“Espero que el teatro peruano siga reflexionando sobre el Perú.”
“Comencé en el 72, tengo 43 años haciendo teatro”, nos comenta el
actor, dramaturgo y director arequipeño Alfonso Santistevan, ganador del premio
del público al mejor actor de reparto por El Camino a La Meca, según la
encuesta propuesta por El Oficio Crítico. “Empecé en el TUC en Camaná, pues me
empezó a intrigar el teatro, pero no quería ser actor. Entré allí, porque fue lo
único que encontré. No podía meterme a la ENSAD, porque eso implicaba un
compromiso más serio, y en aquella época no era bien visto por los padres”,
recuerda. Fueron dos años de aprendizaje en el TUC y Alfonso decidió trabajar
con varios directores, pues consideró que era la mejor manera de aprender. “Tuve
la suerte de estar al lado de Ricardo Roca Rey y Reynaldo D’Amore, asistiéndoles
en las obras. También colaboré con otros directores como Marco Leclere y algunos que recién comenzaban como Jorge Guerra y Edgar Saba, entre otros. Aprendí de todo, ya que me interesaba dirigir.”
En medio de ese aprendizaje es que Alfonso conoce a Alonso Alegría, fundador
y director del Teatro Nacional Popular. “Fue un proyecto muy interesante,
trabajé cuatro o cinco años como director asistente. Hicimos una versión muy
buena de Edipo Rey y también, Los Conquistadores de Hernando Cortés. Fueron varias
obras que en su momento fueron importantes.” Justamente en ese lapso, Alonso
dirige su primera obra en el Teatro Nacional Popular. “Dirigí Esperando a
Godot, ¡vaya atrevimiento! Los actores del TNP eran muy buenos, como Felipe Ormeño, Walter Zambrano y
Oswaldo Fernández.” Una vez terminado ese ciclo, Alfonso ingresa a Cuatrotables,
trabajando otros cuatro años con Mario Delgado. “Hice producción para dos giras
y espectáculos nacionales, también comencé a trabajar como asesor dramatúrgico a partir de La
agonía y la fiesta, un montaje icónico de Cuatrotablas. Además, ahí conocí a
Maritza Gutti, que fue mi esposa.” Después funda el Teatro de Cámara, al lado
de los actores del Teatro Nacional Popular y otras reconocidas figuras como
Haydeé Cáceres y Carlota Ureta Zamorano. “Empezamos a hacer obras clásicas con un enfoque moderno: Medea,
Yerma, La vida es sueño, siempre dirigiendo. Pero lamentablemente nos fue
demasiado bien y el grupo se disolvió, ya que todos éramos muy requeridos y no
podíamos reunirnos para hacer una obra al año juntos.”
Sus montajes y el descubrimiento de la actuación
Alfonso Santistevan dirigió entre 1979 y 1994, cerca de treinta
montajes, entre trabajos profesionales y de escuela. “Dirigía por encargo y
además me dedicaba a enseñar. Es entonces que decido por necesidad, escribir. En
1986 estreno mi primera obra como autor: El caballo del Libertador. Le
siguieron Pequeños héroes, Esperando la
ocasión, Vladimir, Naturaleza viva y Querido Antonio.”
Luego hizo un alto en su actividad teatral para dedicarse a la publicidad. “Y
regreso al teatro de una manera más contundente en el 2002, cuando Chela De
Ferrari me llama para actuar en un pequeño personaje en El Avaro en el Centro Cultural
de la Católica. Recién ahí empiezo a actuar formalmente, cosa que nunca había
buscado. De todo este tiempo, en 35 años hice 3 papeles, y en los últimos 10
años he hecho como 30.” En los últimos años, Alfonso ha dirigido La China
Tudela (2008) y La puerta del cielo (2010), esta última también como
dramaturgo, así como co-autorías con Marisol Palacios y versiones de obras para
Gisela Cárdenas y July Natters. “Para mí fue un descubrimiento el actuar, ya que sentía
que no era lo mío. Y creo que es curioso, pues recién ahora descubro lo que es
la actuación. Mi camino fue al revés.”
“Considero que un buen actor de teatro debe tener sensibilidad, tiene
que ser sensible a lo que pasa alrededor, con tu país, con uno mismo; sin
sensibilidad no hay materia para trabajar la actuación”, asegura Alfonso, que
también le otorga mucha importancia a los recursos técnicos del actor. “Tiene
que preparar su cuerpo, su voz, para dar lo mejor de sí. Muchos creen que
actuar es hacerlo bien y ya está. Eso no está bien. El actor que no tiene una
preparación técnica va a tener una carrera corta y hará siempre la mismo; al
prepararse tendrá más oportunidades. No solo se trabaja de inspiración, uno se
ha preparado para esto.” Afirma también que una cualidad indispensable para el
actor es ser humilde. “Es fundamental, tiene que entender que el actor desparece,
quien está en el escenario es el personaje. Si uno logra eso, entonces ha conseguido
algo maravilloso, eso es lo que yo aspiro.”
Por otro lado, para Alfonso un buen director teatral también debe tener
sensibilidad. “Creo que el teatro es arte; si no somos sensibles, no hay arte.”
Asegura también que el director debe tener mucha habilidad para hacer que las
cosas se produzcan, no para imponerlas. “Si el director es capaz que el actor
descubra el personaje, entonces es fantástico. Un director no debe dirigir,
debe acompañar al actor. No me gusta la palabra dirección, porque en realidad,
parece que hay una jerarquía y de ninguna manera es el jefe.” Considera también
que un director debe tomar parte en la polémica filosófica y estética que viene
desde hace 4000 años. “Un director no debe trabajar por la simple frivolidad, o
porque me sale bonito y quiero el éxito. Un director es un artista y tiene que
estar presente en esa polémica. Muchas veces los jóvenes creen que es una
cuestión de moda, que está de moda lo postmoderno. Pero no entienden que lo
postmoderno es también parte de esta polémica muy antigua. Yo sí creo que un
director es un artista y tiene que ser además, un filósofo.”
“Es curioso: yo he dirigido tanto, y a la vez, tengo el mayor de los respetos
con los directores con los que he
trabajado”, menciona Alfonso. “Cada uno tiene su estilo diferente, su manera de
llegar al actor. Yo respeto todo y he tenido suerte, ya que no me han tocado
directores autoritarios, que no escuchan o que tengan la idea del actor títere.
Mis directores han sido sensibles e inteligentes.” Uno de ellos ha sido Mikhail
Page, director de El Camino a La Meca; Vladimir, de autoría del mismo Alfonso;
y la muy interesante Heminghway. “Lo conozco desde hace varios años, cuando trabajábamos
en Antígona (2006); yo actuaba y él era asistente de Roberto Ángeles. Mikhail es
una persona que no ha buscado tener suerte, él ha buscado formarse y eso es
algo muy importante.” Para Alfonso, existe una generación de directores muy
interesante, como Carlos Galiano, Vanessa Vizcarra o Ernesto Barraza. “Creo que
están conformando una generación interesante de recambio, y de ahí vienen los
más jóvenes, que se vienen formando en festivales como Saliendo de la caja”,
asegura.
La cautiva y futuros proyectos
“Para comenzar, todo ese asunto es bastante estúpido”, exclama Alfonso
sobre la acusación de apología al terrorismo que pendía sobre la puesta en
escena de La cautiva. “Estamos hablando de cosas de niveles muy diferentes. La
cautiva es una obra profundamente artística y verdadera, es un espectáculo que
está más allá de todo cuestionamiento. Cualquiera, no estoy hablando de alguien
preparado, pero cualquiera que la ve, se da cuenta que esa obra no es
apología al terrorismo, como tampoco lo
es para el accionar del ejército. Porque ésa no es la misión del arte y del
teatro.” Alfonso no podría asegurar si existirán futuras repercusiones
negativas en la dramaturgia nacional, pero sí le parece que el tema de la
guerra interna no se ha acabado de discutir y de digerir. “Obviamente es un
tema que polariza y seguirá polarizando. Lo peligroso del asunto es que esta
estupidez logre intimidar a la gente para que no se hable del tema.” Alfonso ya
había hablado de este tema, antes que se produzca la guerra interna. “En 1986,
El Caballo del Libertador y Pequeños héroes fueron dos obras que tratan
directamente el tema. En aquella época, aunque parezca mentira, no parecía
peligroso hacerlo, a pesar de que recibíamos ciertas críticas de Sendero o había gente de Seguridad
del Estado, que venía con sus cuadernitos y apuntaba frases de las obras.” Sin
embargo, Alfonso piensa que hoy en día es mucho más peligroso. “Porque estamos
hablando de algo que ya pasó, que ya es historia y que tenemos que digerir. No
podemos decir esto es apología o no. El tema va mucho más allá. Espero que no
intimide a los que quieran escribir sobre esto y espero también, que el teatro
peruano siga reflexionando sobre el Perú. Es algo fundamental.”
Sergio Velarde
17 de febrero de 2015
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