Interesante amalgama teatral
Impresionante puesta en escena de DeAbril Teatro, en la que juntan por primera
vez (y esperamos, no la última) a cinco consagrados directores con cinco
jóvenes dramaturgos, en cinco piezas cortas interpretadas por cinco eficientes
actores en cinco habitaciones de la Casa Amarilla de Barranco. Si bien es
cierto que la espectacular casona es aprovechada de manera muy efectiva por el
grupo, es necesario anotar que esta utilización del espacio corre el riesgo de
agotarse en sí misma (las logradas “El tríptico de las delicias” y “Casa
pesada” se basaron en ella anteriormente) y que debe reinventarse en el futuro
para no caer en el falso estereotipo de puesta de “vanguardia”.
“Turquesa”, escrita por Mariana de Althaus y dirigida por Alberto Isola, nos presenta una particular visión del infierno, muy a lo “A puerta cerrada” de Sartré, en la que un hombre y una mujer se encuentran en una habitación amplia y celeste, jugando con las falsas apariencias. Correctas actuaciones y un sugerente empleo de luces y sombras. La puesta más difícil (a nivel de dramaturgia) llega con “Cicatriz al final dela espalda” de Juan Carlos Méndez, para mayores señas, el autor del (quizás) mejor montaje teatral del año pasado, “Tiernísimo animal”, en el que Diego LaHoz y Emilio Montero nos transportaron a un mundo completamente imposible de entender, pero que nos causó una profunda adicción ante la cantidad de sentimientos que producían. En esta pieza los actores, junto al director Miguel Rubio, intentan alcanzar los mismos resultados, casi del todo conseguidos.
“Agua” de Aldo Miyashiro nos pone en contacto, como es ya costumbre en él, con tres seres atormentados salidos de la escoria de la sociedad, en los que los vicios, la soledad y la profunda sensación de desconcierto y descontrol, los llevan a cometer actos de gran crudeza y violencia y no les permite ver el“agua” que tanto ansían y que tan a la mano tienen. Excelente dirección de Marisol Palacios y una notable actuación de Lorena Pastor. Gerardo Ruíz y Roberto Ángeles aportan, en dramaturgia y dirección, respectivamente, la muy oportuna cuota de comedia a la “galería”, con “Instalación 1x1”, una sencilla historia de un artista plástico, ansioso de reconocimiento del medio en que se desenvuelve. A notar la actuación de GonzaloMolina, un actor de matices y amplio registro.
Lamentablemente la nota discordante la pone “Ana”, una creación colectiva en la que Mateo y Jorge Chiarella ponen el punto final al recorrido. Y no porque la puesta esté mal: las actuaciones son buenas y el espacio es bien aprovechado. Es el mensaje de la obra el que rompe todo la magia creada por los anteriores montajes. La historia de Ana, una mujer atormentada por sus creencias nazi, es narrada por tres actores (dos de ellos en neutro), que interpretan diversos personajes, valiéndose de elementos imaginarios, y que resultan muy impostados dentro de la “galería”. Si los cuatro cuadros mostrados anteriormente jugaban con las sensaciones, en los que cada espectador obtenía su propia conclusión, aquí el mensaje es claro y directo: Hitler es malo, miren a Ana cómo sufre por ser nazi (muy digna Vanesa Vizcarra) y observen todo el daño que sufrieron los judíos (este último mensaje en una innecesaria sucesión de slides). Como puesta en sí es respetable, pero incoherente en relación al conjunto.
Sin embargo, el resultado total final es altamente recomendable y nos deja la esperanza que estos “encuentros” vuelvan a repetirse en el futuro. Esperamos queDeAbril Teatro vuelva a abrir nuevamente sus próximas “galerías”.
Sergio Velarde
29 de marzo del 2004
Magnífico duelo actoral
Interesante puesta en escena del joven actor y director
Ernesto Vildoso (a quien podemos ver por partida doble en el comercial de un
conocido banco), en la que presenta el conflicto entre dos mujeres, una loca
(Chela) y otra cuerda (Victoria), en medio de la tensa espera del
“acompañamiento” que dará inicio a la imposible carrera musical de la primera.
Chela representa así a los sueños y deseos perdidos, las esperanzas truncas cegadas ante el delirio de convertirse en imposible sucesora de la inmortal “Guarachera de Cuba”. Su última esperanza en recobrar la lucidez recae en Victoria, amiga íntima y compañera de trabajo, quien enfrentará a su vez sus propias frustaciones. Un fuerte drama llevado a cabo con una ajustada escenografía y sencilla iluminación (salvo en los números musicales que inician y dan fin a la obra), pero que sirve de lucimiento para dos magníficas interpretaciones de las actrices Ursulla Kellenberger como Chela y Carmen García Esquerre comoVictoria.
Vildoso logra sostener el interés con un acertado manejo de las pausas, que tienen tanta importancia (o quizás más) que el propio texto, con diálogos duros y fuertes, pero nunca fuera de lugar. No dejen de “acompañar” este inquietante y sugestivo “Acompañamiento”.
“El acompañamiento” se presenta en el teatro Mocha Graña los sábados a las 6:00p.m. y los domingos a las 7:00 p.m.
Sergio Velarde
21 de marzo del 2004
Notable comedia de Plan 9
Las virtudes de "Las vacaciones de Betty" y "Calzones" han
sido corregidas y aumentadas en esta divertida comedia del laureado Christopher
Durang, dirigida por David Carrillo. "Bebé a bordo" narra
las desventuras de John (Miguel Iza) y Helen (Denise Arregui), quienes se
enfrentan por primera vez a la idea de ser padres. La obra posee un corrosivo
humor negro que mueve a los personajes a realizar actos carentes de toda lógica
y sentido, pero que se salvan de caer en el fácil estereotipo gracias a una
inspirada dirección y solventes actuaciones.
El montaje se presenta limpio y coherente, conformado por una sucesión de cuadros que nos cuentan la vida azarosa de "Daisy", el hijo con sexo indefinido, hasta convertirse en adulto y cerrar el círculo de vida con el nacimiento de otro bebé. La presencia de "Daisy" y su crecimiento es visto y contado a través de personajes completamente dislocados como la estrambótica "niñera" (Fiorella Rodríguez) o la loca del perro (Claudia Berninzón), hasta que aparece el vástago en carne y hueso (Rómulo Assereto), pero en vestido.
Arregui interpreta con mucho aplomo a Helen, muy medida y nunca fuera de lugar, convirtiéndolo en un entrañable personaje. Si bien Iza es un excelente actor dramático (hizo un notable tandem con Gabriela Billoti en "Dos para el camino"), resulta por momentos algo forzado en las escenas tipo "slapstick" del comienzo (¡esos golpes contra la pared y esa peluca!). Pero luego se luce con su John envejecido y arruinado mentalmente por las pastillas y el alcohol. Berninzon y Rodríguez tienen varios papeles a lo largo de la obra, que asumen con gran entusiasmo y energía, sobre todo esta última quien consigue caracterizar a una hilarante y sicótica directora de colegio.
Assereto logra mantener la atención en la larga escena del psicólogo, gracias a su convincente actuación. En suma, una divertida comedia que nos hace reir, enternecer y pensar sobre toda la avalancha de dudas e inseguridades que se nos presentan ante la llegada de un nuevo ser. Todos a "bordo" de esta nueva aventura de Plan 9.
"Bebé a bordo" se presenta en el Teatro Julieta de jueves a lunes a las 8:00 pm.
Sergio Velarde
14 de marzo del 2004
Poco más de lo mismo
La idea no era mala: estando en un karaoke con micrófono en
mano, la imaginación vuela, vivimos otras vidas y nos transportamos a universos
en las antípodas de los propios. Cuatro historias de cuatro muchachos
trabajadores de una empresa X, unidas por misteriosas llamadas telefónicas, le
sirven al director Diego López y al guionista Gilberto Nué, para retratar la
locura que cada ser humano lleva en su interior. Acompañados por un impecable y
cuidadoso trabajo de producción (efectiva proyección de videos, oportuno uso de
luces y sonido) esta empresa debería haber tenido una mejor suerte. Que quede
claro: si Ud. busca sólo divertirse sin mayores pretensiones y pasarla bien,
pues este "Karaoke" es, sin lugar a dudas, su mejor opción. Pero para
quienes esperamos cuando cae el telón ese "algo más", ese abstracto
"plus" que sentimos en contadas ocasiones, sólo podemos concluir que
esta puesta en escena es una entretenida, simpática y agradable desilusión, que
sólo ofrece los mismos contenidos de siempre, eso sí, muy bien reciclados con
costosa inversión.
Se puede apreciar un gran trabajo y esfuerzo de parte de los cuatro actores por conseguir precisión en las variadas coreografías y por lograr sacar adelante cada una de sus escenas (monólogos), pero individualmente los resultados son muy disparejos: Julián Estrada no logra convencer del todo con su rutina del chico que se cree un perro, pero Emilram Cossío sí consigue óptimos resultados, disfrazándose de Barney e imitando a los diferentes vendedores que pululan por las calles limeñas. El carismático Manuel Gold tiene a su cargo la mejor secuencia de la obra como el mago impostor, sacándole el jugo a sus textos con un buen manejo del espacio y utilería. Lamentablemente Vera Castaño no puede llevar el barco a buen puerto con una débil y poco creíble interpretación del personaje que une todas las historias. Y es que una vez que sabemos de quién se trata, el suspenso se diluye y todas sus llamadas telefónicas resultan innecesarias. La interacción con el público puede ser manejada con más precisión y la jefa de escena podría prescindir de sus intervenciones "graciosas" a la fuerza.
Particularmente debo escribir que el público la pasa muy bien, y varias veces me uní al concierto de sonoras carcajadas. Pero el abuso de gags, lisuras y chistes de mecha corta me hicieron reflexionar sobre qué habría pasado si hubieran cambiado las corbatas y camisas por guayaberas y al remozado Teatro Mocha Graña por el anfiteatro del Parque Universitario. Hubiera resultado en un montaje más honesto y coherente. Y con pasada de sombrero. Definitivamente "Karaoke" es un espectáculo muy divertido, pero envuelto en un caro y estilizado papel de regalo que no guarda mucha concordancia con su reciclado interior.
Sergio Velarde
El dedo en la llaga
Así como Aldo Miyashiro y su "Función Velorio" nos
sumergieron hace algún tiempo en los bajos fondos del mundillo teatral, en
"Azul Resplandor" Eduardo Adrianzén nos presenta una feroz mirada al
manejo del teatro de "los de arriba", de la élite artística, en la
que quedan al descubierto nuestras carencias, miedos y prejuicios que tanto lastre
le cuelgan a nuestra comunidad teatral. "Azul resplandor" representa
el último fulgor de un fósforo al consumirse, tal como la vida de la
protagonista, una legendaria actriz de teatro ya retirada y cuyo retorno a las
tablas será la excusa para presentar en escena los círculos viciosos en los que
permanecemos entrampados y de los que aparentemente jamás podremos escapar.
Brillantes diálogos reflejan la necia idiosincrasia artística a través de personajes exageradamente reconocibles: la celebrada actriz dramática que no vivió ni sintió sus papeles más memorables, el empeñoso segundón sin talento eternamente relegado, el soberbio y déspota director capaz de destrozar a Lorca para hacer prevalecer su punto de vista, la asistente de dirección que pierde su identidad al ponerse al servicio de otro y los actores "muñequitos de torta" que buscan la hipócrita aceptación de la comunidad intelectual perpetrando montajes "culturosos" sin ningún tipo de interés real.
Pero este montaje del director Carlos Tolentino no sólo se limita a la cruda visión de nuestra realidad teatral, sino que nos presenta una historia de amor otoñal completamente creíble: Tito Tapia, un mediocre actor de teatro y televisión, le declara su amor con un atraso de veinte años a la diva Blanca Estela y la convence de regresar por todo lo alto a los escenarios en una singular temporada orquestada por el delirante director Antonio Balaguer.
Formidables Attilia Boschetti y Ricardo Fernández en los roles protagónicos, divertidos y conmovedores a la vez, acompañados por un sólido elenco que no se queda atrás conformado por Alejandro Escudero, Sofía Rocha, Óscar López Arias y Claudia Mori. Una imagen notable y un inteligente guiño del autor: en la conferencia de prensa tanto los actores como el director responden nimiedades sentados en sillas plateadas, mientras que al pobre dramaturgo, sentado en un banquito de madera, no le preguntan nada. Un resplandeciente montaje de visión obligatoria.
Sergio Velarde
28 de junio del 2005
Notable conjunción de teatro y circo
Dejando en claro que en el Perú también se realizan
espectáculos de primer nivel, el grupo “La tropa del eclipse” presentó en el
marco del III Festival UCSUR de Teatro Internacional su obra “Ludicus”, un
montaje que recobra la clásica escuela de payasos, en precisa mezcla con
elementos teatrales y que ha venido recibiendo merecidamente un gran éxito de
público y crítica en los diferentes espacios en los que se ha presentado.
La historia va más o menos así: un taciturno director de orquesta ingresa a través de un espejo a un mundo mágico, en el que conoce a bizarros personajes que le concederán el deseo de reencontrarse con la música y juntos deberán encontrar los zapatos perdidos de una damisela que habita en un baúl. El director Alex Ticona, quien también participa en la puesta en escena, se vale de diversas técnicas como malabares, telas aéreas, burbujas de jabón gigantes y juegos de ilusión, acompañadas por una impagable banda musical en vivo, notable maquillaje, una constante interacción con el público y ni una sola palabra pronunciada por los actores.
Notables actuaciones de todo el elenco, quienes logran lucirse de forma pareja con inolvidables personajes. A destacar la excelente performance de César Chirinos, quien consigue los momentos más destacados del montaje gracias a sus muy ingeniosas rutinas de mimo. “Ludicus” ya tiene un lugar ganado en la historia del teatro peruano, como uno de los espectáculos contemporáneos más divertidos, inteligentes y lúdicos realizados en nuestro país.
Sergio Velarde
Un digno espectáculo claun
El Teatro de la Universidad Científica del Sur no podía
estar ausente de su propio festival y escogió participar nada menos que en la
misma fecha que se presentó la soberbia puesta en escena de "La
remolienda" del Teatro Nacional de Chile. Un enorme "riesgo" que
sin embargo, fue asumido con mucha dignidad por el joven elenco que participó
con la creación colectiva en formato "claun" dirigida por César Bravo
titulada "Don't call me cholo".
La discriminación racial, gran tara de nuestra sociedad, es abordada con mucho humor desde un punto de vista irónico a través del imposible "love story" de dos universitarios de diferente condición social y su relación con un entorno que no ve con buenos ojos que se concrete dicha amistad. Los jóvenes participantes, bien entrenados en la técnica claun, gozan de gran carisma y logran hacer creíbles las bizarras y dilatadas escenas que componen la puesta en escena.
César Bravo logra un ameno espectáculo sin mayores pretensiones y que cumple largamente su cometido: divertir al espectador con un tema manoseado hasta el cansancio, pero resuelto en escena de manera lúdica e hilarante. Definitivamente este es un claro ejemplo que no se debe menospreciar los proyectos tetarales forjados dentro de las universidades, pues éstos resultan, a veces, mucho más compactos y consecuentes que otras propuestas "profesionales".
Un verdadero clásico chileno
Tremendo éxito resultó la presentación del Teatro Nacional
Chileno en el III Festival UCSUR de Teatro Internacional con la puesta en
escena de La Remolienda, notable comedia escrita por Alejandro Sieveking y
con la dirección de Raúl Osorio, que deja en claro el buen momento por el que
atraviesan nuestros hermanos del sur. Se trata de una comedia de equivocaciones
en la que una viuda llamada Nicolasa y sus tres hijos, habitantes de un
apartado pueblo, deciden ir a la ciudad, llegando por error a una "casa de
remolienda" o prostíbulo, en donde protagonizarán divertidos enredos con
la regenta del lugar llamada Rebeca, hermana de Nicolasa y sus tres “hijas”.
La remolienda es una de las obras más populares de Chile, escrita por Sieveking hace 42 años y que se mantiene como una de las constantes más atractivas dentro de la cartelera mapocha. Son trece los actores que participan en el montaje y denotan un gran profesionalismo, técnica y carisma, dando vida a personajes sencillos y muy humanos. A destacar el contrapunto entre las actrices Diana Sanz (Nicolasa) y Blanca Mallol (Rebeca), verdaderamente desternillante.
Hay que destacar que los organizadores del Festival se encargaron de presentar la pieza como debe de verse, con vestuario, utilería y escenografía completas, que se adaptaron perfectamente al teatro Segura y que dieron como resultado casi dos horas de espectáculo de primer nivel. Excelentes diálogos, mucha magia, risas y lágrimas en una inolvidable velada, muy cercana a la tan esquiva perfección, gracias al Festival UCSUR.
Sergio Velarde
Un clásico contemporáneo sin pierde
El III Festival UCSUR de Teatro Internacional sirvió de
marco para apreciar el trabajo del Grupo Teatral de la Universidad Privada
Antenor Obrego de Trujillo con el montaje de La nona, un clásico
contemporáneo del argentino Roberto Cossa, bajo la dirección de Bertha
Malabrigo de Vértiz. La popular pieza nos presenta la dura realidad que debe
atravesar una familia de clase media baja, para llegar a fin de mes y no
descuidar la alimentación de la matriarca del clan, la Nona.
Es en este personaje que el autor pone de manifiesto toda la decadencia de este tiempo, en el que la solidaridad, la esperanza y el respeto se van poco a poco extinguiendo. La Nona, presa de un apetito voraz a pesar de su dilatada edad, convive con familiares muy singulares: Marta, la hija dedicada a la prostitución; Carmelo, el padre agobiado por las deudas; María, la madre frustrada; Chicho, el insoportable haragán y Anyula, la tía humilde y servicial. Y la Nona saciará su hambre literalmente con la vida de cada uno de ellos. Humor negro en su máxima expresión.
El hecho de tratarse de teatro universitario no debe ser motivo para no comentar la puesta en escena con rigurosidad, pero se nota un buen manejo de luces y sonido, y la abundante escenografía y utilería es utilizada por los actores con mucha limpieza, permitiendo una agradecida rapidez en los cambios de escena. La nona está tan bien escrita que puede ser escenificada por una agrupación no profesional, y aún así mantener intacto su incisivo mensaje, no haciendo tan evidentes las entusiastas pero ligeras actuaciones. Como es de costumbre, el personaje principal debe ser interpretado por un actor y Miguel Lozada Pérez no lo hace mal. Sin caer en excesos, este es un digno y apreciable montaje universitario y debe verse como lo que en realidad es.
Sergio Velarde
Los problemas de la Pasión
Llevar a las tablas la controvertida y truculenta película La pasión de Cristo de Mel Gibson
es, sin lugar a dudas, una riesgosa empresa que podía resultar o
abrumadoramente magnífica o mortalmente fallida. O la una o lo otra. El actor
Martin Abrisqueta se embarcó en este proyecto como director y los resultados
obtenidos inclinan la balanza, lamentablemente, hacia la segunda opción. Si
bien existen algunos aciertos aislados, como ciertas imágenes de gran belleza y
algunas sinceras actuaciones, en conjunto la puesta en escena se torna densa y
aburrida.
¿Cómo montar una obra en donde el factor sorpresa es nulo? Si es que existe alguien que haya vivido todo este tiempo bajo una piedra, la historia de Jesús y sus últimos días es sabida por todos. Entonces, el objetivo de la puesta en escena debió recaer en cómo contar esta historia mil veces contada con creatividad, que lamentablemente se reduce a la presencia de dos actores interpretando a Jesús, y uno de ellos, de color. Pero a estas alturas, ni siquiera ese detalle resulta original. Y lo que es peor, no existe en la propuesta escénica nada que justifique esta doble interpretación, salvo la de conseguir escenas en paralelo dentro del montaje con el mismo personaje.
Las actuaciones son irregulares, mezclando diversos estilos que no logran unidad. Un enérgico Igor Calvo destaca nítidamente como Anas; Jacquelin Chuquillanqui e Ysela Castañeda aportan dignidad a los roles de María y María Magdalena, respectivamente; Oliver García es sincero y preciso como Longinos; y Gustavo Cerrón como Pedro resulta excesivamente melodramático. Américo Zúñiga, Josse Fernández y Miguel Medina poco pueden hacer por sobresalir en medio del desorden generalizado que reina en la puesta. Tal vez lo mejor de la cinta de Mel Gibson haya sido la presencia andrógina y misteriosa del Diablo, que aquí es encargada a una joven actriz con vestido rojo carente de presencia escénica que pasa completamente inadvertida.
Una mención aparte merece la caracterización de Jesús, que debe ser necesariamente interpretado (no veo otra forma posible) con gran energía y carisma, como en el caso de Marcos Zunino en “Jesucristo Superstar”. Interpretado frecuente e infundadamente como una especie de extraterrestre, aburrido y anodino, en esta “Pasión de Cristo” Jhon Narváez puede acertar en su construcción física, pero cae irremediablemente en el cliché del peor de los Jesús de las películas en Viernes Santo.
El teatro Julieta (tan cómodo para el público como incómodo para el actor), ofrece espacio suficiente que no es aprovechado como se debería para recrear todos los espacios y lugares que la historia propone. A pesar de estos graves defectos, se nota un evidente trabajo y entrega por parte de los realizadores y actores, pero que no logran formar una obra sólida y disfrutable. Esta "Pasión de Cristo" necesita aún más tiempo de afianzamiento y reordenamiento para poder ser apreciada en toda su valía.
Sergio Velarde
