Reseña: PRÁCTICAS ESCÉNICAS DE ENSAD 2021

La resistencia de las nuevas generaciones

A puertas de terminar otro año complicado debido a la pandemia, el sector de las artes escénicas viene reactivando poco a poco sus actividades presenciales; sin embargo, la nutrida cantidad de propuestas virtuales continúa en auge. Este es el caso de los alumnos del VI y VIII ciclo de la carrera de Actuación, y los alumnos del VIII ciclo de la carrera de Diseño escenográfico de la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático ENSAD, quienes apoyados por los docentes encargados de la dirección, el equipo técnico, así como los recursos digitales, están presentando desde principios del mes de noviembre, las Prácticas Escénicas 2021, a través de las redes oficiales de la Escuela, con acceso gratuito.

Un total de cinco montajes escénicos que abarcan creaciones colectivas y adaptaciones contemporáneas del teatro universal, trabajados en conjunto desde la virtualidad por los alumnos de la carrera de Actuación y la carrera de Diseño escenográfico, logrando unir esfuerzos para retratar en el universo digital, historias que abarcan temas tan vigentes como el abuso de poder, la naturaleza del ser humano, las relaciones interpersonales, la frivolidad que encontramos en las redes sociales y el duro camino de los actores en medio de una sociedad que los juzga y los violenta. Nos ocuparemos de las cuatro primeras entregas, con algunos de los elencos que se presentan en doble turno:   

El Universo de Tennessee Williams. En El Largo Adiós tenemos al novel elenco conformado por Christina Quiquia, José Vizcarra y Nicole Arroyo, quienes manejaron correctamente a los personajes de una familia en crisis. Por su parte, La Marquesa de Larkspur Lotion nos revela la decadencia de una mujer, quien está a punto de ser desalojada por su casera. Actúan Fiorella de la Cruz y Mercedes Lloclla, correctas en sus roles. En Un Tranvía llamado Deseo, dos hermanas reviven viejas heridas y conflictos. Actúan Abigail López y Bella Vega, convincentes en sus papeles. Un segundo elenco de estudiantes presentó De repente, el último verano, donde se revela el secreto de la muerte de un joven escritor. Actuaron Leandro González, Catalina Santillan, Giomira Espinoza, Rocío Mancilla, Mady Quispe y Gabriela Tupac. Respecto a los efectos visuales, primaron los fondos en blanco y negro, las plantillas y el uso de los espacios personales de los actores y actrices. La dirección estuvo a cargo de Daniel Dillon. 

Antígona de Jean Anouihl. Una interesante adaptación de este clásico del teatro, a cargo de un joven pero potente elenco conformado por Briana Campos Rojas, Alvaro Chala Estrada, Frank Montes Ossio, Jesús Robles Rojas, Jorge Palacios Okamura, Victoria Lara Ibáñez e Isaela Ramirez Román (Elenco 2). Dirige Haysen Percovich, docente y encargado de la jefatura de la carrera de Actuación.  

Un Enemigo del Pueblo de Henrik Ibsen. Actúan como segundo elenco Amelia Tena, Andrea Herrera, Edú Gutiérrez, Joaquín Arce, Kiara Huamán Flores, Piero Rodriguez, Sergio Delgado Plath y Valeria Fumagalli, quienes defienden sus roles con seguridad, recordándonos la importancia de luchar por nuestras convicciones. Dirige Draco Santos del Rosario, docente encargado.

Collage Escénico del Quehacer Virtual (collage de escenas de la dramaturgia peruana), bajo la dirección de Rodrigo Chávez. El último espectador, basada en la obra Los charcos sucios de la ciudad de Mariana de Althaus, en donde el teatro deberá ser rescatado del olvido. ¡Queremos trabajar!, exploración basada en Lock out de César Vallejo, en la cual se evidencian las brechas sociales que todavía persisten. Entre aplausos, basada en la obra ¡A ver, un aplauso! de César de María. Perlas al aire, creación colectiva basada en la censura del cuerpo. Histriomanía, creación colectiva basada en la locura de la profesión. Estas últimas presentaciones se componen de performances y escenas cortas.

El elenco que alterna en las distintas obras lo conforman Josué Roque Charaja, Perla Meléndez Tello, Salomé Muñoz Gómez, María Alexandra Guardia Durand, Pável Paniagua Tapahuasco, Sandra Murrugarra Ramos, Anggie Caballero Robles, Cintia Córdova Rutti, Guillermo Aurazo Paredes, Marco Martínez Paredes, Adriana Arias Morales y Lizbeth Alejos Zarate. Diseño Escenográfico: Mirella Zavaleta. Docentes responsables de Diseño Escenográfico: Sharon Reátegui Camayo, Thais Flores Cortés y José Luis Valles.

Cabe resaltar la creatividad y esfuerzo de los estudiantes y maestros para tomar el riesgo de trasladar al ámbito virtual obras clásicas, acostumbradas a cobrar vida en el teatro presencial. Sin duda, un claro ejemplo de energía y resistencia de esta nueva generación de artistas escénicos.

Maria Cristina Mory Cárdenas

29 de noviembre de 2021

Crítica: BINOMIO DE UNA DESPEDIDA

Ensayos para el adiós

Morpho Colectivo Escénico, joven agrupación de artistas emergentes, presenta su primera temporada virtual con el espectáculo Binomio de una despedida, el cual comprende las obras Tiempo Cero y Caída Libre, del dramaturgo y director peruano Diego La Hoz. Ambas historias transitan el difícil camino de las despedidas, de los ciclos inconclusos o de aquellos que están por caducar; teniendo a los vínculos familiares como eje principal.

Transmitidas mediante la plataforma Vimeo, en primer lugar Tiempo Cero, dirigida con tangible sensibilidad por María Isabel Abad, narra el encuentro entre Natividad y su padre, Iván, a quien no ve hace mucho tiempo. La esperada visita se da un día antes del cumpleaños de Natividad y pese a los bonitos momentos que comparten, ella se da cuenta que las cosas han cambiado. Interpretada por Valquiria Che-Piú y Diego Arana-Reyes, quienes hacen gala de buena química como padre e hija, construyendo convincentes y detallados personajes que lograron traspasar la pantalla. A propósito de la construcción escénica, cabe resaltar el acertado manejo de las imágenes y locaciones, así como el rescate de los símbolos y signos propios de la teatralidad, un detalle que como espectadores, agradecemos. La estética de la propuesta se completa con el sentido acompañamiento musical (a cargo de Arana-Reyes), el vestuario y utilería bien aprovechados.

Por otro lado, Caída Libre, bajo la acertada dirección de Miguel Seminario, narra el reencuentro entre Alejandra y su hermano Camilo. Ella debe contarle que la casa en la que vivieron está a la venta, entonces surgen recuerdos y sentimientos que los enfrentan con los momentos felices y no tan felices que compartieron en ese lugar. Con las notables interpretaciones de María Isabel Abad y Santiago Torres Rojas, quienes a partir del juego desvelan el particular vínculo que los une. De igual forma, las imágenes, el vestuario y el uso de títeres y elementos de utilería aportaron un valor agregado al efecto visual. Nuevamente, la composición musical creada por Diego Arana-Reyes concreta la fórmula de una lograda puesta audiovisual.

Binomio de una despedida nos revela conmovedoras historias acerca de los vínculos familiares, tan complejos como indestructibles, situándolos en escenarios de extrema fragilidad como son las enfermedades o la confusión en medio de una relación filial, pues no hay fórmulas ni manuales para decir adiós. Los procesos de despedida son muy íntimos y solitarios. Sin duda, Morpho Colectivo Escénico ha realizado un destacado trabajo en equipo, que nos devuelve la esencia del teatro que conocemos, el mismo que viene resurgiendo poco a poco.

Maria Cristina Mory Cárdenas

27 de noviembre de 2021

Entrevista: HAYSEN PERCOVICH

“Un director tiene que tener la capacidad de decisión.”

La ENSAD viene presentando sus Prácticas Escénicas 2021 como parte esencial de la formación profesional de sus estudiantes, quienes participan en la concepción, desarrollo y ejecución de un montaje profesional. Oficio Crítico conversó con Haysen Percovich, actor, director y actual docente del ENSAD, quien se encuentra encargado de la jefatura de la carrera de Actuación. Estas prácticas son un conjunto de cinco montajes escénicos, con propuestas contemporáneas de obras de teatro universal y creaciones colectivas, preparados por los estudiantes de la carrera de Actuación y la carrera de Diseño escenográfico trabajando en conjunto dentro del ámbito virtual.

Las PRÁCTICAS ESCÉNICAS 2021 nos ofrecerán obras que contarán historias y presentarán creaciones propias que con mucha fuerza y sensibilidad nos hablan tanto de la sociedad misma como de la naturaleza compleja y feroz de los seres humanos. Cada montaje tendrá cuatro días de presentaciones -de jueves a domingo- en los cuales los estudiantes y docentes presentarán con mucha creatividad, riesgo, profesionalismo y amor por el teatro, propuestas innovadoras, reflexivas, conmovedoras y entretenidas con textos, imágenes, sonidos y acciones propuestas por los mismos estudiantes, utilizando el zoom como plataforma y la virtualidad como aliada.

Para acceder a las funciones virtuales, se deberá estar atento a las publicaciones de las redes oficiales de ENSAD en Facebook para llenar el formulario solicitado para cada obra a visualizar desde https://www.facebook.com/ensadperu

Sergio Velarde

18 de noviembre de 2021

Crítica: ESTRIPTIS y RELATOS DE LOS DIOSES CAÍDOS

Las productoras y la apuesta por las plataformas digitales

El teatro sobrevivió en tiempos de cuarentena, pues las productoras presentaban sus proyectos a través de canales audiovisuales. YouTube, Zoom, Facebook live, Instagram live y Joinnus fueron las plataformas digitales más usadas para acercar el teatro al público. Así, el espectador podía observar las obras de su antojo desde la comodidad de su hogar en su PC o smartphone. Hoy, las autoridades ya brindaron permisos para el funcionamiento de los teatros. Estos cumplen con los protocolos para la seguridad de los espectadores. Y estos últimos ya asisten a una obra teatral presencial. Es una realidad. Sin embargo, las productoras aún siguen apostando por el canal virtual para acceder a sus proyectos, pues les permite que el espectador de otra región o país puedan observar sus proyectos, ya que está a tan solo un clic. Este es el caso de Estriptis de la productora Luces & Sombras – Colectivo Cultural y Relatos de los dioses caídos de MITOS ESTUDIO. Ambas obras fueron presentadas a través de los canales digitales como Facebook live y Zoom, respectivamente.

La importancia del ritmo en la escena

Por un lado, Estriptis es la historia de una infeliz enamorada que busca respuestas para el futuro de su compromiso. Así, sus amigas contratan a un jovial stripper para que olvide ese mal momento. Sobre esto, la historia es un melodrama que gira en torno a las quejas de la novia hacia el stripper, que solo quiere divertirla.

Sobre las interpretaciones, la actriz y el actor logran generar una atmósfera cómica en fragmentos puntuales de la situación, porque hubo escucha, complicidad o juego entre ellos. Sin embargo, los movimientos corporales repetitivos e intenciones reiteradas convertían en una “serie de toques entre un defensa y el arquero sin pasar la media cancha”. Así, la escena se mantenía en un solo ritmo, que sorprende en el inesperado final.

La importancia de la atmósfera en la escena

Por otro lado, Relatos de los dioses caídos son tres historias trascendentales de los hijos del dios Cronos. No tratan sus hitos más épicos, sino los conflictos más humanos de los dioses. En ese sentido, la propuesta presenta una carga reflexiva de principio a fin.

El opening de la obra fue acertado, ya que generaba una atmósfera de universo, lugar donde se comunica Cronos. Además, lograron contextualizar el punto inicial de la obra. En ese sentido, los recursos audiovisuales lograron su objetivo como recurso.

Las interpretaciones de los personajes trasmitieron el carácter filosófico de la obra. Sin embargo, no se hallaba una verosimilitud en la propuesta, pues el espectador observaba el conflicto entre espacio y personaje: el último no pertenecía a ese espacio o no se construía la atmósfera del lugar.

En conclusión, es cierto que las debilidades de un montaje pueden generar que el mensaje de la obra no aterrice en el espectador ocasionándole así una mala experiencia. Pero realizando un análisis más profundo, quedan más preguntas para las productoras que desean seguir compartiendo sus proyectos a través de los medios digitales. ¿Por qué el espectador debe ver “mi obra” a través de este medio, si también hay teatro presencial o cine? ¿Qué experiencia o sensaciones quiero que sienta el espectador? ¿Qué agregaría al proyecto para que no solo se convierta en una historia audiovisual?

Elio Rodríguez

18 de noviembre de 2021

Entrevista: DIEGO SALINAS

“El talento no funciona sin disciplina.”

Los hijos de Putin es un espectáculo presencial que se encuentra actualmente en temporada en el Centro Cultural Ricardo Palma. Oficio Crítico conversó con el joven autor de la pieza, Diego Salinas, quien también participa como intérprete. La comedia es dirigida por Marcelo Rodriguez Yzusqui y también actúan en ella Aníbal Lozano Herrera y Boris Mena.

Tomas Garrido-Larraín y Juan Navarro Chilpa, dos peruanos de mundos completamente distintos, son los finalistas en un experimento secreto ruso llevado a cabo en el Perú para escoger al que se llevará la única dosis que Rusia enviará a nuestro país de la vacuna Matryoska, la única que es cien por ciento efectiva contra la COVID 19. Ellos se enfrentarán en tres desafíos finales sin saber que, quien los dirigirá será el mismísimo Vladimir Putin. La guerra ha empezado. ¿Será verdad que el peor enemigo de un peruano, es otro peruano?

Los hijos de Putin está en temporada en el Teatro Julio Ramón Ribeyro del Centro Cultural Ricardo Palma (Av. Larco 770 – Miraflores), el 15 y 16 de noviembre. Hora: 7:00 p. m. y 8:30 p. m. (doble función por día). La producción general es de la Asociación Cultural Esperanta y la producción ejecutiva de Mariana Baumann. Información en las redes de ESPERANTA: Facebook: facebook.com/esperanta, Instagram: https://bit.ly/3pbY9cx. Entradas en JOINNUS: https://bit.ly/3B6FjrG.

Sergio Velarde

13 de noviembre de 2021

Entrevista: EMANUEL SORIANO

“El cuerpo habla más que la palabra.”

Uno de los actores jóvenes más prometedores de nuestro medio es, sin duda, Emanuel Soriano. En sus montajes teatrales, como El curioso incidente del perro a medianoche, El plebeyo o Tebas Land, demostró sus enormes posibilidades interpretativas. Ahora, se apresta a dictar un taller de actuación llamado “Del cuerpo a la palabra”, dirigido para principiantes.

En el mencionado taller, se conocerán las herramientas necesarias para encarnar a profundidad la esencia de cada personaje. Se entregará constancia de participación firmada por el mismo Emanuel. Los cupos son limitados.

Inicio: Martes 16 de noviembre. 8 sesiones. Muestra abierta al final del taller. Acompañamiento en el trayecto de la formación virtual. Informes: 991 896 886. https://wa.link/u9055i

Horario: Martes y jueves de 7 a 9 p. m.

Sergio Velarde

12 de noviembre de 2021

Entrevista: FIORELLA GAMBINI

“Es una sensación muy rica sentir al público de nuevo.”

Psicóloga clínica y clown profesional, Fiorella Gambini tuvo como maestros a destacadas figuras del mundo clown, como Wendy Ramos, Luis Regalía, Caroline Dream, Antón Valen, Cris Martí, Sue Morrison y Marina Barbera, entre otros. Actualmente se apresta a estrenar en simultáneo la creación colectiva clown En canto de payasas, que ella misma dirige en compañía de la destacada artista musical Julie Freundt. El estreno será el domingo 14 de noviembre a las 7:00 p. m. en el Teatro Barranco, que será transmitida también vía virtual.

La Vecindad Escuela de Clown presentará En canto de payasas. Cuatro mujeres payasas se juntarán en un escenario para compartir sus mundos, sus miedos, alegrías, secretos y locuras. Benicilina, Sinfín, Lupita y La Dalia, a través de melodías, llevarán de viaje al espectador por los adentros de sus corazones y les mostrarán con mucho humor que, si la vida te da limones, ¡se puede hacer una riquísima limonada! Forman parte del elenco de esta puesta en escena virtual Luciana Arispe, Daniela Ayaipoma, Benny Valega y Lorena Gianino Gadea.

Las entradas pueden conseguirse e https://www.passline.com/sitio/la-vecindad-escuela-de-clown

Facebook: https://www.facebook.com/lavecindadescueladeclown

Sergio Velarde

11 de noviembre de 2021

Entrevista: JAVIER VALDÉS

“Todos los actores tienen que hacer teatro.”

2 de Ribeyro, díptico teatral conformado por las obras El último cliente y Confusión en la prefectura, viene presentándose de manera presencial en el Teatro de Lucía. Oficio Crítico conversó con el experimentado actor y director Javier Valdés, quien integra el elenco con Sandra Bernasconi y Roberto Ruiz, bajo la dirección de Alberto Isola. Las dos piezas de Julio Ramón Ribeyro prometen hacernos reflexionar, entretenernos y recordarnos lo poco que hemos cambiado.

Hasta el 5 de diciembre se presenta la obra 2 de Ribeyro, obras maestras de la comedia peruana pertenecientes al reconocido escritor peruano Julio Ramón Ribeyro y que son adaptadas y llevadas al teatro presencial en el Teatro de Lucía. Se trata de un oportuno encuentro con la maestría y el humor mordaz de un maestro de nuestra literatura y de nuestro teatro.

La puesta estará en cartelera de viernes a domingo, viernes y sábado a las 8 p. m. y domingo a las 7 p. m. las entradas a la venta en Joinnus.

Sergio Velarde

10 de noviembre de 2021

 

Crítica: EN CANTO DE PAYASAS

Feliz concierto de narices rojas

En medio de todo el caos originado por el actual clima político y la crisis sanitaria que atravesamos como sociedad, siempre será bienvenida una propuesta musical fresca y atractiva por parte de artistas de narices rojas. Oficio Crítico alcanzó a disfrutar del pre-estreno de En canto de payasas, una producción de La Vecindad Escuela de Clown, que contará con funciones presenciales en el Teatro Barranco y en simultáneo, a través de la virtualidad. Con la dirección de Fiorella Gambini y Julie Freundt, este espectáculo clown entretiene y conmueve gracias al talento en conjunto del cuarteto de mujeres payasas, que suben al escenario para dialogar, cantar y divertir.

Benny Valega, Luciana Arispe, Lorena Gianino y Daniela Ayaipoma componen una entrañable y sólida puesta en la que, a través del humor y el canto en vivo, nos cuentan sus vivencias y anécdotas más personales. Cada payasa (Benicilina, Sinfín, Lupita y La Dalia) asume un rol determinado dentro del montaje, con sus propias personalidades llenas de detalles y sutilezas, complementándose muy bien en escena. Con mucho dominio de la técnica clown, cada una se hace cargo de un segmento con su canción respectiva, todas muy bien interpretadas con el acompañamiento con guitarra en vivo de Freundt.

La química conseguida por las actrices en escena es total; todas apoyándose y escuchándose entre ellas. El universo femenino es una fuente inagotable de anécdotas y experiencias, y las artistas lo saben aprovechar muy bien en cada una de sus divertidas intervenciones. En canto de payasas es un agradable espectáculo en vivo, que expresa de una manera lúdica los temores e inquietudes de muchas mujeres; pero viniendo de cuatro payasas con narices rojas, la propuesta de Gambini y Freundt cobra un matiz bastante especial y se convierte en un amable y muy recomendable espectáculo que celebra, en estos tiempos de incertidumbre, el rol de la mujer en la sociedad actual.

Sergio Velarde

8 de noviembre de 2021  

Crítica: TERAPIA DE AMOR INTENSIVA

Gracias parciales

El montaje virtual Terapia de amor intensiva, producido por Encerrados y Cuatro Gatos Producciones, califica como aquel tipo de producciones realmente originales y sencillas, en donde lo más importante es sorprender al público. Los escenarios eran habitaciones y departamentos comunes. En primer lugar, me encantó que las tres obras partan de aspectos tan cotidianos de la vida diaria y lleguen a generar esa minireflexión luego de ver el montaje. Las tres presentaciones giraron sobre las temáticas del compromiso, las inseguridades en la relación de pareja y la convivencia, respectivamente. En segundo lugar, es de resaltar la originalidad de la producción, que se esforzó por presentar algo único para un escenario virtual, que últimamente sufre de una caída en la recepción del público, posiblemente por la apertura progresiva de salas presenciales. El aspecto más importante fue la música de fondo, en donde se notaba la inspiración en las canciones Trátame suavemente, Prófugos y Nada personal de los inmortales Soda Stereo. Es resaltante mencionar que la productora tuvo mucho cuidado en generar un ritmo propio.

Nada, el primer minimontaje de la noche, fue el qua más impactado me dejó, principalmente debido a la forma cómo los actores invertían sus roles, de tal manera que la situación de tensión cambiaba y generaba una atmósfera muy interesante. ¿Cómo convertir una pelea familiar en un escenario teatral? Nada es la respuesta. La actuación de Fernando Pasco fue única, sobre todo cuando reaccionaba de manera violenta. Su presencia escénica es el resultado de muchos años de trabajo.

Trátame suavemente fue el micromontaje menos impactante de la noche. No logré entender del todo cuál era el conflicto entre la pareja representada por los jóvenes actores Edwin Vásquez y Andrea Alvarado. Entendí que era una pareja que atravesaba por momentos difíciles próximos a la separación y una posible tentación a la infidelidad. El personaje de Liz Roggero era intrigante, pues representaba a una mujer que solo el chico podía ver. En general, el montaje dejó una lección sobre la importancia de la verdad, pero no llegó a ser impactante.

Finalmente, Prófugos fue el que me generó mas risas, pues los continuos cambios de humor del personaje de Pierina Parodi fueron únicos. Por otro lado, el papel del joven con alma de adolescente de Nicolás Fantinato me generó mucha empatía. Hubo una escena donde un gato casi termina lastimado que me causó un poco de estrés, pero luego quedó como una anécdota. La historia era irreal, pero simpática.

En general, estas obras escritas por Josema Ruiz fueron originales y divertidas. Perfectos para pasar una noche de diversión, principalmente entre parejas. Igualmente, creo que las historias pudieron ser un poco más complejas, sobre todo Trátame suavemente. Terapia de amor intensiva nos hace reflexionar, en estos tiempos de virtualidad, que incluso el escenario puede no ser prescindible si la historia y la actuación son buenas.

Enrique Pacheco

7 de noviembre de 2021

Crítica: YUTA PADRE, OVEJA NEGRA y UN PROBLEMA DE DISTANCIA

La emoción y la palabra

Como anotábamos en reseñas anteriores, el formato de la videollamada no debería agostarse, mientras existan historias interesantes que merezcan ser contadas. Excluidas la presencialidad del público en las butacas y el contacto físico entre los actores, las posibilidades comunicativas en línea se vienen explorando y experimentando con mayor o menor fortuna, siendo acaso la interpretación del texto la principal y a la vez, la más tradicional. Es este formato el que utiliza con acierto Sebastián Villar Rojas, joven dramaturgo y director argentino, quien consigue conmover con tres espectáculos virtuales, en los que el manejo de texto se convierte en su mayor fortaleza.

Las tres puestas en escena de Villar Rojas, presentadas a través de videollamadas en vivo, giran en torno a los conflictos generacionales: tanto en Un problema de distancia como en Oveja negra aparecen los típicos desencuentros familiares; en la primera, padre e hijo tratan de ponerse de acuerdo con respecto a un delicado asunto de salud, mientras llueven los reproches de ambos lados; y en la segunda, dos hermanos diametralmente opuestos deben ponerse de acuerdo sobre su patrimonio familiar, ya que la pandemia alteró severamente sus planes. Ambas obras estuvieron interpretadas por los mismos actores, Julio Chianetta y Juan Biselli, a pesar de no tener vínculos sanguíneos en común. Curiosamente, en Yuta Padre, los actores sí son familia: Mario y Juan Vidoletti, padre e hijo en la vida real, le dan vida a dos artistas de épocas distintas que conversan sobre su sacrificado oficio, cada uno desde su propia perspectiva, hasta llegar a una confesión que cambiará su relación para siempre.

Villar Rojas arriesga con tres dilatadas conversaciones en línea, pero estas nunca se tornan repetitivas, gracias a los oportunos e ingeniosos giros dramáticos y además, a los actores convocados, capaces de convencer y conmover apoyados por una inmejorable interpretación de la palabra. En ese sentido, los cuatro artistas se sobreponen a las limitaciones pandémicas y permiten que el espectador se emocione con las historias presentadas a través de la pantalla y en tiempo real. Mientras esperamos el regreso presencial al 100% a las salas teatrales, propuestas virtuales latinoamericanas como las de Villar Rojas nos sirven para hacer la espera más llevadera.

Sergio Velarde

5 de noviembre de 2021