domingo, 13 de abril de 2014

Crítica: INCENDIOS

Desgarradora y notable puesta en escena

Considerado como uno de los mejores textos teatrales de este siglo, Incendios (2003) del nativo libanés con nacionalidad canadiense Wajdi Mouawad, forma parte una tetralogía (llamada La sangre de las promesas) en la que se incluyen también Litoral, Bosques y Cielos, escritos entre 1997 y 2009. Enmarcada dentro de la sangrienta guerra civil libanesa, la historia de Incendios se centra en los hermanos Janine (Jimena Lindo) y Simón (Rómulo Assereto); luego de leer el testamento de su madre Nawal (Norma Martínez), el escribano Lebel (Alberto Isola) entrega a ellos dos cartas que contienen su última voluntad: Janine debe buscar a su padre para entregar la carta y Simón debe hacer lo mismo con otro hermano. Ambos reciben una gran sorpresa, pues creían a su padre muerto y desconocían la existencia del tercer hermano. Es así que se inicia un viaje hacia los convulsionados orígenes de su madre, en una puesta en escena en el Teatro La Plaza Isil de visión imprescindible.

La puesta en escena dirigida por Juan Carlos Fisher atrapa desde el inicio; y acaso lo más resaltante del montaje sea que la notable producción con la que cuenta el teatro, haya sido puesta al servicio de la historia, como debe y tiene que ser. La funcional escenografía y el vestuario, así como las precisas iluminación y sonido, ayudan a delimitar los espacios y los tiempos, compartiendo así en el mismo escenario las historias de Nawal y de sus hijos, en forma paralela. Los brillantes textos de Mouawad, que no rehúyen los pasajes crueles y sangrientos ocurridos durante la guerra, le imprimen suspenso y realismo a la obra; así como también un delicado equilibrio con el humor, que aporta el personaje de Lebel. Resulta sorprendente encontrar gran belleza en una obra de contenido tan dramático y cruel. Las miserias del ser humano en épocas bélicas son retratadas en toda su verdadera dimensión.

El elenco en pleno, de comprobado talento tanto fuera como dentro de La Plaza, aprovecha cada línea para encontrar la emoción precisa. Una sólida Norma Martínez encarna a la luchadora Nawal en la madurez; y la talentosa Jely Reátegui, en la adolescencia, logrando momentos muy emotivos. Un inspirado Alberto Isola refresca el montaje con oportunas pinceladas de humor. Una mención especial para Miguel Iza, quien compone un inquietante retrato de maldad. El sorprendente final redondea un brillante montaje de obligatorio visionado, demostrando hasta dónde puede llegar el amor de una madre. El texto fue adaptado al cine por Denis Villenueve y la cinta, nominada al Oscar como mejor película extranjera en el año 2011. Nunca tuvo una nariz de payaso, un significado tan desgarrador. Incendios de Wajdi Mouawad es un verdadero acontecimiento teatral que nadie debe perderse.

Sergio Velarde
13 de abril de 2014   

jueves, 10 de abril de 2014

Estreno: DESDE NUESTRA MEMORIA

Proyecto Artístico Social "Willakuni".

Trece mujeres afectadas por violencia política se convierten en actrices en performance teatral

En ceremonia especial, a realizar en el Museo Metropolitano de Lima y en el Congreso de la República, será presentada la Muestra Final del proyecto independiente “Willakuni. Cada historia, nuestra historia”.

El proyecto, ganador de una beca por el Instituto Alemán “The DO School”, trabaja con mujeres afectadas por violencia política en el Perú, con dos objetivos claros: empoderamiento de las mujeres y sensibilización a la población. Producto de talleres de teatro, presentamos una creación colectiva, donde historias y sentimientos serán compartidos desde la perspectiva de las mismas protagonistas, en una muestra que combina texto, lenguaje corporal y contenido audiovisual.

Actividad: Performance teatral “Desde Nuestra Memoria” + Exhibición fotográfica + Conversatorio (con participantes y facilitadoras de talleres)

Primer fecha: viernes 25 de abril
Hora: 5pm
Lugar: Auditorio del Museo Metropolitano de Lima
(Av. 28 Julio con Av. Garcilaso de la Vega, Lima –al costado del Parque de la Exposición)

Segunda fecha: viernes 02 de mayo
Hora: 7pm
Lugar: Auditorio del edificio José Faustino Sánchez Carrión del Congreso de la República
(Jirón Azángaro Nº 468 Lima)

INGRESO LIBRE
CAPACIDAD LIMITADA

Contacto:
willakuni@gmail.com
Facebook: Willakuni

miércoles, 9 de abril de 2014

Crítica: LAS FORMAS PERIMIDAS

El teatro dentro del teatro.

Teatro del Riesgo es un colectivo que nació en el 2010, partiendo de laboratorios de investigación sobre diversos textos, teniendo al actor físico como herramienta de exploración. Su primera propuesta fue Tú no entiendes nada (2011) de Juan José Oviedo, en el que el trabajo corporal desplegado por los actores acaparaba más la atención que el texto mismo. Carne de mujeres (2013) de Paco Caparó funcionó al retirarles las máscaras a las actrices participantes, para mostrárnoslas como seres humanos de carne y hueso, con todos sus defectos y virtudes. Y si bien en los montajes mencionados, el “riesgo” que colectivo teatral corría se hallaba en las formas de presentar sus espectáculos, ahora en su nueva propuesta se arriesga el fondo mismo de la puesta en escena.

Las Formas Perimidas, escrita por el dramaturgo argentino Guillermo Difilippo, y basado a su vez en la obra del gran Pirandello, vuelve sobre la idea del personaje como ente independiente, como ya lo hiciera el Nobel italiano en su obra máxima Seis personajes en busca de autor, estrenada en 1921. En Las Formas Perimidas, el autor ya se encontró, y los personajes se hallan condenados a repetir la misma historia noche tras noche al abrirse el telón, mientras los verdaderos “actores” se encuentran desempleados y maquinan una revuelta. Por un lado, Dina está perdidamente enamorada, a pesar de las quejas de su hermana viuda, de su inquilino llamado Tulio Butti. Pero él no le presta atención a Dina, sino a Margarita, una guapa señora a la que observa por la ventana todos los días, mientras cena con su marido y sus hijos. El hilo narrativo se ve interrumpido constantemente, cuando los personajes deciden rebelarse y adquieran voluntad propia. Se percibe dentro del montaje la exageración propia del melodrama, pero que podría ser más trabajada aún para el beneficio del mismo.

El director Jonathan Oliveros (actor en los anteriores montajes de Teatro del Riesgo) consigue una puesta limpia y ordenada, que aseguramos, logrará una mayor autenticidad y dinamismo con el correr de la temporada, debido al riesgo asumido al montar una obra con lenguaje meta-teatral. Los personajes de la obra, interpretados por Katherina Sánchez, Daniela Rodríguez, Cintia Díaz del Olmo, Gerardo Cárdenas y Daniel Zarauz, tienen el suficiente carisma como para volver interesantes las distintas sub-tramas que ofrece la obra. Ricardo Morante, quien interpreta al autor-director de la obra dentro de la obra, convence como el personaje “real” dentro del montaje. Los “actores” que protestan antes y después de la función tienen la difícil misión de ser orgánicos y verídicos, para redondear el montaje (esos gritos para los burgueses deben trabajarse). Las Formas Perimidas no deja de ser un simpático espectáculo, del que vale la pena su visionado.

Sergio Velarde
09 de abril de 2014

martes, 8 de abril de 2014

Estreno: COMPASIÓN EN SEMANA SANTA

Del jueves 17 al domingo 20 de abril en la Asociación de Artistas Aficionados.

Personajes marginados por la sociedad que buscan ser compadecidos entorno a la crucifixión de Jesucristo terminan siendo víctimas de la propia compasión frente al dolor del hijo de Dios. Lucho Ramírez, actor de la primera generación de Cuatrotablas, está a cargo de la dirección de esta afilada puesta en escena: Misterio Bufo de Darío Fo. Un Tullido, que encuentra en las piernas de un Ciego su mejor motor para continuar, a la vez será el guía que necesita el Ciego para seguir su camino. Los dos se convertirán en una sola criatura para encontrar satisfacción. Por otro lado, un Loco juega cartas en una posada sin imaginar que se aparecerá La Muerte, creyendo que viene por él, hará todo lo posible para salvarse. Personajes que terminarán cediendo ante la compasión y melancolía.

“La Moralidad del Ciego y El Tullido” y “El Loco y La Muerte” forman parte del proceso de creación de Misterio Bufo, considerado de forma unánime como el buque insignia de la flota textual de Darío Fo, flota pacífica y alegre, pero que ante la amenaza de cualquier tempestad se convierte rápidamente en una formación de guerra, cañones dispuestos y puntería excepcional. Misterio Bufo, escrito por el ganador del Premio Nobel de Literatura en 1997, por su investigación en el campo de la juglería, de la sacra representación medieval, es uno de los textos más representados prácticamente en todos los países y lenguas del mundo. En este sentido debe considerarse Misterio Bufo como un texto de los más claros y afilados y también punto de inflexión entre las décadas de los 50 y 60, años de comedias brillantes, y el camino de teatro de denuncia que Fo emprende en los turbios años 70.

Compasión en Semana Santa será dirigida por Lucho Ramírez y representada por Herbert Corimanya, Miguel Campana, Ricardo Delgado y Lucho Ramírez, en la Asociación de Artistas Aficionados (Jr. Ica 323), a las 5:30pm, con la producción de Perú Fusión Teatro y Butaca Comunicación Teatral, del jueves 17 al domingo 20 de abril. Entrada libre. Salida con sombrero.

Herbert Corimanya Baca
Producción Ejecutiva
BUTACA Comunicación Teatral
C: 992262982

Crítica: DESIERTO

La imprescindible ambigüedad en el arte.

Luego de asistir a la función de Desierto, estrenada en El Galpón Espacio de Pueblo Libre, no tenía muy en claro cómo enfrentar el hecho de escribir una reseña para dicha puesta en escena. Creo haber encontrado la luz al final del túnel dentro de la galería Fórum de Miraflores, en donde viene presentándose la exposición fotográfica de Lorena Noblecilla titulada De lo ambiguo. Y es que al observar las fotos que allí se encuentran, muchas de ellas borrosas y desenfocadas, llenas de objetos, paisajes y reflejos ad líbitum, comprendí que el arte está irremediablemente ligado a la ambigüedad; es decir, cada uno de nosotros puede apreciar ya sea una pintura, una película o una obra teatral, de manera completamente distinta a la otra persona, de diferente sensibilidad, y que está viendo exactamente lo mismo.

Hurgando en la galería, encuentro unas palabras escritas por Ana M. Rodrigo Prado, dedicadas a la exposición fotográfica. En ellas, se intenta una definición coherente de la ambigüedad presente en el arte. Entendiéndose la ambigüedad como aquella posibilidad de que algo pueda entenderse de varios modos o de que admita distintas interpretaciones, y que puede ser perturbadora y atractiva a la vez. El concepto nace del hecho que el significante no tiene un significado único y fijo. La autora plantea que esta polisemia del signo no solo es un recurso para que el artista creador envíe el mensaje al receptor, sino que además es un rasgo característico de la realidad. Y por supuesto, presente en todas las obras artísticas. Ergo, también en Desierto.

Pues bien, catalogado como “Teatro poético sobre la mente de un hombre”, se nos informa que Desierto nació de un poemario, en donde los personajes no soportaron más y terminaron saliendo de las hojas, para instalarse en los cuerpos de los cuatro actores para contar la historia. El protagonista, llamado simplemente “Hombre”, se enfrentará a una variada gama de seres / personas / cosas / ideas, que finalmente serán su propio reflejo. Y además, los perdedores de esta batalla terminarán irremediablemente en el Desierto. No cabe duda que el autor Juan Pablo Bustamante (que además actúa), los directores Fiorella Franco y Gustavo Seclén, y los actores Telmo Arévalo, Abel Enríquez y Laura Mata, son artistas valiosos de gran creatividad. Y también estoy seguro que muchos de los espectadores lograron entender todas las secuencias de imágenes, sonidos, textos y movimiento, que nos quería comunicar esta puesta en escena a cargo de LIAE (La integración de las artes escénicas).

Sergio Velarde
08 de abril de 2014

jueves, 3 de abril de 2014

Encuentro: CHELA DE FERRARI

Un encuentro que parecía altamente improbable sucedió.

Gracias a Jano Clavier, autor y director de Las crías tienen hambre, este servidor pudo conversar unos minutos con Chela De Ferrari, fundadora del Teatro La Plaza, que abrió sus puertas el 23 de octubre del 2003, con la obra Metamorfosis de Mary Zimmerman. Cabe destacar la sencillez y humildad de Chela para relatarme cómo fueron los inicios de su teatro, que surgió como una necesidad (que todos tenemos y tuvimos alguna vez) de montar sus propias obras sin tener que rendirle cuentas a nadie, buscando traer a nuestro país –como ella dice, en una decisión que pudo ser equivocada o no- los estrenos internacionales más importantes del momento.

Por El Oficio Crítico han pasado dos obras dirigidas por Chela. En el 2008 se estrenó El beso de la mujer araña de Manuel Puig, una demasiado estilizada historia dentro de una sórdida cárcel –como también menciona, ella es una víctima más del colegio Villa María- pero con una de las mejores actuaciones de Paul Vega hasta la fecha. Nuestro pueblo de Thornton Wilder, estrenada en el 2012, fue un montaje redondo, que abordó la sencilla historia de una apacible comunidad y la convirtió en un verdadero canto de esperanza y fe. A pesar de dedicarse en los últimos años a la reseña de espectáculos independientes en salas alternativas, El Oficio Crítico no pone en duda la calidad de las puestas en escena de La Plaza. Acaso son algunos premios de fin de año los que nos produce migrañas.

Chela afirma leer muy seguido este blog (debo escribir, fue una grata sorpresa). Y por supuesto, resulta muy reveladora la opinión de Chela sobre el Premio Luces; también el hecho que un importante auspiciador haya abandonado a La Plaza por cuestiones “artísticas”; la preocupación por sus trabajadores, así como su total admiración hacia ellos; el tan necesario riesgo que asume para dar luz verde a sus proyectos; y el hecho que, actualmente, la directiva se encuentre propiciando un importante aporte a la dramaturgia nacional, como es el caso de Sala de Parto. La misma Chela reveló que en la primera edición de este concurso, fueron convocadas personas allegadas a su entorno; pero que en la edición de este año, se está descentralizando el evento para conseguir una mayor acogida y participación de diversos sectores.

Terminamos la conversación con la promesa de Chela de tender puentes con toda la comunidad teatral de nuestra capital, a través de co-producciones o de fomentar la difusión de obras alternativas. Acaso sea ésta la sensación que me dejó esta charla: Chela De Ferrari es una entusiasta promotora de las artes escénicas en el Perú y tiene un tenaz compromiso con nuestra comunidad. Bravo por ella.

Sergio Velarde
03 de abril de 2014

lunes, 31 de marzo de 2014

Crítica: TRES

Crisis de identidad en tres cuadros

La casa Espacio Libre continúa con la tradición de ofrecer espectáculos alternativos de calidad, así como laboratorios de actuación, que desembocan en montajes profesionales del grupo, todos ellos muy elaborados bajo la dirección de Diego La Hoz. También les ofrece la oportunidad a jóvenes artistas para concretar sus proyectos escénicos: Diana Hurtado presentó en enero Trilogía de una despedida, una antología teatral de cuadros que trataban el tema de la soledad como resultado de las partidas conscientes y forzadas. Ahora le toca el turno al grupo Molinos de Viento, con la puesta en escena de Tres (monólogos de distintos autores), otra antología teatral que no desmerece la calidad que se venía exhibiendo en el íntimo espacio de Barranco.

Tres (monólogos de distintos autores) es un espectáculo que reúne un trío de propuestas trabajadas por alumnos de la ENSAD, cada una diferente e independiente de la otras en cuanto a su tratamiento, pero que abarcan temas en común como el machismo, la pérdida de la identidad y la sexualidad. Miguel Torres (director del grupo Molinos de Viento) se encarga de El novio y su amigo, que a su vez es parte de la pieza Dos para el camino de César De María. Johann Allpas presenta David que no fue Brenda, sentido unipersonal sobre un frustrado experimento de cambio de sexo, escrito por el psicólogo Andrés Caro Berta. Y Toto Jorge Flores le da vida a un drag-queen, tanto fuera y dentro del escenario, en Un extraordinario homenaje, escrito por Daniel Dillon.

A destacar la propuesta en conjunto, que no busca unificar los monólogos, sino darle a cada uno su propio espacio. El trabajo en general de los actores es bastante parejo: Torres mantiene el suspenso y el ritmo durante su conversación, y Flores resulta sumamente espontáneo al dirigirse a los espectadores para anunciar su trágica noticia; pero cabe destacar la energía y convicción de Allpas para recrear en escena a cada uno de los personajes involucrados en su historia. Tres es un formato de antología teatral muy interesante, que bien vale la pena apreciar en el futuro. Y Espacio Libre se consolida como una parada obligatoria para los que buscamos teatro alternativo del bueno.

Sergio Velarde
31 de marzo de 2014

jueves, 27 de marzo de 2014

Estreno: UN TAMBOR POR ÚNICO EQUIPAJE

LA PRIMERA PUESTA EN ESCENA DEL COLECTIVO CABALLO ROJO
Un grupo de actores emplean la obra de Ricardo Prieto como vehículo de cuestionamiento de la moral y la razón.

El colectivo teatral Caballo Rojo tiene el agrado de invitar a amigos y amantes del teatro a la obra Un Tambor Por Único Equipaje, que se presentará desde 4 de abril hasta el 3 de mayo, los días viernes y sábados a las 9 pm, en la Asociación Cultural Campo Abierto, en Miraflores. La obra narra el enfrentamiento entre una psicoterapeuta y una paciente por encima de toda comprensión lógica, ilustrando dramáticamente la incapacidad humana para entender el sentido de la realidad, confrontándose así dos miradas distintas sobre la experiencia de la vida. Un Tambor Por Único Equipaje nos lleva a cuestionarnos sobre los limites de nuestra existencia como humanos: cuál es el extremo de la perversidad y la manipulación, cuál es la diferencia de ayudar y generar dependencia, y hasta qué punto la moral afecta nuestra decisiones; interrogantes representadas en una familia fuera de toda convención social.

FICHA TÉCNICA
Director: Carlos Acosta
Producción General: Colectivo Caballo Rojo
Asesoría de ProducciónPaola Vera
Jefa de EscenaCony Hermoza
Escenografía: Colectivo Iluscopio
FotografíaGilda Alvarado
Vestuario y MaquillajeColectivo Caballo Rojo
PrensaLourdes Sáenz y Satoshi Arakaki

REALIZACIÓN
Temporada Abril – Mayo 2014
Viernes y sábados 9:00 pm. 
Del Viernes 04 de abril al Sábado 03 de mayo del 2014
Duración: 1 hora
LocaciónAsociación Cultural Campo Abierto (Calle Recavarren 560, Miraflores. A una cuadra del Teatro Británico)

CONSULTAS DE PRENSA LOCALES
Colectivo Caballo Rojo
FACEBOOK
Satoshi Arakaki (970 039 620)
Talía Ganoza (992 960 301)

martes, 25 de marzo de 2014

Crítica: LA REPÚBLICA ANÁLOGA

La razón de Arístides

El destacado grupo ecuatoriano Malayerba ha venido teniendo una fuerte presencia en nuestro país, mérito de su director y dramaturgo, de origen argentino, Arístides Vargas. En el 2012 se estrenaron dos montajes de su autoría: El deseo más canalla y La razón blindada, excepcionales montajes dirigidos por jóvenes miembros del colectivo peruano Panparamayo. En el 2013, llegó el grupo Puentes Invisibles con la obra La soledad de las luciérnagas, para celebrar un aniversario más de Espacio Libre. Y en febrero de este año, el mismo Arístides se presentó con su esposa, la actriz española Charo Francés, en la inolvidable Nuestra Señora de las Nubes, en la Alianza Francesa. Justamente en el espacio mencionado se viene representando La República Análoga, obra escrita en el 2010, y dirigida por Arístides luego de un intenso taller con el elenco involucrado, desde diciembre del año pasado.

Los resultados saltan a la vista. La República Análoga es un inteligente e impecable montaje, en el que cada uno de sus intelectuales personajes representa una postura ideológica distinta, en medio de la insólita propuesta de conformar esta suerte de país utópico, libre de injusticias y de las fallas cometidas a lo largo de la historia. Toda la reunión será boicoteada intermitentemente por las razones blindadas de los más tercos y por los deseos más canallas de los más viscerales. Desde el anfitrión, el ingenuo señor Torres (gran actuación de Michael Joan Gómez), que ha puesto el anuncio de la reunión en un cyber café; pasando por la poeta y manicurista Beatriz (Claudia del Águila), que viene acompañada por su novio Omar (Carlos Montalvo), preocupado en terminar de coser el vestido de su novia; el sanguinario doctor Carpio (un desatado Pietro Sibille), que requiere de la violencia para actuar; el sensato señor Chester (Reynaldo Arenas), que opina que la república deberían conformarla los niños, mientras observa el fantasma de un chiquillo merodeando la casa (una exquisita performance de Ani Chung ); el doctor Morales (Héctor Rodríguez), un urólogo con problemas de frenillo, acompañado por el disciplinado Renzo (convincente Christian Esquivel), que hace las veces de traductor. En medio de ellos, la madre de Torres (una deliciosa Pilar Núñez), perdida en sus propios pensamientos, pero a la vez, la más centrada del grupo.

Impecables y precisas actuaciones, dentro de un sólido espectáculo, en el que el público también participa activamente. No les falta razón a los que afirman de la gran pertinencia y vigencia del teatro de Arístides en la actualidad. La temática de sus obras es universal, y por supuesto, muy latinoamericana. La República Análoga, más allá de ser un bello y completo montaje teatral, es un directo llamado de atención a los ciegos y tuertos gobernantes de nuestros países, a través de un lenguaje escénico pletórico de poesía e imágenes para el recuerdo. La razón la tiene Arístides. Uno de los mejores montajes independientes en lo que va del año. Imposible perdérselo.

Sergio Velarde
25 de marzo de 2014

lunes, 24 de marzo de 2014

Crítica: SER O NO SER

Las dificultades de la parodia

Shakespeare fue, es y será siendo una fuente inagotable para todos aquellos proyectos escénicos que quieran aproximarse a él de múltiples maneras. Por ejemplo, de la forma tradicional fue ejecutado Hamlet (2013) por Aranwa Teatro, un sólido montaje que respetaba (y entendía) el texto original; y una adaptación a la peruana de Otelo, fue Octubre negro (2010), realizada con mucha fortuna por Pasión Mystica Teatro. Hace pocos días terminó una nueva y díscola aproximación a Hamlet, llevada a escena en la AAA por el grupo Sueños de Fuego, con la dirección de Fredy Monteza, contando en el elenco con jóvenes y entusiastas alumnos de su taller, algunos de ellos con escasa experiencia sobre las tablas. Ser o no ser debe ser considerada como una experiencia más dentro de la joven agrupación, que buscó desmenuzar, a manera de parodia, la trágica historia del príncipe de Dinamarca.

La parodia es un estilo perfectamente válido, pero que imita al original para lograr la risa a través de la burla, aunque el presente montaje no sea el caso. Polemizar sobre lo pertinente del género dentro de un grupo de teatro aficionado, que espera tomar el oficio teatral como algo serio, sería inútil. En todo caso, analizar los pros y contras del montaje de Ser o no ser, debería hacerse tomando en cuenta las condiciones y experiencia del grupo. Se aprecia un gran talento en todos los participantes, con personajes correctamente bosquejados, pero que deben pulir específicamente voz y dicción, sin descuidar el aspecto corporal. Pero los resultados finales del montaje podrían haber sido mucho más satisfactorios, si éste se hubiera entregado de lleno al remedo. Acaso el haber realizado la obra con técnica “claun” hubiera sido más pertinente, pero cuando sí aparecen los “clauns” (como la comparsa de actores que acompañan a Hamlet), su escenificación de la tragedia de los reyes es muy pobre, cuando debería ser al revés.

Sin duda, el mejor personaje de la obra es el del Espectro, con la máscara de Guy Fawkes (de V de Vendetta), que sí entra en la convención del desenfado total con sus acrobacias corporales, no así el resto del elenco, que se conforma con la tibia caricatura y gags de mecha corta. En todo caso, la simpatía y carisma de Eduardo Rodríguez, Bryan Badillo, Paola Castillo, Mary Alarcón, Luis Chávez, Juan José Vidal, Orilo Rengifo, Carmen Butrón, Lizbeth Nicho, Víctor Ventura y Alexander Gonzales son suficientes como para intentar nuevas y mucho más complejas aventuras teatrales. Una posibilidad factible sería la de llevar a escena el mismo Hamlet u otra obra de Shakespeare, pero respetando el texto original. Una misión que seguramente Monteza sabrá llevar a buen puerto, considerando el enorme talento humano que tiene y que espera salir a la luz.

Sergio Velarde
24 de marzo de 2014