jueves, 19 de octubre de 2017

Crítica: LA DAMA DEL LABERINTO

El otro misterio

La dama del laberinto, en temporada en el Centro Cultural Ricardo Palma, no persigue la seriedad de una investigación periodística, ni trata de dar luz a la ensombrecida muerte de un hombre obsesionado, sino que se mueve por el terreno de la comedia de situaciones, combinando en las escenas personajes realistas con caricaturas gruesas y optando porque la interrelación entre ambos, sea entretenida.

En este sentido la obra es irregular, los constructos clichés en algunos personajes nos distancian del hilo dramático fundamental, que es la resolución de un misterio, y vuelven el escenario incómodo, vacío o hasta grosero. Hacia el final, cuando los cabos se unen y la periodista nos induce al descubrimiento, se genera la sorpresa,  como si de repente se escuchara un sonido estridente o se sintiera un susto, no como parte de un proceso sostenido.

A pesar de que algunos actores se esfuerzan por darle a las escenas nuevos matices desde lo interpretativo, la distancia entre ellos es muy grande y no conllevan juntos las escenas con fluidez, son tan solo empresas individuales que no pueden progresar, porque hace falta la escucha y la reacción.

Por otra parte, el vestuario es ágil y dinámico, se encarga de adentrarnos en las diferentes épocas y contextos con verosimilitud. A pesar de que en los momentos de ruptura temporal se evidencie su presencia, este adquiere un poder expresivo, pues nos recuerda que estamos dentro de un caso periodístico. Con la iluminación no ocurre lo mismo, no tiene función discursiva ni estética, es incluso perjudicial. Una luz dura, cenital, que oculta los ojos del actor y no nos permite conectar con lo que le está ocurriendo.  

La musicalización está desperdiciada, un piano sobre el escenario que sirve de mesa para la utilería y que no añade atmósfera significativa cuando suena, porque no se tejen las sensaciones a su alrededor.

La dama del laberinto es formalmente enredada y difícil de desentrañar.

Bryan Urrunaga
19 de octubre de 2017

Crítica: RECUERDOS CON EL SEÑOR CÁRDENAS

La vida continúa

Tengamos presente una cosa: las heridas sanan con el tiempo, pero hay cicatrices que siempre nos acompañarán; dependerá de nosotros si avanzamos o decidimos quedarnos.

“Recuerdos con el señor Cárdenas” es una obra ganadora del VI Concurso de Dramaturgia, escrita y dirigida por Patricia Romero Figueroa, que viene presentándose en el Centro Cultural de la Universidad de Lima. La trama hace mención a los hechos reales que sucedieron en el Perú en la década de los 80 y de cómo estos marcaron la historia de muchos peruanos. La historia del señor Cárdenas es una pieza autobiográfica que parte de los recuerdos de la misma autora, que nos muestra distintos pasajes en la vida de Laura, la niña (Luciana Monteverde, Zoe Arévalo cuando corresponde) y la adulta (María del Carmen Sirvas). En el transcurrir de la historia nos conectaremos con el lado paternal y cómico del señor Cárdenas(Alberto Herrera) y de la dulzura e inocencia de Laura niña, además de todos los personajes que conforman esta gran obra, como la esposa del señor Cárdenas (Martha Figueroa), la encargada de velar por el bienestar de su familia; el criado Cirilo (Lolo Balbín), el encargado de la casa; Veneno y Gastón (ambos interpretados por Víctor Prada), el amigo y el  hermano de la familia, respectivamente. Cada personaje  se hará presente para revivir sucesos que marcaron la vida de Laura, haciéndonos entender el porqué aún ellos no se han ido y porque ella los puede ver.

El drama de la puesta se concentra en la crisis emocional que Laura padece desde niña, debido al atentado en Tarata que lastimosamente ella y su familia presenciaron. A pesar del tiempo transcurrido, y ya con 30 años de edad, ella siente que no puede renunciar a muchas de las vivencias que le ocurrieron en aquella época. Es así que su “papapa” y las personas que ella quiere, aparecerán de la nada a conversar y cuestionarla para que entienda de una vez que debe hacer algo por su vida. Laura, al final, entenderá que es tiempo de dejar a los suyos para que descansen y empezar a emprender un nuevo camino sin miedo.

Lo que gusta de la obra es el mensaje reflexivo y conmovedor que nos deja la autora, el de aprender a desprenderse no solo de lo material y lo más importante: perdonar para seguir avanzando y así ser mejores. Sobre los recursos que se usaron, como el canto a capela, las canciones antiguas o los poemas, estos estuvieron acordes con la obra. Cuentan con un gran y talentoso elenco, hay mucha química en el escenario, ya que supieron sumergirnos en aquella época. Ante todo, mi admiración por la pequeña actriz que le da vida a la Laura niña, por su gran trabajo y naturalidad; pero en especial al señor Cárdenas, que supo reflejar el amor paternal  y las ocurrencias con las que más de un espectador rió. También a destacar a Lolo Balbín, quien además representó el papel de un provinciano arrepentido del daño que hizo. Muchas gracias por tan bella función.

María Victoria Pilares
19 de octubre de 2017

lunes, 16 de octubre de 2017

Reestreno: FINANCIAMIENTO DESAPROBADO

EN FUNCIONES GRATUITAS EN EL LUM

El LUM y /Otro/Colectivo Teatro presentan la obra Financiamiento desaprobado, ganadora del Festival Sala de Parto 2014, escrita por Tirso Causillas y dirigida por Nani Pease, en una breve temporada en el LUM, del 19 al 29 de octubre. Funciones de jueves a domingo a las 8:00 p.m. en el Auditorio LUM (Bajada San Martín 151, Miraflores). Ingreso libre.

Financiamiento desaprobado trata sobre el Alzheimer, pero trata también, y sobre todo, de lo que supone perder la memoria y la identidad, de lo que nos hace perderla y de lo que nos hace como sociedad permitir que la memoria se vaya o nos abandone.

Julián no encuentra a su papá. El alzheimer se apoderó de él y lo transformó del padre héroe y ordenador de su mundo, en una persona a la que tiene que cuidar. Un día su padre salió de casa y no regresó más. Mientras Julián lo busca, su padre, animado por sus delirio, cree haber partido a un viaje épico en busca de financiamiento para un proyecto que a sus ojos le traerá bienestar y paz.

La obra nos presenta un universo oscuro, en medio de complicadas relaciones, y una propuesta escénica que busca representar la mente de un acumulador; pero al mismo tiempo nos contiene con destellos de humor presentados por los delirios de los personajes en su lucha por no perderse en el olvido.

El elenco de Financiamiento desaprobado está conformado por Carlos Victoria, Tirso Causillas, Lilian Nieto, Sylvia Majo, Sammy Zamalloa y Emmanuel Caffo. 

Producción: /Otro/colectivo teatro
Dramaturgia: Tirso Causillas
Dirección: Nani Pease

Contactos:
Jose Japa (996126829)

jueves, 12 de octubre de 2017

Festival: MAGUEY 35º ANIVERSARIO

Un espacio para la identidad
Octubre – noviembre – diciembre

Espectáculos del grupo e invitados: Maguey - Túsoq (Amiel Cayo) - Angeldemonio - Yuyachkani (Ana Correa) - Ikaro Teatro (Cusco)

Participan espectáculos cuya excelencia artística está sustentada en la investigación permanente, el riesgo y el compromiso total. Ellos  representan una importante selección de hitos del teatro peruano contemporáneo.
Los procesos sociales, la memoria, la identidad y el diálogo intercultural son explorados con diferentes ángulos en cada una de las obras.

Todas las funciones se realizarán en el Centro cultural Maguey: Jr. San Martín 600 – San Miguel / Telf.: 263-5118 informes@magueyteatro.org
* Venta de entradas en Maguey.

PROGRAMACIÓN OCTUBRE

PASOS Y LATIDOS (ESPECTÁCULO - DEMOSTRACIÓN) – MAGUEY
Viernes 13 / sábado 14
Hora: 8:00 p.m.    
Acción: Graziapaz Enciso
Dirección y dramaturgia: Wili Pinto
Iluminación: Gume Escobar
Producción: Maguey Teatro
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

KUSILLOS – COMPAÑÍA DE ARTE TÚSOQ
Espectáculo unipersonal de Amiel Cayo
Sábado 21
Hora: 8:00 p.m.    
Creación e interpretación: Amiel Cayo
Producción: Túsoq – Compañía de arte
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

CURANDERO. LIMPIA ESCÉNICA - COLECTIVO ANGELDEMONIO
Sábado 28
Hora: 8:00 p.m.    
Dirección general: Ricardo Delgado.
Performance y danza: Augusto Montero.
Iluminación: Igor Moreno.
Creación sonora: Abel Castro.
Realización de máscara y esculturas: Pol Colino.
Colaboradores: Luis Alexander Clemente y Jhordan Rivas.
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

SEMINARIO DE FORMACIÓN ACTORAL:
DEL ENTRENAMIENTO A LA CREACIÓN: TAN GRAM
Dirigido a artistas y estudiantes de artes escénicas, danza, artes plásticas.
Modalidad: 2 días de duración.
Fechas: Viernes 13 y 20 de octubre
Horario: 9:30 a.m. a 1:00 p.m.
Lugar: Centro cultural Maguey
Dirigen: Wili Pinto – María Luisa De Zela – Graziapaz Enciso
Costo: S/. 180.00 por los dos días.

PROGRAMACIÓN NOVIEMBRE

DÚIK MUUN, CUENTOS Y SONIDOS DE LA SELVA – MAGUEY TEATRO
Espectáculo interdisciplinario: teatro, tradición oral, música en vivo, imágenes en sombras
Sábado 4
Hora: 8:00 p.m.   
Actuación: María Luisa De Zela – Wili Pinto
Imágenes en sombras. Graziapaz Enciso
Iluminación: Gume Escobar
Dirección y dramaturgia: Wili Pinto
Producción: Maguey Teatro
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

CONFESIONES – GRUPO YUYACHKANI
Acción escénica unipersonal de Ana Correa
Sábado 11
Hora: 8:00 p.m.   
Actriz creadora: Ana Correa
Dirección: Miguel Rubio Zapata
Producción: Socorro Naveda
Grupo Yuyachkani
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

MICAELA – MAGUEY TEATRO
Viernes 17 / Sábado 18
Hora: 8:00 p.m.   
Actuación: María Luisa De Zela
Música en vivo: Graziapaz Enciso
Dirección y dramaturgia: Wili Pinto Cárdenas.
Con textos de Alfonsina Barrionuevo.
Iluminación: Gume Escobar
Música y cánticos de la comunidad Q’ero – Cusco
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

PROGRAMACIÓN DICIEMBRE 

HIROSHIMA – CREACIÓN EN PROCESO – MAGUEY TEATRO
Viernes 1 / Sábado 2
Hora: 8:00 p.m.   
Acción: María Luisa De Zela – Graziapaz Enciso – Wili Pinto
Dirección y dramaturgia: Wili Pinto Cárdenas.
Iluminación: Gume Escobar
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

FRIDA KHALO, VIVA LA VIDA - IKARO TEATRO - CUSCO
Jueves 7
Hora: 8:00 p.m.   
Actuación: Carmita Pinedo – Oriana Flórez
Dirección: Julio César Flórez
Autor. Humberto Robles - México
Producción: Ikaro Teatro
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

AMARU, UNA Y MIL VOCES – IKARO TEATRO DE CUSCO
Viernes 8
Hora: 8:00 p.m.   
Actuación - creación: Julio César Flórez
Dirección: Wili Pinto Cárdenas
Texto fuente: Luis Castro
Iluminación: Gume Escobar
Producción: Ikaro Teatro – Maguey Teatro
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

CONTACTO
Wili Pinto: 996-835683
Centro cultural Maguey
Jr. San Martín 600 – San Miguel / Telf.: 263-5118
Fb: Maguey Grupo de Teatro – Centro cultural

Temporada: EL PRIMER CASO DE BLACK & JACK

OBRA DE HUMOR POLICIAL SE PRESENTA EN EL TEATRO JULIETA

El Teatro Julieta es el encargado de albergar la irreverente y desafiante comedia teatral que irá los martes y miércoles a las 8:30 pm. La temporada va hasta el 6 de diciembre.

Manuel Gold, Jely Reategui y Cesar García son los protagonistas y creadores, junto a la directora, Paloma Reyes de Sá de esta comedia del absurdo.

Las entradas se encuentran en Teleticket de Wong y Metro y a través del correo: elprimercasodeblackjack@gmail.com

Luego de éxitos como Los Fabulatas y Casi Don Quijote, Gestus Producciones presenta El Primer Caso de Black & Jack, comedia del absurdo, con estética ochentera, que juega con el estilo de las antiguas series de detectives.

El Primer Caso de Black & Jack, es el producto de una creación colectiva entre la directora Paloma Reyes de Sá, Carol Hernández (directora asistente) y los actores Manuel Gold (Black), Cesar García (Jack), Jely Reategui (Yesika), que cuenta la historia de dos hombres desempleados aficionados a las historias de espionaje que se conocen por casualidad en una salida nocturna. Luego de encontrar una misteriosa maleta terminan enredados en un caso que involucra a una mafia de mesas de juego clandestinas, dinero (mucho dinero), una descontrolada y sexy bailarina exótica con acento español, pero no española y una carta trucada que les permitirá infiltrarse en esta mafia haciéndose pasar por (o jugando a ser) detectives sin tener experiencia para el caso. Receta perfecta para el desastre.

“Creamos algo juntos una vez más… Aquí la “Creación Colectiva”: ese sistema donde jugamos y sólo después descubrimos qué historia vamos a contar”, comenta Paloma Reyes de Sá, directora de esta divertida y desfachatada puesta en escena.  “Empezamos a jugar desde nuestras ganas de reírnos. Así creamos. Empezamos a imaginar lo que nos puede divertir, improvisando escenas sin filtro alguno y así encontramos algo que nos indica el camino. Hace poco descubrí que eso se llama “automatismo”, un sistema de conexión de hilos invisibles que nos muestra una imagen, un movimiento, una escena, una historia. La palabra técnica suena a automático, pero no. Sólo es aquello que no puedes predecir, lo que sale del impulso, la risa, el no tener el control. El impulso ahora se llama ´El Primer Caso de Black Jack (la comedia prohibida)´Prohibida´ porque somos extraños, no tenemos miedo, decimos lisuras, jugamos con la sexualidad, los personajes no tienen la ´moral´ que el mundo espera, ni tampoco son ´políticamente correctos´. Son un poco de todo, un poco del vecino homofóbico que es gay, la colega sensual que no tiene reparos de mostrar su sexualidad, el hipócrita, la mercantilista, el crítico, el mentiroso, el amigo dependiente… Son la exageración, lo ridículo. En esta creación hemos dejado de lado la ternura por un rato y decidimos burlarnos descaradamente de la humanidad”, comenta.

Crítica: CASA DE PERROS

La auscultación de las raíces

Casa de Perros, de Juan Osorio, nos sitúa en un pueblo al norte de Perú en tiempos de reforma agraria, y le escarba la tierra hasta evocar los cimientos podridos de donde ha crecido. Más que una parábola política sobre la corrupción del poder, es una pieza anacrónica que nos permite deambular entre la historia, tocar la llaga y sangrar, para por fin luego restaurar y dejar ir.

La dirección de Jorge Villanueva se encarga de hacernos sentir la historia a partir de sus atmósferas. Transmite el caos de una fiesta, su asimetría, arritmia y alegría; y la deja morir de a pocos hasta encontrar el silencio y estatismo, de donde parte una escena rígida, densa, cargada de emociones contenidas, como el encuentro de un hijo que espera una misa por la muerte de su hermano y encuentra a su padre indiferente y desmemoriado. Un trabajo minucioso del director que se distancia del texto para concentrarse en los estímulos sensoriales alrededor de cada momento.

Lo onírico juega un rol trascendental, el pasado que reencarna y atormenta como una pesadilla tangible sobre el escenario. Un coro de mujeres muertas por los celos y un hermano asesinado, que no han dejado de vivir en el pueblo, en el remordimiento de los vivos y que por momentos los observan, les hablan, los aterrorizan. Unos perros, ya muertos, que ladran y ladran, porque aún lejos avisan el mal presagio que deviene. Imágenes y sonidos que significan.

Una interpretación correcta y fluida. Aunque cabe decir que a pesar de la solidez con que se entiende, desde lo lógico y cerebral, cada contradicción y objetivo de los personajes de este pueblo, las interrelaciones, en su apartado emocional y sensorial, son aún irregulares. Lo esquemático de algunos actores impide que desarrollen la inestabilidad en la que se encuentran sus caracteres, la débil reacción no permite progresar una escena cargada de tanto sentimiento. Uno de los momentos más emblemáticos, a mi parecer, es cuando el personaje de Ana, una mujer árida como la esencia de la tierra que pisa, se descarga con nosotros sobre la maldición de su vientre y de repente se quiebra para volverse el alma de una fiesta, en una danza visceral, macabra y alegre, una sensación que soy incapaz de comprender y me abre paso al purismo de sentir.

Una iluminación expresiva, destacada por sus contrastes, tanto de sombras como de color, personajes en solitario a contraluz o amorfos con la mezcla desordenada del naranja y del azul. Luz dura por el calor o tenue por la intimidad. Una iluminación orgánica. Asimismo, la composición musical de Benjamín Bonilla, a veces potente y grave para hostigarnos de tensión; otras, delicada para suavizar aún más el romanticismo. Diegética, con los músicos que construyen la jarana o la marcha fúnebre y extradiegética, en la búsqueda de sensaciones. Un viaje aparte.

Casa de perros es una obra necesaria porque habla de la dignidad humana, de lo que nos duele o debería dolernos, porque nos ayuda a entender de qué está hecho nuestro suelo y por tanto, nuestro interior; porque propone un lenguaje que nos obliga a la apertura de los sentidos, un teatro exigente, como debe serlo.

Bryan Urrunaga
12 de octubre de 2017

Crítica: UN GUERRILLERO SINGULAR

La singular historia de Max

El Club de Teatro de Lima acaba de estrenar Un guerrillero singular, del dramaturgo Sergio Arrau, bajo la dirección de Juan Carlos Díaz Therán.  La obra nos presenta un conjunto de ideologías que lograron impactar y redefinir la política de su contexto, una situación para nada distante de nosotros; todo esto apoyado en un lenguaje lleno de ironía y humor negro. En ese sentido, la obra nos cuenta la historia de Max, un hombre de teatro víctima de sus propias ideas extremistas. Sus creencias delirantes  provocan que su salud mental poco a poco vaya perdiendo estabilidad, provocando la ruptura definitiva con sus amistades y personas cercanas.

La obra no parece tener la intención de ubicarnos en algún contexto temporal determinado. Por la estética presente en la escenografía – el uso de un tocadiscos y el vestuario- me evocaba el siglo XX. Sin embargo, en ella usaron libros cuyos títulos y empastados pertenecían al siglo XXI. Aunque como ya mencioné, el texto no hace referencia ni retrata una época específica, es importante cuidar los detalles como el uso de ciertos libros muy actuales, al mismo tiempo que se utiliza un tocadiscos. En general, noté poco cuidado en el manejo de recursos como la musicalización y las proyecciones de imágenes. Hubo imprecisión tanto en la entrada como en la salida de dichos elementos, lo que provocaba que inmediatamente se evidencie el error. Es una ley universal que si una obra va a usar recursos tecnológicos, tiene que haber un manejo preciso del elemento. Por otro lado, la idea de usar proyecciones para evidenciar los momentos de delirio de Max, acompañado de un uso de luces sicodélicas, fue una buena convención.

La obra nos muestra  la diferencia de concepción en la idea del burgués, personas enamoradas de una ideología que pretenden hacer revolución desde la intelectualidad y la comodidad de sus casas, versus la idea del obrero, quien busca más radicalmente que la revolución llegue a costa del uso de la violencia como último recurso. El principal conflicto de la obra radica en dicha diferencia, lo que provoca que personajes como Max, un burgués, luego de ver a uno de sus amigos en el bando obrero, se cuestione acerca de qué tanto está haciendo él frente al contexto en el que vive y desde su modo de pensar. De este modo, tenemos personajes que son víctimas tanto de un contexto político extremo como de su propia ideología. Todas estas premisas  fueron claras gracias a la información incluida en el texto. Sin embargo, los personajes no llegaron a transmitir el subtexto que implica una situación como esta. Los actores mantuvieron un nivel de energía un poco desbordante, sobre todo el personaje de Max. Sí, era un personaje notoriamente elocuente, pero eso ya me había quedado claro gracias a cómo se relacionaba con los demás personajes; no era necesario “actuar” la característica. Me quedé con ganas de ver a un Max realmente trastocado, con más especificidad, no vi un viaje de personaje claro. El ritmo de la obra caía por momentos debido a que los actores estaban desconectados, parecía que el hecho de ser una comedia provocaba una tendencia a sobreactuar en ciertos momentos. En los momentos de ruptura con la realidad, cuando Max alucinaba, fue atinado interpretar personajes grandes. Sin embargo, en algunos momentos los actores se quedaban con esta energía desbordante para momentos en los que no estaba la convención de ruptura.

Estos elementos me distrajeron del trasfondo que la obra claramente nos quiere dar. Sin embargo, creo que el problema principal pudo ser que no estaban concentrados del todo, se notaba. La propuesta en general es interesante, funcionará mejor cuando se ajusten el manejo de elementos técnicos y la concentración actoral. Es necesario enfocarse en los matices que hacen que los momentos se diferencien claramente, de modo que el ritmo de la obra va a terminar de aclararse y consolidarse.

Un guerrillero singular es una obra cuyo contexto no está tan alejado de nosotros. No podemos ser ajenos al contexto político que nos rodea. Miremos, asimilemos y aceptemos que siempre habrán posiciones diferentes a las nuestras; el mantenernos enteros a pesar de vivir en una situación tan desigual es una tarea con la que tenemos que aprender a lidiar. De esta obra me quedo con esta conclusión: no se trata de desligarnos de nuestro contexto sociopolítico, se trata de no dejarnos dañar por ello, se trata de tomar una posición al respecto y mantenernos enteros a pesar de todo, una tarea en la que se trabaja un día a la vez.

Stefany Olivos
12 de octubre de 2017

Estreno: BANG BANG, ESTÁS MUERTO

Estreno: domingo 15 de octubre en el Teatro Aforo IX

SINOPSIS

"Bang Bang, estás muerto" es una adaptación libre de la obra "Bang bang, you're death" de William Mastrosimone. Está dirigida por Juan Luis Luque, esta obra  explora la violencia en las escuelas secundarias. Se focaliza en los efectos devastadores que ocurren cuando los adolescentes se burlan, insultan, maltratan y agreden a sus compañeros en problemas. Una obra importante en tiempos difíciles plantea las causas y resultados de la violencia escolar que es ignorada hasta ser potencialmente demasiado tarde. La obra no hace acusaciones, no encubre, ni ofrece respuestas fáciles a este terrible problema. Propone meditar sobre el tema. Invita a conversar. Nos ayuda a tomar conciencia de esta situación que solapadamente convive con nosotros.

PREVENTA HASTA EL 14 DE OCTUBRE
DIRECCIÓN: Juanis Luque
ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Chris Rojas
LUCES Y SONIDO: Jefferson Cornejo
ELENCO: Eiko castillo, Jack Povez, Marcia Ramirez, Kevin Cerna, Faviola Vergara, Julie Carrascal,Cesar Caipo, Sandra Quispitongo, Roberto V. Souza, Cristian Vela y Jeampierre Condor.

LUGAR: Teatro Aforo XI
Día. Domingo 15 de octubre
Hora: 6:30pm
DIRECCIÓN: Dirección: Av. Mariano Cornejo 947 Pueblo Libre
Entrada General: S/.10.00 nuevos soles
Entradas a la venta en la boletería del teatro una hora antes de función

Estreno: CIUDAD CUALQUIERA

Escrita y dirigida por Renato Fernández

Con las actuaciones de Andrea Luna, Marcello Rivera, Vanessa Vizcarra, Óscar Meza y Giovanni Arce.

El Teatro de la Universidad del Pacífico finaliza la temporada 2017 con el estreno de Ciudad Cualquiera. “Quería escribir una obra donde exista la frase Yo también te extrañé, pero creo que tú me extrañaste más, y de querer hacer micro cuentos en teatro”, comenta Renato Fernández, escritor y director de la obra de teatro.

Ciudad Cualquiera obtuvo el premio especial del jurado del Festival de Teatro Sala de Parto 2015; y la historia gira entorno a la última clase del profesor más querido de una universidad, quien anuncia que se va a suicidar el sábado al mediodía. En medio de velas que no se consumen, personas que no pueden dejar de imaginar, hombres que se vuelven niños y ancianos de veinticinco años, la ciudad se verá afectada por este evento.

“La gente siempre le tiene miedo a la muerte y a ser seres insignificantes. Para poder crecer es necesario aliviar el dolor. Es una obra cercana con el público, cuenta la historia de forma muy amable y presenta historias con las que la gente podrá sentirse identificada”, vuelve a comentar Renato Fernández.

Tiernas y divertidas historias real maravillosas se interpretan y entrelazan con gran agilidad por solo cinco actores: Andrea Luna, Marcello Rivera, Vanessa Vizcarra, Óscar Meza y Giovanni Arce. Ellos llevan a los personajes de Ciudad cualquiera a experimentar lo que realmente importa en una vida.

El estreno es el sábado 21 de octubre a las 8:30 p.m. en el Teatro de la Universidad del Pacífico, ubicado en Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María. Las entradas están a la venta en Teleticket desde el 11 de setiembre.

INFORMACIÓN IMPORTANTE
Estreno: sábado 21 de octubre de 2017.
Temporada: del sábado 21 de octubre al lunes 20 de noviembre de 2017.
Días de función: jueves, viernes, sábados y lunes a las 8:30 p. m. / domingos a las 7:00 p. m.
Lugar: Teatro de la Universidad del Pacífico, ubicado en Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María.

Venta de entradas: Teleticket de Wong y Metro, y los días de función en la boletería del teatro.

PRECIOS DE ENTRADAS Y PROMOCIONES:
Entrada general: S/. 50.00
Estudiantes y jubilados: S/. 25.00
Lunes populares: S/. 35.00
Preventa general: S/. 35.00

Para mayor información, contactarse con:
Carla Revilla | 971448388| carlarevilla@gmail.com
Rony López Mija | 947 158 956 | ronymija@gmail.com

Conversatorio: EXPERIENCIAS Y FORMAS DEL TEATRO DE TÍTERES

Con la participación de Martín Molina, Ángel Calvo y Felipe Rivas Mendo.

Día: Lunes 23 de octubre.
Hora: 8:00pm (Hora exacta).
Lugar: Asociación de Artistas Aficionados – Jr. Ica 343, Cercado de Lima.

Los Dramaturgos (www.losdramaturgos.com), página web dedicada a la recopilación y la difusión de la dramaturgia nacional, gracias al apoyo de Teatro Club, organizará el “1er Ciclo de Conversatorios Teatrales”.

Esta iniciativa tiene como objetivo principal generar debates, cuestionamientos, diálogos de interés acerca del teatro y diferentes aspectos de él. Los conversatorios se realizarán mensualmente, en puntos descentralizados de nuestra capital, y serán de ingreso gratuito.

Para acceder a la programación anual de conversatorios, puede ingresar a la siguiente nota:

Conversatorio Nº3: “Experiencias y Formas del Teatro de Títeres”

Se llevará gracias al apoyo de la Asociación de Artistas Aficionados y contará con la presencia de los maestros titiriteros: Martín Molina, Ángel Calvo y Felipe Rivas Mendo; además de la moderación del coordinador general de estos conversatorios, Mario Zanatta. Ellos se reunirán en este espacio de diálogo y reflexión con la finalidad de exponer sus ideas y experiencias, y debatir acerca del cómo se ha venido llevando a cabo, y de qué formas, el Teatro de Títeres en nuestro país.

Para mayor información, lo invitamos a visitar nuestro fanpage:

¡Los Dramaturgos agradece su gentil apoyo en la difusión!