domingo, 17 de junio de 2018

Crítica: CIENCIA-FICCIÓN


La magia de estar en escena

En su segunda semana, el Festival de Creación Escénica Contemporánea Sótano 2 presentó Ciencia-ficción, un trabajo escénico creado por la artista española Cris Blanco, quien se caracteriza por fusionar distintos géneros, incluyendo el error, los trucos que se perciben, la ciencia ficción y lo trash.

Para esta ocasión, el espectáculo reunió elementos diversos y atípicos (una mesa simple, una laptop para proyectar los videos, un órgano pequeño y una guitarra para la música en vivo); no obstante,  la protagonista –Cris Blanco- era la encargada de darle vida a algunas de las infinitas posibilidades que ofrece una puesta en escena. El concepto de esta creación tiene una lectura muy particular, debido a la temática escogida, en este caso: la ciencia, expuesta a partir de una construcción personal –por ejemplo, se describían diversas teorías acerca del universo, con canciones creadas a la medida-; convirtiéndose en un acercamiento a la ciencia desde la perspectiva de la artista.

Ciencia-ficción es una variante interesante y divertida de las típicas puestas en escena; una obra que podría parecer no serlo, porque suceden cosas y nada a la vez; pero transportan al espectador a una nueva forma de experimentar una ficción contemporánea. Ahora bien, la generosidad de Cris sobre el escenario, su naturalidad y espontaneidad, fueron ingredientes igual de importantes para facilitar la comprensión de lo que se observaba y escuchaba.  

Por otra parte, no estoy segura si fue la intención principal, pero este tipo de performance (acción artística) es una forma creativa de presentarse ante el público y crear un vínculo para que este se familiarice con el trabajo del artista.

Un trabajo que, sin duda, tiene el potencial justo para expandirse y superarse (ya que se trata de una creación experimental). Por ejemplo, para no saturar con las proyecciones, estas podrían llegar a ser más teatrales  –con mayores efectos escénicos-; puesto que si bien el público sintonizó con lo que se estaba contando, también es cierto que los videos hacia el final ya no calaban tanto. Un buen acierto fueron las canciones que interpretó Cris Blanco, que supo combinar los cambios en la voz, la interpretación y las letras fuera de serie.

Finalmente, vuelvo a recalcar la importancia de recibir estas propuestas artísticas, con la mente y corazón abiertos, observando sin juzgar, lo que ofrece el ejecutante de la acción. Solo así, estaremos contribuyendo como público a la apertura hacia nuevos rumbos en la escena contemporánea.

Maria Cristina Mory Cárdenas
17 de junio de 2018

Crítica: SEÑORA DE LOS AHOGADOS


Secretos siniestros

Una familia disfuncional, un coro de mujeres sollozando y oscuros secretos es lo que nos presenta la puesta Señora de los Ahogados (Senhora dos afogados), escrita por el influyente periodista, dramaturgo y escritor brasileño Nelson Rodrigues, quien es conocido por abordar temas ásperos como el adulterio, el incesto, el conflicto de familias resquebrajadas, entre otros. En esta ocasión, es la directora Guadalupe Vivanco quien ha conducido y traducido esta pieza teatral, como marco de la cuarta temporada producida por la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático.

En principio, el montaje logró crear una atmósfera siniestra, oscura y hasta tenebrosa, que contrastaba con la musicalización –de ritmos afro-brasileños-, nada que reprochar en ese sentido; ya que se utilizaron los recursos correctamente, introduciendo al espectador a una fantasía, a una realidad distinta. Y es que la trama gira en torno a la familia Drummond (quienes valoran la fidelidad conyugal y la perpetúan a través del tiempo) y un trágico suceso que involucra la muerte de Clarita –una de las hijas de Eduarda y Misael, quien muere ahogada en el mar-; sin embargo, existen otros hechos que redondean la historia –la muerte de una prostituta el mismo día del casamiento de Eduarda y Misael- que la convierten en una explosión de acontecimientos marcados por las frustraciones y pasiones de los personajes.

El uso permanente de la música en vivo, combinado con el coro de mujeres y una especie de ritual de lamentos y bailes, hace la diferencia, dejando en claro el origen de la tradición brasileña. En contraste, la suma de aquellas energías, así como las interpretaciones que evocan a una épica tragedia griega, detonan (a medida que avanza la obra) en un tedio que es provocado por la intensidad de todos los recursos en escena (físicos, utilería, sonido, luces, etc.) y por la carga de la propia trama, que mezcla apariciones y realidades en medio de la rivalidad de madre e hija y del propio conflicto de los cónyuges.

Con actuaciones bastante correctas y con una energía al tope, la puesta refleja desde una perspectiva psicológica a los personajes, desvelando la actualidad de los temas que, aún siendo sensibles, no dejan de ser trascendentes para una sociedad que necesita cuestionarse, entonces, qué mejor que el teatro para comunicar y transmitir.

Maria Cristina Mory Cárdenas
17 de junio de 2018

jueves, 14 de junio de 2018

Estreno: BUSCANDO A KAZUO OHNO

Primer actor y director teatral Edgard Guillén presenta segunda etapa de su tradicional Teatro en mi casa

Performance es un homenaje al reconocido maestro danzante de origen japonés, cofundador junto a Tatsumi Hijikata, de la danza Butō

Va todos los domingos a las 7 y 30 de la noche en la avenida Paso de los Andes 1147 – Pueblo Libre. Entrada absolutamente libre

El primer actor y director teatral Edgard Guillén presenta la segunda etapa de su tradicional Teatro en mi casa, esta vez con el unipersonal “Buscando a Kazuo Ohno” que va todos los domingos a las 7 y 30 de la noche en la avenida Paso de los Andes 1147 – Pueblo Libre. El ingreso es absolutamente libre.

"Buscando a Kazuo Ohno" es una impresionante performance que dura 55 minutos en homenaje al reconocido maestro danzante de origen japonés, Kazuo OHno, que volvió a la actividad artística a los 70 años creando, junto a Tatsumi Hijikata, la danza Butō. La puesta en escena es, para su autor, “más que nada una búsqueda de lo que quedó en mí de este bailarín sui generis“. “Kazuo Ohno es único, irrepetible y en mi performance trato de encontrarme con él y dar lo que él dejó en mí”, expresa. 


“Recorrí el mundo tratando de encontrarlo y siempre había partido el día anterior del lugar al que llegaba, solo lo veo en sus maravillosos vídeos y es tan grande mi admiración hacia él que no hubiera querido ser como él sino ser él mismo”, comenta. “Kazuo Ohno es un personaje de culto. Nació en Yokohama - Japón el año 1909 y murió al cumplir 103 años. A los 70 años crea junto a Hijikata, otro gran maestro, la danza Butoh como respuesta a la posguerra a Hiroshima y se nutre del existencialismo de aquel momento”, señala.

“Es una danza hacia el lado oscuro, una suerte de danza que contraviene las leyes de cualquier danza clásica o tradicional. Ohno dice: yo no hago un movimiento tras otro para crear una bella coreografía, yo me remito al vientre de mi madre, al mar, a las flores”, agrega. “En los ochentas alguien me invita a ver un vídeo y quedé absolutamente prendado de él, era Kazuo Ohno y a partir de ese momento no hacía más que pensar en él. Lo perseguí en Nueva York y en Brasil pero él se marchaba siempre un día antes”, finaliza.

martes, 12 de junio de 2018

Reestreno: ¡OH POR DIOS!


Franco Cabrera, Guillermo Castañeda y Manuel Gold vuelven a hacer de las suyas en el espectáculo más divertido de la cartelera

Más de 22 mil personas ya fueron a ver esta divertida obra teatral. Regresa a Lima Norte eEste jueves 26, viernes 27, sábado 28 y domingo 29 de julio del 2018, a las 9 y 30 de la noche, en el Teatro Plaza Norte.

Franco Cabrera, Guillermo Castañeda y Manuel Gold regresan con “¡Oh por Dios!”. Listos para sacarse el clavo, el espectáculo más divertido de los últimos tiempos vuelve para presentarse este 26, 27, 28 y 29 de julio del 2018, a las 9 y 30 de la noche, en el Teatro Plaza Norte.

En sus cuatro años de vida, la hilarante y atrevida obra teatral, una creación colectiva dirigida por Rocío Tovar y producida por La Nave Producciones, ha sido vista por más de 22 mil personas y, ahora, gracias a la acogida del público repite el plato junto a “Las Bándalas” en Lima Norte. Con “¡Oh por Dios!” podrán ser testigos de las locas aventuras de tres actores que pasarán por una prueba de fe, mientras resuelven sus dudas existenciales y sus posturas frente a la vida y a la religión.

En el principio no había nada y dijo Dios: Sea la luz. Y fue la luz. Y vio Dios que la luz era buena: y apartó Dios la luz de las tinieblas. Y llamó Dios a la luz: Día. Y a las tinieblas las llamó: Noche. Y ese fue... El primer día. Es así que Dios crea el universo y todas las plantas, animales, ríos, quebradas, y especies que habitan en él. Así como a Fabián Gatti, Ricardo Andújar y Federico Mesías, tres jóvenes actores, promesas del teatro nacional, que serán puestos a prueba por el mismísimo Dios. Elegidos a la fuerza por Dios para contar la Biblia de manera divertida, tendrán una hora y treinta minutos para resolver semejante reto. En el camino, sus diferentes puntos de vista sobre la religión los harán chocar ocasionando más de un problema para llegar a tiempo a contar el libro más leído de la historia.

“¡Oh por Dios!” va el jueves 26, viernes 27, sábado 28 y domingo 29 de julio del 2018, a las 9 y 30 de la noche, en el Teatro Plaza Norte (Centro Comercial Plaza Norte, Galería Norte - Independencia).

Las entradas están a la venta en Entradas en Teleticket a 40 soles (general), 60 soles (VIP) y 80 soles (Súper VIP). Hay preventa hasta el 20 de julio.

PRECIOS Y LOCALIDADES EN TELETICKET
Localidad
Precio ticket pre venta
Comisión*
Precio final pre venta
Precio normal A partir del 20 de julio
Comisión*
Precio final normal
SUPER VIP
S/. 64.00
S/. 6.00
S/. 70.00
S/. 74.00
S/. 6.00
S/. 80.00
VIP
S/. 45.00
S/. 5.00
S/. 50.00
S/. 55.00
S/. 5.00
S/. 60.00
GENERAL
S/. 36.00
S/. 4.00
S/. 40.00
S/. 36.00
S/. 4.00
S/. 40.00

Estreno: VISITA GUIADA Y CONTIGO APRENDÍ


Montajes de los alumnos de 7mo. Ciclo de la Especialidad de Teatro de la Facultad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú

Se busca sensibilizar a la sociedad tocando temas de género y la visibilización del rol de la mujer en la historia de nuestro país.

“Visita guiada” Creación colectiva dirigida por Ana Correa en el Museo de Arte de San Marcos, Sala Vinatea Reinoso (Lima)
 Del 26 al 28 de junio 2018

“Contigo aprendí” Creación colectiva performance de salón dirigida por Alejandra Guerra en la Casa de la Creatividad (Barranco)
 Del 2 al 6 de julio 2018

Las actrices Ana Correa y Alejandra Guerra dirigirán los montajes teatrales “Visita guiada” y “Contigo aprendí” respectivamente teniendo como eje central el tema de género y el rol preponderante de la mujer en la historia del Perú. Dichos montajes son el resultado final del curso de Actuación 7 de los alumnos de la Especialidad de Teatro de la Facultad de Artes Escénicas de la PUCP.

Ambos montajes son creaciones colectivas que parten de una investigación exhaustiva sobre el rol importante que tuvieron las próceres mujeres en la historia del Perú independentista (Visita guiada); y sobre el significado del concepto de género a partir de experiencias sociales que definen los roles que deben jugar el ser hombre y mujer en la actualidad (Contigo aprendí). Las dos directoras han guiado el proceso de investigación y creación artística a lo largo de tres meses para culminar el proceso con los dos montajes teatrales en mención.

“Visita guiada” cuenta una historia basada en las acciones realizadas por 144 mujeres que fueron condecoradas el 11 de enero de 1822 por el General Don José de San Martín con “La banda de seda y la medalla patriótica” que, junto con un diploma, las reconoció por “El patriotismo de las más sensibles”. Estas y muchas otras mujeres trabajaron por la libertad de la patria enterándose de los planes más reservados, descubriendo secretos, seduciendo, intrigando, dando información como espías, llevando ayuda a los campos de batalla, dando alimentos y alojamiento a los patriotas, ayudando con dinero y bienes a la causa y muchas dando su vida por ello.

“Contigo aprendí” aborda de una manera lúdica, a través del teatro, la música y la danza, la problemática vinculada a los roles de género impuestos por nuestra sociedad. Esta propuesta busca desarmar dichos roles para adoptar posturas que propicien un cambio de actitud con el fin de erradicar actos de violencia, maltrato y discriminación.

“Visita guiada” se presenta del martes 26 al jueves 28 de junio, a las 3.00 p.m., en el Museo de Arte de San Marcos, Sala Vinatea Reinoso (Av. Nicolás de Piérola 1222, Lima - Parque Universitario). 

“Contigo aprendí” se presenta del lunes 2 al viernes 6 de julio, a las 8.00 p.m., en la Casa de la Creatividad (Calle Ramón Ribeyro 862, Barranco - Limite con Miraflores). ÚNICAS FUNCIONES.

El ingreso para ambos montajes es LIBRE (capacidad limitada).

Elenco “Visita guiada”: Israel Caleni, Mayra Carbajal, Sebastián Cárdenas, Francesca Correa, Erick Cumpa, Paula Espinosa, Valeria García, Betsy Loza, Eveling Olivares, Viviana Pereyra, Alessandra Rivas, Franco Silva, Gabriel Soto, Michelle Vallejos, Norma Venegas y Shantall Vera.

Elenco “Contigo aprendí”: María José Bueno, Almendra Calle, Daniel Carranza, Alejandra Chávez, María Alejandra del Águila, Farah Estremadoyro, Klaus Herencia, Valeria Mannucci, Christian Mora, Stephany Moreno, Giuliana Muente, Franco Ocaña, Maricielo Paiva, Carolina Rodríguez, Renzo Rospigliosi, Valentina Saba y Paloma Scargglioni.

Estreno: HOGAR BAR HOGAR


Escrita por Marcelo Goyos y dirigida por Kelly Oshita

Viernes 6 y sábado 7 de julio en la Asociación Cultural Winaray –Av. Tacna 685, Dpto 123, piso 12, Lima Centro a las  8.00 P.M.

Myro Teatro presenta “Hogar bar Hogar” escrita por Marcelo Goyos y dirigida por Kelly Oshita, por una corta temporada, viernes 6 y sábado 7 de julio a las 8.00 P.M. en la Asociación Cultural Winaray.

Un maestro y abogada, jubilados del sector público, cansados de la rutina de su vida y de sentir que nunca han hecho nada bueno, que pueda servir como legado para este mundo, se reúnen dentro de un bar para planear un acto revolucionario  que cambie sus vidas, el plan consiste en hacer explotar  la institución recaudadora de tributos, donde se encuentran la mayor cantidad de deudas en el país y extraer todo el dinero del banco central, en una avioneta, para luego lanzarlo sistemáticamente a la población, con el fin de tenerlos de su lado y los cataloguen como héroes; la excusa para salir impunes después de esta hazaña, será tratar de demostrar demencia senil.

Cuando la MUERTE está cerca…

Estar cerca de la muerte les hace reflexionar a estos jubilados sobre la inutilidad de sus vidas, sienten que viven en un mundo < b >mediocre< /b >, lleno de personas las cuales no hacen más que pensar en sí mismos, robando, mintiendo, tratando de sacar provecho del otro y sin ánimos de pasar a la Historia por lograr o al menos intentar forjar un cambio positivo en la sociedad.

Esto nos hace cuestionar, a los aún jóvenes, sí debemos esperar llegar a la senectud, para empezar a cuestionarnos sobre nuestras vidas o debemos empezar a plantearnos un plan que nos revolucione, claro está nunca tan exagerado como la de estos ex funcionarios revelándose de una manera radical contra el gobierno, para el cual sirvieron.

La obra de teatro “Hogar bar Hogar” de Marcelo Goyos, se estará presentando próximamente en Casa Winaray, ubicado en la Av. Tacna 685, dpto. 123, piso 12, Cercado de Lima,  los días 6 y 7 de julio de los corrientes, únicas funciones, entradas a la venta en la misma boletería del teatro o vía Facebook en el siguiente enlace:  https://www.facebook.com/acwinaray/

La obra cuenta con un gran elenco formado por Amyla Pelayza, Nubert Vilchez, Robert García, Rosa Elvira, Poul Salas.

Estreno: RECONSTRUCCIÓN_NOMBRE FEMENINO


Creación colectiva dirigida por Paloma Carpio Valdeavellano y Coralí Ormeño Michelena

ESTRENO: VIERNES 15 DE JUNIO A LAS 8:30 PM –CENTRO CULTURAL CINE OLAYA
TEMPORADA: del 15 de junio al 8 de julio, viernes y sábados 8:30 pm/ domingo 7:30 pm
DIRECCIÓN: Paloma Carpio Valdeavellano y Coralí Ormeño Michelena
ACTÚA: Jimena Ballén, Natalia Consiglieri, Lucía Mantilla, Tania Pezo y Laura Santa Cruz
LUGAR: Centro Cultural Cine Olaya
DIRECCIÓN: Av José Olaya 629, Chorrillos
*15, 16 y 17 de junio: taquilla inversa (aporte voluntario al final de la función)
Desde el 22 de junio
Entrada General: S/.35.00 nuevos soles
Estudiantes y jubilados: S/.20.00 nuevos soles
Entradas a la venta en Joinnus y en la boletería del teatro

El grupo de teatro Tránsito-Vías de Comunicación Escénica presentará por una corta temporada la obra RECONSTRUCCIÓN_Nombre Femenino, creación colectiva de mujeres que propone una mirada crítica a la coyuntura política y social que nuestro país atraviesa. El montaje se estrenará el día viernes 15 de junio en el Centro Cultural Cine Olaya de Chorrillos.

La obra, que está dirigida por Paloma Carpio Valdeavellano y Coralí Ormeño Michelena, toma como detonador el fenómeno de El niño costero”, el cual azotó nuestro país a inicios del año 2017 y es la expresión de cómo el Perú se desborda por no atender a los problemas estructurales que afectan la vida cotidiana de millones de peruanos y, sobre todo, de peruanas.

La “reconstrucción con cambios” que el gobierno peruano propone se centra en “rehabilitar y reconstruir la infraestructura física dañada y destruida a nivel nacional”. Pero, ¿Son exclusivamente materiales los cambios que nuestro país necesita? ¿Qué deberíamos reconstruir? ¿Qué debemos cambiar o crear para lograr ser una sociedad más justa, ética y sensible?

Entrada General: S/.35.00 nuevos soles
Estudiantes y jubilados: S/.20.00 nuevos soles
Entradas a la venta en Joinnus y en la boletería del teatro
Reservas para grupos al correo: admin@transito.com.pe

Kitty Bejarano Huertas / 9517-10071 (RPC)/ (#) 99893-4590 (RPM)
Prensa y difusión de la obra

Crítica: DETECTIVES DE LA SALUD


Un montaje para la salud

“La salud es lo más importante” es el mensaje final de la nueva propuesta escénica de la Asociación Cultural Par Diez Artes Escénicas, colectivo especializado en el teatro comunitario y para un público familiar. “Los detectives de la salud” lleva por título la obra, una creación original con dirección de Ángel Angulo Leguía, principal dramaturgo del grupo y egresado de la Escuela Superior de Arte Dramático, ENSAD. El elenco se compone por los actores Isabella Mamani, Cesar Maldonado, Leydi Balcázar, Miriam Maldonado, Mayte Salvador y Florentino Fox. Es importante destacar el esfuerzo de esta asociación (integrada por un grupo de jóvenes de uno de los distritos más poblados al este de la ciudad y del Perú, San Juan de Lurigancho), en presentar una obra de calidad como la presente. Par Diez declara que tiene como misión el que se genere procesos y servicios artísticos, culturales y pedagógicos de calidad e innovadores, principalmente dentro del ámbito de la comunidad.

Son la cuatro de la tarde y con puntualidad, se abren las puertas del recinto teatral elegido para la presentación, el teatro de la Asociación de Artistas Aficionados en el Centro Histórico. Una aglomeración de padres y niños forman una fila ordenada, y son las actrices y actores quienes reciben a este público con una gran sonrisa y globos para los más pequeños. La puesta en escena gira en torno a la captura de una par de inocentes y cándidas niñas por manos de una bruja del bosque, el personaje antagónico que representa todo lo contrario al goce de una buena salud: la suciedad y la enfermedad.

La historia está llena de diálogos entretenidos (y humor), dramatizaciones histriónicas y divertidas, y mucho baile entre las escenas. La escenografía es relativamente simple, pues consiste básicamente en una pared móvil cubierta por una gran tela negra que sirve como lugar donde se esconde la bruja; además, estos elementos permanecen en el espacio durante toda la función, sin aprovecharse debidamente. Por otro lado, es gracias a los diálogos que el público puede imaginarse, con un poco de esfuerzo, que la historia se contextualiza en un bosque, pues este elemento no es del todo explícito. El relato tiene a sus héroes (una pareja de médicos que rescata a las niñas) que además, en un acto de inmensa redención, rescatan a la bruja y a su ayudante de la suciedad.

Los vestuarios de los actores son un reflejo del esfuerzo de la agrupación por presentarse como un conjunto teatral serio: se cuida mucho que cada actor vista de manera correspondiente a su personaje. Un elemento interesante es la reacción del público ante la bruja, especialmente el infantil: por instantes no solamente goza de todo el espectáculo, sino que este personaje en particular llega a espantar literalmente a algunos niños, ya que suceden algunas escenas con la actriz interpretando un monólogo acompañada por música de terror y esto genera algo de miedo en algunos niños. Esta sensación genera desasosiego, pero luego resulta desconcertante luego, cuando la bruja retoma los diálogos de humor con otros personajes, y es entonces que el miedo de los niños se desvanece.

Par Diez es una agrupación con mucho futuro por delante y esta obra construida con mucho esfuerzo colectivo puede ser el inicio de una gran carrera. En el 2016, la asociación presentó, en el teatro de la AAA, la obra “Supper Popper”, adaptación de la obra del dramaturgo Cesar de María; cuentan con el respaldo institucional del Ministerio de Cultura, a través del Proyecto “Puntos de Cultura”, un esfuerzo del ministerio por apoyar iniciativas comunitarias y culturales de colectivos; es parte de la red “Grupos de Cultura Viva Comunitaria” de la Municipalidad de Lima, y, además, el año pasado participaron en el II Concurso Anual de Proyectos de Arte y Comunidad, organizada por la misma institución.

“Los detectives de la salud” tuvo una breve temporada el pasado mes de mayo y está dirigida para toda la familia; es una buena justificación para entretenerse, pasarla bien en familia, reflexionar y generar crítica sobre la realidad del sector salud en nuestros tiempos, resaltando la importancia de un sistema de calidad y digna para toda la sociedad.

Enrique Pacheco
12 de junio de 2018

domingo, 10 de junio de 2018

Crítica: EXHUMACIÓN


El teatro en su máxima expresión

En el marco de la tercera edición del Festival de Creación Escénica Contemporánea Sótano 2, se presenta Exhumación, una creación de AngelDemonio Colectivo Escénico, bajo la dirección de Miguel Rubio Zapata, que  tiene como escenario el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico.

La puesta alude a la dramatización de una danza guerrera (de los Shapish), mediante la cual dos actores realizan una especie de ritual, que conjuga la tradición del ande, la religiosidad y su lucha contra lo pagano. Cabe resaltar que esta creación es una suerte de mezcla entre la danza, la corporalidad, el juego escénico, la música y los elementos que se utilizan en escena; por esta razón, es una propuesta que dista mucho del teatro tradicional, llevando la teatralidad a su máxima expresión y así, transmitir el mensaje al espectador.

Considero muy interesante la presentación de nuevos trabajos escénicos, que involucren riesgo, pues al salir de la zona de comodidad –que te da el teatro tradicional- tanto el artista como el público experimentan distintas formas de sentir y asimilar el arte escénico.

En Exhumación, los actores hacen al público parte activa del montaje, lo que genera una expectativa importante. Al ser una propuesta que exige más trabajo corporal, los diálogos quedan relegados, la atención se fija en los movimientos, en los gestos, las miradas, los impulsos y manejo de la utilería; los actores, exploran sus personajes desde su propia masculinidad, ubicándolos en situaciones que generan inquietud para ellos mismos y para el espectador.

Una experiencia intensa y teatral de principio a fin; así, Exhumación sugiere desenterrar lo que se ha olvidado, utilizando el folclor, la tradición, los ritos y las costumbres que nos han acompañado a través del tiempo.

Maria Cristina Mory Cárdenas
11 de junio de 2018

Crítica: LA VISITA DE BOLÍVAR


Un guiño histórico

La visita de Bolívar es un drama histórico que se presentó en el Teatro Federico García Lorca del Centro Español. Gira alrededor del rol del libertador Bolívar en el Perú en los años posteriores a la independencia. El dramaturgo Herbert Morote, con la dirección de Ruth Escudero, nos presentan una historia que, basada en documentos históricos, crea una situación ficticia que transcurre enteramente en el departamento de Bernardo Monteagudo (Christian Esquivel), quien esperando la llegada de Manuelita Sáenz, recibe sorpresivamente la visita de Bolívar (Mario Velásquez).

La escenografía y los vestuarios fueron útiles para poder contextualizarnos dentro del tiempo donde este hecho hipotético-histórico se da. El espectador es testigo de una acalorada discusión entre ambos personajes, situación que se ve adornada con toques de humor provocados por el comportamiento del mayordomo de Monteagudo (Enrique Avilés). La aparición de dicho mayordomo, un ex esclavo afrodescendiente pícaro y alborotado, es el contrapunto humorístico de esta obra. La construcción de este personaje estuvo a la altura de las exigencias que una obra  de ese corte tiene, siendo “el gracioso” en una medida justa y necesaria. Hay que recalcar también que el trabajo de construcción de personaje fue igual de destacable en los tres actores de la puesta en escena, cada uno lleno de particularidades que los diferenciaban claramente: los tres creaban una armonía interesante de ver en escena.

Es interesante una propuesta como esta que, con base en hechos históricos comprobables, crea una ficción donde podemos volver a abrir una discusión sobre un momento de la historia del Perú. Esta obra crea la sensación de ver a los personajes, principalmente a Bolívar y Monteagudo, como si estuviesen en un debate donde el público es jurado. En esta  puesta en escena, lejos de darnos un punto de vista panfletariamente, podemos apreciar una serie de lluvia de razones e ideales que en ese momento estaban en juego con el objetivo de ver el porvenir del Perú luego de ser una colonia. El hecho de ser una ficción permite condensar toda esta información histórica en una conversación, algo que quizá en ese momento de la historia pudo no ocurrir – es algo que nunca sabremos.

Se viene el bicentenario del Perú y una obra como esta es un agente necesario para poder revivir discusiones en torno a nuestra identidad, nuestra historia y cómo es que hemos llegado a la situación actual de nuestro país. No hay una forma certera de saber qué decisiones fueron buenas o incorrectas en tiempos pasados. Sin embargo, sí lo es asumir y aceptar cada capítulo de nuestra historia como un legado que hay que transformar/revisar/perdonar.

Stefany Olivos
11 de junio de 2018