúas, eres actriz; yo me considero una artista multidisciplinaria, y así es Ficción, pues mezcla teatro, música, coreografía, video”, afirma. Luisa Fernanda es licenciada en Letras por la Universidad de Buenos Aires, ciudad en la que estuvo 9 años, ganándose un lugar como poeta y gestora cultural. “Estuve muy ocupada escribiendo, creando performances, estudiando y especializándome en teatro”.

¿Quiénes fueron tus profesores de teatro y qué aprendiste de ellos para la creación de tus espectáculos?
Solo mencionaré a uno, que fue el primero y al cual le agradezco profundamente su tiempo y dedicación: Enrique Victoria, con quien estudié en 1995 cuando tenía 15 años. Recuerdo la primera clase en la que todos, adolescentes alborotados, se presentaban y él les preguntaba por qué querían estudiar teatro. Todos decían querer ser actores o actrices, cuando llegó mi turno respondí: "porque quiero ser directora de teatro y necesito saber hasta dónde puedo exigirle a mis actores y actrices". Meses después, cuando ya cumplíamos un año de taller Enrique me dijo: "tienes un don innato para la dirección". Luego me olvidé de esas palabras y seguí estudiando teatro porque quería actuar (¡me entró el bichito!). Años después me vi en Buenos Aires, ya habían pasado más de ocho años allá, y me encuentro con otro maestro y me vinieron las palabras de Enrique y reaccioné: quiero dirigir, me dije.

¿Cómo surge el proyecto Ficción?
Luego de la performance Simulacro (realizada en octubre de 2010 en La Ex-Culpable), para la cual convoqué a Katerina D'Onofrio, Tábata Fernández-Concha, Patricia Biffi y Felipe Morey (batería), pensamos que sería bueno plantear una propuesta visual basada en el libro homónimo (Simulacro) que trataba sobre la simulación, los movimientos repetidos, lo sistemático de la sociedad y el encuentro con lo sublime. El proyecto se envió a la Convocatoria de Ayuda a la producción y exhibición de las Artes Escénicas del Centro Cultural de España y fue uno de los ganadores en 2011. Es así como, partiendo del concepto de simulacro propuesto por Baudrillard en Cultura y Simulacro (1978), surgió este espacio de experimentación e investigación sobre los propios miedos, en el cual durante 4 meses continuos trabajamos con distintos lenguajes (corporal, texto, registro audiovisual) con lo cual buscamos desmantelar los mecanismos que constituyen el simulacro así como trabajar los límites de la realidad y la ficción puestos en la actriz/personaje, en donde la directora intervendría dentro de escena. La obra se presentó en noviembre de 2011, y en 2012 tuvo un par de presentaciones más en marzo y luego una corta temporada de un mes para lo cual convoqué a Sofía Humala en reemplazo de Katerina D'Onofrio.

¿Siempre ha sido una constante en tus proyectos escénicos el combinar distintas disciplinas en ellos?
No sé si es una constante, creo que es lo que me sale. Me dedico a distintas ramas del arte, desde literatura hasta visuales, y las artes escénicas me brindan una plataforma de mucha libertad donde es posible combinar otras disciplinas que me apasionan. Entonces el resultado lleva consigo variados lenguajes que dialogan entre sí.

¿Cuáles fueron las impresiones de los espectadores que más te han llamado la atención, luego de ver Ficción?
Primero, muchas carcajadas. Segundo, mucha reflexión. Si en algo coincidía la mayoría de los espectadores es que Ficción, además de ser una obra dinámica y divertida, llevaba un mensaje importante y estaba dicho con mucha elegancia.

¿Qué opinas sobre la improvisación como género teatral y espectáculo en sí?
¡Qué pregunta! Me parece admirable porque me resulta muy difícil; creo que hay que tener mucho entrenamiento para sostener un buen espectáculo de impro. Te diría que no tengo mucha experiencia con la improvisación, pero sería muy hipócrita porque en la performance que forma parte de esta obra (Ficción) hay una escena muy importante y divertida en la que, como directora, le doy pautas a mis actrices para que lloren y luego les hago una serie de preguntas acerca de los procesos y las técnicas utilizadas para ello.

Mencionaste que si pudieras, eliminarías el diálogo de las obras de teatro, ¿por qué?
Creo en la acción y amo el silencio. La última obra que he escrito La Empresa, la cual obtuvo el fondo Iberescena 2011-2012, trata sobre la minería y los recursos no renovables. Esa obra está llena de silencios, de miradas, de acciones.

¿Cuáles son tus proyectos más inmediatos?
En un mes viajo a México invitada al Festival Enclaves Poéticas Transversales que está dentro del marco de la Feria Internacional del Libro de Minería, organizado por la UNAM. Luego, en mayo seré curadora de una muestra de arte Iberoamericano que se presentará en el Centro Cultural de España en Lima en la cual vengo trabajando desde hace unos meses.

Sergio Velarde
16 de enero de 2013

Entrevista: LEONELA PAJARES

“Debemos seguir el dictado de nuestro corazón”

“En Secundaria los profesores siempre me llamaban para que participara en las actuaciones”, recuerda Leonela Pajares, ganadora del premio a la Mejor Actriz en una Comedia por Comedia del Arte, según la encuesta propuesta en el blog El Oficio Crítico. “Como era un colegio parroquial me llamaban para representar una parábola, por ejemplo; y todo lo que tenía que ver con música, pintura y arte”. A pesar de no tener un profesor exclusivamente de teatro, su profesora de Literatura sí le enseñó a dar sus primeros pasos en las artes escénicas.

Leonela quería estudiar ya sea publicidad o ingeniería de sonido, pero se decidió por el teatro y llevó un taller con Shirley Rivadeneyra. “Me encantó ese taller, fue muy difícil, pero supe que era lo mío”, afirma. Por su parte, sus padres no estaban del todo contentos con la afición de Leonela. “Al principio estaban reacios, pero la verdad es que me encantaba ver a alguien en escenario, me inspiraba mucho; todo llegó de un momento a otro, y me convertí en la primera actriz de mi familia”.

“Mi primera muestra consistió en una serie de improvisaciones con chicos de Punta Hermosa”, recuerda Leonela. “Preparé mi monólogo y me presenté a la ENSAD”. Ya dentro de dicha institución recuerda con cariño a Guadalupe Vivanco y a Ernesto Ráez. “Con Guadalupe tuve una buena base, aprendí lo que era la concentración, que al estar parada en un escenario, proyectes y canalices la energía. Sobre Ernesto puede decir que es una de las personas con más humanidad que conozco, demuestra lo mucho que sabe y lo buena persona que es”, afirma.

Su examen de V Ciclo fue justamente Comedia del Arte, de autor anónimo. “Al principio los maestros no tenían mucha confianza en que nosotros podamos realizarlo y hacerlo posible. Fue un proyecto muy ambicioso, a cargo de nuestra profesora Sofía Palomino; teníamos que trabajar con nuestra corporalidad, las máscaras, todo debía estar bien definido; nos esforzamos al máximo”. Luego del examen final, el jurado quedó satisfecho con los resultados. “Nos dijeron que estábamos encaminados”, menciona Leonela. Ya en VI Ciclo, empezamos a trabajar Arlequín, servidor de dos patrones de Carlo Goldoni. “Le agradezco mucho a mi profesora, yo no confiaba, era muy cerrada; me ayudó mucho a desinhibirme”.

Para Leonela no existe forma para que los padres le digan que no a sus hijos, cuando éstos decidan seguir una carrera vinculada al arte. “Debemos seguir el dictado de nuestro corazón; podrán impedírtelo en un inicio, pero al final terminarás haciéndolo. Eso está en la sangre, no se puede desligar fácilmente”, exclama convencida. Para Leonela, todo actor siempre debe estar entrenando su cuerpo y su voz. Actualmente, a pesar de no estar en la ENSAD, llevó un taller ligado al performance con Guillermo Castrillón y estudia en Danza Viva en la escuela independiente de Morella Petrozzi. “Cada personaje es un mundo, si no entrenas no proyectarás nada en el escenario”, concluye.

Sergio Velarde
14 de enero de 2013

Entrevista: RICARDO DEL RÍO

“El arte es terapéutico”

“Desde el colegio me gustaba actuar, recuerdo que en todas las actuaciones participaba cantando, bailando y actuando”, recuerda Ricardo el Río, ganador del premio del público como Mejor Actor de reparto en una Comedia del 2012 por Le Petit Pan Pan, en donde interpretó al divertido Dr. Freud. Al terminar el colegio, una amiga le recomendó que haga teatro infantil; es así como Ricardo ingresa a los 16 años al Taller Splash, a cargo de la actriz Danae Saco Vértiz, llegando a actuar en la recordada Feria del Hogar. “Recuerdo que hicimos varias obras, como El palo de Santo Lloque, El Fantasmita Pluf, El Mundo Mágico de Splash, con varios actores como Giovanni Ciccia, Tatiana Astengo, Víctor Ángeles, Carlos Acosta. De todos nosotros, yo era el actor más jovencito.”

A los 19 años decide formalizar sus estudios de actuación. “Entro al Taller de Teatro de la UNI con Reynaldo Arenas. En ese tiempo salía en la novela Los de arriba y los de abajo, y participé como extra en ella.” Y en 1994 entra al Club de Teatro de Lima, recibiendo clases de Iván Romero y Eugenia Ende. “Recuerdo que Iván nos daba consejos muy interesantes (mi promoción incluía a Joaquín Jordán, Christian Esquivel y otros): teníamos que aprender a tocar instrumentos, montar a caballo y nos llevaba a ver cine europeo.” Por otro lado, tener a una maestra como Eugenia fue una experiencia muy grata para Ricardo. ”A ella le importaba mucho la voz, la dicción; y por supuesto, también el aspecto corporal. Recuerdo que ella era muy estricta y rígida: cuando hicimos farsa en Segundo Año, no le gustaba la sobreactuación, era muy severa con eso”, afirma. Antes de terminar el Club, Ricardo fue invitado para actuar en la obra Medea La Encantadora, con Eugenia Ende como directora y con Melania Urbina, Norka Ramírez y Fabrizio Aguilar en el elenco. “Estrenamos en el Juan Parra del Riego, nos enseñaron algunos pasos de flamenco; pero Eugenia fue el doble de estricta como directora.”

“Empiezo a estudiar Psicología en la Universidad Garcilaso de la Vega por una cuestión de vocación. Creo que a través de la psicología (en especial de psicopatología) puedes sacarle cosas muy interesantes a los personajes que interpretas”, afirma. En ese tiempo hizo algunos comerciales e interpretó papeles como figurante en algunas series y novelas, hasta que Nicolás Fantinato lo llama para probar la técnica claun. “Entrené hasta el año 2000 con el grupo Puesta de Luis Gustavo Gonzales, pero por diversos motivos no pude estar en ninguna de sus temporadas.” En el 2003 Sergio Paris lo invita a participar en los talleres de improvisación, tan de moda en aquellas épocas. “Considero a la improvisación como una buena herramienta actoral, hacíamos “matchs de impro” en el restaurante Patagonia de Grapa, en donde me nombraron como el mejor improvisador.” Posteriormente haría la obra Tenorio con el grupo Aqualuna, y gracias a uno de los papeles que tuvo en dicha obra, logró participar en la cinta Una sombra al frente de Augusto Tamayo, cuando el director acudió a verla. “Recuerdo que llego al casting de la película y quedé sorprendido cuando el director ya me había asignado el papel de Morán.”

A partir del 2004, Ricardo empezaría con una serie de viajes que enriquecerían su vida tanto personal como profesional. “Estuve en Chile, me fui por trabajo pero terminé actuando más que en mi propio país: hice varios cortos y participé en una serie educativa con un buen actor chileno llamado Claudio Riquelme; sin embargo, no tuve chance de hacer teatro.” En cambio, sí tuvo oportunidad de asistir a festivales, como el muy conocido Teatro A Mil. En el 2006 regresa a Lima para acabar su carrera de Psicología y al año siguiente parte nuevamente, esta vez a Estados Unidos. “Hice de todo, trabajé en Nueva York en varios restaurantes, pero debo decir que me chupé cuando tuve oportunidad de hacer audiciones para estudiar teatro allá. En California vi mucho teatro escolar, y me sorprendí con la infraestructura que cuentan y el profesionalismo de los chicos durante las funciones.”

Ahora Ricardo se siente feliz de estar en Perú y poder desarrollar sus dos pasiones: el arte y la psicología. “Considero que el arte es terapéutico, a través de él se pueden expresar muchas cosas.” Si bien es cierto no siempre está actuando, ha conseguido mucho en el corto tiempo que tiene en nuestro país. Tuvo la chance de actuar en el montaje universitario Los árboles mueren de pie, a cargo de Raúl Vásquez, con el que ganaron en el XVI Encuentro Nacional de Teatro Universitario Peruano en la ciudad de Trujillo. Y por supuesto, participar en Le Petit Pan Pan con el grupo Puesta y recibir un reconocimiento del público por su trabajo. “Luis Gustavo me encargó el personaje del Dr. Freud y me dio libertad para crearlo a mi manera y burlarme de él”, recuerda. Actualmente Ricardo labora en el Instituto Peruano de Psicoterapia y Desarrollo Personal Growth (teléfonos: 4751479 / 4025251). “Tengo la suerte, no sólo de ejercer mi carrera, sino que puedo fusionarla con el arte”, concluye.

Sergio Velarde
08 de enero de 2013

Crítica: BRECHT DRAMATIS PERSONAE

Didáctico acercamiento al poeta alemán

La obra que pasamos a reseñar es atípica: se define como un trabajo final del Bachillerato en Teatro realizado en la ENSAD a cargo del profesor Rafael Hernández. Sin embargo, no sólo está presente en este blog por tratarse de una (breve) temporada teatral con entrada liberada, sino porque la calidad del espectáculo bien vale la pena ser reconocida. Brecht Dramatis Personae es una compilación de monólogos extraídos de las obras más representativas del autor en cuestión, de fuerte contenido social y político, representada por ocho actrices y un actor. Las molestias, sobre todo auditivas provenientes del Parque de la Exposición, no empañaron en demasía la calidad del espectáculo. Por su parte, el sencillo y funcional diseño escenográfico corrió a cargo de Estefany Farías y Claudia Salcedo, bachilleres de escenografía bajo la supervisión de Aurora Ayala.

Las piezas seleccionadas de Brecht abarcan todo un abanico de emociones, bien desarrolladas por el elenco y el director: inicia el espectáculo con mucho brío Sergio Ota como Jeremías Peachum de La opera de 3 centavos y lo termina sobriamente Mercedes Montalvo como Pelagueia Vlasova de La Madre. Yuri Cárdenas (a quien vimos en La manzana prohibida) interpreta con precisión a Grusha de El círculo de tiza caucaziano, una cocinera que debe pasar un reto por conservar la custodia de un niño a quien crío por encima de todo; Geraldine Castillo (de El banquete de Mariátegui) construye una Antígona llena de energía y fuerza, mientras desafía a las leyes del hombre por negarse a dejar a su hermano sin sepultura; Fiorella Díaz (de Sólo dime la verdad) le imprime frescura y veracidad al personaje de Juana Dark de Santa Juana de los Mataderos; la carismática Orietta Foy (de La Ciudad de los Reyes) interpreta nada menos que a Madre Coraje, para hacernos ver las terribles consecuencias de una guerra; Alicia Olivares conmueve en su monólogo de El proceso de Juana de Arco en Ruan; Valeria Ramos convence en su personaje dual y antagónico de Shen Te/Shui Ta en El alma buena de Szechuan; y Marleni Salas interpreta con bastante corrección a la viuda renuente a que sus hijos participen en la lucha armada en Los fusiles de la Madre Carrar.

La principal característica de Brecht, dramaturgo capital en la historia del teatro, es la del principio de distanciamiento, en el que el actor no encarna el personaje, sino que lo muestra en escena manteniéndolo a distancia, con el objetivo de volverlo realista y así conservar su esencia y volver el mensaje trascendente. Evitando el desborde y cualquier tipo de catarsis, el espectador entiende el proceder del personaje y toma partido por él. Brecht Dramatis Personae cumple dicha condición y es un interesante montaje con un elenco muy competente; didáctico para aquellos que por primera vez se acercan al autor en mención; y entretenido como espectáculo per se.

Sergio Velarde
01 de enero de 2013

Crítica: MIENTRAS CANTA EL VERANO

Nostálgica visión de Barranco

Desde hace 13 años, el grupo Espacio Libre, dirigido por el Diego La Hoz, viene desarrollando una impecable trayectoria con montajes de diferentes registros, pero siempre presentados con rigurosidad, limpieza y fluidez. Así lo demostraron piezas como Especies, Cuento alrededor de un círculo de espuma y Paréntesis, por mencionar las más recientes, estrenadas en diversos teatros. Este año el grupo consiguió un nuevo e íntimo espacio propio en el distrito de Barranco, escenario que el escritor y poeta Martín Adán utilizó con maestría para regalarnos la icónica La casa de cartón. Justamente Espacio Libre adapta la novela y presenta una versión libérrima, luego de un Taller Laboratorio con nuevos integrantes del grupo.

Acaso lo más valioso del montaje sea el retorno de Espacio Libre a la comedia fresca y simpática, pero no carente de ironía y de reflexión. A 84 años de la publicación de La casa de cartón, La Hoz utiliza los riquísimos elementos líricos y surrealistas del relato para realizar paralelos, no sólo a nivel de problemática nacional, sino también distrital. Cobra importancia especialmente, la política, que es presentada como ciega y ajena a los verdaderos problemas del ciudadano, siendo personificada en aquel entrañable y disparatado candidato a alcalde, todo esto rematado por la tergiversación de las noticias aparecidas en diarios “chichas” y comentadas por dos mendigos. También aparece el escritor en la búsqueda de inspiración, siendo seducido por un “gallinazo”, que a su vez se encuentra en la búsqueda de trascendencia.

El actor estable del grupo, Karlos López Rentería, está acompañado esta vez por un grupo de jóvenes, quienes demuestran las eficaces técnicas de actuación aprendidas en el Taller, así como su versatilidad y talento: Natalio Díaz, Eliana Fry, Diédu Jiménes López, Javier Morales, Nicolás Ortiz y Andrea Vargas, todos ellos impecables. Diego La Hoz logra con Mientras canta el verano, un divertido montaje lleno de fino sarcasmo, que colma las expectativas; nos presenta su nuevo hogar, aprovechando su espacio y la cercanía con el público en beneficio de la obra; y confirma a Espacio Libre como un colectivo de referencia obligada en el panorama del teatro alternativo.

Sergio Velarde
31 de diciembre de 2012

Evento: FOTOS DE LA PREMIACIÓN

Me acompañaron en el evento colegas y amigos: Gabriela Javier Caballero, Eder Guarda y Alonso Chiri, cada uno administrador de un blog de investigación teatral. Presionen en los nombres. 

Ana Rosa Liendo recibe el Premio del Público a la Mejor Actriz en la categoría de Drama, por la obra BUENAS NOCHES, MAMÁ. Entrega el premio Miguel Ángel Malpartida.

Pablo Luna, director de BUENAS NOCHES, MAMÁ.

Director y actriz de BUENAS NOCHES, MAMÁ, ganadora del Premio del Público a la Mejor Obra de la categoría Drama.

De la obra LE PETIT PAN PAN: Ricardo Del Río y Nicolás Fantinato, mejores Actor de reparto y Actor en una Comedia, respectivamente.

Sergio Velarde, animador del evento.

Luis Gustavo Gonzáles, director del Centro Cultural CAFAE.

Elenco y directora de ARLEQUÍN, SERVIDOR DE DOS PATRONES, obra ganadora en la encuesta a la Mejor Comedia: Junior Benavente, Leonela Pajares, Sofía Palomino, Sofía Izquierdo y Narayana Campos.

Narayana Campos y Sofía Izquierdo, ganadores a Mejor Actor y Mejor Actriz de reparto en una comedia, por ARLEQUÍN, SERVIDOR DE DOS PATRONES.

Evento: EL GRAN DÍA: PREMIACIÓN 2012

Con gran afluencia de público se realizó la segunda Premiación de EL OFICIO CRÍTICO en vivo, celebrando el buen teatro alternativo del 2012. Mi más sincero agradecimiento al Centro Cultural CAFAE y a su director Luis Gustavo Gonzáles, por prestarnos sus instalaciones, así como a mis colegas comunicadores Gabriela Javier Caballero, Alonso Chiri y Eder Guarda por su invalorable apoyo para que se realice el evento.

Los ganadores de la encuesta propuesta en el blog son:

COMEDIA – TEATRO INFANTIL

Mejor actriz de reparto:
SOPHIA AZAÑA
(La leyenda de Sleepy Hollow)

Mejor actor de reparto:
RICARDO DEL RÍO
(Le petit pan pan)

Mejor actriz:
LEONELA PAJARES
(Comedia del Arte)

Mejor actor:
NICOLÁS FANTINATO
(Le petit pan pan)















Mejor director:
SOFÍA PALOMINO
(Arlequín y Comedia del Arte)

Mejor obra:
ARLEQUÍN, SERVIDOR DE DOS PATRONES
(Carlo Goldoni)









DRAMA

Mejor actriz de reparto:
ORIETTA FOY
(La Ciudad de los Reyes)

Mejor actor de reparto:
MIGUEL VERGARA
(La orgía)

Mejor actriz:
ANA ROSA LIENDO
(Buenas noches, mamá)










Mejor actor:
LUIS CORNEJO
(Ojos bonitos, cuadros feos)

















Mejor director:
DIEGO LA HOZ
(Paréntesis)

Mejor obra:
BUENAS NOCHES, MAMÁ
(Marsha Norman)















El evento sirvió también para realizar un sentido homenaje a Fidel Melquiades, a cargo de Roger Sáenz.




















Igualmente se reconoció la trayectoria artística del grupo Ópalo, la tierra del sueño, que celebra 14 años de formación y más de 15 montajes profesionales en su haber.

Los ganadores para EL OFICIO CRÍTICO fueron los siguientes:

COMEDIA – TEATRO INFANTIL

Mejor actriz de reparto:
SOFÍA IZQUIERDO
(Arlequín, servidor de dos patrones)

Mejor actor de reparto:
LUCHO CÁCERES
(La Fiaca)

Mejor actriz:
PATRICIA BIFFI
(Ficción)

Mejor actor:
NARAYANA CAMPOS
(Arlequín, servidor de dos patrones)

Mejor director:
ISMAEL CONTRERAS
(Zacatapum)

Mejor obra:
FICCIÓN
(Luisa Fernanda Lindo)










DRAMA

Mejor actriz de reparto:
SONIA SEMINARIO
(El último fuego)











Mejor actor de reparto:
GABRIEL IGLESIAS
(A ver, un aplauso)

Mejor actriz:
SOFÍA ROCHA
(El lenguaje de las sirenas)

Mejor actor:
MANUEL GOLD
(A ver, un aplauso)

















Mejor director:
JORGE VILLANUEVA
(El último fuego)

Mejor obra:
A VER, UN APLAUSO
(César De María)












¡Felicitaciones a todos los ganadores! ¡Gracias por todo el apoyo este año! ¡Felices fiestas!

Sergio Velarde
28 de diciembre de 2012

Evento: PROGRAMA PREMIACIÓN

A casi 10 días de la Premiación EL OFICIO CRÍTICO 2012, conviene recordar su programa hasta el momento:

a) Anuncio de los ganadores de la encuesta propuesta en el blog.

Ya sólo quedan 10 días para que se cierren las votaciones y el blog sea descativado temporalmente para anunciar a los ganadores con algo de suspenso.

b) Homenaje a FIDEL MELQUÍADES, creador escénico formado en Yuyachkani.

Estará a cargo del elenco de su última propuesta escénica Atemperados, Roger Sáenz y Anthony Mayo.

c) Una mención especial al grupo ÓPALO, LA TIERRA DEL SUEÑO.

Agrupación teatral conformada por Jorge Villanueva y Marcello Rivera, que cumple 14 años de trayectoria artística.

d) Anuncio de los ganadores por categorías por el blog EL OFICIO CRÍTICO.

Particular apreciación acerca de lo más destacado de este 2012.

La cita es el día JUEVES 27 DE DICIEMBRE A LAS 8:00 P.M. EN LAS INSTALACIONES DEL CAFAE DE SAN ISIDRO.

¡Los esperamos!