Crítica: UN CUENTO DE NAVIDAD

Un clásico original

Los montajes de Santiago Giraldo me parecen que son rescatables, principalmente, porque enfatizan un aspecto que muchas veces se olvida del teatro: el esfuerzo del actor. Durante estas semanas estuve leyendo un poco del trabajo del famoso investigador teatral Jerzy Grotowski. Este polaco, muy controversial en su tiempo, indicaba que en el teatro se puede prescindir de todo, menos del trabajo del actor.

En ese sentido, el proyecto Un cuento de Navidad siempre será un gran reto y en esta versión, hecha por los chicos del Club de Teatro, fue muy gratificante desde el punto de vista estético. Al principio de montaje, se sentía un poco de vacío por la ambientación muy minimalista y sencilla, pero el esfuerzo de los actores lo compensó. La historia es más que conocida, pero se puede mencionar algunos aspectos por mejorar, como los micrófonos de los actores que a veces no funcionaba bien y la voz se difuminaba en algunas conversaciones importantes. Si el argumento de la obra no fuese más que conocido, habría sido difícil entender algunos de los diálogos. Otro aspecto fue la luz, cuya intensidad se difuminaba mucho y además no se centraba en los actores y por momentos frente a algunos pasos se resaltaba las sombras. Estos son detalles perfectamente mejorables.

Por otro lado, y como mencionaba al inicio de esta crítica, el montaje tuvo muchos puntos a favor. En primer lugar, la actuación de Gerardo Cárdenas como el protagonista Ebenezer Scrooge fue sencillamente original. Los cambios de humor del personaje fueron únicos. La transformación de la ira a la compasión fue muy creíble y destacable. El resto de actuaciones fueron interesantes y se notaba una cierta naturalidad en la expresión, pero destacó más la de Cárdenas. Otro aspecto muy positivo fue apelar al arte del títere; por esta razón, se me vino a la memoria las palabras de Jerzy Grotowski sobre la importancia del actor más que de aspectos técnicos. Apelar a los títeres durante las escenas donde implicaba otras escenografías, no solo fue una forma de economizar los recursos para la presentación, sino una manera de demostrar que los actores también tienen una técnica vocal que les permite apelar a esta herramienta. Sinceramente quedé muy sorprendido con los títeres. Finalmente, el baile durante las escenas y algunas canciones cantadas a capella fueron muy inteligentes y originales.

Un cuento de Navidad es un clásico de clásicos en los meses de diciembre, pero siempre habrá aspectos importantes por resaltar. El trabajo del equipo bajo la dirección de Giraldo destacó por lo original, definitivamente.

Enrique Pacheco

31 de diciembre de 2021

Crítica: EPISODIOS POSIBLES

Arte confinado

“Me senté en el baño y comencé a llorar. Me había encontrado con el enemigo suficientes veces para conocerlo de vista. […] Tuve tres minutos para luchar con la química de mi cerebro hasta que se sometiera. Oh, claro, sabía que había otra opción. Podría decirle a Jeff lo que estaba pasando. Pero este era un hombre al que ni siquiera le gustaban los melocotones magullados. ¿Qué pensaría de una psique dañada?”

Terri Cheney, de la columna Modern Love del The New York Times.

Quienes tenemos alguna relación con la neurodiversidad y, en general, con la diversidad de capacidades, sabemos lo importante que resulta la labor de asociaciones como CAPAZ PERÚ. A través del arte, promueven la valoración de la diversidad de capacidades en el sector cultural, educativo y organizacional, y con ello, una actitud inclusiva en nuestra sociedad, tan en pañales en lo que a inclusión se refiere. Como parte de esta encomiable labor, CAPAZ PERÚ llevó al escenario virtual, y por una breve temporada de tres fechas en abril del 2021, la obra Episodios Posibles, una creación colectiva que contó con Déborah G. Seminario y Claudia Rentería en la dirección, Cecilia Cruz en la producción ejecutiva, y Nata Niño de Guzmán, Gabriela Salas Oporto y Kiyo Gálvez en la actuación. Esta creación colectiva versa sobre la salud mental (otro gran tema del que se habla muy poco en nuestra sociedad) en tiempos de pandemia y confinamiento. Las tres actrices interpretan hasta dos personajes cada una, y cada personaje muestra aspectos muy diversos sobre los efectos del encierro en su salud mental.

El formato episódico a través de monólogos intercalados en dos videollamadas, una llamada telefónica y una suerte de reality show, es efectivo al desarrollar las singularidades de cada personaje. Apelando a un interesante humor negro, van exhibiendo de a pocos la desesperación, la frustración, el dolor y hasta la vergüenza que las abruma. El espectador descubre la psique de cada personaje, como quien va encendiendo las luces de una casa que está a oscuras. El trabajo de un año invertido por el cuerpo artístico ha rendido sus frutos en este aspecto del montaje. En ese sentido, la dirección parece haber sido clave para conseguir este resultado. Llaman la atención los efectos visuales en la componente del reality, que deforman a los personajes en la pantalla. Es una deformación visual, pero también metafórica.

Las actrices juegan con algunos estereotipos que pueden resultar hasta estridentes por momentos, pero que contribuyen con el arco que describen sus personajes hacia la realidad de su situación mental y emocional. Es cómodo para el espectador identificar estereotipos, pero cuán difícil es enfrentar con honestidad el reflejo crudo que estos personajes exhiben sin ambages hacia el final. En este sentido, el trabajo actoral es muy eficiente, destacando el de Gabriela Salas Oporto.

Episodios posibles es un importante esfuerzo que agradecemos haber tenido en la escena local y virtual, y que debería ser imitado por el bien de nuestra sociedad. Cuánto más bienestar habría entre nosotros si estuviéramos prestos a hablar de lo que nos duele porque nos sabremos escuchados y comprendidos. El teatro, y el arte en general, nos ayudan a hablar, escuchar y a comprender. Nos ayudan a sanar.

David Huamán

31 de diciembre de 2021

Crítica: LA SESIÓN DE IARA

La realidad de temer

“Deja mi soledad intacta.

Abandona el busto del dintel de mi puerta.

Aparta tu pico de mi corazón

y tu figura del dintel de mi puerta.

Y el Cuervo dijo: ‘Nunca más’.”

El Cuervo, Edgar Allan Poe

Animados por la recientemente explorada virtualidad, la asociación Proyéktate Grupo de Teatro se embarcó en el ambicioso proyecto de montar una obra en clave de terror. Es así que, por una breve temporada de dos fechas en marzo del 2021, llevaron a la escena virtual La sesión de Iara, una obra corta escrita por el argentino Joaquín Stringa, dirigida por José Mandujano, e interpretada por Lorena Reynoso, Israel Coello e Ysabel Saldarriaga. El argumento gira en torno a una sesión espiritista que, con la ayuda de una médium (Saldarriaga), conducen Iara (Reynoso) y Romeo (Coello) para comunicarse con su pequeño hijo fallecido durante la peste. Es un relato sobre la persistencia de la memoria, el duelo no concluido y la negación ante la irreversibilidad de la muerte.

El texto de Stringa genera interés en tanto logra conjugar en su historia elementos tan básicos en la psique humana como la percepción de la muerte, el esoterismo y lo oculto, con la necesidad posmoderna de estar permanentemente interconectado a través de la tecnología. Así, es una obra ad hoc para el formato elegido, ya que incorpora la virtualidad en el desarrollo de la trama. Por su parte, la dirección ha prestado especial interés en privilegiar el aspecto técnico del montaje. Se han empleado cuatro cámaras que nos muestran la dimensión sobrenatural de la historia y se ha trabajado en la inclusión de efectos especiales, la mayoría bastante bien logrados. Si bien Mandujano explica que este montaje “va mucho más allá de generar una atmósfera de miedo”, consideramos que una de sus principales virtudes es, precisamente, la búsqueda de esta atmósfera a través de la tecnología. Sin embargo, hay un elemento que, de haber sido incluido por la dirección de la obra, desentonan del conjunto. Nos referimos a una porción de los supuestos asistentes a la sesión virtual que, de cuando en cuando, mandaban mensajes vía chat de Facebook del estilo “Ay, qué miedo me da todo esto”. No sabemos con certeza si estos mensajes eran enviados por algunos muy entusiastas (y sugestionados) asistentes a la obra, o si todo era parte de la atmósfera que la dirección buscaba generar. De ser lo segundo, no se logró el efecto esperado. Por el contrario, iba en desmedro del mismo. Como poner risas grabadas en una comedia.

Quizás el aspecto más dispar de este montaje sea el actoral. Percibimos un estado de atolondramiento en general por parte de las actrices y, sobre todo, del actor. Daba la impresión de que los nervios actorales se mezclaban con el miedo que experimentaban los tres personajes. Saldarriaga podría haber compuesto a una médium más dueña de sí al comienzo y que transitara hacia el descontrol al sentirse avasallada por la acción del espíritu que conjura. Lamentablemente, el nerviosismo a flor de piel jugó en contra de su trabajo: el encendido compulsivo y excesivamente reiterado de cigarrillos distraían al espectador de lo que debía ser su acción real. Reynoso tiene una carga importante a lo largo de la obra por el nivel de involucramiento de su personaje con toda la experiencia paranormal. Si bien existe un importante compromiso en el trabajo de la actriz al “comprarse el lío” de Iara, también se percibe por momentos una tendencia a la exageración que podría estarse confundiendo con la intensidad de las circunstancias y que, ciertamente, mengua la realidad de su personaje. En el caso de Coello, se observa que recae en la reacción exagerada desde el comienzo. Es como si su personaje no se sorprendiera del cúmulo de manifestaciones que empiezan a ocurrir a su alrededor (o como si las esperara) y, más bien, se afanara en “fingir” reacciones frente a Iara para no levantar sospechas.

En general, La sesión de Iara es un montaje valioso en sí mismo por el importante riesgo que ha asumido y que podría crecer mucho más si lo que se busca es no solo generar una atmósfera, sino explorar las cavernas más hondas y oscuras de la naturaleza humana, tan aferrada a la vida como atraída hacia el vacío de la muerte. Como en El cuervo del Poe, nos debatimos perversamente en la dualidad de los extremos. Pero, en ocasiones, hallamos la mayor perversidad cuando nos descubrimos en medio de ambos.

David Huamán

31 de diciembre de 2021

Crítica: EN LA CIUDAD DE LA FURIA y ELLA: LA QUE HUBIERA AMADO

Ciudad robot

La jornada consistió en dos montajes relativamente breves en dos horarios: la productora Encerrados hace poco estrenó una triología de tres obras inspiradas en la música de la banda de rock noventera Soda Stereo. Al ver que en esta oportunidad uno de los montajes se llamaba precisamente En la Ciudad de la Furia, inmediatamente pensé que abordaría las complejidades de la vida urbana en una convulsa capital latinoamericana como Lima. El nombre fue muy atractivo y de verdad pensé ver un futuro distópico donde se aborde la crueldad y al mismo tiempo, la fragilidad de la presencia humana. Milagros López Arias interpreta a una chica que ayuda al personaje de Belén Lengua a escapar de una ciudad futurista, en donde la violencia a la mujer es la constante. El argumento y las actuaciones estuvieron correctas. Creo que el nombre del montaje se prestaba para una temática, que al igual que la canción de Gustavo Cerati, desarrollara complejidades más profundas. Pienso que para una presentación tan breve dejaba muchas preguntas por responder, como las siguientes: ¿cuál era el conflicto?, ¿quiénes las perseguían?, ¿por qué se hablan con tanta naturalidad si no se conocen mutuamente? Lo más destacable de En la Ciudad de la Furia fue la escenografía, pues todo transcurre en un solo espacio y se generaba una sensación de que algo más iba a suceder.

El segundo montaje fue sencillamente espectacular: Ella: la que hubiera amado, cuyo nombre para ser sincero me parecía rimbombante y no esperaba ver algo más que una típica y parca situación amorosa. Sin embargo, aquí lo más destacable es el argumento, creado por Josema Ruiz Vía, donde la originalidad es lo que marca. Andrea Alvarado interpreta a un androide, programada a semejanza de una antigua novia del personaje de José Miguel Argüelles, un científico excéntrico. Paola Boggio interpreta a la mejor amiga de este chico y el montaje consiste en la lucha constante que asume ella para hacerlo entrar en razón, sobre la locura de aferrarse a un amor imposible. Lo más impresionante fue la actuación de José Miguel Argüelles, principalmente por la transformación que atraviesa y los cambios de personalidad, que van desde la locura hasta la obsesión de una forma muy natural. Hubo escenas donde demuestra dolor y llanto por el amor inexpresivo del androide; esto fue sencillamente emocionante y empático. La obra deja un final abierto y termina con una toma en la calle, donde el actor se aleja lentamente con una música muy melancólica. Esto último demostró conocimientos del lenguaje cinematográfico.

En la Ciudad de la Furia fue correcta, pero la superó visualmente la más atractiva Ella: la que hubiera amado. En definitiva, la productora Encerrados viene presentando montajes cada vez más interesantes.

Enrique Pacheco

31 de diciembre de 2021

Crítica: YA NO TENGO PACIENCIA

La realidad del hacer

“—No se olvide de una cosa –advirtió el director–: Si encuentra el broche está salvada. Podrá seguir viniendo a clases. Pero si no lo encuentra, tendrá que dejar la escuela.

De inmediato su cara adquirió una intensa expresión. Pegó sus ojos a la cortina examinando cada pliegue de arriba abajo, afanosa, sistemáticamente. Esta vez su búsqueda fue mucho más lenta y cuidadosa, pero todos nosotros estábamos seguros de que no perdía un segundo de su tiempo y de que estaba verdaderamente excitada, no obstante que no hacía ningún esfuerzo para parecerlo.”

Un actor se prepara, Konstantín Stanislavski

La Asociación Cultural Kapchiy y Proyecto 88 sumaron esfuerzos para presentar Ya no tengo paciencia, un unipersonal escrito y dirigido por Henry Sotomayor e interpretado –desde la virtualidad y en vivo– por Astrid Villavicencio, durante una corta temporada de dos fechas en mayo del 2021. La obra gira en torno a las reflexiones de Gabriela, una actriz de 32 años, que sufre los efectos laborares producto de la pandemia y el confinamiento obligatorio: la falta de trabajo, la explotación y la discriminación.

El texto de Sotomayor, pensado originalmente para ser un montaje teatral (se entiende que presencial), nos habla de las inmensas dificultades laborales que debe sufrir un artista en nuestro medio. Más aún, en un contexto de crisis como el que hemos vivido en los dos últimos años. Quizás sea este el mayor mérito de la dramaturgia: retratar en clave de humor la problemática de la vida laboral de un artista en este país que, paradójicamente, se ufana ante el mundo de su riqueza cultural. Así, la dirección del mismo dramaturgo se esmera en dinamizar el testimonio de la actriz, sacándole el jugo a la comedia y a la singular ventaja que ofrece mover la única cámara a través del espacio. Este recurso cinematográfico regala al público una serie de cuadros que acompañan las diversas perspectivas del testimonio que se ofrece. Además, el uso mismo del espacio, que no es sino la propia habitación de la actriz, es sumamente funcional y dota a la obra de mucha realidad en el aspecto visual. 

El trabajo de Villavicencio ofrece gran intensidad física y compromiso con la visión del dramaturgo y director, lo cual siempre se agradece. Mención aparte merece el manejo de la cámara en el espacio, lo que de por sí demanda una gran concentración. Sin embargo, y como hemos notado de manera frecuente en otros montajes virtuales, el trabajo actoral per se resulta muy exagerado y, en ocasiones, poco creíble para el espectador. Podría decirse que esta propuesta sugiere que el personaje de Gabriela es todo lo “grande” y espontánea que cualquiera de nosotros puede ser en la soledad de su habitación, sin la mirada de un público real. Quizás la actriz (Villavicencio) y el director (Sotomayor) nos plantean que Gabriela es así de histriónica siempre, y más aún si evoca juegos de la niñez, o se sume en la frustración o en la desesperación en la intimidad de su espacio. Habría que ver qué hacemos nosotros mismos cuando estamos solos y encerrados. Y sin embargo, momentos como la escritura en la libreta (toma el lápiz, mira hacia arriba y a un costado como buscando una idea, sonríe y asiente porque ya encontró esa idea, vuelve la mirada al papel y escribe sonriendo) nos hacen sospechar que, por momentos, la actriz se esmera más en hacer como si estuviera realizando una acción, antes que hacer su acción verdaderamente. Es decir, con verdad.  En estos casos, hay que decirlo, es responsabilidad del director detectar esos momentos y encaminarlos en beneficio de la verdad que busca compartir con el público.

Stanislavski decía que, en escena, no se actuaba por actuar, sino que siempre debía existir un propósito. Obras como Ya no tengo paciencia dotan esta frase de un significado mayor cuando, a través de ella, miramos la dura vida de un artista escénico y nos preguntamos qué sentido, qué propósito puede tener tanto esfuerzo, tanto sacrificio y, en ocasiones, tanta ingratitud del mundo con el accionar de su oficio. Cada uno de nosotros responde a eso como buenamente puede. Y si la respuesta es, digamos, aceptable, nos levantamos tercamente un día más, uno a la vez, y la luchamos en este, nuestro oficio, el mejor de todo el mundo.

David Huamán

31 de diciembre de 2021

Evento: PREMIACIÓN OFICIO CRÍTICO EN LÍNEA 2021

LISTA DE GANADORES 

Se llevó a cabo la ceremonia de premiación virtual, celebrando el trabajo realizado por la comunidad teatral limeña en espectáculos presenciales y en línea.

GANADORES DE LA ENCUESTA

PROYECTOS VIRTUALES EN VIVO

COMEDIA-MUSICAL

Proyecto: EL HOSPEDADOR, EL MUSICAL de Lina Ninamango, canciones compuestas por Luis Álvaro Félix

Trabajo de dirección: Rodrigo Delgado por FENÓMENOS

Actriz: Ivana Pedreschi por VALIENTAS y Lizziee Quintana por VALIENTAS

Actor: Giancarlo Infante por LLEGÓ ERIS, PUTITOS

Actriz de reparto: Natalia Bonifaz por CAPÍTULO 1: CERRO OLIMPO

Actor de reparto: André Moyo por PADRE NUESTRO

DRAMA

Proyecto: GLITCH de Jeffry Rasmussen

Trabajo de dirección: Jeffry Rasmussen por GLITCH

Actriz: Liz Roggero por LOS HIJOS DE AFRODITA

Actor: Roberto Canela por KATRINA

Actriz de reparto: Úrsula Rodríguez por ENRAIZADAS

Actor de reparto: Julio Díaz por GLITCH

UNIPERSONAL

Proyecto: FEBRO, EL POETA de Marcelo Martínez Gómez

Trabajo de dirección: Bea Heredia por QUÍTALE PESO O EL PECADO DE NO ENCAJAR EN EL ESTRECHO MOLDE QUE LA SOCIEDAD HABÍA RESERVADO PARA MÍ

Actriz: Nicolle Minaya Rivera por IMAGINARIO

Actor: Osmar Rodriguez por EL TACÓN ROTO

 

MONTAJES PRESENCIALES

COMEDIA/MUSICAL

Proyecto: EN TRÁNSITO de Gino Luque

Trabajo de dirección: María Laura Vélez por EL MÁS HERMOSO Y EL MÁS TRISTE PAISAJE DEL MUNDO

Actriz: Daniela Ayaipoma por EN CANTO DE PAYASAS y Luciana Arispe por EN CANTO DE PAYASAS

Actor: Gianfranco Mejía por RELACIÓN TÓXICA

DRAMA

Proyecto: 2084, adaptación de Daniel Subauste

Trabajo de dirección: Jorge Villanueva por 2084

Actriz: Karina Jordán por 2084

Actor: Brando Gallesi por BICENTENARIO

LECTURAS DRAMATIZADAS

Proyecto: PANORAMA DESDE EL PUENTE de Arthur Miller, Los Intérpretes

Trabajo de dirección: Pablo Luna por ELLAS

Actriz: María Carolina De La Cuba por ROMEO Y JULIETA

Actor: Paul Zevallos por FUENTEOVEJUNA

 

PROYECTOS GRABADOS / AUDIO-FICCIÓN

COMEDIA/MUSICAL

Proyecto: CRÓNICAS DE LA MACA BROWN: LA HIJA DEL PRESIDENTE de Martín Martínez y Renato Medina-Vassallo

Dirección: Renato Medina-Vassallo y Martín Martínez por CRÓNICAS DE LA MACA BROWN: LA HIJA DEL PRESIDENTE

Actriz: Andrea Alvarado por LA HISTORIA DE TODO

Actor: Martín Martínez por CRÓNICAS DE LA MACA BROWN: LA HIJA DEL PRESIDENTE

Actriz de reparto: Abigail Salvador por DINOSAURIOS, LA EXTINCIÓN

Actor de reparto: Gonzalo Heredia por CRASH

DRAMA

Proyecto: ENTRE LÍNEAS – REFLEXIONES DESDE LA DISCAPACIDAD de Alejandra Baraybar

Trabajo de dirección: Martin Medina por EL RABDOMANTE

Actriz: Verónica Serrepe por EL RABDOMANTE

Actor: Alberto Vidarte por EL PERIODISTA

Actriz de reparto: Byanka Rodríguez por PROVOCAR IDENTIDAD. YUMMY

Actor de reparto: Giacomo Ossio por 4.48 PSICOSIS

 

GANADORES DE LA MENCIÓN DEL JURADO

PROYECTOS VIRTUALES EN VIVO

COMEDIA/MUSICAL

Proyecto: CAPÍTULO 1: CERRO OLIMPO, idea original de Paulo Mendoza, creación colectiva de Paris Pesantes

Trabajo de dirección: Micaela Valdés por EMMA, MILLENIAL y Paulo Mendoza por CAPÍTULO 1: CERRO OLIMPO

Actriz: Julia Thays por 2021: VIOLETA Y LOS REPTILIANOS y Vania Accinelli por EMMA, MILLENIAL

Actor: Aaron Banda por ¡PATRIA MÍA!

Actriz de reparto: Astrid Villavicencio por FENÓMENOS y Maylee Diaz por CAPÍTULO 1: CERRO OLIMPO

Actor de reparto: Jesús Oro por CAPÍTULO 1: CERRO OLIMPO

DRAMA

Proyecto: MILAGROS de Gina Guerrero Pflücker

Trabajo de dirección: Andrea Montenegro por LA SEPARACIÓN y Jorge Pecho por TITANOMAQUIA, EL FIN DE LOS DIOSES

Actriz: Fiorella Díaz por LA SEPARACIÓN

Actor: Claret Quea por NO VOY A SALIR y Luis Alberto Urrutia por LA SEPARACIÓN

Actriz: Isabel Falcón por EL EXPEDIENTE

Actor de reparto: Diego Urcia por EL CONSEJO y Roy Zevallos por EL EXPEDIENTE

UNIPERSONAL

Proyecto: OFELIA NO ESTABA LOCA de Carla Valdivia

Trabajo de dirección: Carla Valdivia por OFELIA NO ESTABA LOCA y Tirso Causillas por JUZGADO DE FAMILIA NÚMERO SEIS

Actriz: Nani Pease por JUZGADO DE FAMILIA NÚMERO SEIS

Actor: Eduardo Pinillos por QUÍTALE PESO O EL PECADO DE NO ENCAJAR EN EL ESTRECHO MOLDE QUE LA SOCIEDAD HABÍA RESERVADO PARA MÍ

 

MONTAJES PRESENCIALES

COMEDIA/MUSICAL

Proyecto:¡SOMOS LIBRES! de Eduardo Adrianzén

Trabajo de dirección: Julie Freundt y Fiorella Gambini por EN CANTO DE PAYASAS y Leonardo Torres Vilar por ¡SOMOS LIBRES!

Actriz: Haydeé Cáceres por ¡UNA PIPA PARA MAMÁ! y Norma Martínez por DÍAS FELICES

Actor: Alejandro Tagle por UN VIAJE HACIA PLUTANO y Boris Mena por LOS HIJOS DE PUTIN

DRAMA

Proyecto: BICENTENARIO de Juan Carlos Delgado

Trabajo de dirección: Javier Valdés por GUAYAQUIL, UNA HISTORIA DE AMOR y Nella “Samoa” Alvarez por ASUNTO DE TRES

Actriz: Cynthia Bravo por EL EXTRAÑO CASO DE ELIZABETH GRIMM

Actor: Pold Gastelo por VENCIENDO AL DIABLO

 

LECTURAS DRAMATIZADAS

Proyecto: CASA DE MUÑECAS de Henrik Ibsen, Lecturas Dramatizadas In Memoriam Coco Chiarella

Trabajo de dirección: Esmeralda Fern por CASA DE MUÑECAS

Actriz: Paola Vera por EDIPO REY y Regina Limo por EL DESAYUNO

Actor: Christian Ojeda por PANORAMA DESDE EL PUENTE

 

PROYECTOS GRABADOS/AUDIO-FICCIÓN

COMEDIA/MUSICAL

Proyecto: CRASH de Renzo Abrill

Trabajo de dirección: Nany Florez por CRASH y Percy Velarde por DINOSAURIOS, LA EXTINCIÓN

Actriz: Kelly Carrillo por SEÑORA PRESIDENTA y Trilce Cavero por SEÑORA PRESIDENTA

Actor: Pedro Ibáñez por ¿QUIERES SER MI VALENTÍN?

Actriz de reparto: Luzma de la Torre Ugarte por CRASH

Actor de reparto: David Carrillo por PROVOCAR TERNURA. EL CELULAR DE UN HOMBRE EN PROBLEMAS

DRAMA

Proyecto: DE CUANDO EL FLACO MARTÍNEZ SE FUE AL CIELO SIN DECIRLE ADIÓS A SU CHIBOLO, idea original de Rosa Victoria Chauca, dramaturgia de Mario Zanatta

Trabajo de dirección: Ricardo Delgado por BICENTENARIO – PROYECTO ESCÉNICO; y Rosa Victoria Chauca por DE CUANDO EL FLACO MARTÍNEZ SE FUE AL CIELO SIN DECIRLE ADIÓS A SU CHIBOLO

Actriz: Giselle Collao por VIRUS y Grapa Paola por AMORES EN JUEGO. DONDE LAS MARIPOSAS VUELAN

Actor: Brian Cano por DE CUANDO EL FLACO MARTÍNEZ SE FUE AL CIELO SIN DECIRLE ADIÓS A SU CHIBOLO y Javier Quiroz por DE CUANDO EL FLACO MARTÍNEZ SE FUE AL CIELO SIN DECIRLE ADIÓS A SU CHIBOLO

Actriz de reparto: Jóse Spigno por PROVOCAR TERNURA. LA ÚLTIMA TARDE DE COLCHITA

Actor de reparto: Óscar Meza por PROVOCAR IDENTIDAD. CÚAL ES MI NOMBRE

 

HOMENAJES A LA TRAYECTORIA

TÁRBOL TEATRO DE TÍTERES

HELENA HUAMBOS

MIGUEL RUBIO

 

PREMIO DE DRAMATURGIA “SARA JOFFRÉ”

MI WAYQI PLATÓN de Jamil Luzuriaga

 

¡Felicitaciones a todos los nominados y ganadores!

Oficio Crítico les desea un feliz y próspero Año Nuevo.

Sergio Velarde

29 de diciembre de 2021

Crítica: SER

Ser mujer

Un grupo de mujeres aparecen en un lugar desconocido, confundidas y sin saber por qué están ahí, empezarán a descubrir mediante sus propios testimonios las desgarradoras historias que las unen. Ser fue un espectáculo llevado a la virtualidad, luego de su debut presencial en septiembre de este año, con más de diez actrices en escena y bajo la dirección de Jeanpierre Grados; este formato de teatro testimonial nos revela una cruda realidad de violencia e intolerancia que lamentablemente se repite constantemente en nuestra sociedad.

El joven elenco estuvo conformado por Male Álvarez, Sulibeth Jiménez, Daniela Camacho, Nicole Yarú, Scarlette Thea, Xiomara Juárez, Andrea Rodríguez, Mariale Castro, Araceli Zavala, Dulce Siguas, María Sabastizaga, Camila Chagua, Jhenifer Villacrez, Wileisy Delgado, Idalmis Olivares, Jocelyn Tueros, Fiorella Hernández, Pierina Ramal, Priscila Gallegos y Camila Echevarría, quienes asumieron sus respectivos monólogos con valentía y honestidad. Asimismo, la combinación de fragilidad y fortaleza en cada intervención permitió al espectador afectarse con las historias de violencia, bullying, discriminación, abuso, entre otras problemáticas que viven a diario muchas mujeres de distintas edades y estratos sociales.

La propuesta se compuso también de entrevistas y fotografías con el detrás de cámaras, siendo un detalle que aportó, ya que pudimos conocer detalles del proceso creativo y las opiniones de las actrices respecto a sus personajes. Ser fue un conmovedor y desgarrador formato testimonial, que nos sigue recordando la importancia de erradicar estos patrones de violencia; además de reflejar que ser mujer es continuar en la lucha por la reivindicación de nuestro valor y nuestros derechos.

Maria Cristina Mory Cárdenas

24 de diciembre de 2021

Entrevista: SERGIO MUÑOA

“El arte, al final, está hecho para triunfar.”

El descenso fue una incursión de la productora Mente Brillante en el terreno del teatro virtual y que fue escrita y protagonizada por Sergio Muñoa. Justamente, Sergio ha sido nominado por primera vez como mejor actor en la premiación de Oficio Crítico de este año y accedió a una entrevista para contarnos sobre su formación, experiencia y futuros proyectos.

La pieza teatral se centra en la historia de un joven llamado David, quien al enviudar empieza poco a poco a perder la razón, debido a que no puede aceptar la realidad y esto preocupa a su psicólogo y a su ex enamorada. Ambos buscan ayudarlo a sobreponerse. El descenso fue dirigida por José Sheen y acompañaron a Sergio, Nicolás Fantinato y Gabriela Pérez-León.

Sergio Velarde

16 de diciembre de 2021

 

Entrevista: GIANFRANCO MEJÍA

“Un buen director debe dejar que sus actores propongan.”

La constante actividad, que solo detuvo momentáneamente la pandemia, podría ser el rasgo más característico de Gianfranco Mejía, actor, director y dramaturgo de sus propios espectáculos, que viene estrenando sin desmayo en el Teatro Auditorio Miraflores. Actualmente, está nominado como mejor actor de Comedia/Musical por Relación tóxica en la encuesta de Oficio Crítico.

Gianfranco estudió con destacados maestros como Roberto Ángeles, Bruno Odar, Pietro Sibille, Gerardo Zamora, Jorge Marín y en Timbre 4 - Escuela de Buenos Aires. Ha intervenido en numerosas puestas en escena y proyectos audiovisuales. Oficio Crítico conversó con Gianfranco sobre su trayectoria y sus próximos proyectos el año que viene, de nuevo en teatro presencial.

Sergio Velarde

10 de diciembre de 2021

Crítica: EL ESPEJO

Peligros virtuales

Ya en A. R. I. (2021) del colectivo La Maldita Compañía se abordaba un tema tan actual como preocupante: la intromisión de las aplicaciones tecnológicas en nuestra vida diaria, que llegaría progresivamente con oscuros propósitos y aun peores consecuencias. Siguiendo esa misma línea, se estrenó en formato grabado El espejo, drama con tintes de thriller de Jano Baca, con la producción de Archivos Deloisy y Butaca C, en el que se llevaría esta problemática a un grado de mayor intensidad. El futuro se encuentra a la vuelta de la esquina y muchos no parecen percatarse de los enormes peligros que conlleva compartirle información privada a ciertas organizaciones, que lejos de preocuparse por nuestro bienestar solo buscan el lucro.

En una sociedad distópica, en la que la organización Deloisy mantiene el liderazgo de los aplicativos virtuales, un muchacho tecnológico (Sergio Armasgo) decide arriesgarse a utilizar un nuevo sistema de inteligencia artificial, que le permitiría encargarle una serie de responsabilidades que el joven preferiría no realizar, ante la reticencia de su amiga (Rebeca Pérez Vargas). Los directores Javier Deza y Valentina Zelada apuestan por una cuidada estética, en la que los colores y la iluminación juegan un papel importante, desde la ambientación de las habitaciones de los jóvenes hasta el enorme ojo sobre fondo rojo, como símbolo de la invasión en línea. La historia, fluida y sin tropiezos, sigue el progresivo desmoronamiento psicológico del muchacho, alternando con la creciente intromisión de la aplicación en su vida cotidiana, hasta el dramático desenlace.

Buen trabajo de la pareja protagónica, especialmente el de Armasgo, quien a pesar de su juventud ha logrado salir siempre airoso y convincente de los numerosos proyectos en los que viene participando. El espejo se convierte en un impecable cortometraje, muy bien fotografiado y dirigido, que mantiene el interés, genera suspenso y aporta una plausible reflexión. El hecho que nos llegue actualmente publicidad objetiva en línea, que nunca hemos solicitado pero que en el fondo requerimos o deseamos, no es más que una alerta de las inquietantes consecuencias que podría acarrear nuestra cada vez más acentuada dependencia hacia las aplicaciones virtuales.

Sergio Velarde

9 de diciembre de 2021

Reseña: CIERRE DE LAS PRÁCTICAS ESCÉNICAS ENSAD 2021

Conmovedor trabajo de equipo

La presentación de los cinco montajes escénicos creados a partir del teatro universal, así como las creaciones colectivas, por parte de los alumnos de la carrera de Actuación y la carrera de Diseño escenográfico, llegó a su fin con la proyección de Saudade, un trabajo colectivo que ha tomado aproximadamente siete meses de investigación del universo más íntimo de los actores y actrices que intervienen en las distintas historias, las cuales giran en torno a temas familiares, anhelos personales, pérdidas, recuerdos, entre otros. Bajo la dirección de Mayra Barraza, este montaje audiovisual nos muestra que lo que nos diferencia como seres humanos puede también ser un reflejo de nuestro mundo interno.

El numeroso elenco estuvo conformado por Shirley Alva, Sandra Loza, Steysy Acharte Pacheco, Anny P. Yaranga, Alondra Yaranga (personaje de apoyo), Fei Yi Pineda Choy, Conny Betzabe, Estrella Paucar, Ana Paula Galvez Díaz, Yasmin de la Oliva Carpio, Diana Patiño, Paúl Salazar, Fátima Yanas Jara, Jorge Castillo Tarrillo, Makarena Jara Vidal, Alex Jesús Bazalar Pacheco, Ronald Soto Cerna, Víctor Andrés Gonzales Chávez, Edward Palomino Chávez, Juan José Guerrero Carrasco y Jesús Rodas Reyna, quienes mostraron valentía y honestidad en cada una de sus intervenciones.

Saudade fue un conmovedor trabajo en equipo, que documenta mediante potentes imágenes los diversos momentos de la vida de cualquier ser humano. Siendo el último proyecto de las Prácticas Escénicas ENSAD 2021, cabe resaltar el importante desarrollo creativo por parte de todos los alumnos, los docentes/directores y el equipo técnico que formaron parte de este nuevo escenario digital, que nos reta a encontrar diversas formas, lenguajes y procesos artísticos en nombre de este maravilloso arte que es el teatro.

Maria Cristina Mory Cárdenas

7 de diciembre de 2021

Reseña: PRÁCTICAS ESCÉNICAS DE ENSAD 2021

La resistencia de las nuevas generaciones

A puertas de terminar otro año complicado debido a la pandemia, el sector de las artes escénicas viene reactivando poco a poco sus actividades presenciales; sin embargo, la nutrida cantidad de propuestas virtuales continúa en auge. Este es el caso de los alumnos del VI y VIII ciclo de la carrera de Actuación, y los alumnos del VIII ciclo de la carrera de Diseño escenográfico de la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático ENSAD, quienes apoyados por los docentes encargados de la dirección, el equipo técnico, así como los recursos digitales, están presentando desde principios del mes de noviembre, las Prácticas Escénicas 2021, a través de las redes oficiales de la Escuela, con acceso gratuito.

Un total de cinco montajes escénicos que abarcan creaciones colectivas y adaptaciones contemporáneas del teatro universal, trabajados en conjunto desde la virtualidad por los alumnos de la carrera de Actuación y la carrera de Diseño escenográfico, logrando unir esfuerzos para retratar en el universo digital, historias que abarcan temas tan vigentes como el abuso de poder, la naturaleza del ser humano, las relaciones interpersonales, la frivolidad que encontramos en las redes sociales y el duro camino de los actores en medio de una sociedad que los juzga y los violenta. Nos ocuparemos de las cuatro primeras entregas, con algunos de los elencos que se presentan en doble turno:   

El Universo de Tennessee Williams. En El Largo Adiós tenemos al novel elenco conformado por Christina Quiquia, José Vizcarra y Nicole Arroyo, quienes manejaron correctamente a los personajes de una familia en crisis. Por su parte, La Marquesa de Larkspur Lotion nos revela la decadencia de una mujer, quien está a punto de ser desalojada por su casera. Actúan Fiorella de la Cruz y Mercedes Lloclla, correctas en sus roles. En Un Tranvía llamado Deseo, dos hermanas reviven viejas heridas y conflictos. Actúan Abigail López y Bella Vega, convincentes en sus papeles. Un segundo elenco de estudiantes presentó De repente, el último verano, donde se revela el secreto de la muerte de un joven escritor. Actuaron Leandro González, Catalina Santillan, Giomira Espinoza, Rocío Mancilla, Mady Quispe y Gabriela Tupac. Respecto a los efectos visuales, primaron los fondos en blanco y negro, las plantillas y el uso de los espacios personales de los actores y actrices. La dirección estuvo a cargo de Daniel Dillon. 

Antígona de Jean Anouihl. Una interesante adaptación de este clásico del teatro, a cargo de un joven pero potente elenco conformado por Briana Campos Rojas, Alvaro Chala Estrada, Frank Montes Ossio, Jesús Robles Rojas, Jorge Palacios Okamura, Victoria Lara Ibáñez e Isaela Ramirez Román (Elenco 2). Dirige Haysen Percovich, docente y encargado de la jefatura de la carrera de Actuación.  

Un Enemigo del Pueblo de Henrik Ibsen. Actúan como segundo elenco Amelia Tena, Andrea Herrera, Edú Gutiérrez, Joaquín Arce, Kiara Huamán Flores, Piero Rodriguez, Sergio Delgado Plath y Valeria Fumagalli, quienes defienden sus roles con seguridad, recordándonos la importancia de luchar por nuestras convicciones. Dirige Draco Santos del Rosario, docente encargado.

Collage Escénico del Quehacer Virtual (collage de escenas de la dramaturgia peruana), bajo la dirección de Rodrigo Chávez. El último espectador, basada en la obra Los charcos sucios de la ciudad de Mariana de Althaus, en donde el teatro deberá ser rescatado del olvido. ¡Queremos trabajar!, exploración basada en Lock out de César Vallejo, en la cual se evidencian las brechas sociales que todavía persisten. Entre aplausos, basada en la obra ¡A ver, un aplauso! de César de María. Perlas al aire, creación colectiva basada en la censura del cuerpo. Histriomanía, creación colectiva basada en la locura de la profesión. Estas últimas presentaciones se componen de performances y escenas cortas.

El elenco que alterna en las distintas obras lo conforman Josué Roque Charaja, Perla Meléndez Tello, Salomé Muñoz Gómez, María Alexandra Guardia Durand, Pável Paniagua Tapahuasco, Sandra Murrugarra Ramos, Anggie Caballero Robles, Cintia Córdova Rutti, Guillermo Aurazo Paredes, Marco Martínez Paredes, Adriana Arias Morales y Lizbeth Alejos Zarate. Diseño Escenográfico: Mirella Zavaleta. Docentes responsables de Diseño Escenográfico: Sharon Reátegui Camayo, Thais Flores Cortés y José Luis Valles.

Cabe resaltar la creatividad y esfuerzo de los estudiantes y maestros para tomar el riesgo de trasladar al ámbito virtual obras clásicas, acostumbradas a cobrar vida en el teatro presencial. Sin duda, un claro ejemplo de energía y resistencia de esta nueva generación de artistas escénicos.

Maria Cristina Mory Cárdenas

29 de noviembre de 2021

Crítica: BINOMIO DE UNA DESPEDIDA

Ensayos para el adiós

Morpho Colectivo Escénico, joven agrupación de artistas emergentes, presenta su primera temporada virtual con el espectáculo Binomio de una despedida, el cual comprende las obras Tiempo Cero y Caída Libre, del dramaturgo y director peruano Diego La Hoz. Ambas historias transitan el difícil camino de las despedidas, de los ciclos inconclusos o de aquellos que están por caducar; teniendo a los vínculos familiares como eje principal.

Transmitidas mediante la plataforma Vimeo, en primer lugar Tiempo Cero, dirigida con tangible sensibilidad por María Isabel Abad, narra el encuentro entre Natividad y su padre, Iván, a quien no ve hace mucho tiempo. La esperada visita se da un día antes del cumpleaños de Natividad y pese a los bonitos momentos que comparten, ella se da cuenta que las cosas han cambiado. Interpretada por Valquiria Che-Piú y Diego Arana-Reyes, quienes hacen gala de buena química como padre e hija, construyendo convincentes y detallados personajes que lograron traspasar la pantalla. A propósito de la construcción escénica, cabe resaltar el acertado manejo de las imágenes y locaciones, así como el rescate de los símbolos y signos propios de la teatralidad, un detalle que como espectadores, agradecemos. La estética de la propuesta se completa con el sentido acompañamiento musical (a cargo de Arana-Reyes), el vestuario y utilería bien aprovechados.

Por otro lado, Caída Libre, bajo la acertada dirección de Miguel Seminario, narra el reencuentro entre Alejandra y su hermano Camilo. Ella debe contarle que la casa en la que vivieron está a la venta, entonces surgen recuerdos y sentimientos que los enfrentan con los momentos felices y no tan felices que compartieron en ese lugar. Con las notables interpretaciones de María Isabel Abad y Santiago Torres Rojas, quienes a partir del juego desvelan el particular vínculo que los une. De igual forma, las imágenes, el vestuario y el uso de títeres y elementos de utilería aportaron un valor agregado al efecto visual. Nuevamente, la composición musical creada por Diego Arana-Reyes concreta la fórmula de una lograda puesta audiovisual.

Binomio de una despedida nos revela conmovedoras historias acerca de los vínculos familiares, tan complejos como indestructibles, situándolos en escenarios de extrema fragilidad como son las enfermedades o la confusión en medio de una relación filial, pues no hay fórmulas ni manuales para decir adiós. Los procesos de despedida son muy íntimos y solitarios. Sin duda, Morpho Colectivo Escénico ha realizado un destacado trabajo en equipo, que nos devuelve la esencia del teatro que conocemos, el mismo que viene resurgiendo poco a poco.

Maria Cristina Mory Cárdenas

27 de noviembre de 2021

Entrevista: HAYSEN PERCOVICH

“Un director tiene que tener la capacidad de decisión.”

La ENSAD viene presentando sus Prácticas Escénicas 2021 como parte esencial de la formación profesional de sus estudiantes, quienes participan en la concepción, desarrollo y ejecución de un montaje profesional. Oficio Crítico conversó con Haysen Percovich, actor, director y actual docente del ENSAD, quien se encuentra encargado de la jefatura de la carrera de Actuación. Estas prácticas son un conjunto de cinco montajes escénicos, con propuestas contemporáneas de obras de teatro universal y creaciones colectivas, preparados por los estudiantes de la carrera de Actuación y la carrera de Diseño escenográfico trabajando en conjunto dentro del ámbito virtual.

Las PRÁCTICAS ESCÉNICAS 2021 nos ofrecerán obras que contarán historias y presentarán creaciones propias que con mucha fuerza y sensibilidad nos hablan tanto de la sociedad misma como de la naturaleza compleja y feroz de los seres humanos. Cada montaje tendrá cuatro días de presentaciones -de jueves a domingo- en los cuales los estudiantes y docentes presentarán con mucha creatividad, riesgo, profesionalismo y amor por el teatro, propuestas innovadoras, reflexivas, conmovedoras y entretenidas con textos, imágenes, sonidos y acciones propuestas por los mismos estudiantes, utilizando el zoom como plataforma y la virtualidad como aliada.

Para acceder a las funciones virtuales, se deberá estar atento a las publicaciones de las redes oficiales de ENSAD en Facebook para llenar el formulario solicitado para cada obra a visualizar desde https://www.facebook.com/ensadperu

Sergio Velarde

18 de noviembre de 2021

Crítica: ESTRIPTIS y RELATOS DE LOS DIOSES CAÍDOS

Las productoras y la apuesta por las plataformas digitales

El teatro sobrevivió en tiempos de cuarentena, pues las productoras presentaban sus proyectos a través de canales audiovisuales. YouTube, Zoom, Facebook live, Instagram live y Joinnus fueron las plataformas digitales más usadas para acercar el teatro al público. Así, el espectador podía observar las obras de su antojo desde la comodidad de su hogar en su PC o smartphone. Hoy, las autoridades ya brindaron permisos para el funcionamiento de los teatros. Estos cumplen con los protocolos para la seguridad de los espectadores. Y estos últimos ya asisten a una obra teatral presencial. Es una realidad. Sin embargo, las productoras aún siguen apostando por el canal virtual para acceder a sus proyectos, pues les permite que el espectador de otra región o país puedan observar sus proyectos, ya que está a tan solo un clic. Este es el caso de Estriptis de la productora Luces & Sombras – Colectivo Cultural y Relatos de los dioses caídos de MITOS ESTUDIO. Ambas obras fueron presentadas a través de los canales digitales como Facebook live y Zoom, respectivamente.

La importancia del ritmo en la escena

Por un lado, Estriptis es la historia de una infeliz enamorada que busca respuestas para el futuro de su compromiso. Así, sus amigas contratan a un jovial stripper para que olvide ese mal momento. Sobre esto, la historia es un melodrama que gira en torno a las quejas de la novia hacia el stripper, que solo quiere divertirla.

Sobre las interpretaciones, la actriz y el actor logran generar una atmósfera cómica en fragmentos puntuales de la situación, porque hubo escucha, complicidad o juego entre ellos. Sin embargo, los movimientos corporales repetitivos e intenciones reiteradas convertían en una “serie de toques entre un defensa y el arquero sin pasar la media cancha”. Así, la escena se mantenía en un solo ritmo, que sorprende en el inesperado final.

La importancia de la atmósfera en la escena

Por otro lado, Relatos de los dioses caídos son tres historias trascendentales de los hijos del dios Cronos. No tratan sus hitos más épicos, sino los conflictos más humanos de los dioses. En ese sentido, la propuesta presenta una carga reflexiva de principio a fin.

El opening de la obra fue acertado, ya que generaba una atmósfera de universo, lugar donde se comunica Cronos. Además, lograron contextualizar el punto inicial de la obra. En ese sentido, los recursos audiovisuales lograron su objetivo como recurso.

Las interpretaciones de los personajes trasmitieron el carácter filosófico de la obra. Sin embargo, no se hallaba una verosimilitud en la propuesta, pues el espectador observaba el conflicto entre espacio y personaje: el último no pertenecía a ese espacio o no se construía la atmósfera del lugar.

En conclusión, es cierto que las debilidades de un montaje pueden generar que el mensaje de la obra no aterrice en el espectador ocasionándole así una mala experiencia. Pero realizando un análisis más profundo, quedan más preguntas para las productoras que desean seguir compartiendo sus proyectos a través de los medios digitales. ¿Por qué el espectador debe ver “mi obra” a través de este medio, si también hay teatro presencial o cine? ¿Qué experiencia o sensaciones quiero que sienta el espectador? ¿Qué agregaría al proyecto para que no solo se convierta en una historia audiovisual?

Elio Rodríguez

18 de noviembre de 2021

Entrevista: DIEGO SALINAS

“El talento no funciona sin disciplina.”

Los hijos de Putin es un espectáculo presencial que se encuentra actualmente en temporada en el Centro Cultural Ricardo Palma. Oficio Crítico conversó con el joven autor de la pieza, Diego Salinas, quien también participa como intérprete. La comedia es dirigida por Marcelo Rodriguez Yzusqui y también actúan en ella Aníbal Lozano Herrera y Boris Mena.

Tomas Garrido-Larraín y Juan Navarro Chilpa, dos peruanos de mundos completamente distintos, son los finalistas en un experimento secreto ruso llevado a cabo en el Perú para escoger al que se llevará la única dosis que Rusia enviará a nuestro país de la vacuna Matryoska, la única que es cien por ciento efectiva contra la COVID 19. Ellos se enfrentarán en tres desafíos finales sin saber que, quien los dirigirá será el mismísimo Vladimir Putin. La guerra ha empezado. ¿Será verdad que el peor enemigo de un peruano, es otro peruano?

Los hijos de Putin está en temporada en el Teatro Julio Ramón Ribeyro del Centro Cultural Ricardo Palma (Av. Larco 770 – Miraflores), el 15 y 16 de noviembre. Hora: 7:00 p. m. y 8:30 p. m. (doble función por día). La producción general es de la Asociación Cultural Esperanta y la producción ejecutiva de Mariana Baumann. Información en las redes de ESPERANTA: Facebook: facebook.com/esperanta, Instagram: https://bit.ly/3pbY9cx. Entradas en JOINNUS: https://bit.ly/3B6FjrG.

Sergio Velarde

13 de noviembre de 2021

Entrevista: EMANUEL SORIANO

“El cuerpo habla más que la palabra.”

Uno de los actores jóvenes más prometedores de nuestro medio es, sin duda, Emanuel Soriano. En sus montajes teatrales, como El curioso incidente del perro a medianoche, El plebeyo o Tebas Land, demostró sus enormes posibilidades interpretativas. Ahora, se apresta a dictar un taller de actuación llamado “Del cuerpo a la palabra”, dirigido para principiantes.

En el mencionado taller, se conocerán las herramientas necesarias para encarnar a profundidad la esencia de cada personaje. Se entregará constancia de participación firmada por el mismo Emanuel. Los cupos son limitados.

Inicio: Martes 16 de noviembre. 8 sesiones. Muestra abierta al final del taller. Acompañamiento en el trayecto de la formación virtual. Informes: 991 896 886. https://wa.link/u9055i

Horario: Martes y jueves de 7 a 9 p. m.

Sergio Velarde

12 de noviembre de 2021

Entrevista: FIORELLA GAMBINI

“Es una sensación muy rica sentir al público de nuevo.”

Psicóloga clínica y clown profesional, Fiorella Gambini tuvo como maestros a destacadas figuras del mundo clown, como Wendy Ramos, Luis Regalía, Caroline Dream, Antón Valen, Cris Martí, Sue Morrison y Marina Barbera, entre otros. Actualmente se apresta a estrenar en simultáneo la creación colectiva clown En canto de payasas, que ella misma dirige en compañía de la destacada artista musical Julie Freundt. El estreno será el domingo 14 de noviembre a las 7:00 p. m. en el Teatro Barranco, que será transmitida también vía virtual.

La Vecindad Escuela de Clown presentará En canto de payasas. Cuatro mujeres payasas se juntarán en un escenario para compartir sus mundos, sus miedos, alegrías, secretos y locuras. Benicilina, Sinfín, Lupita y La Dalia, a través de melodías, llevarán de viaje al espectador por los adentros de sus corazones y les mostrarán con mucho humor que, si la vida te da limones, ¡se puede hacer una riquísima limonada! Forman parte del elenco de esta puesta en escena virtual Luciana Arispe, Daniela Ayaipoma, Benny Valega y Lorena Gianino Gadea.

Las entradas pueden conseguirse e https://www.passline.com/sitio/la-vecindad-escuela-de-clown

Facebook: https://www.facebook.com/lavecindadescueladeclown

Sergio Velarde

11 de noviembre de 2021