Estreno: LA MÁQUINA DE ABRAZAR

Autor: José Sanchis Sinesterra

Dirección: Natalio Diaz

Actúan: Bianca Denegri y Yasmine Salazar

Asistente de producción: Danny Acevedo

Producción general: D´NADA  teatro

SINOPSIS DE LA OBRA

“¿Cómo poder entender el universo del otro? Miriam Salinas Psicoterapeuta y su paciente estrella, Iris Da Silva. Ambas se mueven en dos distintas formas de concebir al mundo, en las cuales intentan comprenderse. Iris es su paciente que ha logrado un avance muy fuerte en su autismo. Miriam intenta presentar a su audiencia este gran acontecimiento. Y es aquí donde aparecen las dificultades de comunicación ¿Qué tan importante es expresarnos y ser comprendidos?  en un público heterodoxo que mira toda la situación con rareza”.

ÚNICA FECHA:

Viernes 21 de Diciembre de 2018

Hora: 8:00pm

Lugar: Asociación Cultural Winaray (Av. Tacna 685 Dpto 123 – Cercado de Lima)

Entrada general: S/. 10.00

ENTRADAS EN PRE-VENTA Y PUERTA DEL TEATRO - CAPACIDAD LIMITADA

Contacto

Natalio Diaz- 983155132

n.diaztineo91@gmail.com / dnadateatro14@gmail.com

Estreno: NUEVE/ RESISTENCIAS COTIDIANAS

Muestra final del IX Taller de Formación Actoral de Ópalo, dirigida por Jorge Villanueva Bustios

¿Cómo se vive al margen? 

¿Cómo luchar cuando sabes que tienes todo en contra?

NUEVE/Resistencias cotidianas es una creación colectiva realizada por los participantes del cuarto nivel del IX Taller de formación actoral de Ópalo, dirigida por Jorge Villanueva Bustios, con la asistencia de Ernesto Ayala; y la fotografía a cargo de Eduardo Irujo. Son historias que convergen, a partir de sus necesidades, diferencias y similitudes; nueve luchas por vincularse con alguien, por recuperar a la familia, por amar y ser amado. Nueve, que a pesar de tener todo en contra, generan su propia resistencia.

La puesta en escena cuenta con las actuaciones de  Patricia Landa, Claudia Ripas, Katherine Serván, Andrea Jacobs, Macarena R. Layseca, Pedro Cáceres, Ernesto Peregrino, Daniel Suárez, Valeria Ramos.

NUEVE/ Resistencias cotidianas va el 12 y 13 de diciembre a las 8 de la noche en el Teatro del ICPNA del Centro de Lima. La entrada es libre y la salida con sombrero.

Estreno: LA GAVIOTA

TRES FUNCIONES DE LA OBRA TEATRAL

DE ANTÓN CHÉJOV EN VERSIÓN Y DIRECCIÓN DE RODRIGO CHÁVEZ

ESTRENO: VIERNES 14 DE DICIEMBRE A LAS 8:00 PM –ESCUELA LA HISTRIÓNICA

PREVENTA DE ENTRADAS A 15 SOLES HASTA EL 13 DE DICIEMBRE

TEMPORADA: 14, 15 y 16 de diciembre, viernes y sábado 8:00 pm/ domingo 7:00 pm

DRAMATURGIA: Antón Chejov

VERSIÓN Y DIRECCIÓN: Rodrigo Chávez

ACTÚAN: Nelson Quispe, Adriana Pérez, Fernando Retamozo, Aloma Cubas, Gabriel Baltuano, Christian Valencia, Steph Pinto, Miguel Flores, Jahaira Pumarrumi, Jhoell Tapia y Yefrin Ayala

LUGAR: Escuela La Histriónica (ex Teatro Ensamble)

DIRECCIÓN: Av. Bolognesi 397 Barranco

Entrada General: S/.20.00 nuevos soles

PREVENTA DE ENTRADAS A 15 SOLES HASTA EL 13 DE DICIEMBRE

Para más información comunicarse al correo electrónico parachutes1706@gmail.com

Whatsapp:941-018157/ 998- 841559

Los alumnos del Taller Montaje de la Escuela La Histriónica (ex Ensamble) presentarán, por tres únicas funciones, la obra teatral LA GAVIOTA de Antón Chejov en versión y dirección de Rodrigo Chávez. El estreno se realizará el viernes 14 de diciembre a las 8:00 pm. La preventa de entradas va hasta el 13 de diciembre.

LA GAVIOTA, obra teatral escrita por Antón Chejov en 1896, está dentro de las cuatro obras maestras del dramaturgo y escritor ruso. La historia se desarrolla en la casa de campo de Sorin, hermano de la famosa actriz rusa Irina Arkádina. Su hijo, Konstantín, montará su obra experimental para los invitados y desencadenará una pugna entre lo tradicional en las tablas y las nuevas formas, poniendo en conflicto a todos los personajes que revelarán los intereses individuales de cada uno. Las relaciones amorosas que se desarrollarán en la obra mostrarán a los infelices personajes en un laberinto de emociones: Masha está enamorada de Konstantín pero él está enamorado de Nina, una aprendiz de actriz que está enamorada de Trigorin, amante de Arkádina; Medvedenko, está enamorado de Masha y Polina, la madre de Masha, está enamorada de Dorn. La obra nos muestra cómo el ser humano siempre anhela lo que no está a su alcance ya que ningún amor es correspondido.

LA GAVIOTA de Antón Chéjov

Entrada General: S/.20.00 nuevos soles

PREVENTA DE ENTRADAS A 15 SOLES HASTA EL 13 DE DICIEMBRE

Para más información comunicarse al correo electrónico parachutes1706@gmail.com

Whatsapp:941-018157/ 998- 841559

Kitty Bejarano Huertas / 9517-10071 (RPC)/ (#) 99893-4590 (RPM)

Prensa y difusión de la obra

Evento: LOS MÚSICOS AMBULANTES

PRESENTA EL TEATRO DE LA UNIVERSIDAD DEL PACÍFICO

Creación colectiva del Grupo Cultural Yuyachkani

Dirigida por Miguel Rubio Zapata

Tres únicas funciones: viernes 14, sábado 15 y domingo 16 de diciembre en el Teatro de la Universidad del Pacífico

Las entradas ya se encuentran a la venta en Teleticket.

La emblemática obra de teatro de Yuyachkani y del teatro peruano contemporáneo vuelve al Teatro de la Universidad del Pacífico a celebrar sus 36 años.

Los Músicos Ambulantes es una creación colectiva del Grupo Cultural Yuyachkani dirigida por Miguel Rubio Zapata que ha recorrido diversas partes del Perú, América Latina, Estados Unidos y Europa.

Esta comedia musical familiar cuenta la historia de cuatro animales músicos peruanos: un burro de la sierra, un perro de la costa, una gallina de Chincha (zona de afrodescendientes) y una gata de la selva, los cuales dejan a sus patrones para buscar nuevas oportunidades en la capital. Ellos se van encontrando en el camino hacia Lima y deciden formar un conjunto musical. Luego de enfrentar todas las dificultades que implica formar un grupo con integrantes venidos de diferentes regiones del Perú, se ponen de acuerdo y crean Los Músicos Ambulantes, que recoge la diversidad musical y cultural de sus lugares de origen.

Esta obra, basada en Los Saltimbanquis de Sergio Bardotti y Luis Enríquez, fue estrenada en diciembre de 1982 y constituye una metáfora de los propósitos de Yuyachkani: crear, de manera colectiva, manteniendo la particularidad de cada uno. Es al mismo tiempo un canto a la diversidad cultural peruana, a la música del otro.

La obra cuenta con las actuaciones de Augusto Casafranca, Ana Correa, Débora Correa, Marco Iriarte, Teresa Ralli y Julián Vargas. Las funciones son el viernes 14 y el sábado 15 de diciembre a las 8:30 p. m., y el domingo 16 de diciembre a las 7:00 p. m. en el Teatro de la Universidad del Pacífico, ubicado en Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María. Las entradas ya se encuentran a la venta en Teleticket.

INFORMACIÓN IMPORTANTE

Estreno: viernes 14 de diciembre de 2018

Temporada: del viernes 14 de diciembre al domingo 16 de diciembre

Días de función: viernes y sábado 8:30 p. m.; domingo 7:00 p. m.

Lugar: Teatro de la Universidad del Pacífico, ubicado en Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María

Venta de entradas: Teleticket, y los días de función en la boletería del teatro

Inicio de venta: 12 de noviembre

PRECIOS DE ENTRADAS Y PROMOCIONES

Entrada general: S/ 50.00

Estudiantes / jubilados / niños: S/ 30.00

Para mayor información, contactarse con

Josefa Mora Wiesse | 994145175 | gruposteatro@up.edu.pe

Crítica: LA PRUEBA

En carne propia

En el marco del Día Mundial de la Lucha contra el Sida, se presentó la obra La Prueba, utilizando el formato de Teatro testimonial como base. Así, bajo la dirección de Gabriel de la Cruz, cuatro valerosos testimonios dieron cuenta de las dificultades que aún deben enfrentar quienes viven con esta condición, ya sea el Virus de Inmunodeficiencia Humana (VIH) o el Síndrome de Inmunodeficiencia Adquirida (SIDA).

El Lugar de la Memoria, la Tolerancia y la Inclusión Social fue el escenario, en donde Gichin Gamarra, Roberto Otoya, Yomer Ali Yache y Fiorella Vásquez –quienes son parte de la RED DE JÓVENES CAMBIANDO VIHDAS- visibilizaron sus historias, con verdad y valentía. Con profunda sensibilidad y apoyados de una escenografía minimalista y práctica, los actores empezaban su relato en la sala de espera de un hospital; en este aspecto, el soporte tecnológico  (proyecciones de pantalla) aportó mucho a la obra.

Los cuatro testimonios fueron contados desde diversas circunstancias y momentos de la vida de estas personas, algunos con mayores detalles. Finalmente, cada quien planteó lo que deseaba comunicar; sin embargo, compartían la misma condición de vida. A través de sus relatos, el público iba involucrándose con las historias, era inevitable que surgieran los momentos conmovedores, los cuales contrastaban con los momentos graciosos y tiernos, muy bien manejados a lo largo de la obra. Cabe mencionar que, además de tocar el tema personal, también se habla del tratamiento médico y las facilidades (que no siempre son tan fáciles) que las personas con VIH o SIDA deberían contar para llevar una vida plena y cotidiana, lo cual debe llamar la atención de las autoridades pertinentes, a fin de mejorar la calidad de sus servicios.

El Teatro testimonial, como bien se ha mencionado, se basa en la propia experiencia de algún hecho; en este caso, tratándose de un tema que aún se considera tabú en nuestra sociedad, es una gran iniciativa que a través del teatro pueda abrirse una puerta a los grupos vulnerables que quieran expresarse, porque muchas veces se les maltrata y margina sin imaginar todo lo que hay detrás de sus historias. No es sencillo visibilizar una condición de vida, se requiere mucho valor y aceptación, lo cual se vio reflejado en esta puesta.

La Prueba deja constancia de aquello que los seres humanos anhelamos constantemente: el amor, aquel que puede destruir barreras y mitos, aquel que puede educar e informar, aquel que trae respeto y empatía. Una experiencia en carne propia, pues a través de estas cuatro vidas, tal vez podamos hacernos un poquito más humanos.

Maria Cristina Mory Cárdenas

7 de diciembre de 2018

Colaboración regional: LOS EXTRAMUROS DE MARIA-NO

Con la dirección de Diego La Hoz

Siempre es agradable estar inmerso en un proceso de aprendizaje y creación teatral. Diego La Hoz, director y fundador del grupo contemporáneo de teatro EspacioLibre, nos permite el gusto de ser partes de la conclusión de un proceso teatral y didáctico, abriéndonos las puertas del taller y mostrándonos el montaje que concluye el proceso y que ha reunido en la casa cultural Gallito de Papel a nuevos creadores escénicos, debutantes en su mayoría, que dan vida a Los extramuros de Maria-no.

El lugar escogido para la muestra, y donde se ha desarrollado todo el taller, es una casona antigua que curiosamente es el mismo recinto que presenció el alumbramiento del prócer/poeta Mariano Melgar. Este espacio sirve al teatro desde ya hace unos años, desde que Pedro Adolfo Herrera, actor de origen arequipeño, y Alexander Silva Miranda, actor de arraigo cusqueño, decidieron alquilar la casona y fundar ahí la casa cultural Gallito de Papel.

Los textos puestos en escena pertenecen también a la ciudad. La dramaturgia arequipeña se hace presente en este proceso con La noticia de Erick Pfuro, obra premiada por el concurso de dramaturgia organizado por la asociación cultural Teatrando; Habitación en dos mundos de Fredy Calderón Puma; Cucho de Harold Núñez Solís y La tinta del Coronel de Mauricio Rodríguez-Camargo.

Conny Rudd, Estefanía Vilca, Stephany Almendra Vizcarra Gutiérrez, Jeyck de los Ríos, Pedro Adolfo Herrera, Walter Escobar y Rodrigo García son los actores, participantes del taller, que nos llevan por las habitaciones y los muros de la casona, brindándonos historias; historias que están cansadas de quedarse dentro de los muros, y que al no poder salir de su encierro nos invitan a entrar en su prisión.

Las escenas se desarrollan en distintos ambientes de la casa, en algunas ocasiones interactúan unas con otras, nos pasean, nos atraen, nos envuelven y nos dejan preguntas, relacionadas al olvido, el cinismo y la confrontación de la realidad que no queremos ver, pero que está ahí, latente y que pronto se hará tan grande que no podremos esconderla.

Los recursos de la puesta son modestos pero precisos, sacados de lo cotidiano y con la finalidad de potenciar la imaginación del público, es verdaderamente un ejemplo del uso excepcional de lo ordinario como herramienta de trabajo teatral.

Es importante señalar que muchos de los actores participantes están empezando su vida teatral en este taller. Es necesario para la continuidad del teatro generar espacios de formación no convencional para poder formar nuevos creadores, estos son los que le darán un nuevo aliento y una larga vida al teatro arequipeño, dentro de los debutantes está el futuro y presente de nuestra labor, son ellos los que nos enseñarán hacia dónde va el teatro de la ciudad.

Ficha técnica de la obra:

Dirección: Diego La Hoz

Asistencia de dirección: Julisa Briones

Asistencia de producción y arte: Alexander Silva Miranda

Producción: Gallito de Papel

Funciones en diciembre: martes 04 y jueves 06 a las 8:00 pm

Gracias por esta grata experiencia a todos los que formaron parte y nos ofrecieron su trabajo sincero.

¡Celebremos el inicio!

Mauricio Rodríguez-Camargo

Arequipa, 4 de diciembre de 2018

Colaboración regional: ENCUENTRO AYACUCHO

Una isla feliz

El maestro Mario Delgado, entre bromas y sabia tempestad,  nos decía en esas reuniones interminables después de toda una mañana de entrenamiento, donde el hambre se veía menguado con una bolsa de 50 centavos de maní, que con aliento a futuro eran almendras: “El teatro no está en crisis… el teatro es la crisis”. Ese eterno provocador,  como diría Vallejo: “El resorte supremo de toda revolución” y cuando se piensa en revolución, en su más amplio sentido, “hay que revolucionarnos como seres humanos, mirar y hacer el futuro”.  Siendo 1998, pregunté: “¿Qué es el Encuentro Ayacucho?” y el maestro no dudó en responder: “Una isla feliz”.

Este concepto vuela en mi mente durante años, décadas, y aún no tiene una repuesta, pues evoluciona en tiempo y  espacio. Cada vez tiene nueva respuesta, que quizás sea la misma, pero en mi afán de  comprender pido ayuda; en esta ocasión a Irini Sfiri, joven y talentosa actriz de “Residui Teatro”, que desde una mirada nueva, lejana  y curiosa, me ayuda a ordenar las ideas de este Encuentro Ayacucho 2018 y me dice: “Una isla feliz, donde un grupo de seres extraños se ponen de acuerdo sobre una normalidad que usualmente nadie reconoce. Fuera de esta isla luchamos y dentro de esta, encontramos manos para  sostenernos, miradas para entendernos, pies para saltar juntos y corazones agitados que desde la mañana hasta la noche hablan, piensan y son teatro. Desde la mañana hasta la noche. Si alguien lo ve desde fuera es una locura y desde dentro, es tan normal que te crea la ilusión que quizás es cierto”.

Es casi una locura pensar en un encuentro de teatro de grupo, que se realiza cada diez años, más en estos tiempos de inmediatistas y de procesos cortos o casi inexistentes, pero sí existe y este mito se llama “Encuentro Ayacucho”, fundado por el Maestro Mario Delgado, director de Cuatrotablas y hecho realidad gracias al esfuerzo del grupo, que en 1978, después del impulso del Encuentro de Belgrado de 1976 y el encuentro con el Odin teatret, el grupo es el  motor fundamental de creación y producción, intentando transmitir esto generación tras generación, pero también valiéndose de productores como Bruno Ortiz, que desde 1998 se vuelve un aliado valioso de Mario en la realización del Encuentro Ayacucho 1998 – 2008 – 2011 (40 aniversario – Rumbo a Ayacucho 2018) y tras la muerte del maestro, en alianza con Shirley Pucara, quien había sido un apoyo importante en el Encuentro del 2008, y de acuerdo con el grupo, toman el impulso y el compromiso para realizar el Encuentro Ayacucho 2018, dividiéndolo en dos momentos.

En Lima, donde los banquetes teatrales y el intercambio fueron los motores principales, el maestro Mario dijo en el “Rumbo a Ayacucho 2011”: “Creo firmemente que los banquetes son los que le dieron identidad a nuestro encuentro y los que demostraron la existencia y vigencia de un teatro de grupo, que no puede morir porque es la esencia misma de todos los teatros”. Es por ello que a pesar de la dificultades logísticas, como el ruido en mitad de un banquete o el polvo que nos abrazaba a cada momento, esto resultaba irrelevante, pues no había tiempo para otra cosa que no sea el oficio; desde la mañana hasta la noche y los pocos espacios de descanso eran para consultar a algún maestro o compañero de lo último que vio, o qué opinión o consejo hay para el desarrollo y evolución del trabajo. Todo espacio era válido: la mesa del desayuno, el mate de la tarde, la cola del baño, el minuto antes de dormir, ese instante donde no quieres que se acabe la conversación para no quitarle belleza a la noche.

Ayacucho fue el momento de vitrina que se usó para exponer nuestros procesos y resultados ante nuestros pares y la comunidad. Aunque ahora fuera del encierro, como diría Eugenio Barba, “un campo de concentración pero en el mejor de los sentidos, un espacio de constante concentración en el oficio, pues era muy difícil distraerse en ese encierro” que nos brindó “Los cielos de Carapongo”, pues el encuentro dentro de Ayacucho fue un momento de confrontación con otras realidades, que la distracción de cotidiano nos hacen ver, “donde los dioses se hacían presentes y ayudaban en la organización”, pues la realidad avisa que el sueño ha partido.

Los mitos tienen sustento en la realidad y en personajes que bordean lo real con la fantasía, realismo mágico me gusta creer, y  ver a Isso Miura, de quien Mario hablaba siempre como un ejemplo de la disciplina y entrenamiento llevado al límite, ahora con 82 años de edad en un eterno fluir de energía constante y sostenida hacen de ese mito una realidad. Escuchar a Edgar Dario recitar en cada ocasión posible con intensidad y pasión es un ejemplo de persistencia y fuerza. Escuchar discursar a Raul Osorio con la sapiencia que da los años y la experiencia en el oficio es vital. Escuchar a la maestra Beatriz Camargo, con la voz desde la tierra hacia lo eterno es alimento constante. La presencia de Beatriz Iacoviello, amiga querida del grupo, crítica e investigadora  del oficio, es importante, vital para el crecimiento constante. Laurietz Seda, mente brillante de la investigación del oficio en Latinoamérica. Ver a las mujeres de La Rueca, fuertes y luchadoras maestras Susana Frank y Aline Menasse es aliento fresco para seguir. Apreciar el compromiso y disciplina de Maguey. Encontrarse con el maestro Miguel Rubio, querido amigo de Mario, es fundamental para comprender el teatro de grupo en Latinoamérica. Julia Varley, quien en su master class de trabajo en Ayacucho nos muestra que la repetición, la búsqueda y aprendizaje es constante, demostrando que es una gran maestra, sin lugar a dudas. Y claro, la mirada del maestro Eugenio Barba nos brindaba su lucidez, y todos ellos reunidos por el vendedor de sueños en una isla feliz, el maestro Mario Delgado, quien diría: “Gutti , no me llames maestro, yo soy un eterno discípulo“, pues siempre decía: “Yo soy el que más aprendo”.

También el encuentro con nuevos grupos es un alimento constate y no solo en la creación de nuevos contactos, redes del oficio; sino redes emocionales que crean un tejido vivo entre los pares en el oficio. El maravilloso encuentro con el grupo Residui Teatro muestra de una pedagogía avanzada y en constate desarrollo; Ceta teatro, con una demostración espectacular de manejo del personaje y su transformación física; Contadores de mentiras, quienes nos invitaron a un convite suculento; Nami Kaigaishi, quien nos obsequió su danza celeste; Maria Collazo, en eterna repetición con el vigor que su grupo joven le puede dar; el intuitivo teatro Ruda; la fuerza del mar de Biyo Kikushi; entre otros colegas. Y el encuentro siempre maravilloso con los Cuatrotablas mayores como Pilar Nuñez, Lucho Ramirez, Ricardo Santa Cruz, Helena Huambos, Zhita Elias, Jaime Lema, Fernando Fernández, Juan Maldonado, Antonieta Pari, Flor Castillo, etc. Son activadores de nuevas memorias.

El reunirse, el encontrase, el vernos, viniendo de diferentes lugares del mundo quizás con la misma búsqueda o semejantes y con muchas inquietudes, cómo hacen para vivir, cómo va la investigación, cuál es tu proceso: preguntas comunes entre todos, que con técnicas semejantes y ante todo buscando ser verdaderos, creamos códigos comunes para comunicarnos, pero creo que nuestro punto en común es como diría Raul Osorio: “La disidencia y el refugio”, que solo en espacios que bordean el mito puede pasar, es por ello que es importante el Encuentro Ayacucho, un espacio de disidencia y refugio para quienes quieren visitar esta isla feliz.

Miguel Gutti Brugman

Cusco, 4 de diciembre de 2018

Evento: LOS EXTRAMUROS DE MARIA-NO

PRESENTA DIEGO LA HOZ EN LA CASA GALLITO DE PAPEL DE AREQUIPA

Durante el mes de noviembre Diego La Hoz fue invitado a conducir un taller montaje en la ciudad de Arequipa con jóvenes creadores escénicos de la región. El lugar que lo acoge es La Casa Cultural Gallito de Papel donde nació el prócer y poeta arequipeño Mariano Melgar. Hace un año el actor cusqueño Alexander Silva Miranda y el actor arequipeño Pedro Adolfo Herrera decidieron alquilar la casa y convertirla en un lugar para el teatro libertario, inclusivo e histórico que pueda acoger creadores y creadoras de todo el continente.

Los Extramuros de Maria-No es un montaje construido en base a textos de la nueva y prometedora dramaturgia arequipeña. Se trata de darle relevancia a la figura de Melgar y de mostrar las distintas realidades donde imperan la doble moral y el clasismo en nuestra sociedad.

El montaje sucede más allá de los muros de una ciudad que no se escucha. Aquello que marca el destino de la historia está donde menos lo esperas. Aquello que se queda dentro de las habitaciones es una bomba de tiempo que siempre te estalla en la cara. Te desfigura. Te enseña. Donde “ella” es casi siempre la víctima. Ella es un prócer al que tuvieron que mitificar para ensalzar su falso heroísmo. Ella ya no es ella. Sin embargo, por encima de los relatos, aparentemente inofensivos, flotan las voces invisibles de aquello que parece decirnos “es así y punto”. Por eso estamos aquí. Para que nada se quede sobre la mesa. 

MOMENTOS ESCÉNICOS

CUCHO de Harold Nuñez Solis

ACTÚA Jeyck de los Ríos

LA NOTICIA de Erick Pfuro
ACTÚAN Walter Escobar y Rodrigo García 

LA TINTA DEL CORONEL de Mauricio Rodríguez-Camargo
ACTÚAN Estefanía Vilca y Stephany Almendra Vizcarra Gutiérrez

HABITACIÓN EN DOS MUNDOS de Fredy Calderón Puma
ACTÚAN Pedro Adolfo Herrera y Conny Rudd

FICHA TÉCNICA

DISEÑO GRÁFICO

Jeyck de los Rios

ASISTENCIA DE DIRECCIÓN
Julisa Briones 

ASISTENCIA DE PRODUCCIÓN Y ARTE
Alexander Silva Miranda

PRODUCCIÓN
Gallito de Papel

DIRECCIÓN

Diego La Hoz

FUNCIONES EN DICIEMBRE
Martes 4 / Jueves 6 – 8PM

Entrada Libre / Salida Solidaria

Casa Gallito de Papel  (Calle Melgar 418 – Arequipa)

Evento: PREMIACIÓN “OFICIO CRÍTICO” 2018

LO MEJOR DE LAS ARTES ESCÉNICAS EN LIMA

“El teatro no se hace para cantar las cosas, sino para cambiarlas.” (Vittorio Gassman)

Miércoles, 26 de diciembre 8:00 pm en el Asociación de Artistas Aficionados AAA (Jr. Ica 323 Cercado de Lima). Entrada libre, capacidad limitada.

¡CUMPLIMOS DIEZ AÑOS DE LABOR ININTERRUMPIDA!

Inaugurado el blog en marzo del 2008 y por octavo año consecutivo, OFICIO CRÍTICO propone un compartir para todos aquellos que se dedican a las artes escénicas en nuestra ciudad capital, con el único propósito de reconocer y celebrar aquellas obras y artistas que sobresalieron por su profesionalismo y calidad sobre el escenario limeño.

Esa es y será siempre, la principal razón para la realización de este evento.

Entraron en la clasificación los montajes que tanto OFICIO CRÍTICO como sus gentiles colaboradores consideraron pertinentes para hacerles una mención y que alcanzaron a ver en temporada, desde finales de noviembre del año pasado hasta la quincena de noviembre (aproximadamente) del 2018.

Se entregarán distinciones especiales para cada terna: MONTAJE, DIRECCIÓN, ACTOR, ACTOR DE REPARTO, ACTRIZ y ACTRIZ DE REPARTO, tanto para las categorías de DRAMA y de COMEDIA/MUSICAL. Este año se propone además, la terna de TEATRO PARA LA INFANCIA, con las siguientes categorías: MONTAJE, DIRECCIÓN, ACTOR Y ACTRIZ.

Se entregará por cada categoría dos premios: el público podrá votar virtualmente a través de la encuesta publicada en el blog; como también el jurado de OFICIO CRÍTICO dará su propio veredicto durante el evento.

Además, se concederá algunas distinciones:

Premio de Dramaturgia SARA JOFFRÉ para la MEJOR OBRA PERUANA ESTRENADA EN EL 2018.

Premio especial del jurado OFICIO CRÍTICO para el montaje destacado del año.

La encuesta se cierra el SÁBADO 22 DE DICIEMBRE.

TEATRO PARA LA INFANCIA

En esta nueva terna, figuran importantes montajes como “¡Llegaron los piratas!” de Héctor Ascorra y Giancarlo Mori; “Blas, el zorrito audaz” de Celeste Viale; “Chami y la Ciudad Dorada” de Gerardo Fernández; “Chusquillo en la ciudad” de Martín Martínez; “El niño de junto al cielo” adaptación del original de Enrique Congrains; “Hagamos  magia” de Alexander Rubio y Mario Soldevilla; “La mascota perfecta” de Luisa Caldas y Henry Sotomayor; “Los colores de Almendra”, una creación colectiva; “Los Defensores de la Naturaleza” de Jorge Bazalar y María Inés Seijas; y “Pinocho Vagamundo” de Ismael Contreras. Los impecables trabajos de dirección considerados son los de Armando Machuca por “Hagamos magia”, Carmen Armas por “El niño de junto al cielo”, Celeste Viale por “Blas, el zorrito audaz”, Gerardo Fernández por “Chami y la Ciudad Dorada”, Giancarlo Mori por “¡Llegaron los piratas!”, Ismael Contreras por “Pinocho Vagamundo”, Jorge Bazalar por “Los Defensores de la Naturaleza”, Juan Carlos Valdez por “Los colores de Almendra”, Leticia Narvarte por “De aventuras” y Sergio García- Blásquez por “Chusquillo en la ciudad”.

En cuanto a las interpretaciones, resaltó el trabajo de los actores Alexander Rubio y Mario Soldevilla en “Hagamos magia”, Carlos Garazatúa en “El niño de junto al cielo”, César Golac en “Sirenas y pesebres”, Daniel Menacho Lizárraga en “Juan sin miedo”, Jorge Bardales en “Pedro y los panecillos mágicos”, Kenneth Isla y Urías Santillán en “¡Llegaron los piratas!”, Luis Golding en “Chami y la Ciudad Dorada” y Martín Martínez en “Chusquillo en la ciudad”; y el de las actrices Airam Galliani en “La princesa y el dragón”, Andrea Alvarado en “Juan sin miedo”, Briscila Degregori y Nuria Mayor en “Los Defensores de la Naturaleza”, Daniela Baertl en “La pequeña niña”, Daniela Mayurí y Roxy Ysidro en “¡Llegaron los piratas!”, Geraldine Díaz en “La Zorra Vanidosa”, Luisa Caldas en “La mascota perfecta” y Yasmine Incháustegui en “Pinocho Vagamundo”.

COMEDIA/MUSICAL

En esta categoría participan por el mejor montaje: “Anfitrión”, versión libre de Plauto, Moliere y Von Kleist; “Estereotipos - Impro Late Night Show”, una creación colectiva; “Grandes intenciones” de Federico Abrill; “La cantante calva” de Eugene Ionesco; “La coima”, adaptación del original de Nikolai Gogol; “Maestra Vida”, basada en la ópera salsa de Rubén Blades; “Sinfonía inacabada” de Alejandro Casona y “Una versión clown de Romeo y Julieta”, basada en original de William Shakespeare. Entre los trabajos de dirección, destacaron Alejandra Bouroncle por “Vidas alternas”, Daniel Amaru Silva y Rodrigo Chávez por “Anfitrión”, Draco Santos Del Rosario por “Sinfonía Inacabada”, Emilio Montero por “Maestra Vida”, Federico Abrill por “Grandes intenciones”, Laura Silva por “Una versión clown de Romeo y Julieta”, Martín Velásquez por “La coima” y Paco Caparó por “La cantante calva”.

Resaltaron entre los actores, los trabajos de César Chirinos en “Fría mañana de primavera”, Daniel Cano y Dusan Fung en “Una versión clown de Romeo y Julieta”, David Huamán y Luis Cárdenas-Natteri en “La coima”, Eduardo Bazán, Bernardo Scerpella y Edwar Reyes en “Sinfonía inacabada”, Gabriel Gil-Sanllehí en “Maestra Vida”, Manuel Díaz Ibáñez en “No pensé que era amor”, Sergio Paris en “Anfitrión”, Jhosep Palomino y José Gómez Ferguson en “La cantante calva”, Joel Soria en “Tus amigos nunca te harían daño”, Nicolás Fantinato en “Celular”, Oscar Meza en “Ubú Rey”, Rafael Sánchez “El último varieté, en el Palais Concert” y Renato Pantigozo en “Grandes intenciones”. Entre las damas, destacaron las interpretaciones de Cécica Bernasconi en “Dos hermanas”, Giselle Collao en “El otro lado”, Lucy Avilés en “Barrionuevo”, María Angélica Vega y Fiorella Díaz en “De atrás para adelante”, Natali Zegarra en “Tarde para arrepentirse”, Olenka Castro en “La bienvenida”, Paola Chacaltana y Nadyr Castillo en “La coima”, Priscilla Espinoza en ”No pensé que era amor”, Carla Gozzer y Clemen Morales en “El último varieté, en el Palais Concert”, Cintia Díaz del Olmo y Fabiola Coloma en “La cantante calva”, Grapa Paola en “Ubú Rey”, Mariana Palau en “Estereotipos”, Roxana Cavero en “Grandes intenciones” y Ebelin Ortiz en “Maestra Vida”.

DRAMA

Alcanzaron excelente resultados los montajes de “Carnaval” de Miguel Ángel Vallejo; “Entre colinas y senderos” de Michael Joan; “Ifigenia” de Goethe; “La piedra oscura” de Alberto Conejero; “La reunificación de las dos Coreas” de Joël Pommerat;  “Música”, adaptación de la novela de Yukio Mishima; “Paso peatonal” de Pablo Luna; y “Solo repetición” de Araceli Arreche. Los directores destacados en esta categoría son Alberto Isola por “La piedra oscura”, Alfonso Santistevan y Nadine Vallejo por “La reunificación de las dos Coreas”; Javier Quiroz por “Solo repetición”; Mateo Chiarella por “Música”; Michael Joan por “Entre colinas y senderos”; Pablo Luna por “Paso peatonal”; Mirella Quispe y Renzo García por “Carnaval”; y Yasmín Loayza y Omar Del Águila por “Antígona como pretexto”.

Entre los caballeros, realizaron un extraordinario trabajo sobre las tablas Claudio Calmet y Matías Raygada en “Paso peatonal”, Cristhian Esquivel y Enrique Avilés en “La visita de Bolívar”, Eduardo Camino en “Sobre la tierra”, Emanuel Soriano en “Tebas Land”, Jeffrie Fuster en “¡Qué noche tan linda!”, Jorge Armas en “Novecento”, Paco Varela en “Más que fútbol”, Pedro Pablo Corpancho en “Corpus Christi”, Dante del Águila y Sergio Cano en “Belleza & Estilo”, Edwin Guerra en “Adiós al camino amarillo”, Emmanuel Caffo y Henry Sotomayor en “Los charcos sucios de la ciudad”, Gerardo García Frkovich en “El diario de Ana Frank”, José Medina en “Zoocosis” y Kike Casterot en “El verano pasado en Chulimsk”. Las actrices en esta categoría destacaron por sus logrados personajes: Ana Rosa Liendo en “Paso peatonal”, Anaí Padilla en “Lucha Reyes, sin decirte adiós”, Claudia del Aguila en “Entre colinas y senderos”, Daniela Rodríguez en “Ifigenia”, Magali Bolívar en “Cintas de seda”, María del Carmen Sirvas en “Los charcos sucios de la ciudad”, Norma Martínez en “Solo cosas geniales”, Andrea Luna en “Música”, Alejandra Guerra, Bertha Pancorvo y Vanessa Vizcarra en “La reunificación de las dos Coreas”, Amparo Brambilla en “Cuatro mujeres”, Cheli Gonzáles en “Lumpenenses, la marca de los insectos”, Gretha Bazan en “Adiós al camino amarillo”, Kelly Estrada en “Un misterio, una pasión”, Marcia Romero en “Antígona en New York”, Rocío Olivera en “África (un continente…)” y Yuliana Huallanca en “Aquí no hay lugar para unicornios”.

Reconocimientos especiales y colaboradores

Así como ESPACIO LIBRE, ÓPALO, CUER2, TEATRO DE LA RESISTENCIA, EUREKA TEATRO, PUESTA y la ASOCIACIÓN DE ARTISTAS AFICIONADOS, este año recibirá un merecido homenaje por su trayectoria artística el colectivo AQUALUNA. También recordaremos a las personalidades del teatro que nos abandonaron este año.

Así como en años anteriores, apoyaron para la elaboración de las ternas y la elección final, colegas críticos y comunicadores como STEFANY OLIVOS, MARÍA CRISTINA MORY, EDER GUARDA, PEPE SANTANA, SUSANA ANAVITARTE, RUBÉN QUIROZ y los colegas de CRÍTICA TEATRAL SANMARQUINA. A ellos, nuestro profundo agradecimiento.

La cita, repetimos, es el MIÉRCOLES 26 DE DICIEMBRE A LAS 8:00 pm, en la ASOCIACIÓN DE ARTISTAS AFICIONADOS.

¡Los esperamos a todos!

Sergio Velarde

1° de diciembre de 2018

Colaboración regional: OCASO DE UN SUEÑO DE AMOR

García Lorca en Piura

Casi siempre se ha tenido la idea de que hacer la adaptación de una obra clásica es materialmente imposible debido a lo que el texto, y muchas veces la puesta, representan para el público. Nos hemos quedado con la idea de que, por ejemplo, Romeo y Julieta debe estar siempre ambientada en la Europa del siglo XVI y que sus personajes deben vestirse con atuendo ostentosos y hablar rimado. Pero el teatro, al igual que la sociedad, cambia. Los problemas que enfrentó Shakespeare al escribir la obra no son los mismos a los que la sociedad se enfrenta ahora. Sin embargo, ¿por qué nos identificamos tanto? Porque hay verdades humanas universales que nunca cambian, como el amor, la ambición, la mentira, etc. Eso que nos hace ver al teatro como un reflejo inequívoco de nosotros mismos. Las adaptaciones de los clásicos entregan al público la posibilidad de verse a sí mismo en una obra que fue escrita hace 30, 100 o 500 años atrás y darse cuenta que el hombre siempre será el mismo en esencia.

Las obras de Federico García Lorca se han convertido en un paso obligatorio para  conocer la dramaturgia española y mundial, debido a su profundidad y a su conciencia social. La vida del autor en sí misma representa un ícono en las letras desde su literatura crítica y libre de prejuicios hasta su tormentosa muerte a manos del régimen franquista. Textos como Yerma, La casa de Bernarda Alba y por supuesto, Bodas de Sangre han sido representadas innumerables veces y con temporadas y adaptaciones exitosas. En Bodas de Sangre, particularmente, existen dos puntos importantes dentro del texto, que al parecer de algunos entendidos la hacen la obra que es: el amor y sus consecuencias, y el reflejo de una sociedad falsa, que vive del “qué dirán” y es sumamente murmuradora. Sin ambos presupuestos, toda adaptación corre el riesgo de perder su esencia. Piura es una ciudad muy conservadora y a veces “falsamente moralista” por tradición y al igual que el pueblo de Lorca en Bodas de sangre, se ha mantenido así por miedo al cambio, aunque es la segunda ciudad más poblada del país, aún conserva ese misticismo de ciudad pequeña que ha sido aprovechada por literatos como Vargas Llosa para dar molde a sus historias. Es por eso que esta obra se convierte, más que en otras ciudades, en una obra de representación necesaria.

El grupo teatral “Cuarta Pared” puso en escena la obra musical “Ocaso de un sueño de amor”, una interesante adaptación del clásico Bodas de Sangre. La obra fue montada durante los últimos meses del año en diferentes espacios a nivel regional y nacional, teniendo como escenario de su última puesta del año al Espacé Liberté de la Alianza Francesa de Piura, el pasado 24 de noviembre. La obra está bajo la dirección escénica y musical de Robert Masías. Los clásicos personajes de Lorca vuelven a cobrar vida en una obra matizada por música propia y en vivo. Es importante resaltar de la puesta precisamente la presencia de la música y la danza, aspectos que son muy bien adaptados de la versión original. Una musa danzante desde la primera escena aporta a la obra misticismo y fluidez corporal, siendo este un sello característico de las puesta del grupo. El marco musical y los actores cantando desarrollan la obra hasta la mitad a buen ritmo, el cual disminuye hasta antes de la escena de la pelea entre el novio (Juan Pablo Almeyda) y Manuel (Juan Manuel García), convirtiéndose en la mejor escena de la obra debido a que confluyen muy bien la precisión de los movimientos, las luces y la música.

En cuanto a la adaptación dramatúrgica, se puede comentar que “Ocaso de un sueño de amor” es un texto limpio y bien pensado a partir del texto original, aunque con pocos riesgos; con una buena línea dramática, pero que no siempre profundiza en los sentimientos de los personajes, que en la obra de Lorca cuentan con un matiz desgarrador y rallan en la locura, sobre todo en el personaje de la madre del novio. El peso dramático lo lleva el personaje de la novia, muy bien interpretada por Stefany Cienfuegos, que nos ofrece una novia fresca sin dejar de ser profunda y que adopta en mayor parte el peso actoral de la obra. Seguida por García, que interpreta a un Manuel (en la obra de Lorca, Leonardo) bastante orgánico e intenso. A su vez, la madre del novio es interpretada por Jesenia Lazo, una actriz piurana con amplia trayectoria y muy buena interpretación. En cuanto a la dirección escénica, “Ocaso de un sueño de amor” es una obra con presencia y buen ritmo, con un texto sencillo y correcto que pretende ser la propia interpretación de las Bodas de Lorca, pero donde la preocupación social y la “habladuría” del original hacen sentir su ausencia. Cuenta con actores de peso escénico y actores aún en formación que buscan encontrar un matiz en sus performances. Un musical prácticamente pionero en el género en la ciudad y que refleja un crecimiento del grupo y una importante valla para sus trabajos posteriores.

Katiuska Granda

Piura, 30 de noviembre de 2018