Crítica: 3 SON MULTITUD

Enredos con potencia

La transición de cualquier obra a un musical no puede ser un proceso sencillo. Despertar de primavera de Wedekind es probablemente el ejemplo más conocido. Pero hay algo en la energía de 3 son multitud que da la sensación de que esta historia siempre estuvo destinada a contarse en este formato, que le queda como anillo al dedo y nos da una trama bastante sencilla potenciada emocionalmente por el formato en el que se encuentra.

La obra, creada por Ivana Pedreschi y Viviana Pereyra y basada en una comedia de 2023 de Romina Viñas, llega a su breve reestreno con una estética pulida y llamativa. Desde el principio la obra ha tenido una paleta de colores muy marcada para cada personaje, y en esta obra este elemento se lleva a su punto más cuidado. El escenario sencillo (un típico comedor con las sillas y la mesa larga marcando el espacio de juego) sirve como lienzo para los colores, la música y los cuerpos, cada uno de estos últimos muy bien diferenciado.

Pedreschi, en el papel de Lorena, jala la atención desde el primer momento por su gran expresividad a nivel vocal y corporal. Alvaro Pajares como Felipe y Pereyra como Natalia apoyan este ritmo como contraparte y equilibrio, respectivamente. Nunca caen ni flaquean, en especial en los duetos con Pajares. En general, el ritmo entre escena y escena/canción y canción permite mantener la atención entre los momentos tensos y las carcajadas, sin que una le quite el peso a la otra. No hay ni sobrecarga de canciones ni ausencias prolongadas (salvo quizás al inicio del segundo acto). Las canciones se sienten diferentes en cuanto a su tono y propuesta, pero lo suficientemente en la misma línea como para seguir sintiéndose del mismo musical. 

Al principio, eso sí, fue complicada entender lo que cantaban. Lo atribuí inicialmente a un problema de dicción, pero más bien pareció un tema técnico: el CAFAE-SE no es que sea pequeño, pero tampoco es muy amplio, y esto sumado al volumen de los micros hizo las primeras canciones, bastante energéticas y cambiantes, a veces complicadas de escuchar. 

Por lo demás, la trama es correcta. Los agujeros de guion que pudiesen aparecer (como que dos mejores amigas millenials jamás se hayan mostrado una foto de sus ex) son explicados a tiempo y la premisa entrega las escenas, enredos y situaciones obligatorias para mantener atento al público. Quizás la crisis del final se soluciona con más facilidad de lo que uno pensaría al inicio, y aspectos como el desarrollo de Natalia o el budismo de Felipe no están aún explorados a fondo, pero así como con la escenografía, la sencillez de la trama planteada sirve para dar paso a que la química y dinamismo de los tres intérpretes se nutra y se expanda. 3 son multitud es un musical divertido y amigable, en un espacio cómodo y con un remate hecho a medida para dar una última risa de cierre a la experiencia.

José Miguel Herrera

7 de abril de 2025

Crítica: PADRE, ¿POR QUÉ ME HAS ABANDONADO?

La disyuntiva de Jesús

La obra que en esta ocasión nos trae Piere Lugo, quien no solo la escribió y dirigió sino que también interpretó al personaje de Jesús, se presenta como un esfuerzo por romper las convenciones del teatro tradicional, utilizando el movimiento corporal y la danza como medios primordiales de expresión. A lo largo de la función, se intenta crear una atmósfera abstracta y experimental, en la que la narrativa se despliega a través de gestos y posturas más que mediante el diálogo o, en todo caso, este último igual iba acompañado de gestos y movimientos bastante llamativos.

Se nos cuenta la travesía que emprende Jesús al encontrarse en una disyuntiva junto a dos apóstoles: Andrés, interpretado por Roberto Diaz; y Pedro, por Anthony De La Torre. Abandonado por la voz de su padre, Jesús se debate en cuál debería ser su siguiente decisión: si huir o atacar a los que lo persiguen, tanto a él como a sus creyentes. Esta disyuntiva se expresa en los primeros momentos de la obra y ayuda a enfatizar el debate interno que enfrenta el protagonista por su condición humana y ante el abandono de su padre. Ciertamente se aplaude el intento de querer traer de nuevo estos temas religiosos sobre el escenario para reencontrar al público con este lado que no es muy común en el repertorio nacional actual, y quizás pretender reflexionar sobre ello o intentar despertar en el público un sentimiento de empatía por Jesús.

Un aspecto que se destaca de manera positiva es el uso del espacio y la iluminación. La escenografía, aunque minimalista, se aprovecha con habilidad para transmitir diversas sensaciones. Las luces juegan un papel esencial en la creación de ambientes cambiantes; en momentos de tensión, la luz tenue y las sombras alargadas parecían envolver a los personajes, acentuando su aislamiento emocional. En contraste, en escenas de calma, la luz suave resaltaba la vulnerabilidad de los mismos. Esta alternancia en los efectos de luz contribuyó a la atmósfera.

Sin embargo, uno de los puntos débiles de la obra es su narrativa, que carece un poco de claridad. A pesar de los intentos por ofrecer una experiencia sensorial más que intelectual, el hilo argumental se pierde. Ciertas partes de los diálogos y las transiciones abruptas dificultan el entendimiento de la obra. 

En conclusión, aparte del buen uso del espacio y la iluminación, la obra presenta una propuesta innovadora al intentar fusionar danza y teatro experimental, pero que aún le quedan ciertos aspectos por pulir y seguir mejorando para que pueda tener una mayor llegada al público.

Barbara Rios

7 de abril de 2025

Crítica: UN TRANVÍA LLAMADO DESEO

Un tranvía en la línea 1 del metro

Compré mi "pasaje" para ver Un tranvía llamado Deseo y me aventuré a gozar de un viaje maravilloso por este clásico del teatro norteamericano. El cartel de actrices y actores de reconocido talento eran la mayor garantía.

La primera sorpresa fue el ingreso de Ebelin Ortiz cantando un vals criollo que cuenta una tragedia de amor por las diferencias sociales, escrito por Felipe Pinglo, dos décadas antes que Tennessee William escribiera su famoso "Tranvía". Ese intento de "peruanizar" la obra, que parecía ubicarla en Barrios Altos y no en Nueva Orleans, queda allí, flotando como una referencia inconclusa. Luego, Blanche no viene de Misisipi sino de Arequipa, con lo cual queda clara la lejanía, pero no esa marca de aristocracia y racismo de los terratenientes del Sur de Estados Unidos en la primera mitad del siglo pasado, que el autor conoce bien y que resalta al escoger el origen y ubicación de sus personajes. 

Ante un escenario colorido pero algo confuso se desarrolla la historia, que no alcanza la intensidad que se espera por debilidad en la dirección. La obra se sostiene por la magnífica actuación de Katerina D'onofrio, en el papel de Blanche DuBois, la aristócrata sureña en ruinas, bien secundada por Marcello Rivera, en el papel del rudo Stanley, esposo de Stella; esta última bien interpretada por Luciana Blomberg, pero que resulta demasiado relegada luego de demostrarnos su sumisión al marido. Evidentemente, su papel es secundario frente a la pareja protagónica, pero queda tan empequeñecida que casi desaparece.

Por otro lado, el segundo plano constituído por  las vecinas y amigos queda desequilibrado por la presencia dominante de Ortíz, siendo que el texto le da más presencia a la otra vecina, la casi imperceptible Yamile Caparó, cuyo talento se desperdicia. Entre los amigos, debía destacar Mitch (Junior Silva) por la relación que entabla con Blanche, pero se pierde en dimensión y silencios inexplicables en su texto y solo se nota su presencia cuando rompe con Blanche y sale decepcionado.

Buscando solución a estos vacíos, nos perdemos el acompañamiento musical, discreto pero acertado, salvo por el vals del inicio.

La verdad, quién no quisiera dirigir alguna vez una obra tan importante para la historia del teatro como Un tranvía llamado Deseo, con tan buenas actrices y actores y en un excelente teatro, como el de la U de Lima. Pero esta vez, la obra le quedó algo grande a Neyra como director y, no es que sea mala, pero no llena las expectativas con las que asistí.

David Cárdenas (Pepedavid)

7 de abril de 2025

Crónica: II FESMICA “JOHNNY OSCAR MENDOZA TORRES”

Festival de Microteatro de Ica

El pasado fin de semana, Oficio Crítico estuvo presente en el II FESMICA (Festival de Microteatro de Ica), organizado por Chaplin Grupo Cultural, con el objetivo de promover el teatro en la ciudad de Ica, ofreciendo una plataforma para los artistas locales. Además, el evento rindió homenaje al legado del maestro Johnny Oscar Mendoza Torres, quien dedicó su vida a la cultura y al teatro.  

El Auditorio del Colegio de Ingenieros fue el escenario que albergó las distintas propuestas escénicas, en el marco de la celebración del Día Mundial del Teatro, que se conmemora el 27 de marzo. Entre las presentaciones estuvieron el elenco infantil del taller de teatro de la academia municipal “Muniaprendo” verano 2025, a cargo del Lic. Harold López, con la obra La bella y la bestia; el elenco infantil del Chaplin Grupo Teatral, dirigido también por López, con la obra Pinocho, la misma que conmovió a más de un espectador, logrando destacadas actuaciones Alondra Hernandez, Ángel López, Erian Gonzales y Keira Zambrano. Por otro lado, la competencia de obras en formato breve estuvo compuesta por monólogos y creaciones colectivas: Todo lo que amo, interpretado por Daniela Lengua; Los Sordos, a cargo de la agrupación de Teatro Universitario Iqueño; ¿Cómo salvamos el show?, a cargo de El Show W.A.H.; +CULINO, de TeatroWood Producciones; El Vecino, monólogo interpretado por Carlos Espino; La Violación, monólogo interpretado por Angie Reyes, y Humanidad, a cargo de la Asociación Cultural Inti Aku. 

Sin duda, todas las puestas en escena mostraron el trabajo y dedicación de los jóvenes artistas y directores, cumpliéndose el objetivo de difundir el talento local. Para cerrar el Festival, se presentaron algunas escenas de Grease, el Musical, a cargo del elenco mayor de Chaplin Grupo Cultural, dirigido por el Lic. Yerson Lujan. Dicha obra está próxima a estrenarse el 26 de abril en Ica. 

Cabe destacar que Chaplin Grupo Cultural viene trabajando tenazmente en el rubro artístico desde octubre del 2019, contribuyendo a la formación del talento artístico de niños, jóvenes y adultos iqueños, bajo la dirección de Harold López, a quien agradecemos por su gentil invitación.

Maria Cristina Mory Cárdenas

6 de abril de 2025

Crítica: ESTOS PANTALONES NO SON MIS PANTALONES

Un viaje emocional entre el humor y la vulnerabilidad

El viernes 29 de marzo se presentó Estos pantalones no son mis pantalones, un unipersonal clown dirigido por Sue Morrison e interpretado por Tomás Carreño. Desde el primer instante, la obra establece una conexión directa con el público: la velada inicia con una irrupción desde la platea, marcando desde el principio la naturaleza interactiva que predominará a lo largo de la función.

Con un tono humorístico, Carreño se presenta ante cada espectador como un músico, dándoles la bienvenida a su concierto. Sin embargo, pronto descubrimos que algo no está del todo bien: el músico está usando pantalones que no le pertenecen. Esta premisa, aparentemente simple, se convierte en el punto de partida de una aventura emocional que explora el autosabotaje, la duda y la soledad.

A través de un juego escénico que combina el humor con situaciones absurdas y poéticas, Carreño despliega una destreza corporal y expresiva que impresiona gratamente. Su capacidad para transitar de la risa al silencio, de la torpeza cómica a la vulnerabilidad más profunda, genera una respuesta inmediata y visceral en el público. La audiencia, más que espectadora, se convierte en cómplice de este viaje emocional, compartiendo la conmoción, la risa y el asombro ante cada giro de la historia.

La obra es un testimonio del poder del clown como lenguaje escénico, recordándonos que el humor y la ternura pueden ser herramientas poderosas para exponer las contradicciones humanas. Estos pantalones no son mis pantalones es una experiencia teatral conmovedora y profundamente gratificante, que deja en el espectador la sensación de haber sido parte de algo único e irrepetible.

Daniela Ortega

4 de abril de 2025

Crítica: SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO

Ximena Arroyo y su visión shakespeariana

Una de las principales temáticas que William Shakespeare explora a través de Sueño de una noche de verano es el amor a través de la inocencia y el juego. Este enredo y lío romántico llega a la Asociación de Artistas Aficionados mediante la dirección de Ximena Arroyo. La adaptación del texto fue realizada por Marco Paulo Meléndez. El elenco está conformado por Christian Aldea, Milagros Campos, Miguel Oliva, Yesenia Medina, Judith Suárez y Angélica Torres García.

En primera instancia, el propio texto invita a los actores a que, particularmente, conlleven una sobreactuación. Por un momento lo sentí innecesario; pero conforme avanzaba la obra, creo que fue un punto a favor, tanto para darle forma a los diálogos como a las ocurrencias románticas que Shakespeare nos presenta.

Además, considero que es acertado que Arroyo nos presente una dirección muy viva y, sobre todo, energética. En las tablas se puede observar a los personajes con una aproximación que está muy ligada a la comedia y la tragedia, tanto así que los propios actores lo interiorizan mediante su fuerza y presencia escénica. Es así que, al ver la pieza, sentía que era teatro para niños, pero después le encontré el ritmo, y es que la historia está siendo contada y sostenida por actores que aman actuar, sobre todo por una directora que conoce lo lúdico que es Shakespeare.

Por otro lado, me parece muy retador el alineamiento estético que la obra ha tenido como tal. Es decir, no solamente un actor nos muestra un código interpretativo que es totalmente exacerbado, sino que todo el elenco se acompaña de una manera limpia y fresca durante toda la obra. Un elenco que sostiene el texto de una forma muy imaginaria, fantasiosa y juguetona. Un montaje fácil de comprender y digerir. Una dirección muy lúdica.

Juan Pablo Rueda

2 de abril de 2025