viernes, 29 de enero de 2016

Entrevista: RICKY TOSSO

“El actor debe ser más orgánico y menos teórico”   

“Mi papá actor, mi mamá actriz: si no hubiera sido actor hubiera sido actriz”, comenta un imperturbable Ricky Tosso, quien sorprendió al ganar el premio otorgado por el público de El Oficio Crítico como el mejor actor de reparto en la categoría Drama. Y es que su personaje en la puesta de Chico encuentra chica, si bien es cierto aporta inicialmente la vena humorística al montaje, es en su última escena, cuando sufre un problema de salud, la que le da un giro dramático. Ricky supo imponer su presencia, con sus 45 años de vida artística, en esta producción de la Asociación Cultural Plan 9. “Sí creo que mi destino estaba trazado. No me quedaba de otra. Además, tuve excelentes maestros, como mi padre (Ricardo Tosso), Pedro Aleandro (padre de la notable actriz argentina Norma Aleandro), Raúl Serrano (de la Escuela Municipal de Arte Dramático en Buenos Aires) y en el humor, Guillermo Guille (productor de televisión). Y por supuesto, cada alumno, cada compañero y cada director”, afirma.

El compromiso con el teatro

Desde el inicio, Ricky tuvo muy claro el compromiso con las artes escénicas. “Cómo me habrán metido la disciplina teatral en la cabeza, que cuando estaban velando a mi padre, yo estaba en función; a ese nivel”, recuerda. Por otro lado, nunca falta el menosprecio de algunos por el género de la comedia, al que Ricky se ha dedicado durante tantos años. “Es que no saben hacer humor”, asegura. “Le tienen miedo a la comedia. La primera máscara que sale entre los griegos es la comedia, luego la de la tragedia. Más adelante, la tragedia gana más renombre en todo el imperio griego y después, la comedia vuelve a destronarla. Siempre ha sido esta guerra. Y claro, hacer reír es una cosa muy seria”, sentencia. Sin embargo, Ricky ha intervenido últimamente en varios montajes dramáticos, demostrando su versatilidad. “Ahora puedo darme el lujo de hacer lo que quiera, pero enfrento los personajes de la misma manera.”

“Si no juegas, si no te diviertes en escena, entonces estás fregado”, así es de claro Ricky para explicar su método actoral. “Para mí, el actor no debe actuar, debe ser orgánico y menos técnico, así llega al espectador mucho más rápido”. ¿Cuáles deben ser las condiciones que debe tener un buen actor teatral? “Debe tener cancha y concha para subir a un escenario, no debe tener miedo”, responde. “Además, debe ser muy disciplinado y amar su profesión ante todo”. Para Ricky, los actores son los mentirosos más grandes del mundo, porque cuentan historias que no son ciertas; pero si las dicen con verdad y el público les cree, entonces reciben el mejor pago que es el aplauso. Por otro lado, acerca de los directores de teatro, Ricky menciona que “deben tener criterio, ser grandes ajedrecistas para mover sus fichas y ganar por jaque mate, además de siempre pedirle al actor que proponga, y no ser un tirano.”

Los montajes y proyectos

Chico encuentra chica, escrita por Rebecca Gilman y adaptada para la escena por David Carrillo, fue una atípica apuesta de Plan 9 incursionando por primera vez en el thriller, en donde la autosuficiente Teresa (personaje que interpretara Gisela Ponce de León) va derrumbándose poco a poco ante el progresivo y despiadado acoso de un pretendiente. “Fue pertinente hacer la obra”, asegura Ricky. “David me preguntó qué papel te gustaría hacer y yo le dije que este (un mordaz fotógrafo de calatas); fue un personaje chiquito, pero fuerte. David me permitió incluir algunos gags (como el del poco “corazón” de Teresa, línea de antología) y fluir con la letra”. Para Ricky, la pieza sorprendió por su logrado desarrollo, pues al inicio es el chico el despreciado por esta mujer amargada. “Luego el público va cambiando y se solidariza con ella. Yo siempre la ataco, hasta que al final se convierte en mi amiga.”

Otro interesante montaje en el que participó Ricky fue Hombre mirando al sudeste de Eliseo Subiela, estrenado en el MALI, como el psiquiatra que atiende a un paciente que asegura ser extraterrestre, y en donde compartió protagonismo con Santiago Magill. “Ya habíamos trabajado juntos en una novela (Isabella) hace mucho años, él es muy disciplinado”, refiere. La cinta original, en la que se basa la pieza teatral, fue estrenada en 1986 y Ricky la vio un año después, cuando vivía en Argentina, específicamente en la ciudad de Chacabuco, a 50 kilómetros de Junín, lugar en donde suceden los hechos relatados por Subiela. “Vi la película como 5 o 6 veces cuando se estrenó en su momento. El anteaño pasado estuve en Buenos Aires y quería ver la obra protagonizada por el actor Lito Cruz como el psiquiatra, pero finalmente no puede verla”, relata. “Es una obra de a dos, muy difícil. En el cine, el extraterrestre es el protagonista; en el teatro, es el psiquiatra. Nadine (Vallejo, directora teatral de Hombre mirando al sudeste) me fue a ver cuando estaba haciendo Chico encuentra chica. Me preguntó si quería hacer una obra con ella; yo le pregunté ¿qué obra?; y ella me dijo “Hombre mirando al…”; ¡sí! le dije inmediatamente. Fue algo del destino, fue una obra muy difícil y muy intensa.”

Actualmente, Ricky se dedica a la enseñanza en su escuela Espacio Alterno. “También estoy ensayando con Patricia Barreto la obra ¡Ay, amor!, que se estrenará en el ICPNA en febrero. Y durante el año estaré en tres obras que se estrenarán en el Teatro de Lucía, en el Olivar y en el Teatro Larco con Plan 9”, nos cuenta. ¿Algún consejo para los jóvenes que quieren dedicarse a la actuación? “Si quieren ser actores o bailarines o algo relacionado con el arte, que no les corten alas. Yo sé que los padres piensan que no es una carrera, pero está en ellos convencerlos. Hablen con sus familias, explíquenles el porqué quieren dedicarse al arte, que les dejen ser lo que quieren ser”, reflexiona. Sin embargo, Ricky reconoce que esta carrera es muy fluctuante. “Normalmente no tienes trabajo… y otras veces, tampoco”, concluye.

Sergio Velarde

22 de enero de 2016

Evento: XV FESTIVAL DE TEATRO PARA NIÑOS

En febrero en el Auditorio ICPNA Lima Centro   

El ICPNA reúne a nueve elencos teatrales comprometidos con la difusión y desarrollo del teatro para niños en su décimo quinta edición del “Festival de Teatro para Niños”. Sin duda, una excepcional oportunidad para apreciar estupendas, divertidas y aleccionadoras historias en estas vacaciones escolares. Participan: Sendar Producciones, Techno Children, Amarionetta, Grupo Imagen, Fame Producciones, Vicky Paz Producciones, Asociación Cultural Winaray, Comunikando Senti2 y KMM Producciones. Las funciones serán del 3 al 19 de febrero, los días miércoles, jueves y viernes en el ICPNA Lima Centro (Jr. Cuzco 446). El costo de las entradas es de S/.20 y S/.15.

El festival inicia el miércoles 3 con “Fiesta en Madagascar” (Sendar), versión libre inspirada en la película animada protagonizada por los reconocidos personajes Marty la cebra y sus amigos Alex, Gloria, Melman con un noble mensaje de hermandad, amistad y cuidado de los animales. Continúa con“TECHNOCHILDREN”  (a cargo de César Chirinos y Gustavo Neyra) un concierto teatralizado de estímulos sonoros y visuales. Catorce minihistorias contadas con música experimental para niños diseñada con juguetes y computadoras, mientras que la puesta en escena se lleva a cabo con muñecos, máscaras, objetos y mimo. Prosigue “Frozen: aventura congelada”, una divertida y tierna obra infantil adaptada por el grupo Amarionetta, que narra la historia de un hermoso país de nieve en donde viven las princesas Anna y Elsa, además de Olaf, Kristoff, entre otros.

La siguiente semana, el festival continúa con “Paco Yunque” (Grupo Imagen) adaptación del cuento de César Vallejo dirigido por Carlos Rivera Prieto. La historia de un niño del campo que asiste por primera vez al colegio, donde es mal tratado por uno de sus compañeros, que es también el hijo de los patrones de sus padres. Vallejo narra en esta historia las diferencias sociales e invita a reflexionar sobre la igualdad. En “Bob y sus amigos” (KMM Producciones) alguien roba la receta secreta de don Cangrejo para preparar las “cangreburgers”. Todas las pistas parecen culpar a Bob, así que pierde la confianza de sus amigos. Cuando Bob está a punto de abandonar “Fondo de Bikini” recibirá una gran sorpresa. Prosigue “Claunman” (Fame Producciones) con la historia de la Madre Tierra quien corre peligro a causa de la contaminación, un niño será el encargado de buscar a Claunman, para que junto a él logren derrotarla.

En la última semana, se ponen en escena “Los tres chanchitos y el lobo feroz” (Vicky Paz Producciones), adaptación de la clásica historia solo que en esta ocasión el lobo, muy gracioso, se disfraza de personajes de los cuentos de hadas para engañar a los chanchitos. Por su parte “El oso de Abril” (Winaray)nos cuenta las aventuras de Abril por recuperar su oso de peluche perdido. La Luna, hada madrina de todos los niños, le ayudará dándole vida a dos de sus muñecos más queridos, para que juntos emprendan la búsqueda. El festival culmina con “Mi tierno Frankenstein” (Comunicando Senti2). La abuela Frankenstein es una connotada científica que vive rodeada de lujos, pero absolutamente sola. Ha heredado el castillo de su abuelo y debe viajar a Transilvania.

Un gran Festival, con historias para niños y para los adultos que llevan un niño dentro.

XV FESTIVAL DE TEATRO PARA NIÑOS
Del 3 al 19 de febrero

Miércoles 3: Sendar Producciones - Fiesta en Madagascar
 Jueves 4: César Chirinos - Techno Children
 Viernes 5: Amarionetta - Aventura congelada. Frozen
 Miércoles 10: Imagen - Paco Yunque
Jueves 11: K.M.M. Producciones - Bob y sus amigos
 Viernes 12: Fame Producciones - Claunman
 Miércoles 17: Vicky Paz Producciones - Los tres chanchitos y el lobo feroz
 Jueves 18: Asociación Cultural Winaray - El oso de abril
 Viernes 19: Comunikando Senti2 - Mi tierno Frankestein

Auditorio ICPNA Lima Centro
5:00 p.m. Boletería S/.20 y 15

Augusto Carhuayo - Prensa Cultural ICPNA
706 - 7001 anexo 99111 / 990118716

Cultural.icpna.edu.pe

Estreno: HANSEL Y GRETEL

En los Auditorios del Británico en febrero

El maltrato y descuido infantil no debería producirse, en ningún tipo de caso, ni siquiera en post de dar una vida mejor.

“HANSEL Y GRETEL” El inolvidable cuento de los hermanos Grimm traspasa el papel y la memoria y se hace espectáculo en manos de ESENCIA PRODUCCIONES donde no sólo se han rescatado a los personajes, con sus tragedias y sus triunfos sino que también estarán acompañados de tiernos y bellos musicales los cuales ayudaran a dar vida a esta historia llena de magia y momentos sorprendentes.

Hansel y Gretel están cansados del maltrato que reciben de su madrastra, por lo que se refugian en recuerdos, llenos de canciones y bailes contados por su madre ya muerta. Así cubren su necesidad de afecto ya que el padre esta solo enfocado en el trabajo, buscando proveerlos de lo que él considera más importante, el alimento, los niños vivirán una historia de aventuras que jamás imaginaron, se enfrentaran a muchos peligros, y sobre todo a la malvada bruja del mazapán, quien querrá convertirlos en galleta para comérselos. ¿Podrán salvarse Hansel y Gretel de todo lo que les espera?, ¿el padre descubrirá el valor del tiempo y cuidado que debemos darle a nuestros hijos?, ¿podrá salvarlos de los peligros del bosque?, ¿la malvada madrastra se saldrá con la suya, deshaciéndose de los niños?.  Hansel y Gretel una tierna aventura. 

En esta ocasión nos acompaña Ricardo Bonilla, el recordado y amado TIMOTEO, quien encarna al padre de Hansel (Jesus Sasai)  y Gretel  (Miluska Eskenazi) y nos ayudara a entender que solo proveer lo económico no es la labor más importante de un padre.

Espacio teatro Esencia
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Teléfonos: 2666414 y 993744769

@espacio_esencia 

jueves, 28 de enero de 2016

Entrevista: MIGUEL ÁLVAREZ

“Prefiero que el actor te cuente algo mediante el canto, en lugar de estar buscando su lucimiento vocal”   

“Yo me dediqué 11 años de mi vida a ser tripulante de avión o azafato, como quieran llamarlo”, confiesa Miguel Álvarez, ganador del premio del público en la encuesta propuesta por El Oficio Crítico, como el mejor actor de reparto por el musical Forever Young. “En el 2007 tenía 30 años, empecé a sentir que subía de peso y que estaba estático en una rutina; me gustaba mi chamba, pero sentía que tenía una vida muy sedentaria”. A Miguel nunca le gustó el gimnasio, así que prefirió buscar distintos cursos, hasta dar con uno de danza contemporánea, que dictaba en ese entonces Pachi Valle Riestra en Pata de Cabra. Allí conoció a compañeros que le recomendaron talleres de teatro. “Nunca presté mucha atención, pero me dieron la dirección del taller de Bruno Odar, en ese tiempo, en el Teatro Auditorio Miraflores. Miré la clase, me interesó y me entrevisté con Bruno. Yo podía pedir permiso para programar mis vuelos y coordinar mis horarios, así que entré al taller que duró un año y dos meses. Empezamos treintaiuno y solo terminamos seis.”

Las artes escénicas y sus maestros

En esa época, los egresados de Bruno tenían la oportunidad de entrar al taller de Alberto Isola. “Yo todavía volaba y el taller terminó teniendo seis meses. Al final, yo estaba convencido que esto era lo mío. Así que lo pensé tres días y decidí renunciar. Un día, estábamos organizando horarios con Alberto y me preguntó si podía asistir a un ensayo. Le dije que sí podía; pero ¿no vuelas?, preguntó él; no, ya no vuelo, ya renuncié, contesté relajado. Y Alberto me dijo: Pero no por esto, ¿no? A mí, obviamente me mató la ilusión, pero por dignidad le dije que no, que por problemas personales”, recuerda. Es así que Miguel lo dejó todo por la actuación, le pagaron por sus años en el aire y empezó de cero. “Siento que yo puedo tomar cualquier decisión. Soy soltero, pero tengo carga económica, veo por mis papás. Siempre se puede empezar de cero, creo que físicamente era el momento. En el peor de los casos, siempre tengo mi licencia y puedo retomar.”

“Nunca me interesó el teatro en el colegio”, menciona Miguel, a pesar de siempre haber participado en los recitales de poesía por su buena dicción. “Eso sí, siempre me gustó cantar y bailar.” Sus maestros fueron pieza clave para su desarrollo como actor. Con Bruno Odar reafirmó la disciplina, que ya había aprendido en su carrera en la aviación. “Allí uno se vuelve estricto en puntualidad, pulcritud y presencia. Por ejemplo, yo jamás dejo los vestuarios tirados. Veo tanta gente que se va y dejan todo tirado. Yo soy maniático con el orden en pro de la convivencia con el resto de compañeros. Por ejemplo, si compartes camerino, no hay que dejar las cosas tiradas en cualquier lado, como el vestuario, maquillaje y utilería.” Y con Alberto aprendió de su experiencia. “Gracias a Dios con él he trabajo ya cinco veces; Alberto tiene la capacidad de sacar de mí lo que yo no podría haber hecho solo. Si me llama, yo voy a ojos cerrados”, asegura. Justamente, Miguel trabajó con Alberto como director, en Un cuento para el invierno, premio especial de El Oficio Crítico.

¿Qué condiciones debe tener un buen actor de teatro? Para Miguel, son de vital importancia la disciplina, la puntualidad y el respeto a los compañeros. “También debe tener compromiso: si aceptas subirte al barco, remas con todo a pesar de las dificultades, como que se cambie de teatro a última hora, que algún compañero se vaya del montaje o que no se consigan auspicios, etc. Considero que es importante además, la capacidad de reinventarte, pues la rutina hace que te mecanices. Debes tener la inteligencia para no sentirte en automático; siempre buscar algo más, pero sin salirse nunca del personaje”. Por otro lado, un buen director de teatro debe “tener paciencia y también tener claro su montaje”. Miguel ha trabajado con directores que no la tenían muy claro y que como resultado, las puestas en escena han ido mutando con el aporte de todos. “Sí considero que si el director no la tiene claro, el elenco menos; no sabemos entonces qué queremos en el resultado final”, asegura.

Una de las principales herramientas que tiene un actor es la voz, y Miguel lo sabe muy bien. “Siempre hay que cuidarla. Yo he caído en varios musicales; no me muero por estar en ellos, pero se me presentaron en el camino. En un musical es básico, además de manejar y jugar con la voz, el ser afinado”, afirma. Miguel es muy crítico con el trabajo vocal dentro de un montaje, especialmente si es coral. “En ese caso sí exijo afinación en el actor que está interpretando, pues como espectador me desconecta de la historia”. Un buen calentamiento y jugar con la respiración son técnicas que aprendió en el taller de Odar, aunque reconoce que cada actor debe encontrar su propia secuencia. “Considero que más que un actor tenga una voz maravillosa, me gusta que interprete bien. He visto musicales con actores que no tienen la súper voz, pero sí fue creíble. Como espectador y actor, creo que un musical no es un espectáculo de lucimiento de voz. Me quedo con que me cuenten bien la historia”, sentencia.

Musicales y proyectos

Ganadora también por la encuesta de El Oficio Crítico al mejor montaje de comedia o musical, 1968: Historias en soul, escrito y dirigido por Mateo Chiarella, fue otro perfecto vehículo de lucimiento para Miguel. “Siempre es un placer trabajar con Mateo, es el director más paciente con el que he trabajado. Te sientes en confianza para proponer ideas, él las canaliza o te dice que no, pero siempre con respeto”. El espacio circular con el que cuenta el Teatro Ricardo Blume significó un particular reto para los actores. “Uno siempre se siente protegido por la retaguardia para disimular cualquier cosa, pero allá debes estar en alerta. Se debe plantear la escena para que ningún espectador se pierda un detalle. Hace que debas encontrar una lógica visual para que todos te vean”. Miguel reconoce que una de las ventajas es que el teatro no permite contar con grandes escenografías. “Debes entonces jugar con tu cuerpo. Este teatro te exige buscar corporalidad en lógica con la escena y el texto. Fue una experiencia diferente y bonita”, afirma.

Otro montaje que cautivó al público en el 2015 fue Forever Young, hilarante musical en el que todos los actores se representaban a sí mismos como ancianos, con la dirección y actuación de Armando Machuca. “Nunca había trabajado con él, me pareció bacán que me llamara sin conocerme”, recuerda. “Me explicó de qué  se trataba, vimos otros montajes en video y me pareció interesante. No tengo problema en burlarme de mí mismo, me pareció una terapia interesante”. Para Miguel la experiencia de “joderse” entre los actores fue interesante y no se avergüenza de cómo lo ven algunos colegas. “A mí me decían que por fin alcanzo un protagónico y que siempre soy ensamble. No siento que estoy siendo menos en el ensamble, yo acepté trabajar así porque el proyecto me interesó”. No todas las bromas que se hacían los actores quedaron en el montaje final, ya que sí se respetaron algunos aspectos. “Éramos muy distintos, Patricia (Portocarrero) y Armando manejaban muy bien la impro y ellos son más de burlarse. Pero Tati (Alcántara), Diego (Bertie) y yo, no. Fue bonito conocernos en otra faceta. Al final funcionó todo mejor de lo que yo esperaba. La impro para mí fue una cosa nueva, en el teatro que solemos hacer las cosas no son siempre así”, afirma.

Miguel estará sumamente ocupado este 2016 con varios proyectos. “Empiezo con Preludio en un musical que estrenaremos en mayo. Luego estaré en temporada en el Teatro El Olivar con la obra Cuerdas. Y para fin de año estoy esperando que se concreten dos proyectos para decidirme por uno, el que me ayude más.” Miguel no es de los que cuentan sus futuros proyectos. “Disfruto lo que hago, no me estreso y créeme que funciona. Mientras más relajado estés, te van apareciendo cosas en el camino. Aprendo a disfrutar lo que tengo hoy”, concluye.

Sergio Velarde
21 de enero de 2016

Entrevista: MATEO CHIARELLA

“Como director, el teatro circular te pone en aprietos”   

Uno de los musicales más logrados del 2015 fue, sin lugar a dudas, 1968: Historias en soul, escrito y dirigido por Mateo Chiarella Viale, heredero de una familia dedicada por entero a las artes escénicas. “Por razones obvias (por mi familia), yo siempre he estado ligado al teatro”, manifiesta Mateo. “Al inicio no sabía bien qué quería hacer; yo me relacionaba más con la escritura, con la literatura. Y al final, como mi padre tenía y tiene hasta ahora una agencia de publicidad, me dije que la publicidad podía juntar la creatividad con la modernidad y ser una buena opción.” Ya en la Universidad Católica entra a la facultad de Comunicación, específicamente a Publicidad. Pero la carrera no fue lo que Mateo esperaba. “No me gustó nadita, era mucho más técnica que creativa. Entonces, dentro de la facultad, había la especialidad de artes escénicas y llevé un curso de dramaturgia con Alonso Alegría.” Ese fue el inicio de una fructífera carrera teatral.

Inicios y logros en dramaturgia

“Al llevar el curso de Dramaturgia me fascinó. Creo que Alonso es polémico, pero es el que más sabe de dramaturgia: sus clases eran muy apasionadas y nos quedábamos hasta altas horas de la noche escribiendo”, recuerda Mateo, quien recibió buenas críticas por su labor y decidió así cambiar de especialidad al teatro. “Llevé cursos de actuación y hubo circunstancias en las que tuve que dirigir, pero siempre mi pasión era la dramaturgia.” Sobre esta decisión, afirma que no necesariamente tenía su destino trazado. “No hay que ser tan trágico, pero sí creo que hay algo en la sangre y cuando se presenta algo, ESTO sale a flote. Este curso me hizo entender que no era continuismo, sino una pasión personal, que podía dedicarme seriamente a esto.” Mateo también cuenta con estudios fuera del país. “Hice estudios en Barcelona: cursos de creación de diálogos y creación de guion. Luego fui invitado por el British Council para seguir un stage de dirección por dos semanas en Buenos Aires con Declan Donnellan, un teórico inglés muy bueno”, afirma.

Desde muy pequeño, Mateo estuvo involucrado con el teatro. “Actué en el grupo Telba con mi papá y por otro lado, con Jorge Sarmiento, quien era el director de teatro en mi colegio”, menciona. “La primera obra que dirigí dentro de la especialidad fue La luz de la lluvia de Juan Carlos Méndez, que después cambió de nombre por Tiernísimo animal, con Wendy Vásquez y Alejandro Córdova. Y como actor, trabajé con David Carrillo en Dios de Woody Allen y colaboré con otros chicos de la PUCP en Galileo Galilei con Lucho Peirano.” Además de Alegría y sus padres, que tiene siempre a su lado para despejar cualquier duda, Mateo reconoce a Alberto Isola como su principal maestro. “He trabajado y he seguido cursos de actuación con Alberto, él ha dirigido obras mías también. Lo considero como mi segundo padre teatral, a pesar de haber tenido grandes profesores en la facultad, como Miguel Rubio, Teresa Ralli, Alicia Sacco, Berta Pancorvo, entre otros.”

¿Escribir, actuar o dirigir? Mateo contesta de manera categórica: “Lo que más me gusta es escribir, aunque es difícil y agotador.” Él recibió en 2008 el Premio Iberescena a la dramaturgia que le permitió escribir su ópera prima Il Duce, basada en la vida del dictador italiano Benito Mussolini y que él mismo dirigiera en el Teatro Británico. Y el 2015 fue un año muy fructífero para él, con tres estrenos en su haber: la ya mencionada 1968: Historias en soul, galardonada por el público de El Oficio Crítico como el mejor montaje de comedia o musical del año; La última estrella; y Búnker, reconocida por los Premios Luces de El Comercio como la Mejor dramaturgia nacional. Consultado sobre su técnica de escribir, Mateo nos revela que a veces la historia llega hasta él y otras, se debe esforzar por crear una historia. “Mi papá quería dirigir un texto mío y existía el acuerdo con Augusto Mazzarelli (primer actor uruguayo de La controversia de Valladolid) para trabajar un montaje a fin de año. Así que escribí Búnker para que dirija una obra mía, por fin. Fue bastante rápido e intenso; sin embargo, me ha traído muchas satisfacciones.”

Los musicales

Su colaboración con la actriz y productora Denisse Dibós de la Asociación Cultural Preludio no representó el inicio propiamente dicho de Mateo dentro de los musicales. “Pero sí fue mi primer acercamiento al musical de Broadway, en el que se centra Preludio. Yo he visto musicales con Osvaldo Cattone, otros con textos de Brecht, y también en teatro para niños; siempre he entendido cómo entran las canciones o la música a la obra teatral”, afirma. Es sabido por todos que el musical de Broadway tiene ya una formula y que el deber del director es tratar de hacer que dicha fórmula tenga algún tipo de contenido. “Ellos se manejan como franquicia”, comenta. “Si tú quieres el montaje completo te cuesta una cierta cantidad de dinero; pero si no quieres el montaje, sino solo el texto, entonces te cuesta mucho menos.” Es por eso que Mateo siempre le decía a Dibós que comprara solo el texto, pues siempre ha sido su deseo realizar sus montajes a su manera. “Pero corro el riesgo de parecerme mucho al montaje original, porque está en el texto. Pero es como buscarle los tres pies al gato. Por ejemplo, si uno de los personajes es sexy y quieres ponerle un vestido rojo, si en el montaje original es de ese color, te llaman la atención.”

Uno de los primeros musicales que tuvo a su cargo Mateo fue Jesucristo Superstar (2006), que se estrenó en el Teatro Segura y protagonzado por Marcos Zunino. Y el estigma que persigue al personaje de Judas, al que siempre le debe pasar algo, se llegó a cumplir en este caso con el actor Giovanni Ciccia. “Siempre sucede cuando Judas se lanza para ahorcarse. Es un momento espectacular. Los directores siempre piensan en cómo hacerlo, pues hay miles de formas. Yo probé con la luz cerrada en el andamio, mientras Giovanni se enganchaba un arnés y luego saltaba.” Lo que sucedió lamentablemente en una función, fue que el actor dudó si estaba bien o mal puesto el arnés al momento de ponérselo y cayó al suelo. “Se le fracturó el pie”, recuerda Mateo. “Yo estaba atrás dando indicaciones, escucho los gritos y veo a Giovanni arrastrándose hacia el telón. Luego seguía una escena con video en la que Judas aparecía cantando. Solo se dejó el video, pero Giovanni siguió cantando mientras le acomodaban el pie.” La temporada peligraba, así que Mateo decidió asumir este personaje. “Es difícil cancelar en el Segura una función con entradas vendidas. Estuve estudiando todo el día y estaba petrificado el día de la función. Pero salí airoso, porque el canto es medio “rockeado” con gritos y aullidos; yo tengo un grupo de rock, así que todo salió muy bien. Todos me ayudaron mucho y acabé la temporada con Giovanni viéndome desde el público.”

Y en el 2009 llegó la consagración de Mateo como director de musicales con Cabaret, con libreto de Joe Masteroff, música de John Kander y letras de Fred Ebb. “Trabajar con actores talentosos como Marcos Zunino y Gisela Ponce de León fue una bonita experiencia”, comenta. “La obra es muy buena, es uno de los mejores musicales escritos. Hay musicales con cierta superficialidad en su guion, no pasan de ser un pasatiempo, pero Cabaret tiene un contenido. Es una obra muy querida y fue un éxito.” Felizmente para Mateo, solo se compró el texto; es por ello que el montaje en cuestión tuvo su sello personal.

Las artes escénicas y futuros proyectos

¿Cuáles son las cualidades que debe tener un buen actor de teatro? Mateo responde que primero debe ser “la humildad, pues cualquiera que entre al teatro está en un trabajo colectivo, donde no pueden primar los egos.” En segundo lugar, destaca la disciplina, la constancia y el rigor; y finalmente, la proactividad y creatividad, es decir, la capacidad de propuesta. “Existen actores con diferentes cualidades, puedo elegir para un montaje a uno más plástico y a otro no tan plástico, pero que sí maneje bien el texto.” Mateo reflexiona sobre aquellos actores que han dejado que les gane el ego. “Cada vez me gusta menos trabajar con gente que se siente estrella consagrada, por más que sean buenos”, comenta. “Hay entre los mediáticos gente muy linda, pero hay otros que me piden revisar la obra o el pago de una forma poco adecuada. Acaso como si el aceptar fuese entendido como un favor. Yo no tengo nada contra ellos, pero en el teatro independiente sí es molesto y si encima uno se encuentra con alguien que te ponga peros, prefiero que no esté en el montaje.”

Por otro lado, en cuanto a las características que debe tener un buen director de teatro, Mateo afirma que en primer lugar está “la paciencia, porque este es un oficio de mucha tensión y estrés, en el tienes que manejar tu estado emocional.” Luego, la creatividad y la capacidad de desarrollarla; y en tercer lugar, manejar aspectos psicológicos, porque es importante conocer las particularidades de los actores, sus momentos, las circunstancias. “Además, estoy convencido que todos los directores deberían pasar por la experiencia de actuar, si bien no en un montaje profesional, por lo menos en un taller. Un director debe conocer lo que le pasa a un actor”, asegura. Y es que Mateo, luego de estas experiencias como director, ha seguido talleres de actuación, incluyendo una temporada de teatro infantil. “Porque reencontrarme con lo que pasa el actor me es útil, para luego decirle yo a mi actor: Yo sé lo que te pido, porque sé por lo que estás pasando.”

Sobre la pertinencia de un musical como 1968: Historias en soul, Mateo refiere que es una obra sobre los ideales, en una época en la que se creyó que en ese año el mundo podía cambiar, pues los jóvenes lo estaban haciendo. “Conversando con Teresa Fuller (hija de Chabuca Granda), me decía que me diga quien no pensó que Velasco significaba un cambio para el país, una  renovación. Que después haya fracasado es una cosa, pero en ese momento significó el cambio para muchísima gente. Me pregunto dónde quedan los ideales cuando el mundo se vuelve cada vez más agresivo y trato de mantener la esperanza, pues a veces se derrumba”, reflexiona. “A veces pasan cosas tan agresivas en el mundo que te dices cómo mantengo la esperanza.” Estos aspectos se plasmaron en la puesta en escena, en los elementos racistas, en el suicidio de los compañeros, en la opresión del gobierno y en la dificultad para tener relaciones sentimentales de largo plazo sentimentales. “Hay pertinencia en eso, específicamente en el Perú, en donde constantemente estamos esperando a que un ideal de proyecto nación se cumpla. Pero lamentablemente estamos absolutamente desesperanzados o pensamos todos diferente sobre cómo debería ser. La prueba es la cantidad de candidatos, son tantos y cada uno representa un pequeño sector, estamos fragmentados.”

Actualmente, el Teatro Ricardo Blume, ubicado en Aranwa Teatro en Jesús María, es uno de los más acogedores que funcionan en la capital. “Con el teatro circular, el público viene a ver una experiencia diferente y como director, me pone en muchos aprietos. Estás manejando varios frentes, tienes a un actor que no se puede quedar mucho tiempo en un lugar.” Sin embargo, esta experiencia trae consigo la intimidad y el vínculo directo del publico con la escena. “Puedes ver al público del otro lado. Todo funciona como espiral, te lleva hacia el centro, todos somos parte de una misma cosa, es como estar en una experiencia mucho más vívida, hasta las luces bañan al espectador”, asegura.

Este 2016 tendrá muy ocupado a Mateo con tres interesantes proyectos. “Haré una adaptación del clásico Moby Dick de Herman Melville, que dirigirá mi papá (Jorge Chiarella) con egresados de Aranwa y otros actores del medio”, adelanta. Y es que la puesta en escena requiere que los mismos intérpretes recreen los barcos, los remos y los arpones con elementos, gestos y mímicas. “Colaboraré nuevamente con Preludio en otro musical y además, estrenaremos Skylight, traducido como Cielo abierto por Gonzalo Rodríguez Risco, una obra ganadora del Tony. Haremos una coproducción entre Aranwa y el productor peruano Carlos Arana, que ganó el Tony en Broadway. Actuarán Alberto Isola y Wendy Vásquez”, finaliza.

Sergio Velarde
24 de enero de 2016

Estreno: UN SALUDO QUE NO LLEGA

Se estrena en el teatro más íntimo de Lima   

Febrero llega a Casa EspacioLibre con dos obras que nacen desde el pensamiento de dos peruanos fundamentales: Martín Adán y Abraham Valdelomar. Ambos caminaron por calles barranquinas y le dieron a la historia, más allá de poesía, asideros para la reflexión y la crítica. Mientras canta el verano hace una revisión de La Casa de Cartón, y Un saludo que no llega usa como pretexto el Movimiento Colónida. Montajes que se gestan en el Laboratorio “Libera(c)ciones” de EspacioLibre bajo la dirección y dramaturgia de Diego La Hoz.

Ya es costumbre que el Laboratorio Anual “Libera(c)ciones” aborde temas históricos y los confronte desde las distintas miradas de sus participantes. Este 2015 trabajó con el Universo Colónida y su fundador Abraham Valdelomar. Haciendo así una re-visión centenaria (1916 - 2016) de nuestro país. Los gremios aparecieron como respuesta urgente de un país que dejaba de ser “aristocrático” para abrir la puerta, ya no la falsa, a la clase trabajadora que requería organizarse para ser escuchada. En medio de estos insumos creativos, aparece también el deseo de celebrar los sesenta años como actriz de Aurora Colina. Esta mancuerna de relaciones escénicas ha dado este resultado de manifiestos, leyendas y homenajes. Un saludo que no llega es una obra con aire fresco y efecto placebo contra la ansiedad de la desesperanza. ¿Qué es lo que no termina de llegar? Nos preguntamos recurrentemente.

Una celebración histórica abre el telón del teatro más íntimo de la ciudad. Una actriz cumple sesenta años sobre el escenario. Tres jóvenes estudiantes han decidido rebelarse a la tradicional estructura de la fiesta. Una mujer es “ella”. La voz que narra y a la vez acompaña la crítica mordaz de los años. ¡Abraham Valdelomar ha muerto! Se repite como un susurro. Sin embargo, mañana todo seguirá igual.

DATOS ADICIONALES
Selección de textos de Bertolt Brecht, Alfonso Gonzalez Prada, Federico García Lorca, Hernando Cortez, Abraham Valdelomar y César Vallejo.
Colaboraciones de Jhuliana Acuña, Natalio Diaz, Luana Fretel, Alexandra Jiménez, Karlos López Rentería, Nilton Minaya y Javier Quiroz (Libera(c)ciones 2015).
Actúan: Aurora Colina, Natalio Diaz, Alexandra Jiménez, Nilton Minaya y Javier Quiroz.
Asistencia general: Jhuliana Acuña
Concepto y diseño gráfico: Yuriko Tanaka
Realización escénica: Jhuliana Acuña y Karlos López Rentería
Dirección adjunta: Karlos López Rentería
Dramaturgia y dirección general: Diego La Hoz

Temporada Febrero:
Un saludo que no llega / Jueves y viernes 9pm.
Mientras canta el verano / Sábados 9pm - Domingos 7pm

Casa EspacioLibre: Av. Bolognesi 802 - A / Barranco
La entrada es liberada y la salida solidaria.
Reservas a espaciolibreteatro@gmail.com o al 247-6346

martes, 26 de enero de 2016

Estreno: MICROTEATRO LIMA

Por lo que más quieras   

Desde este 3 de febrero, Lima volverá vivir la experiencia de Microteatro. Catorce obras de 15 minutos cada una en espacios para 15 personas y con funciones continuadas, todas bajo la temática de Por lo que más quieras, título alusivo al 14 de Febrero, día del amor que se celebra en todo el mundo.

Las actrices Andrea Luna, Alicia Mercado, Liliana Trujillo y Fiorella Díaz; los actores Braulio Chapell, Oscar Beltrán, y Carlos Victoria; además del director de cine Eduardo Mendoza son algunos de los nombres que integran los elencos de la séptima temporada de Microteatro Lima “Por lo que más quieras”.

Los días miércoles y viernes a las 8:00 p.m. serán para la Hora Estelar 1, días en que presentarán las obras: Chispas del destino, Eric, Una mañana cualquiera, ¿Tanto te puede trastornar la vida un botón?, Y punto.  La Hora estelar 2 será los días jueves y sábados y también en el horario de las 8:00 p.m., con las obras: Madre llena eres de gracia, Encuentro, Pronto llegará, Tinder wars; Muriel, mateo y el monstruo. Y en esta ocasión las 10 obras de ambos horarios conforman la ya popular Hora Golfa de Microteatro que va los viernes y sábados a las 11:00 p.m.

Sólo por verano, la Hora Infantil, en horario vespertino, se presentará los días miércoles con las 4 obras hechas especialmente para los más pequeños: Mika y el misterio de nobontoy, Súper Pedro y el rescate de las flores, Las manos que cuentan, y ¡Llegaron los piratas!

Lima forma parte de la red internacional de Microteatro desde el año  2014, teniendo como Gerentes a Jordi  Vilalta y Rafo Iparraguirre, quienes crearon la sede en nuestra capital, al igual que se ha hecho en otros países como México, Estados Unidos, Argentina, Puerto Rico, sólo por mencionar algunos.

La sede oficial de MICROTEATRO en Lima queda en Jirón Batallón Ayacucho 271, espaldas de la municipalidad de Barranco.

Para mayor información comunicarse con:
Carla Revilla | 942-155-642 | carlarevilla@gmail.com
Rony López | 947-158-956 | ronymija@gmail.com

Reestreno: NUESTRO SECRETO

Presente en el XV Festival de Teatro Saliendo de la Caja, escrito y dirigido por Rosabel Rojas    

Por solo cuatro funciones (del jueves 4 al domingo 7 de febrero) regresa a los escenarios, bajo la dirección de Rosabel Rojas, la obra NUESTRO SECRETO que forma parte de la serie de presentaciones de proyectos finales en Artes escénicas en el décimo quinto Festival de Teatro Saliendo de la Caja PUCP.

NUESTRO SECRETO cuenta la historia de Diego y Arlette, quienes han crecido viendo a sus padres juntos como una familia bastante unida y sin grandes problemas. Dicha realidad se quiebra cuando ambos hermanos descubren que su madre estaría viéndose a escondidas con un amor del pasado. ¿Cuántos secretos somos capaces de esconder? ¿Somos felices realmente? ¿Cómo lo sabemos? “Nuestro secreto” es una obra sobre la naturaleza del amor, la soledad, el perdón y el tiempo de crecer como personas. Y en esta oportunidad se cuenta con el apoyo profesional para el joven elenco con destacados actores como son Lilian Nieto e Ismael Contreras.

La décima quinta edición del Festival de Teatro Saliendo de la Caja, que se realizará hasta el 8 de febrero, es un gran evento de los alumnos del último ciclo de la Especialidad de Artes Escénicas de la PUCP que presentarán sus montajes de fin de carrera al público general en el Centro Cultural PUCP (Av. Camino Real 1075, San Isidro).

OBRA TEATRAL NUESTRO SECRETO
Funciones: del 4 al 7 de febrero
Hora: jueves, viernes, sábado 8:00 p.m. Domingo 7:00 pm
Dramaturgia y dirección: Rosabel Rojas
LUGAR: Centro Cultural CCPUCP
DIRECCIÓN: Av. Camino Real 1075, San Isidro
Elenco: Tracy Alcántara, Lilian Nieto, Ismael Contreras y Cristhian Palomino
Entradas a la venta en la boletería del CCPUCP de 2:00 pm a 8:00 pm

Para coordinaciones de prensa comunicarse con:
Kitty Bejarano: 951710071 (RPC)/ (#) 99893-4590 (RPM)
Pamela Puglianini: (#) 99995-4141 (RPM)

Estreno: MADRE CORAJE

Presentan el Centro Cultural de la UTP y Casa Brava   

El próximo 29 de enero, el Centro Cultural de la Universidad Tecnológica del Perú (UTP) y la productora Casa Brava presentarán la obra teatral “Madre Coraje”, creada por el destacado dramaturgo Bertolt Brecht -en 1937- para denunciar los preparativos bélicos del nazismo.

Madre coraje narra la historia de una astuta vendedora ambulante que para sobrevivir sortea hábilmente las diferencias entre católicos y protestantes. Ella logra el sustento de su familia recorriendo los campos de batalla con su pesada carreta, sacando partido de la guerra y del dolor humano. A través de su trabajo, Madre Coraje obtiene beneficios, pero el precio que ha de pagar son sus tres hijos: Eilif, Requesón y Catalina.

El director de Casa Brava Teatro, Wilbert Flores, propone esta obra junto a sus alumnos egresados de su escuela de actuación. Los jóvenes talentos asumen con profesionalismo cada propuesta escénica del director.

La obra teatral se realizará el viernes 29 de enero a las 7:30 pm en la Universidad Tecnológica del Perú (Av. Petit Thouars 116, Lima). El ingreso es libre.

martes, 19 de enero de 2016

Estreno: RUIDO

La destacada directora y dramaturga, Mariana de Althaus, luego de éxitos como Criadero, Padre Nuestro y El Sistema Solar, vuelve al CCPUCP   

El Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú se complace en presentar la obra RUIDO, escrita y dirigida por Mariana de Althaus. Una comedia ambientada a fines de los ochentas en el Perú que confluye entre lo real y lo absurdo, conformada por un gran elenco: Monserrat Brugué, Denise Arregui, Alexia Centurión y Gabriel Gonzales. Desde el 12 de marzo en el Teatro CCPUCP.

La obra transcurre en un barrio de clase media limeña de fines de los ochentas, durante el primer gobierno de Alan García, en medio de la violencia y la hiperinflación.

Quince minutos antes del toque de queda, empieza a sonar la alarma de un carro. Una mujer lee sin prestar atención al sonido, su esposo, desesperado por no poder concentrarse en la elaboración de un artículo, le pide que vaya a despertar a los vecinos para que apaguen la alarma. Va en piyama a tocar el timbre de la señora Agusta, quien la invita a pasar ofreciéndole un trago. Dan las once de la noche y empieza el toque de queda: ya no puede salir. En medio de esto, se entera de que su esposo, aprovechando su ausencia, ha escapado en su auto, aparentemente sin planes de retorno.

Es así como ésta mujer, la Vecina, se ve de repente encerrada en una casa amable y a la vez perturbadora, viéndose obligada a enfrentarse a la excesiva atención de la insondable señora Agusta; a la fragilidad y el sarcasmo de Agustín, el hijo punk; y por último, a la insolente lucidez de Agustina, la hija adolescente que asegura ser una extraterrestre.

En este país todo puede pasar. Hasta lo más demencial.

RUIDO
Escrita y dirigida por Mariana de Althaus
Elenco: Monserrat Brugué, Denise Arregui, Alexia Centurión y Gabriel Gonzales

Estreno: sábado 12 de marzo
Temporada: De jueves a lunes a las 8:00 p.m.
Lugar: Teatro CCPUCP – Av. Camino Real 1075, San Isidro

PRE-VENTA desde el 20 de enero
Teatro CCPUCP

Precio
Pre-venta especial
S/. 35.00

Contacto de prensa
Gabriela Zenteno Vargas - T. 616 1616 anexo 6733 - gzenteno@pucp.pe
Elsa Salinas - T. 616 1616 anexo 6794 - prensacc@pucp.pe

Reestreno: PIAF

Uno de los éxitos teatrales más comentados del año llega al Centro Cultural Boulevard de Asia por una única función   

VNP Producciones, Scotiabank, Entel y el Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú se complacen en presentar la reposición de uno de los éxitos teatrales más comentados del 2015, PIAF, escrita por la dramaturga inglesa Pam Gems y bajo la dirección de Joaquín Vargas.

La cantante de origen francés Edith Piaf (1915-1963) cautivó al mundo con su voz y su pasión por la vida y la libertad. Su vida, aunque corta, fue muy intensa y es a través de pasajes de su carrera, de sus fracasos y triunfos, de sus amores y sus canciones, que la obra permitirá conocer a una mujer que logra sobrevivir y florecer desde la miseria.

Celebrando 100 años del nacimiento de Edith Piaf, la Alianza Francesa de Lima presentó la obra de una de las cantantes más trascendentes de la música contemporánea, y tras el rotundo éxito el Centro Cultural PUCP, en alianza con VNP, continuaron rindiendo tributo a la historia de una mujer que nunca traicionó sus orígenes y se arrepintió de nada, “Non, Je Ne RegretteRien”.

Más de 15,000 personas ya la vieron y aplaudieron de pie la increíble performance de Patricia Barreto el elenco y músicos en dos temporadas a sala llena. Es por eso que a pedido del público, vuelve en una única función este sábado 13 de febrero a las 8:30 p.m. en el Boulevard de Asia.

PIAF
Obra inspirada en la vida de la cantante francesa Edith Piaf, escrita por la dramaturga británica Pam Gems y dirigida por Joaquín Vargas

ÚNICA FUNCIÓN SÁBADO 15 DE FEBRERO A LAS 8:30 P.M. EN EL BOULEVARD DE ASIA - VENTA DE ENTRADAS EN TELETICKET

ENTRADAS EN TELETICKET
SUPER VIP GENERAL: S/106.00
VIP Y PLATEA GENERAL: S/. 85.00

ELENCO
Patricia Barreto, Natalia Salas, Fiorella de Ferrari, Fernando Luque, Mariano Sábato, Gonzalo Tuesta, Armando Mayta, Carlos Casella, Wilson Hidalgo y Jean Pierre Vismara.

Dirección
Joaquín Vargas Acosta

Producción general
Pamela Stewart

Coproducción
VNP y CCPUCP

Contacto de prensa
Carla Revilla | 942 155642 | carlarevilla@gmail.com
Rony López Mija | 94 715 8956|ronymija@gmai.com

domingo, 17 de enero de 2016

Comentario: RESULTADOS PREMIOS LUCES 2015

Los mejores del año según los lectores de El Comercio    

Se anunciaron por fin los resultados de la encuesta propuesta por nuestro Decano de la Prensa Nacional, en un atípico año para sus nominaciones en las artes escénicas, como la no inclusión de una terna para los directores, por ejemplo. Pero la opinión de los lectores del diario es la que manda, y por ende, el veredicto de su público objetivo arrojó resultados que acaso ya sospechábamos, pero que al menos nos depararon algunas sorpresas.

Los directores Jorge Castro y Juan Carlos Fisher deben estar saltando en un pie, pues ganaron por sus montajes, a pesar de no haber estado ellos mismos nominados como directores. Edipo Rey, producida y estrenada por el Teatro La Plaza; y Full Monty, a cargo de Los Productores y estrenada en el Teatro Peruano Japonés, ganaron como mejor obra dramática y mejor musical o comedia, respectivamente.

Justamente de este último montaje, los populares actores Renzo Schuller y Andrés Wiese ganaron como los mejores intérpretes masculinos del año, así como lo hizo Jimena Lindo por Las tres viudas, obra estrenada también en el Teatro La Plaza. Y sorprende que un montaje realizado en el acogedor teatro circular de Aranwa haya resultado ganador: Mateo Chiarella se alzó con el premio de dramaturgia por Búnker y además, su protagonista Mayra Cuoto, como la mejor actriz teatral del año.  

¡Felicidades para todos los ganadores!

Mejor obra dramática    
"Edipo Rey"

Mejor musical o comedia 
"Full Monty"

Mejor dramaturgia nacional  
Mateo Chiarella por "Búnker"

Mejor actor teatral  
por "Full Monty"

Mejor actriz teatral   
Mayra Couto por "Búnker"

Mejor actor de reparto 
Andrés Wiese por “Full Monty”

Mejor actriz de reparto 
Jimena Lindo por “Las tres viudas”

Sergio Velarde
17 de enero de 2016

sábado, 16 de enero de 2016

Crítica: HOY PROMETO NO MENTIR

El mundo interior de un dramaturgo   

Estrenada en 2012 en el quinto piso de un hotel, con la dirección del siempre transgresor Carlos Tolentino, la pieza Hoy prometo no mentir de Gonzalo Rodríguez Risco nos ofreció las historias de un hombre (Jason Day) y una mujer (Fiorella Pennano) que deciden contar sus propias verdades en escena, despojándose de toda máscara que les impida cumplir su objetivo. Se trata de una interesante pieza introspectiva que explora los sentimientos más profundos de dos personajes comunes y corrientes, pero que tienen mucho que decir; y además, se inscribe perfectamente en el estilo del autor, tan acertado cuando retrata los conflictos internos de sus complicados personajes.

La puesta en escena fue repuesta oportunamente en el Teatro Mocha Graña, buscando la complicidad e intimidad con el público. Aparecen los protagonistas: ella, una dramaturga que al hablar de su nueva obra, revela los tristes momentos que debió vivir cuidando a su padre enfermo por mucho tiempo; y él, un triunfador con un pasado de obesidad, desea cambiar la vida de sus oyentes, pero repara que su éxito no es completo del todo. Luego, sucede el encuentro de estos dos personajes, en el que la consigna es hacer valer la promesa de no mentir, al menos, por un día.

Con la premisa de darle todo el realismo posible a la puesta en escena, el director Manuel Trujillo, quien tiene en su haber interesantes montajes como Los disfraces (2013) o Eclipsadas (2014) y sus actores Anabelí Bolaños y Yamil Sacin Rey de Castro hacen su mejor esfuerzo, consiguiendo el objetivo deseado en varios momentos. De acuerdo al comentario que publicara Diego La Hoz (muy amigo del autor) sobre la pieza, el verla fue “como si nuestros secretos se abrieran suavemente en el rumor de una bonita nostalgia. Me encanta sentir que Gonzalo no miente nunca. Me fascina que sus temas recurrentes sigan vivificados en su propia ficción. Un maduro autorretrato.” En conclusión, Hoy prometo no mentir de Gonzalo Rodríguez Risco es una curiosa pieza introspectiva que ofrece una propia mirada al mundo interior de uno de nuestros destacados dramaturgos, que tiene mucho que decir.

Sergio Velarde
16 de enero de 2016

viernes, 15 de enero de 2016

Crítica: ME TOCA SER EL NENE ESTA NOCHE

La amistad en realidades paralelas   

Acudir a ver una nueva obra escrita y dirigida por Cristian Lévano representa siempre una completa interrogante, pues no se sabe qué se va a encontrar. Y es que de un título tan llamativo como Me toca ser el nene esta noche se puede esperar literalmente cualquier cosa. Pero Lévano no defrauda, especialmente cuando se trata de jugar y volar con su propio texto, una suerte que no corrió del todo su respetuoso homenaje a Sergio Arrau con La multa (2014). Estrenada en el Club de Teatro de Lima, su nueva puesta en escena marca cuidadosa distancia de sus anteriores montajes, pero a la vez, aprovecha muchos aciertos de estos para enriquecer su nuevo espectáculo.

Inicia la obra con una simpática rutina a cargo de dos atípicos personajes llamados Furi y Bundo (como lo hacían Alguien y Otro en ¿Qué hiciste Diego Díaz?), que se encuentran viviendo en un misterioso lugar del cual no pueden salir. Las fugaces apariciones de una muchacha vestida de negro llamada Rosita, que parece existir en otro plano de la realidad, y la posterior llegada de otra mujer llamada Esther a este sitio, revelarán la amenaza de un hombre que nunca vemos y que solo se menciona (como sucedió en Francisco). Si bien con un tratamiento surrealista como ya nos tiene acostumbrado Lévano, la pieza aborda atinadamente temas muy reales y contemporáneos como la discriminación y la violencia ejercida contra las minorías, así como también rescata a su manera, el verdadero valor de la amistad.

Lévano cuenta con sólidos actores que ya lo acompañaron anteriormente en anteriores montajes, como Carmela Tamayo (en Un trébol mágico), Marina Gutiérrez (en Dana) y Rod Díaz (en ¿Qué hiciste Diego Díaz?). Por su parte, Sergio Ota (de En el jardín de Mónica) hace su debut en la Asociación Cultural Winaray, interpretando al tierno e hilarante Bundo. Me toca ser el nene esta noche (en referencia a uno de los tantos juegos que tienen Furi y Bundo para matar el tiempo) es una pieza que se instala cómodamente entre los mejores estrenos del colectivo, y que puede confundir a aquel público que busca un montaje convencional, pero que triunfa al demostrar la sorprendente e inagotable creatividad de su joven autor.

Sergio Velarde
14 de enero de 2016

Estreno: EL LEÓN

MOLINOS DE VIENTO TEATRO presenta la comedia familiar escrita por Juan Rivera Saavedra, dramaturgo peruano, bajo la dirección de Miguel Torres.

El circo más pobre del mundo, es visitado por un misterioso hombre que afirma haber traído la solución a todos sus problemas. Un maravilloso león que les asegura salir de la pobreza. A cambio deberán firman un contrato que los pondrá en más de un aprieto, sacando así lo más oscuro de cada uno de ellos.

Esta obra nos permite reflexionar sobre cuáles son las motivaciones y compromisos que tiene o debe tener un artista. ¿Cuánto somos capaces de entregarle al arte…? Con esta historia nos preguntamos, qué es lo que diferencia al artista de los demás profesionales, de los demás seres humanos.

MIGUEL TORRES es comunicador, actor, director y pedagogo teatral. Bachiller en Artes Escénicas de la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático (ENSAD) y Comunicador Audiovisual del IDC. Fundador y director del grupo “MOLINOS DE VIENTO TEATRO”. Ha llevado estudios de “Dirección teatral” con Diego la Hoz y de “Dramaturgia” con Gonzalo Rodríguez Risco. Director de la comedia teatral “MÁS PEQUEÑOS QUE EL GUGGENHEIM” de Alejandro Ricaño, de “ALMENDRITA” de Sara Joffré, director y actor de la obra “CUANDO EL DÍA VIENE MUDO” de Diego la Hoz y “LA CUCARACHITA MARTINA” de Sara Joffre.

Tomamos un texto poco conocido del autor más prolijo de Latinoamérica, nuestro querido dramaturgo peruano, Juan Rivera Saavedra, con más de 70 años de labor artística, lo traemos a la actualidad y nos damos cuenta que está más vigente que nunca. “El león” es una graciosísima comedia negra, que aborda con una hermosa metáfora, el tema de la importancia y el compromiso del artista con su trabajo. Es una obra que desde la risa busca que el público se cuestione y reflexione sobre el universo del artista, sus sacrificios y gratificaciones.

DRAMATURGIA: Juan Rivera Saavedra.
DIRECCIÓN: Miguel Torres.
PRODUCCIÓN: Molinos de Viento Teatro
ELENCO: Erika Najarro García, Alejandro Mansilla, Ronie Cuba, Renato Ayllón, Johann Allpas, Natalio Díaz. .
FECHA Y HORA: Todos los domingos del 07 al 21 de febrero a las 4:30pm y del 28 de febrero al 20 de marzo a las 6:00pm
LUGAR: Asociación de Artistas Aficionados – A.A.A.
DIRECCIÓN: Jr. Ica 323 – Cercado de Lima

JÓVENES Y ADULTOS: S/10
NIÑOS: S/. 5

PREVENTAS CONTACTARSE A: molinosdevientoteatro@hotmail.com
Teléfonos  959-366-695 / 991-276-784