EL OFICIO CRÍTICO

Crítica: NATURALEZA MUERTA

2012-01-27T13:52:00.000-08:00

NATURALEZA MUERTA: vida después de la muerte

Naturaleza muerta de Claudia Sacha, una reposición luego de la puesta en escena de Carlos Acosta en el ex teatro Espacio Libre de Barranco con Rochy Yépez y Manuel Calderón de hace 4 años, nos plantea una interesante teoría sobre la vida después de la muerte. Andrés ha perdido a su esposa Gabriela en un trágico accidente automovilístico, pero todas las noches la recuerda en sueños, la pinta sobre un lienzo e intenta hablarle sin éxito. Pero en esta ocasión, Gabriela es mucho más real y lo principal, ahora puede conversar con Andrés. Más allá del suspenso que pueda generar la trama (cuyo misterio se adivina fácilmente), es la reflexión que propone la autora sobre cuánto podemos recordar a los seres queridos y nuestro temor al injusto olvido, lo más sobresaliente de este montaje dirigido ahora por Mario Melgar en el acogedor auditorio del Centro Cultural El Olivar de San Isidro.

Durante el desarrollo de la obra, no sabemos si estamos dentro de un sueño de Andrés (quien ahora sólo pinta naturalezas muertas), o si realmente estamos presenciando la historia de amor de la pareja en otro universo. El esperado final (en el que se descubre el supuesto destino de Andrés) es ejecutado escénicamente con mucho nervio y energía; pero ese aspecto no es el crucial para entender el mensaje de la autora, quien nos ofrece un intrigante relato sobre el apego y el recuerdo de aquellos que no se encuentran ya con nosotros. La onírica puesta en escena satura con los colores blancos en las paredes y cajas, pero es funcional en sus elementos. Se evidencia una interesante propuesta en el diseño de luces, que puede ser enriquecida aún más.

Los actores Mario Ballón y Tati Alcántara consiguen interesarnos en el drama y son fluidos en sus interpretaciones, a pesar de estar inmersos en una situación irreal. La dirección de Melgar, proveniente de las canteras audiovisuales, es sobria y esmerada en conseguir ritmo y energía de su elenco. Naturaleza muerta nos trae de vuelta un interesante texto de Claudia Sacha y su puesta en escena es un efectivo drama, que nos propone la existencia de estos mundos paralelos, en los que el olvido y el recuerdo se convierten en factores indispensables en la vida después de la muerte.

Sergio Velarde
27 de enero de 2012

Crítica: NADAR COMO PERRO

2012-01-25T07:56:00.000-08:00

NADAR COMO PERRO: ¿cómo mantenerse a flote?

Resulta curioso, para usar la palabra menos efectista, que un director tan experimentado y con algunos excelentes montajes a cuestas (como La manzana prohibida, Lecciones de fe o De repente un beso, por citar los más recientes) sea el responsable de un espectáculo tan insípido y fallido como el de la presente reseña. Nadar como perro, pieza escrita por el joven dramaturgo suizo Reto Finger y estrenada en el Teatro Mocha Graña, no cumple los requisitos necesarios para convertirse en un producto medianamente entretenido, ya que presenta demasiados yerros y carencias en las motivaciones de los personajes y en su misma línea argumental. Como su título ya lo anticipa, el montaje se sostiene a flote a duras penas gracias a los ocasionales chispazos del elenco, como impulsándose con manos, brazos y pies imitando de manera instintiva los movimientos de un perro, que es además la manera menos estilizada y efectiva de llegar a la otra orilla.

El principal defecto del montaje sea acaso, la elección de la obra misma: Nadar como perro intenta (sin éxito) ser uno más de aquellos textos que buscan retratar con estética carnal y poesía novedosa, las tribulaciones en las relaciones de pareja, la imposibilidad de amar al otro y la profunda inseguridad de nuestros sentimientos. Todos estos aspectos ya fueron tratados con mayor vuelo y excelencia en los ya citados montajes del director. La historia de Nadar como perro abarca dos años de relación entre una pareja disfuncional: Charlotte termina con Roberto, pero él se refugia en el sótano, mientras ella continúa conociendo hombres. Una trama que avanza a pasos agigantados, pero con cuadros muy cortos, constantes cambios de escena, y lo peor, un pobre desarrollo de los personajes que no llegan a interesarnos por sus conflictos.

Otro problema importante radica en la elección de sus protagonistas. Carlos Acosta es un buen actor, pero acaso el dirigir y actuar a la vez no haya sido la opción más conveniente, a juzgar por los resultados. La periodista y productora Maribel Toledo-Ocampo afirma en el programa de mano (por cierto, pésimamente redactado y digitado) ser actriz, pero no figura en el papel un solo taller o curso de actuación que haya seguido; su interpretación es forzada y carente de veracidad. Sorprende encontrar en el elenco a un buen grupo de actores: Mijail Garvich Claux, Norka Ramírez y Luis Alberto Urrutia (en ese orden), pero que poco pueden hacer con un material tan pobre. Nadar como perro no pasa de ser un nuevo y fallido intento por retratar la vida en pareja de toda una generación. Y así como su autor, que según el programa realiza trabajos por encargo, sólo nos queda creer que este nuevo montaje de Carlos Acosta, sea un producto realizado por encargo, sin la fuerza y el nervio de sus personalísimos montajes anteriores.

Sergio Velarde
25 de enero de 2012

Entrevista: JORGE VILLANUEVA

2012-01-24T19:03:00.000-08:00

JORGE VILLANUEVA: lo aprendido como actor lo aplico en pedagogía y dirección

“Regresamos el 2 de febrero con El Dragón de Oro del alemán Roland Schimmelpfennig, esta vez en el ICPNA de Miraflores”, nos informa Jorge Villanueva, director del mejor montaje del 2011 por El Oficio Crítico. “Y volvemos por la gran cantidad de público que nos visitó en la primera temporada. Nos acompaña en esta nueva etapa, Haydeé Cáceres y Carlos Casella.” Experimentado actor y director, Jorge viene dirigiendo sus montajes con el apoyo del Goethe Institut-Lima y su grupo Ópalo, como La Noche Árabe del mismo autor, consiguiendo muy buenas críticas; así como con Las neurosis sexuales de nuestros padres y La prueba, ambos del autor suizo Lukas Bärfuss. “Tuve oportunidad de leer textos de autores muy reconocidos de Europa. Schimmelpfennig es brillante y muy prolífico. La calidad del texto de El Dragón de Oro hizo que decidiéramos finalmente estrenarla.” La respuesta del autor no se hizo esperar, quien les hizo saber al grupo que lo que veía en las fotos y el video que se le envió, le encantaba.

El grupo Ópalo lleva 13 años en constante actividad. En la actualidad, sus integrantes son Marcello Rivera, Anabelí Pajuelo, Carmen Aída Febres y Jorge Villanueva, quien se encargó de dirigir prácticamente todos los montajes del grupo. “Iniciamos con un montaje pequeñísimo, Fosca, con el cual participamos en un festival internacional”, recuerda Jorge. “Así empezamos y ya tenemos 18 montajes estrenados, para adultos y niños.” Los inicios de Jorge se remontan al TUC, cuando estaba aún ubicado en el Centro de Lima. “Tuve muy buenos profesores como Luis Felipe Ormeño, José Enrique Mavila y Alfonso Santisteban. Había, en ese tiempo, una tendencia muy fuerte hacia el trabajo físico.” Jorge se graduó del TUC con la obra Edmond de David Mamet, dirigido por José Enrique Mavila.

Algunos montajes para el recuerdo, en los que intervino Jorge Villanueva, fueron Séptimo cielo, de Caryl Churchill y dirigido por Alberto Isola; y Esperando a Godot, de Samuel Beckett y dirigido por Edgar Saba. Sin embargo, ¿cuál es su actividad preferida: actuar o dirigir? “No puedo ser desagradecido con la actuación”, afirma. “Todo ese aprendizaje lo pongo en práctica en la pedagogía y en la dirección. Me veo ahora como un director, pero si las condiciones son propicias, puedo volver a actuar.” Y justamente, Jorge se prepara para volver a las tablas en el mes de julio, de la mano de Jorge Chiarella. Mientras tanto, se dedica a los ensayos de la nueva temporada de El Dragón de Oro, que estará de jueves a domingo a las 8:00 p.m. en el ICPNA de Miraflores. El estreno será el 2 de febrero y la temporada se extenderá hasta el 11 de marzo.

Sergio Velarde
24 de enero de 2011

Entrevista: KATIUSKA VALENCIA

2012-01-23T11:52:00.000-08:00

KATIUSKA VALENCIA: los actores tienen que disfrutar el proceso de creación

Desde temprana edad y como tantos otros jóvenes con vocación por el arte, Katiuska Valencia no sabía que existía la carrera profesional de actuación. “Estuve estudiando Comunicaciones en la Universidad Garcilaso de la Vega”, recuerda. “Vi una obra maravillosa, Santiago El Pajarero, y decidí ser actriz profesional.” Ganadora del premio del público como la Mejor Actriz del 2011 por su participación en Electra, Katiuska ingresó al taller de Carlos Acosta y César Bravo, para luego entrar al Teatro de la Universidad Católica (TUC) en 1997. “De toda mi promoción, acaso la que ha estado con mayor actividad teatral he sido yo.” Y es que la disciplina y el rigor, inculcados por los profesores de ese entonces, Willy Pinto, María Luisa de Zela y Walter Zambrano, le sirvieron a Katiuska para mantenerse constante en su proceso como actriz y directora.

Conocer a Alberto Isola fue una gran satisfacción para Katiuska, quien llevó un taller con el reconocido actor y director. “Alberto ama la carrera, notas la pasión en él cuando habla sobre teatro”, menciona. “Como es un hombre de mundo, ha visto mucho teatro y siempre está actualizado. Conoce muy bien el teatro contemporáneo.” Entre los numerosos montajes teatrales en los que ha participado como actriz, el que más recuerda fue La cisura de Silvio de Víctor Falcón. “Tuvimos dos temporadas mágicas en el CAFAE y en el Teatro El Olivar. Dirigió Oscar Carrillo y actué con Sandra Bernasconi, Sonia Seminario y Franklin Dávalos. Fue uno de los montajes que recuerdo con más cariño.”

Actuar y dirigir en teatro

“Creo que un buen director de teatro debe saber escuchar a sus actores”, afirma Katiuska. “Debe llegar con las ideas claras y darle libertad a los actores para proponer.” Y sobre los actores, ella prefiere trabajar con los de su misma escuela o que conozca bien. “Los actores tienen que estar dispuestos a escuchar y tienen que disfrutar el proceso de creación.” Su método para la construcción del personaje es el mismo que aprendió en el TUC. “Aunque reconozco que soy muy intuitiva, durante los ensayos constantemente estoy buscando imágenes, observando.”

Katiuska tiene la agenda muy recargada para este 2012. Este sábado 28 de enero inaugura Espacio de Tránsito, un nuevo centro cultural que promueve la integración artística (música, teatro, danza, pintura, video y otras expresiones), ubicado en calle Unión 144 A en Barranco. “Tránsito es una asociación cultural formada por Paloma Carpio, Jimena Ballén, Corali Ormeño, Natalia Consiglieri, Tania Pezo, Gabriel De la Cruz y yo; estaremos ofreciendo talleres y presentaciones artísticas durante todo el año.” En febrero, estará en el Festival Saliendo de la caja, participando en una obra de curioso título: La extrañísima muerte del chihuahua de la peluquera Gladys Cornejo. Y en abril intervendrá en Ifigenia y otras hijas, con la última promoción del TUC, bajo la dirección de Alberto Isola. “Pero este año estaré prácticamente dedicada a Tránsito, pues queremos incidir en lo social, el arte y la ciudadanía”, concluye.

Sergio Velarde
23 de enero de 2012

Entrevista: JOSÉ MIGUEL ARBULÚ

2012-01-22T15:43:00.000-08:00

JOSÉ MIGUEL ARBULÚ: el actor debe crear un buen ambiente de trabajo

Ganador del premio al Mejor Actor del 2011 por votación en el blog El Oficio Crítico, José Miguel Arbulú nos cuenta que si bien en el colegio (Santa María) actuó en algunas obras, él prefirió dedicarse a su guitarra. “No me parecía viable ser actor”, recuerda. “Recién a los 21 años, en la Facultad de Filosofía de La Católica, me enteré que esto sí era posible.” Luego ingresó al taller de Roberto Ángeles en el verano del 2001, en donde intervino en numerosas puestas en escena como La vida es sueño, Daniela Frank y El cruce sobre el Niágara de Alonso Alegría, ¿Quieres estar conmigo?, Los charcos sucios de la ciudad, entre otros. “Mi promoción estuvo integrada por muchos actores que siguen en el medio: Wendy Vásquez, Rómulo Assereto, Oscar Beltrán, Eduardo Camino, Miguel Torres-Bohl, Ximena Díaz y muchos más”, enumera.

“Mi primera obra profesional fue Antígona, dirigida por Ángeles. Antes hice un musical pero de manera aficionada: Jesucristo Superstar”, afirma José Miguel. “Grabamos las voces en un disco y la estrenamos en el colegio Villa María.” También participó en el festival Saliendo de la caja, en varias puestas en escena, entre ellas la obra Lisístrata, con Raúl Zuazo, Paloma Yerovi y Natalia Cárdenas. También incursionó en cine con Un cuerpo desnudo de Francisco Lombardi, por el cual consiguió buenas críticas. ¿Cómo así llegó a Pedro y el capitán, obra por la cual consiguió el premio a Mejor Actor? “Participé en Las tres hermanas, que dirigió Francisco Lombardi”, explica. “Jimena Del Sante (directora de Pedro y el capitán) fue a ver la obra y vio mi personaje, que le pareció similar al que quería para su obra; así que me contactó.” Y es que la obra escrita por Mario Benedetti, un interrogatorio de casi dos horas de duración entre los personajes del título, requería de enérgicos actores que lograran sostener la trama. “La presentamos en el sótano del Parra del Riego, un lugar en el que los espectadores están prácticamente en tu cara, no puedes dudar ni hacer un gesto extraño, todo se nota.”

José Miguel intervino como productor (y actor) en el montaje de Los charcos sucios de la ciudad de Mariana De Althaus, que se estrenó en Casa Drama hace algunos años. Y la idea de dirigir, también le agrada. “Creo que un buen director de teatro debe entender el proceso que atraviesa el actor”, puntualiza. “Debe tener las ideas claras de lo que quiere y por supuesto, debe darme confianza.” Po otro lado, para José Miguel, un buen actor de teatro debe “ser fácil de dirigir, estar siempre presente y sobre todo, ser capaz de crear un buen ambiente de trabajo.” Entre sus proyectos más inmediatos figuran la reposición de Pedro y el capitán para el mes de marzo, siempre en el Parra del Riego; y un viaje a España, ya que cuenta con la nacionalidad española. “Creo que es importante hacer las cosas con pasión”, menciona. “Si estás seguro de lo que haces, no hay cómo equivocarse. La idea no es despertarte un día a los 60 años y preguntarte qué hubiera sido si hubiera hecho esto”, concluye.

Sergio Velarde
22 de enero de 2012

Entrevista: MIGUEL CANO

2012-01-20T08:02:00.000-08:00

MIGUEL CANO: un director debe ser compañero

Miguel Cano, ganador por votación del premio al Mejor Actor de reparto del 2011 por Todas las sangres, pertenece a una experiencia de teatro en la escuela. “Estudié en el colegio El Pacífico”, menciona. “Formamos un elenco con mis compañeros y después nos convertimos en el elenco del Taller Zapatos Rotos, a cargo de Arturo Fernández.” Al terminar el colegio, decidió ingresar a la ENSAD, para especializarse en Pedagogía Teatral. “Pero sigo formando parte de Zapatos Rotos desde hace 10 años, siempre con la dirección de Arturo.”

Entre las obras en las que Miguel participó figuran Tirano preguntón de Ernesto Ráez, La Orgía de Enrique Buenaventura, Sueño o Pesadilla (la versión del grupo Teatro A Ultranza), Sancho Gobernador, El quijote cabalga, Sancho Gobierna, Todos contra el Dengue, entre otras. Miguel considera que un director de teatro ideal tiene que “ser parte del grupo, debe ser compañero, amigo, debe tener esa confianza para poder consultarle cualquier cosa.” En la ENSAD valora mucho el trabajo de Juan Arcos y de la profesora Rocío Antero, quien trabaja el movimiento corporal. “Es muy divertida, hace sus clases muy amenas.”

Actualmente, Miguel se encarga de administrar la Casa Cultural Zumbayllu, con el objetivo de difundir arte y cultura. “Funcionará todo el año y habrá cabida para todas las expresiones artísticas; la conformamos Enzo Gárate, Luis García, Carla Rosenthal, Rosario Coronado y yo.” Aparte de los talleres permanentes, todos los domingos habrán espectáculos artísticos; este domingo 22 se presentará la obra Kataplum, basada en la obra Pandangan, un unipersonal de la compañía Blanco y Negro dirigido por Carlos Criado. La Casa Cultural Zumbayllu está ubicada en Mz. I Lote 16 Coop. El Olivar (cruce de Mayolo con Universitaria) en Los Olivos; y para cualquier informe pueden llamar al 7338492 y 993078628 o escribir al correo: casacultural_zumbayllu@hotmail.com.

Sergio Velarde
20 de enero de 2012

Entrevista: LAURA ARAMBURÚ

2012-01-19T19:02:00.000-08:00

LAURA ARAMBURÚ: hay que verlo todo, lo bueno y lo malo

Su destacada actuación en la premiada obra El Dragón de Oro de Roland Schimmelpfennig la hizo acreedora del premio a la Mejor Actriz de reparto del 2011 por El Oficio Crítico. Laura Aramburú estudió en el colegio San Silvestre, pero no participó en las obras principales. “Sí lo hacía en las actuaciones dentro del salón”, recuerda. “Me daba vergüenza y sentía que no podía competir con las chicas que hacían los papeles principales en el teatro”. A los 15 años se dio cuenta que quería actuar y buscó en la guía telefónica escuelas de teatro. “Llamé al TUC, pero en ese tiempo quedaba en el Centro de Lima y era complicado para mí. A través de mi mamá, y por consejo del hermano de Alberto Isola, ingresé al Club de Teatro de Lima.”

Como todo alumno que siente el llamado por el teatro, la emoción embargaba a Laura cada vez que tenía clases en el Club. “Salía feliz del colegio (estaba en 5° Secundaria en el año 2000) cuando me tocaba ir al Club, inclusive me gustaba llegar temprano, para simplemente estar ahí.” En el primer año le tocó como profesor Paco Caparó. “A través de sus ejercicios comprendí que en el teatro no se trata de “actuar”, se trata de “sentir”, “estar ahí”. Le gustaba mucho el riesgo. Trabajamos creaciones colectivas en las que probábamos cosas nuevas.” Además, aprendió que las historias que se cuentan en el teatro deben ser diferentes, poco comunes, para poder estar en un escenario. Laura intervino en dos interesantes puestas en escena: Los humanoides de Juan Rivera Saavedra y Ensayando a Palmieri, adaptación de Juan Palmieri de Antonio Larreta, al lado de otros futuros actores en actividad como Lisette Chávez, Daniel Manchego, Roberto Huamán, Miluska Morillo, Feffo Neira, etc. En tercer año, Laura tuvo como profesor al destacado Sergio Arrau. “Me hubiera encantado haberlo aprovechado más”, reflexiona. “Me pareció que era muy poco tiempo con él, debo confesar que le tenía un poco de miedo, era muy estricto, pero me impresionó y me gustó mucho ese año.”

Participación en teatro, cine y televisión

“Recibí una llamada de Marcello Rivera (del grupo Ópalo), que quería hacerme un casting para una producción que al final no salió”, recuerda Laura. “Pero poco después me vuelve a llamar, esta vez para El Dragón de Oro, que dirigiría Jorge Villanueva. Recuerdo que en la primera lectura no entendí nada, pero en las siguientes, me fascinó.” La obra fue ganadora como la mejor del 2011 por El Oficio Crítico y Laura compartió escena con actores tan destacados como el mismo Rivera, Claudio Calmet, Carlos Victoria y Grapa. “Jorge es un director con una sensibilidad especial y me gusta que dé indicaciones puntuales en los ensayos.” Para los que no tuvieron oportunidad de verla, El Dragón de Oro estará nuevamente en escena desde el 02 de febrero en el ICPNA de Miraflores, esta vez con la participación de Haydeé Cáceres y Carlos Casella.

Laura, por su parte, estará también en el Teatro El Olivar de San Isidro en octubre, en un montaje dirigido por Alejandro Córdova basado en textos de Sanchis Serra; y ya se alista el estreno de Como quien no quiere la cosa, cinta que grabó con el director Álvaro Velarde, el mismo de El destino no tiene favoritos. Además, su personaje en Al fondo hay sitio continuará este año. “Sé que la televisión es (a veces) ingrata”, menciona Laura. “Pero desde niña me encantaba ver teatro, me gustaban las sensaciones que me producían y pensaba que yo, alguna vez, podría llegar a producir sensaciones al público.” Para Laura, el ser un verdadero actor de teatro implica ver todo tipo de teatro. “Hay que verlo todo, lo bueno y lo malo, de todo se aprende”, reconoce.

Sergio Velarde
19 de enero de 2012

Presentación de EL OFICIO CRÍTICO, edición impresa

2012-01-19T04:55:00.000-08:00

La presentación de EL OFICIO CRÍTICO se llevó a cabo en el Teatro Auditorio Miraflores el miércoles 18 de enero a las 8:00 p.m. Contó con la participación de Ricardo Morante, presidente del Centro Peruano de Teatro ITI-UNESCO; y de Sara Joffré, reconocida crítica y dramaturga del medio. Gracias a todos los asistentes por su apoyo. El libro estará a la venta en el Club de Teatro de Lima (28 de julio 183 Miraflores) o pueden solicitarlo a: terllamada@yahoo.es

Saludando a los asistentes.

Con Cristian Lévano, director del grupo Winaray.

Con amigos del teatro y cine independiente: Roberto Cuba, Fernando Montenegro, Mauricio Pappi, Rafael Arévalo y Lucas Pen.

Con Karlos López Rentería de Espacio Libre y Antonio Quispe.

Con amigas de toda la vida: Mónica Ortiz, Rosita y Angelita Velásquez.

Compañeros de tablas: Darío Abad y su hijo Alejandro, Eileen Céspedes, Oswaldo Salas y María Carbajal.

Con Ricardo Del Río.

Con Ricardo Morante y señora, y Diego La Hoz, director de Espacio Libre.

Con Jorge Echegaray.

Entrevista: OLENKA CASTRO

2012-01-15T08:44:00.000-08:00

OLENKA CASTRO: formarse es indispensable

Ganadora de la encuesta propuesta por El Oficio Crítico como la Mejor Actriz de Reparto del 2011 por Historias para ser contadas, Olenka Castro recuerda que desde muy pequeña le gustaba el arte, el baile y la actuación. “Mi tía me llevaba al teatro y una vez tuve que reemplazar a una chiquita en una obra. Experimenté todo lo que significa estar en una obra de teatro. Me encantó.” En los diversos colegios en los que estuvo (debido a los constantes viajes de sus padres) siempre participaba en las actuaciones y en todo lo referente a las artes escénicas. “Saliendo del colegio, estudié en la UPC y entré al taller de Carlos Acosta (drama) y Carmen Aída Febres (danza). Fue una experiencia increíble, presentamos la obra En el borde de Mariana De Althaus, pero en teatro danza.”

Más tarde, Olenka llevó un taller con Sandro Calderón (actuación) y Gustavo Quezada (corporal), que le enseñó la importancia de tener disciplina, de tener un método y conocer más los conflictos por los que debe atravesar un actor. “Luego me recomendaron al Taller de Diez Talentos con Bruno Odar, para después ingresar al V Nivel con Alberto Isola”, recuerda. “En el taller de Bruno participé en la obra Mujer de rancho y lo odié por darme un personaje difícil de caracterizar: una chica provinciana, sometida pero fuerte a la vez. Sin embargo, lo trabajé mucho y los espectadores me felicitaron por mi caracterización, ya que no me reconocieron.” Fue durante ese taller, que Jorge Medina Moretti (asistente de dirección) le propuso integrar el elenco de Historias para ser contadas, obra que planeaba dirigir. “Me emocioné y le agradecí por la oportunidad.” Olenka compartió escena en dicha obra con Julio Navarro, Dante Del Águila y Sergio García-Blásquez, logrando un trabajo bastante parejo. “Me gusta nutrirme de gente profesional, todo el proceso fue increíble y crecí mucho como actriz.”

“Para construir los personajes que interpreto, llevo un diario en el que escribo todo lo que imagino sobre su vida”, menciona Olenka sobre su proceso de actuación. “Soy de las que habla sola, invento situaciones en las que está el personaje, pero siempre analizando el texto.” Sobre su director de teatro ideal, menciona que debería “ser respetuoso con el actor, estar dispuesto a escuchar las propuestas y sobre todo, a enseñar.” Olenka se encuentra ensayando una nueva puesta en escena llamada Maculada, escrita y dirigida por Luisa Fernanda Lindo, proyecto de teatro danza, a estrenarse el 25 de enero en Teatro Racional. “Creo que el actor siempre debe arriesgarse, y especialmente, formarse, ya que es indispensable”, concluye.

Sergio Velarde
15 de enero de 2012

Entrevista: DAVID CARRILLO

2012-01-15T07:26:00.000-08:00

DAVID CARRILLO: cuestión de feeling

“Recuerdo que de niño mis padres siempre me llevaban a ver teatro, tanto infantil como para adultos”, recuerda David Carrillo, mejor director del 2011 por El Oficio Crítico. “Veía obras de Cattone y Lola Vilar. En 1982 vi El diluvio que viene, dirigida por Cattone: fue un espectáculo deslumbrante, con imágenes muy poderosas, así que les pedí a mis padres que me siguieran llevando al teatro. Lamentablemente, y a pesar de mis rabietas, no me dejaron ver su siguiente obra: Doña Flor y sus dos maridos.” Sin embargo, para David asistir al teatro era como un ritual especial, que ocurría cada cierto tiempo, gracias al gusto por el arte que le inculcaron sus padres.

Uno de los personajes que más influenció la carrera artística de David fue Alberto Isola, a quien conoció de manera casual en el matrimonio de una prima cuando tenía sólo 14 años. “Yo había visto su foto en la carátula del Somos de esa época, ya que había dirigido la obra La conquista del Polo Sur en el teatro Larco”, nos cuenta David. “Luego mi madre (igual de tímida que yo) sorpresivamente me lo presentó. Alberto, siempre tan generoso, me invitó a ver la obra, y realmente me cambió la vida, fue un espectáculo muy evocativo, mágico, realizado con pocos elementos.” Posteriormente, David ingresaría al curso de Actuación para Adolescentes en el Club de Teatro de Lima, en donde le tocó como profesor nuestro recordado dramaturgo Gregor Díaz. “Le agradezco mucho a Gregor, ya que me ayudó solapadamente con mi problema con la letra R.”

Sus inicios

“Cattone creó en mi la vocación; e Isola, el alma, esa relación mística con el teatro”, afirma David. “Le seguí el rastro a todos los actores que estrenaban obras en espacios alternativos, en la Alianza, el Británico.” David consumió mucho teatro, hasta entrar al curso de actuación para adultos en el Club de Teatro. Tuvo como profesores a Iván Romero y Sergio Arrau. “Cuando terminé el colegio logré entrar al Taller de Formación Actoral de Umbral, que dictaba Alberto. Fue una linda promoción y el 70% de ellos sigue en el medio: Giovanni Ciccia, Salvador del Solar, Tatiana Astengo, Jorge Villanueva, Cécica Bernasconi, Liliana Trujillo, entre otros.” Esta experiencia duró 9 meses, y ya a punto de cumplir 18 años, David entendió lo que significa el teatro profesional, con mística y ética y compromiso. “Todo lo aprendí de Alberto, sé que ahora está muy repartido en muchos lados, pero en aquel entonces él siempre estaba en el Teatro Larco, prácticamente vivía allí, aprendí mucho de él.”

En 1996 David ingresó a la Universidad Católica a estudiar Literatura. “Me pagué la carrera, ya que hacía teatro itinerante con Editorial Santillana y logré ahorrar”; sin embargo, en ese tiempo se abre la Facultad de Artes Escénicas y David decide ingresar a ella. “Como mi formación era netamente de talleres, me provocó tener un cartón. Volví a estudiar con Isola, pero en la universidad no había filtro y siento que aprendí más en los 9 meses en Umbral, que en el año y medio en Facultad.” Para David sí hubo, en su paso por la universidad, un poco de decepción y luego, por motivos económicos, tuvo que abandonar sus estudios. “He sido actor, asistente de dirección, vendedor de programas, jefe de escena, operador de luces”, menciona David. “Me he probado en muchas áreas.”

Requisitos como actor y director

“Creo que un buen actor de teatro debe tener ciertas características, ajenas al talento, que creo es algo que no se puede medir”, afirma David. “Primero, debe disfrutar el estar en escena. Segundo, debe disfrutar la repetición que exige la temporada de teatro, ya que cada función se “recrea” nuevamente. Y tercero, debe tener un entrenamiento, ya que se le exige su máxima presencia física y vocal, ya que la energía teatral no es cotidiana.” Para el director de Demasiado poco tiempo, el actor debe tener la capacidad de revelarse, de usar sus vivencias como instrumento. “No me gusta la vocación de títere, quiero que los actores propongan, que expresen lo que quieren decir al aceptar participar en el proyecto.” David cree que el camino del actor es muy largo, se debe tener mucha paciencia y mejorar todo el tiempo.

¿Cómo debe ser un buen director teatral? David afirma que “debe tener una visión estética del espectáculo, debe haber coherencia en todo.” Un director tiene en sus manos el poder narrativo de la obra, que no siempre es igual al ritmo del espectador. “Como director, siento que ayudo a los actores a que la obra esté “paja”, yo dirijo voluntades, y me interesa saber las motivaciones que tienen los actores para contar una historia”. Para David, el director debe darle “mantenimiento” a la obra, a partir de las reacciones del público. Afirma que se ríe de las equivocaciones, que no se desespera por los furcios y que no es neurótico. “El teatro no se puede congelar, no es cine; por lo tanto es perfectible, la perfección se busca función tras función.”

Cambios de teatro

Plan 9 es una asociación cultural sin fines de lucro, dirigida por Giovanni Ciccia y David Carrillo y dedicada a la producción de obras teatrales y promoción de eventos culturales. “Iniciamos con Giovanni en el 2002, con la idea de hacer las obras que queríamos, buscar un teatro amable con el público”, recuerda David. “Los productores sólo se preocupan de la obra, pero no de la experiencia con el espectador. Nosotros queríamos hacernos cargo del trato, del precio, de la limpieza de los baños, de la comodidad de las butacas, del acomodador que te ayude a encontrar tu asiento y por supuesto, de ofrecer un espectáculo de calidad.” Al inicio, la asociación estrenó sus espectáculos en el Teatro Julieta. “Hicimos Las vacaciones de Betty, Calzones y Bebé a bordo”, enumera David. “Sin embargo, cada vez disminuíamos de espectadores. Y encontramos la explicación: nosotros no manejábamos el teatro y por eso, habían carencias en el servicio; definitivamente, eso influyó.” Plan 9 decidió abandonar el Teatro Julieta y volverse itinerante, aunque sus espectáculos posteriores fueron estrenados en su mayoría, en el Teatro Británico.

En el 2007, por accidente, se estrenaron tres proyectos de Plan 9 en el Teatro Británico, durante cinco meses seguidos: Recontrahamlet, a cargo de Ricardo Morán; La nona, de Giovanni Ciccia; y El misterio de Irma Vamp, de David. Eso motivó que después el Británico decidiera no darles su espacio por una temporada. “No teníamos donde seguir con nuestros proyectos. Fue entonces que se nos presentó, gracias al auspicio del Banco BBVA, la oportunidad de entrar a la Biblioteca Nacional del Perú y utilizar el Teatro Mario Vargas Llosa”, recuerda David. “Fue un acuerdo entre una sociedad civil (Plan 9), el Estado (Biblioteca Nacional) y la empresa privada (Banco BBVA). Teníamos mucho miedo, ya que el teatro es enorme, con 500 butacas. Estrenamos ahí La nona, Arsénico y encaje antiguo, El niño que cayó dentro de un libro y El mentiroso. Nos fue bien y la biblioteca quiso renovar el contrato, primero les dimos el 15% y luego, el 20% de la taquilla bruta.”

Pero entonces, ¿qué motivó la abrupta salida de la exitosa Asociación Cultural Plan 9, dirigida por Ciccia y Carrillo, del Teatro Mario Vargas Llosa del Biblioteca Nacional del Perú? “Pues es un tema de feeling”, contesta David. “Al año y medio de estar en su cargo, el director de la Biblioteca Nacional, Hugo Neira, decide renunciar. Y el Estado no nombra a nadie, pero entra una directora de cargo (Nancy Herrera), con la que habíamos tenido ya un problema anteriormente.” Como existía un convenio de por medio, todo continuó igual, excepto por un importantísimo detalle. Como manifiesta David, “no nos podía botar, así que el teatro comenzó a descuidarse, nadie cambiaba los focos, los baños no tenían papel higiénico y el espacio empezó a desmejorarse. Yo mismo tuve que cambiar focos y comprar papel higiénico; para eso, tuvimos que vender el programa de mano a 5 soles.”

Y los problemas en la Biblioteca no terminaron ahí. “Comenzaron los robos de libros y le echaban la culpa a la gente que venía de noche al teatro”, recuerda David. “La situación comenzó a volverse inmanejable, agravado por el problema del tráfico debido a la zona.” Luego, entró otra persona al cargo, Ramón Mujica, que recibió un informe sobre la Asociación Cultural Plan 9, pero realizado por Herrera. “Me sentí incomprendido con Mujica. La negociación, aparte de tratar asuntos como los focos y el papel higiénico, terminó en que el porcentaje para la Biblioteca sería ahora del 30%.” David, entonces, pidió que para economizar la escenografía no debiera desmontarse para otros eventos, estos debían acomodarse a las obras. “Pero, a pesar del acuerdo, comenzaron a alquilar el espacio para eventos, como uno de Otto Kunz, cuando teníamos ensayo de nuestra siguiente obra. De nada sirvió reunirnos con el Ministro de Cultura de ese entonces, Juan Ossio Acuña, pues ese día nos dimos cuenta que no nos querían en la Biblioteca. Sin embargo, no les generábamos pérdidas; por el contrario, llevamos más gente a la Biblioteca y presentamos obras de calidad que tuvieron repercusión en la prensa.” Fue así que Plan 9, luego de estrenar La tercera edad de la juventud, tuvo que mudarse nuevamente. La nueva pregunta sería: actualmente, con el auditorio reservado sólo para eventos y sin las temporadas exitosas de Plan 9, ¿le resultó realmente rentable a la Biblioteca la decisión que tomó?

Ser independientes

David Carrillo llegó al Teatro Larco, para reencontrarse con sus orígenes. “Volver al Teatro Larco es como regresar a mis raíces, siento mucho feeling a este teatro e invertimos en él”, comenta. “Debo confesar que este año terminamos en rojo (por los problemas en la Biblioteca) y estuvimos considerando la idea de cerrar Plan 9.” A pesar de los problemas, el esfuerzo de Plan 9 dio sus frutos, regalándonos una excelente puesta en escena, como lo fue Demasiado poco tiempo. “Me considero un fan de lo alternativo, de lo independiente, me gusta mucho el riesgo.” Y es que la definición que maneja David sobre ser independiente, es muy acertada. “Soy independiente, porque logré poco a poco, dejar de depender de cosas que no me gustan. Cuando dejé el IPP por mis propios talleres, fui más feliz. Ahora hago teatro todo el día, no dependo de nadie y mantengo a mi esposa e hija.” Por otro lado, David considera que el tener auspicios no determina la dependencia. “La dependencia es hacer lo que crees que el público quiere ver. Consiste en, por ejemplo, traer un éxito de Buenos Aires a Lima. Así no veo al teatro.”

A pesar de los comentarios y formas de pensar de nuestras autoridades, la Asociación Plan 9 no dejará de presentar espectáculos de calidad. “Imagínate escuchar cosas como que La chunga no debería estrenarse en la Biblioteca por su contenido erótico, a pesar de ser una obra de Vargas Llosa, que le da el nombre al teatro; o compararnos con el Teatro de la Nación, que abrirá con un concierto de Sting y la Sinfónica”, recuerda David. “Agradezco este premio como mejor director independiente. Para mí, ser independientes es tener la capacidad de no parar, de no tener a alguien que te diga qué hacer. Felizmente, nunca nos hemos dejado pisotear por el desconocimiento”, concluye.

Sergio Velarde
15 de enero de 2012

Entrevista: MIGUEL ÁNGEL MALPARTIDA

2012-01-15T07:06:00.000-08:00

MIGUEL ÁNGEL MALPARTIDA: sin compromiso, no eres actor de teatro

“Ingresé al taller de teatro en mi colegio (el Leoncio Prado de Huánuco), para no estar en el de matemáticas”, así nos cuenta Miguel Ángel Malpartida, mejor actor de reparto 2011 para El Oficio Crítico por su destacada actuación en El Triciclo, sobre su ingreso al mundo de la actuación. “Me enseñó el profesor Sotil, quien era del área de Letras, pero que supo motivar mi interés hacia las artes escénicas.” Más tarde, Miguel Ángel llega a Lima a terminar la Secundaria, en el colegio Pedro Gálvez de Pueblo Libre. “Estuve un año en la academia, porque supuestamente debía entrar a la universidad, pero gracias a Dios no ingresé”, recuerda. Fue así que en el 2002 postula e ingresa a la ENSAD, en aquel entonces, ubicada en la Quinta Presa en el Rímac.

Uno de los profesores que marcaron a Miguel Ángel en la ENSAD fue, como no, Sergio Arrau. “Y lo fue, porque me jaló un ciclo”, recuerda. “Pero gracias a eso, le puse más empeño al curso y a mi carrera en general”. Miguel Ángel menciona que Sergio fue más que un simple profesor. “Tomábamos el mismo bus y el solo escucharlo, realmente era como recibir una clase, aprendí mucho de él.” Otro profesor importante dentro de su formación fue Carlos Acosta. “Y a pesar de su constante negativa a ponerme una buena nota, ya que parecía que no le satisfacía mi trabajo. Igual, su método al inicio me sirvió de mucho”, confiesa.

El grupo La Manzana (…) Teatro

Junto a los actores Alexander Carbajal y Leo Zevallos, Miguel Ángel forma el grupo La Manzana (…) Teatro, participando en montajes como Los 3 Caballetes, una adaptación de la obra Los 4 Caballetes de Eugenio Griffero; Los Asesinos, una adaptación de La Noche de Los Asesinos de José Triana (con la cual participan en la Muestra Regional Costa Centro 2010); y en la mencionada El Triciclo de Fernando Arrabal. “Tuvimos al inicio un director, llamado Wilmer Perea, que fue base importante para el grupo, pero después decidimos continuar con una dirección colectiva”, menciona Miguel Ángel, quien considera el no tener un director formal más como una desventaja. “Sin embargo, debo reconocer que al final funciona, a pesar de ser como estar en una relación disfuncional”, aclara. “Nos turnamos para observarnos, luego debatimos y llegamos a un acuerdo, hasta tener al final la misma idea.”

Sobre la lograda caracterización de su personaje en El Triciclo, Miguel Ángel menciona que aplica el método de Stanislavsky. “Parto de las emociones, grafico lo que voy a hacer y todo lo “carburo” antes”. Menciona que para el montaje de Fando y Lis de Arrabal, se negó a ver la película basada en dicha obra, pues no quería formarse una idea predeterminada de su personaje. Justamente, para este año Miguel Ángel planea retomar este proyecto, pero ahora como director. “Creo que la obra aún está proceso”, afirma. “Faltan cosas por mostrar, por eso iniciaremos una nueva etapa.” Finalmente, recomienda a los jóvenes descubrir realmente su verdadera vocación y afirma, con toda razón, que sin un verdadero compromiso no se puede ser un actor de teatro.

Sergio Velarde
15 de enero de 2012

Entrevista: DANIEL ZARAUZ

2012-01-04T19:33:00.000-08:00

DANIEL ZARAUZ: debes sentir satisfacción antes, durante y después

Arequipeño de corazón, Daniel Zarauz, mejor actor del 2011 para El Oficio Crítico, estudió en la Universidad Nacional de San Agustín de Arequipa. Y sin mayores aspiraciones, ingresó al Taller de Teatro, que dictaba Luis Álvarez Oquendo. “Fueron tres años de aprendizaje”, recuerda Daniel. “Hicimos varias obras como La pucha, que fue una sátira política; la clásica Antígona; La mueca de Pavlovsky; Un corazón suburbano; entre otras”. Su último trabajo, realizado aquí en Lima con la dirección de Ricardo Morante, fue la versión libre de Prometeo encadenado de Esquilo, que lo convirtió en el ganador de este año.

En 1995, Daniel conoce al grupo Aviñón que dirigía Carlos Vargas. “Me invitaron a ser parte del grupo y empecé a viajar por todo el Perú, participando en las Muestras Regionales y Nacionales de Teatro.” Uno de los montajes de ese tiempo, que recuerda con más cariño, es Vladimir de Alfonso Santisteban. “Trabajé con Aviñón hasta el 2003 y fue toda una experiencia”, menciona Daniel. “En la universidad, la formación fue tradicional; pero en Aviñón buscamos otras alternativas de generar los discursos.” Asimismo, Daniel ha complementado su formación actoral incursionando en teatro experimental y danza.

Experiencia en Lima

“Conocí a Beto Romero (director de Teatro de la Resistencia) en la Muestra de Teatro del 2000 y en el Festival de Teatro Infantil organizado por el ICPNA”, rememora Daniel. “Fue allí cuando Beto me habló de un proyecto llamado Las troyanas. Coincidió que las opciones en Arequipa se iban desvaneciendo, así que a la semana ya me había mudado a Lima para participar en el montaje”. Luego de Las troyanas vino otro montaje que demandó gran esfuerzo físico de los actores, llamado La rebelión de los villanos, que obtuvo las mejores críticas cuando se estrenó en la casa de Yuyachkani. “También entré a experimentar con telas y trapecios para trabajar otros discursos escénicos”, y como resultado Daniel participó en la FITECA 2009 con la obra Desaparecido; y en Espectro de un hombre solo, un espectáculo de danza aérea y teatro, basado en la novela Un lugar llamado Oreja de Perro de Iván Thays, dirigido por Úrsula Carranza.

Además de Carlos Vargas, Daniel reconoce al español Mel Rocher como uno de los pilares en su formación. “Lo conocí en el Taller que dictó en la Casa de España”, recuerda Daniel. “Participé con él en el montaje llamado Los caminos de Federico, basado en textos de Lorca. Aprendí mucho de él”. Menciona que entre los planes que tenía con Rocher, figuraba la adaptación de Hamlet de Shakespeare en código de acrobacia aérea. “Incluso hablamos con Vania Masías y empezamos a desarrollar el texto. Sin embargo, espero que algún día llegue a concretarse”, reconoce.

Daniel conoce por primera vez a Ricardo Morante (director del grupo Aqualuna) en 1996, en un Encuentro de Teatro organizado por Ruth Escudero. “Al principio lo ayudé con el diseño y operación de luces en el Teatro Auditorio Miraflores”, menciona Daniel. “Luego me llama para montar Soñando a Camille (2006), Vidas paralelas (2007), El Sargento Canuto (2009) y Prometeo encadenado (2010).” Daniel se sorprende por la nominación por su última actuación, ya que reconoce que no es bueno para memorizar la letra. “Felizmente, el elenco me ayudó, especialmente Michella Challe”, puntualiza.

“Para considerar la actuación como una carrera debes tener dos o tres áreas de trabajo: puedes enseñar, actuar en televisión, cine o teatro, etc.”, refiere Daniel. “Creo que lo importante es divertirte con lo que haces, debes sentir satisfacción antes, durante y después de lo que hagas.” Recuerda también la letra de Facundo Cabral: “Hagan las cosas por amor, porque aquel que trabaja en lo que no ama, aunque lo haga toda la vida, es un desocupado”. Podremos ver a Daniel Zarauz en acción, desde el 29 de marzo en la Alianza Francesa de Miraflores, con la segunda etapa del montaje de Teatro de la Resistencia, llamado Atahualpa, intentando otra mirada.

Sergio Velarde
04 de enero de 2012

Entrevista: JACQUI CHUQUILLANQUI

2012-01-04T08:39:00.000-08:00

JACQUI CHUQUILLANQUI: dedicarse al arte, sintiendo y pensando

Ganadora del premio a mejor actriz del 2011 por El Oficio Crítico, Jacqui Chuquillanqui demostró gran versatilidad en los diferentes roles que le tocó interpretar en los últimos años, tanto en drama, comedia o familiar. Así la vimos en Teresa, Paraíso, Octubre Negro, El Caballito Azul y La Pasión de Cristo. Su último trabajo, Navaja en la carne de Plinio Marcos, fue notable al darle vida a una frustrada prostituta martirizada por su prepotente pareja. “Tuve suerte de estar en un colegio que le daba énfasis al arte, como lo es el Santa María Eucrasia”, recuerda Jacqui. “A pesar que mi mamá no quería que fuera vedette (risas), no lo pensé dos veces y llegué a la ENSAD.”

“Estuve en un taller libre de la Universidad Villareal, donde me enseñó el psicólogo Hans Gutiérrez, quien también es director teatral”, nos cuenta Jacqui, quien añade que Gutiérrez fue el “culpable” que esté en el medio teatral. En ese tiempo asistía a ver espectáculos teatrales en el Museo de Arte de Lima. “Vi por primera vez a Ismael Contreras, quien después sería mi profesor y director. También conocí a Jean Cottos, quien me habló de la ENSAD.” Fue así que Jacqui decidió ser no actriz, sino profesora e ingresar a la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático. “Soy práctica y estoy segura de haber tomado una buena decisión”, reconoce.

Ya en la ENSAD, tuvo como principales profesores a Contreras, Rafael Hernández y Oswaldo Fernández. “Recuerdo que mis profesores ponían sus ojos en mí, como si tuviera algo más que ofrecer, a pesar que me prohibieron actuar y yo, muy obediente, acepté esa regla.” Jacqui actuó muy poco, salvo con el grupo ABEJA, que le sirvió para corregir muchas taras como actriz. “Aprendía a callar, a obedecer y a probar actuando”, recuerda. “Hice una obra llamada Historia de una muñeca abandonada. Le debo mucho a Juanita Medina, ex-esposa de Ismael, quien me ayudó muchísimo.”

Una nueva etapa

Tiempo después Jacqui se dedicó sólo a enseñar pedagogía teatral; entre los alumnos que más recuerda figuran Mayra Lee (Taller de Era Azul), Verónica Alvarado (Sendar Producciones) y Henry Sotomayor (actor y director teatral). Reconoce que no la llamaban para participar como actriz, porque no la conocían. “Hasta que en el 2008 le dije a Josse Fernández (director del grupo Perú Teatro) que me llamara si había algo para mí”, recuerda. Fue así que entró a la obra La Pasión de Cristo, su primer contacto real con el teatro, pero menciona que “todavía no podía decir que era actriz, decía: yo hago teatro.” Fue el inicio de una nueva etapa en su vida, al dejar la ENSAD y al enfrentar la muerte del padre de su hija.

“Me gustaba que me llamaran para hacer cosas diferentes, con mucho riesgo para una actriz de mi nivel, ya que consideraba que recién empezaba”, menciona Jacqui, quien afirma que si uno se organiza debidamente, puede hacer muchas cosas. “El teatro me ha permitido conocerme un poco más”, afirma. Sin embargo, reconoce que todavía no se anima a dirigir algún montaje. “He dirigido para mis talleres, pero de forma interna”; Jacqui reconoce que tiene buenas ideas y lo positivo de Navaja en la carne fue que tuvo libertad para proponer ideas para así enriquecer el producto final. Finalmente, Jacqui aconseja a los jóvenes que deseen incursionar en el arte, que hagan lo que les dicta el corazón. “Pero siempre con una conexión con el cerebro”, advierte. “Para dedicarse a la carrera del arte o cualquiera, debe hacerse sintiendo y pensando a la vez. Y es que para poder ser creador, se necesita tener tranquilidad, estabilidad y paz”, concluye.

Sergio Velarde
04 de enero de 2012

Presentación de EL OFICIO CRÍTICO

2012-01-01T07:41:00.001-08:00

EL OFICIO CRÍTICO, EDICIÓN IMPRESA

Este miércoles 18 de enero a las 8:00 p.m. en el Teatro Auditorio Miraflores (Larco 1150) se presentará el libro EL OFICIO CRÍTICO, compilación de críticas teatrales del 2004 al 2010, escrito por el periodista y actor Sergio Velarde. Como invitados participarán la reconocida crítica y dramaturga peruana Sara Joffré y el presidente del Centro Peruano de Teatro ITI-UNESCO, Ricardo Morante. El precio de cada libro es de 10 soles. La entrada es libre. Auspicia el Centro Peruano de Teatro ITI-UNESCO.

Sergio Velarde

01 de enero de 2012

BALANCE FINAL 2011

2011-12-30T04:22:00.001-08:00

Como todos los años, El Oficio Crítico propone dos listas de obras y artistas independientes que destacaron en las tablas durante el 2011. La primera es en base a una encuesta realizada por el mismo blog, en la que todo aquel que entre al mismo puede dejar su voto; y la segunda, en la que se consideran los mejores actores, directores y espectáculos, de acuerdo al criterio de quien escribe. Ambas maneras de “evaluación” son por supuesto, falibles y mejorables, y gracias a las opiniones y sugerencias vertidas durante la premiación en vivo en el Centro Cultural CAFAE, este proceso se irá afinando hasta conseguir (si es que esto sea posible) la total justicia e imparcialidad requerida.

Destacar asimismo, que todos los nominados en todas las ternas de la encuesta realizaron un extraordinario trabajo durante el 2011, y que los resultados obtenidos pueden haberse debido a muchos factores, pero que son al fin y al cabo perfectamente válidos. ¡Mis sinceras felicitaciones a todos los nominados y ganadores!

En todo caso, y como ya se ha mencionado anteriormente, sirva la premiación como una mera excusa para poder reunirnos todos a fin de año y recordar aquellos montajes que tanto sacrificio nos costó sacar adelante. Esa es la verdadera motivación que inspira a este blog y se seguirá trabajando en ello, ahora que tuvimos por fin, esta primera experiencia.

La encuesta a lo mejor del teatro independiente 2011 arrojó los siguientes resultados:

Mejor actriz de reparto:

OLENKA CASTRO por Historias para ser contadas.

Joven actriz quien logra, junto a sus compañeros de elenco, un excelente trabajo actoral en conjunto.

Mejor actor de reparto:

MIGUEL CANO por Todas las sangres.

Formó parte de un elenco de jóvenes actores, quienes dieron vida a los entrañables personajes de José María Arguedas.

Mejor actriz:

KATIUSKA VALENCIA por Electra.

Enérgica e intensa, esta actriz de impecable trayectoria interpretó un difícil papel con gran convicción.

Mejor actor:

JOSÉ MIGUEL ARBULÚ por Pedro y el Capitán.

Convenció con un complejo personaje escrito por Mario Benedetti, sosteniendo un dilatado y emocionante interrogatorio.

Mejor director:

YASMIN LOAYZA por El Soplador de Estrellas.

Joven directora, quien aprovecha al máximo a sus experimentados intérpretes, para regalarnos un montaje aleccionador.

Mejor obra:

EL SOPLADOR DE ESTRELLAS de Ricardo Talento.

Una obra para toda la familia, de sencilla y edificante dramaturgia, pero llevada a escena con convicción y energía intachables.

Por otro lado, en el Balance Anual 2011, El Oficio Crítico consideró entregar los galardones a los siguientes artistas y espectáculos:

Mejor actriz de reparto:

LAURA ARAMBURÚ por El Dragón de Oro

Enérgica y sorprendente la actuación de Aramburú, salida de las canteras del Club de Teatro de Lima, que supo aprovechar la riqueza del texto de Roland Schimmelpfennig, gracias a una inspirada dirección.

Menciones especiales: una intensa SANDRA QUIROZ por Todas las sangres y una divertidísima CYNTHIA SCHREIBER por Estrés.

Mejor actor de reparto:

MIGUEL ÁNGEL MALPARTIDA por El triciclo

Un joven actor, que ya había dado muestras de un buen registro en Los asesinos, y que sorprendió este año con una lograda caracterización, interpretando a un anciano, en la obra de Fernando Arrabal.

Menciones especiales: el hilarante ALFREDO LÉVANO en El misterioso asesinato de You Payaso y el versátil MARIO SOLDEVILLA en La otra Bolena y El anfitrión.

Mejor actriz:

JACQUI CHUQUILLANQUI por Navaja en la carne

Una actriz que sabe moverse en el drama y la comedia con gran facilidad, y que este año conmovió al público con una desgarradora y valiente actuación como una otoñal prostituta en la obra escrita por Plinio Marcos.

Menciones especiales: ANGELITA VELÁSQUEZ, demostrando su enorme talento en Historia de un hombre; y LUCCÍA MÉNDEZ, anticipando una cautivante personalidad en Super Popper.

Mejor actor:

DANIEL ZARAUZ por Prometeo encadenado

Siempre pulcro y veraz en sus actuaciones, se lució este año colgado de dos telas en la adaptación de la obra de Esquilo y en el reestreno de Atahualpa, intentando otra mirada, del grupo Teatro de la Resistencia.

Menciones especiales: ROLY DÁVILA y JOSÉ LUIS URTEAGA por su intenso trabajo en Hebras; y LUIS ALBERTO URRUTIA por su frescura y naturalidad en De repente un beso.

Mejor director:

DAVID CARRILLO por Demasiado poco tiempo

Ser independiente significa no depender de otro, ser autónomo y que mantiene sus propias opiniones; por eso, Demasiado poco tiempo logró escenas memorables y notables actuaciones, gracias a una propia, cuidadosa y estilizada dirección.

Menciones especiales: DANIEL DILLON, por un inquietante experimento llamado Historia de un hombre; y JORGE VILLANUEVA, por insuflar alma y espíritu a El Dragón de Oro.

Mejor obra:

EL DRAGÓN DE ORO de Roland Schimmelpfennig

Un montaje sobresaliente debe saber sensibilizarnos, hacernos reír, llorar y reflexionar: la historia de estos incansables cocineros sirvió de pretexto para construir un mosaico de personajes y escenas desgarradoras e inolvidables.

Menciones especiales: HEBRAS, radical propuesta del grupo Cuer2; y SUPER POPPER, enérgico ejercicio actoral de egresados de la ENSAD.

Gracias a todos por apoyar a este blog y es el compromiso ya adquirido de preparar el próximo año un mejor evento para celebrar a nuestro teatro independiente. ¡Felices fiestas!

Sergio Velarde
30 de diciembre de 2011

Luego del evento...

2011-12-29T05:37:00.000-08:00

Sergio Velarde y Leonardo Alegre del grupo Yawar.

Director y actor de Prometeo encadenado, Ricardo Morante y premiado Daniel Zarauz.

Elenco y director de ¿Qué tierra heredarán los mansos?

Renato Iberico y Sergio Velarde

Ganadora por Electra, Katiuska Valencia.

Jacqui Chuquillanqui de Navaja en la carne, premiada por El Oficio Crítico.

Angelita Velásquez, nominada por Historia de un hombre, y Sergio Velarde.

Leonardo Alegre y el director de Espacio Libre, Diego La Hoz.

Actor y director de Navaja en la carne, Javier Quevedo y José Medina.

Juan Maldonado y Luis Gustavo Gonzáles.

Nelson Gonzaga, Martín Abrisqueta, Sandro Calderón y Cristian Esquivel.

Actores de Historia de un hombre, Fito Valles y Angelita Velásquez.

Feliz ganadora por Historias para ser contadas, Olenka Castro.

PREMIACIÓN EL OFICIO CRÍTICO

2011-12-29T04:58:00.000-08:00

Con gran afluencia de público, se realizó por primera vez la Premiación de El Oficio Crítico en vivo, en las instalaciones del Centro Cultural CAFAE de San Isidro. Podemos concluir que más allá de las nominaciones y los ganadores, fue una animada reunión entre teatristas, la última antes de fin de año, con sentidos homenajes a dos personalidades de nuestro teatro, como lo son Tomás Temoche y Hernando Cortés, así como un merecido reconocimiento al grupo Espacio Libre, por su impecable trayectoria.

Inició la ceremonia el Director Cultural del CAFAE, Luis Gustavo Gonzales, quien agradeció la iniciativa de congregar a la comunidad teatral limeña, así como de comprometerse con escuchar las sugerencias y opiniones para afinar los detalles de la próxima premiación.

Luego subieron al escenario los ganadores del año pasado para premiar a los artistas y montajes más votados en la encuesta propuesta por El Oficio Crítico; se incluyeron en las ternas 20 obras de teatro, 20 directores, 35 actrices y 35 actores.

Roger Guerrero del grupo MACUEM, integrante del Consorcio La Compañía, presentó el premio a la mejor actriz de reparto. La ganadora fue Olenka Castro, por la obra Historias para ser contadas.

El premio al mejor actor de reparto recayó en Miguel Cano por la obra Todas las sangres. Él no pudo asistir al evento y su diploma fue recogido por su compañero de escena Roger Guerrero.

Carlos La Rosa, director de la premiada obra Lock out de César Vallejo, subió al escenario a continuación para presentar el premio a la mejor actriz. Katiuska Valencia, protagonista de Electra, fue la más votada y agradeció la presencia de tantos colegas presentes en el evento y recomendó que todos deberíamos ver el trabajo de los compañeros.

Ganadora el 2010 como mejor actriz por La orgía, según la encuesta propuesta en el blog, Gabriela Fernández entregó el premio al mejor actor. José Miguel Arbulú no pudo asistir por encontrarse de viaje, pero su productor, luego de recibir la diploma en su nombre, anunció que su obra Pedro y el Capitán se reestrenaría en marzo en el Centro Cultural Parra del Riego, para apreciar la actuación de Arbulú.

Fue la noche de El Soplador de Estrellas, ya que tanto su directora Yasmin Loayza como el montaje mencionado, fueron galardonados como mejor directora y obra, respectivamente. Los ganadores del año pasado, Raúl Durand y Jorge Da Fieno, se encargaron de presentar los premios. La directora no pudo asisitir por encontrarse en avanzado estado de gestación.

A continuación, se presentó la distinción especial para el grupo Espacio Libre, por su larga trayectoria y su compromiso con sus propios ideales. Subieron al escenario su director Diego La Hoz, José Carlos Lumbreras y Karlos López Rentería. El director agradeció el gesto y reflexionó oportunamente sobre la situación del teatro en la actualidad.

Una gran pérdida para el medio teatral significó la partida del incansable Tomás Temoche. Leonardo Alegre, actual actor y productor del legendario grupo Yawar, fundado por Temoche en 1963, tuvo una sentida participación, recordando los momentos vividos con Tomás, su férrea manera de ver el teatro y su apoyo incondicional hacia los teatristas más jóvenes.

Otra lamentable pérdida que tuvimos este año fue la de Hernando Cortés, reconocido actor, director y dramaturgo peruano. Justamente, la obra más emblemática de Hernando, La ciudad de los reyes, fue representada por el grupo El Tábano. Los actores Orietta Foy, Walter Huallpa, Jorge Silva y Juan Maldonado se encargaron de representar tres escenas, con el acompañamiento musical de Miguel Sánchez.

Finalmente, El Oficio Crítico dio su veredicto sobre lo más destacado del 2011: la obra El Dragón de Oro y una de sus actrices, Laura Aramburú, ganaron los premios a mejor obra y mejor actriz de reparto, respectivamente. David Carrillo ganó el premio al mejor director por Demasiado poco tiempo. Miguel Ángel Malpartida fue nombrado mejor actor de reparto por El triciclo. Los mejores actores del año fueron Jacqui Chuquillanqui por Navaja en la carne, y Daniel Zarauz por Prometeo encadenado.

Cerró el evento Ricardo Morante, actual presidente del Centro Peruano de Teatro ITI-UNESCO, para anunciar la próxima presentación de El Oficio Crítico edición impresa; así como para recomendar a los presentes, seguir con la gran labor realizada este año y que continúe en el 2012.

Terminó así una inolvidable velada en la que todos los presentes compartimos experiencias, recordamos los montajes estrenados en este año y muchos teatristas se reencontraron con colegas que no veían a menudo. Eso constituyó, al final de cuentas, la gran recompensa por haber organizado este evento.

¡Felicitaciones a todos los teatristas independientes por su gran labor realizado y un feliz año nuevo 2012!

Sergio Velarde
29 de diciembre de 2011

FELICES FIESTAS

2011-12-24T02:56:00.000-08:00

¡Gracias a todos por la gran acogida que ha tenido este año el blog EL OFICIO CRÍTICO!

Los esperamos a todos el miércoles 28 en el CAFAE de San Isidro. Más allá de las premiaciones, es nuestra oportunidad, como teatristas independientes, de encontrarnos y conocernos más. Esa es, y seguirá siendo, la principal razón para organizar esta reunión. Sigan votando, quedan pocos días.

Para aumentar el “suspenso”, el blog se cerrará el día 28 para conocer a los ganadores durante la ceremonia.

¡Feliz navidad para todos! ¡Mil gracias!

Sergio Velarde

Premiación EL OFICIO CRÍTICO

2011-12-18T06:24:00.000-08:00

Lo mejor del Teatro Independiente 2011
PREMIACIÓN EL OFICIO CRÍTICO

Este miércoles 28 de diciembre a las 7:30 p.m. se llevará a cabo por primera vez la Premiación del blog EL OFICIO CRÍTICO en vivo, con el anuncio de los ganadores a lo mejor del teatro independiente limeño de este año, convirtiéndose en la última reunión del año de los teatristas independientes. La cita es en el Centro Cultural CAFAE, en la Av. Arequipa 2945 San Isidro. La entrada es libre.

EL OFICIO CRÍTICO es un blog dedicado a la reseña de obras teatrales independientes del circuito limeño. Es administrado por el licenciado en periodismo y actor Sergio Velarde, desde el año 2008. Es la primera vez que se anunciarán a los ganadores de cada categoría en vivo. Las categorías son: MEJOR ACTOR Y ACTRIZ DE REPARTO, MEJOR ACTOR Y ACTRIZ, MEJOR DIRECTOR Y MEJOR OBRA DEL AÑO. La premiación consta de dos etapas: los ganadores de la encuesta propuesta en el blog, y aquellos considerados por EL OFICIO CRITICO como los mejores del año.

Además se realizará un sentido homenaje, por parte de integrantes del grupo Teatro El Tábano, a Hernando Cortés, dramaturgo, actor, director y profesor universitario en la universidad San Marcos, en donde fue Director del Teatro Universitario. Cortés viajó por todo el mundo y es considerado como uno de nuestros dramaturgos nacionales más prolíficos del siglo XX. Entre sus obras destacan La ciudad de los reyes (1967), Los conquistadores (1977), El tonto que movió las montañas (1986), El juego de damas del caballero (1991), Estación Desamparados (1993).

Se reconocerá también al grupo teatral ESPACIO LIBRE y a su director Diego La Hoz, quien ha realizado diversas giras latinoamericanas difundiendo la dramaturgia peruana y creando redes con grupos afines para el desarrollo del teatro contemporáneo. ESPACIO LIBRE llevó a escena las polémicas obras del autor peruano Eduardo Adrianzén “Cristo Light”, “Demonios en la piel” y “Cuatro Historias de Cama”. También ha dirigido obras de otros dramaturgos peruanos como César De María, Sara Joffré y Gonzalo Rodríguez Risco. Su última obra "Especies", fue considerada la mejor obra de teatro del 2010 por los votos obtenidos en el blog de EL OFICIO CRÍTICO.

Para mayor información de las obras, directores y actores en competencia, visite el blog EL OFICIO CRÍTICO, http://eloficiocritico.blogspot.com/

PREMIACIÓN EL OFICIO CRÍTICO
Lo mejor del teatro independiente limeño del 2011
CENTRO CULTURAL CAFAE-SE
Av. Arequipa 2945 San Isidro
MIÉRCOLES 28 DE DICIEMBRE 7:30 p.m.
ENTRADA LIBRE.

Lo mejor del Teatro Independiente 2011

2011-12-11T18:02:00.000-08:00

PREMIACIÓN OFICIO CRÍTICO

Acercándonos al fin de año, este blog no podía quedarse sin reconocer a todos aquellos teatristas que desfilaron por nuestras salas limeñas durante este 2011. Y vaya que ha habido infinidad de espectáculos teatrales, muchos de ellos de gran calidad y muchos otros que no alcancé a ver. En todo caso, sirva esta encuesta para recoger sus opiniones sobre nuestro panorama teatral. 35 actores, 35 actrices, 20 directores y 20 obras son las consideradas por este servidor, como lo mejor de este año. Pueden votar por varias opciones en cada categoría.

La novedad para este 2011, radica en que la premiación se realizará en vivo, en el Centro Cultural CAFAE de San Isidro, este 28 de diciembre a las 7:30 p.m., y los ganadores del año pasado entregarán los galardones a los triunfadores de este año. Pero más allá de los premios y nominaciones, lo verdaderamente importante es poder reunirnos todos por lo menos una vez en el año, para recordar los montajes que enriquecieron nuestro panorama teatral. Una oportunidad para conocernos, reencontrarnos y unirnos más como colegas del arte.

También habrá un sentido homenaje a nuestro primer actor nacional Hernando Cortés; y una distinción especial para aquellos grupos de teatro independientes, que resisten a través de los años, entregándonos montajes para el recuerdo. Este año será reconocido el grupo Espacio Libre.

Los esperamos a todos para compartir esta velada tan especial.

Sergio Velarde

Crítica: EL ANFITRIÓN

2011-12-11T16:13:00.000-08:00

EL ANFITRIÓN: historia de dioses y cuernos

Se viene presentando en el Instituto Italiano de Cultura, con la producción del Teatro de Cámara y bajo la dirección de Rafael Sánchez Mena, la obra El anfitrión de Plauto. Se trata de una divertida tragicomedia escrita por el autor latino, pero que en esta versión, inexplicablemente, los dioses mantienen sus nombres griegos. Cuenta como el dios Zeus (Júpiter) decide seducir a la bellísima Alcmena, esposa del general Anfitrión, y se hace pasar por éste adoptando sus rasgos físicos. Para lograr su propósito, Zeus cuenta con la ayuda de su hijo Hermes (Mercurio), quien también usurpa la personalidad del criado Sosia. La trama, llena de enredos de alcoba y personalidades intercambiadas, ha sido revisitada muchas veces, especialmente por Moliere, y este montaje en general, logra arrancar más de una carcajada al público, con una escenografía funcional y un cuidado vestuario.

Paco Varela asume su doble papel con bastante aplomo y precisión (su galante dios Zeus contrasta con su iracundo Anfitrión), aunque en el último cuadro su voz en off debe revisarse, para la total comprensión de la conversación entre ambos personajes. Por su parte, Mario Soldevilla resulta sumamente convincente y enérgico como Hermes, especialmente en su monólogo inicial, crucial para entender la dinámica de la puesta en escena. María Carbajal, Salomé Reyes, Mario León y el mismo Sánchez Mena completan el competente elenco. Otro acierto es el de escuchar canciones interpretadas en vivo por los propios actores, hecho que de por sí eleva su espectáculo por encima de otras producciones, empecinadas aún en continuar con el uso del espantoso playback. En este apartado, Varela y Reyes resultan sobresalientes.

Acaso el único serio reparo que se le podría atribuir a este montaje dirigido por Sánchez Mena, sea el de controlar mejor a sus actores cuando dejan de lado sus personajes y comienzan a bromear entre ellos, provocando peligrosamente la risa fácil; por una cuestión de orden, es preferible no caer en lo gratuito (o hasta en lo chabacano) y conseguir un humor fino, de acuerdo a la riqueza de las acciones y los diálogos. El anfitrión constituye una grata sorpresa en nuestra cartelera y es un digno espectáculo de dobles y usurpadores, que bien merece una revisión.

Sergio Velarde
11 de diciembre de 2011

Crítica: EN BUSCA DE LA NAVIDAD

2011-12-11T14:37:00.000-08:00

EN BUSCA DE LA NAVIDAD: discretísimo juguete navideño

Ya convertido en su centro de operaciones, el Centro Cultural Ricardo Palma de Miraflores viene presentando otro montaje del grupo teatral Ayepotamono, escrito y dirigido por Alexander Pacheco. En busca de la Navidad, basada en la famosa novela del escritor inglés Charles Dickens, es la enésima repetición de la historia del inhumano y descreído abogado llamado J. J. Jones, interpretado por el mismo Pacheco, que no cree en las fiestas navideñas y sólo se preocupa en el trabajo y en el tiempo invertido para generar más dinero. Hasta su oficina llega la mismísima Nochebuena, quien lo transporta a un mundo mágico habitado por dos duendes y un Papa Noel, y en donde deberá encontrar el espíritu de la Navidad si quiere volver a su realidad. Por supuesto, aparece la figura antagónica, la Parca, que busca acabar finalmente con esta festividad.

Pacheco repite el efectivo esquema que utilizó en sus dos anteriores montajes, El sastrecillo valiente y Juan sin miedo: la acción dramática es acompañada por la música en vivo del inamovible piano en el escenario. La puesta en escena es entretenida, aunque es demasiado breve y sencilla. Se agradece también el hecho de mantener siempre una comunicación efectiva con los niños, quienes siguen la historia con interés. La utilería, las máquinas de humo y las luces deben todavía afinarse.

A destacar, eso sí, la caracterización de la Parca por Renato Iberico y la melodiosa voz en vivo de Michella Challe, interpretando un típico villancico acompañada por el piano. El molesto playback debe ser desterrado de una buena vez, como si no hubiera actores capaces de entonar correctamente una melodía. Fernando Barandiarán también está correcto en su doble papel, como el ingenuo empleado de J. J. Jones y como Santa Claus. En busca de la Navidad es un discreto espectáculo para toda la familia, acaso demasiado breve y sencillo, pero apropiado para estas fechas navideñas.

Sergio Velarde
11 de diciembre de 2011

Premiación: EL OFICIO CRÍTICO 2011

2011-12-08T15:13:00.000-08:00

PREMIACIÓN EL OFICIO CRÍTICO 2011

Este miércoles 28 de diciembre a las 7:30 p.m. se llevará a cabo (por primera vez) la Premiación de El Oficio Crítico en vivo, con lo mejor del teatro independiente de este año. La cita es en el Centro Cultural CAFAE, en la Av. Arequipa 2945 San Isidro. Entrada libre. ¡Los esperamos!

Crítica: YERMA... MUJER QUE NO SE HABITA

2011-12-08T14:44:00.000-08:00

YERMA… MUJER QUE NO SE HABITA: personalísima lectura de Lorca

Junto con La casa de Bernarda Alba y Bodas de sangre, Yerma completa la “trilogía” del dramaturgo español Federico García Lorca. Acaso el factor común de las tres obras en mención, sea la represión de los sentimientos más profundos del ser humano: en La casa de Bernarda Alba, las hijas viven en el luto más absoluto, imposibilitadas de amar y ser amadas; en Bodas de Sangre, la Novia busca el amor en los brazos del hombre prohibido, desencadenándose la tragedia; y en Yerma, la protagonista anhela de todo corazón ser madre ante la negativa de su esposo, mientras duda de su verdadero amor. Actualmente se viene presentando en la AAA, la puesta en escena de Yerma... mujer que no se habita, una personalísima revisión del clásico lorquiano, adaptada por María Laura Vélez y dirigida por Ximena Arroyo, y que mantiene esta aguda crítica hacia las sociedades represoras.

Yerma (interpretada por turnos por Vélez, Yvonne Ydrogo y Marietta Tonsmann) es una mujer que piensa que su única misión en la vida es ser madre, y su obsesión aumenta cuando ve que todas las mujeres que conoce ya lo son. Influyen también la negativa de su esposo Juan y el secreto amor que siente por Víctor (ambos bien interpretados por Manuel Calderón). La obra, que incluye marionetas, danza, música y poesía peruana, se sirve de la dramaturgia para crear un universo propio, y es definida con justicia como una intervención a la obra original. Acaso el hecho de no abordar la muerte del esposo como punto final a la historia de Yerma pueda resultar polémico; sin embargo, la puesta en escena cierra dignamente con la protagonista en estado de represión, como lo están aún muchas mujeres en pleno siglo XXI, y llena de ausencias, como la del hombre que ama y la del hijo que nunca llega.

La adaptación e intervención de la Yerma original de García Lorca, en co-producción de la Asociación de Artistas Aficionados y el Proyecto de Mariposa – ecléctica del arte- es coherente al retratar a la mujer como víctima de la sociedad represora y disfuncional, incapaz de descubrir y disfrutar de su propia esencia. La primera escena merece una revisión en cuanto a su ejecución escénica. Contar con tres actrices turnándose para interpretar a Yerma fue una de decisión arriesgada, ya que debían mantener un registro parejo. Ydrogo y Tonsmann demuestran gran soltura escénica, pero es María Laura Vélez quien consigue las mejores escenas, ya sea como Yerma (especialmente, en su coqueteo con Víctor) o como una de las Lavanderas. Las cuñadas de Yerma, interpretadas por marionetas, resultan brillantes. Yerma... mujer que no se habita es un interesante y estilizado montaje, lleno de sugerentes imágenes y cumple con mantener el espíritu lorquiano, a pesar de su personalísima lectura.

Sergio Velarde
08 de diciembre de 2011

Pre-estreno: PARÉNTESIS

2011-12-08T05:31:00.000-08:00

PARÉNTESIS: la urgencia de detener el tiempo

Desde hace 12 años, Espacio Libre viene desarrollando una intensa y comprometida labor como grupo, presentando obras de autores peruanos, siempre con el inconfundible sello de su director Diego La Hoz. Su último trabajo, denominado Paréntesis, escrito por La Hoz, es un interesante trabajo actoral a cargo de Karlos López Rentería, en el que se hace una crítica hacia la necesidad de no vivir tan de prisa, a entender que el tiempo no debe marcar nuestra pauta, a buscar nuestra propia sensibilidad sin prisas ni apuros, tomando como punto de partida el cumpleaños veinticuatro de un hombre que intenta dominar el tiempo, a través de un necesario paréntesis. El montaje es ordenado, limpio y de ritmo sostenido, aprovechando el espacio del sótano del Teatro Juan Parra del Riego. Un dato curioso: todos los elementos que manipula el actor en escena han formado parte de la historia del grupo y del mismo actor, como un recuento del tiempo transcurrido y de la impecable trayectoria del grupo. Las funciones de Paréntesis continuarán en Arequipa, en el XII Festival Máscaras del Tiempo y luego en Argentina en el VIII Festival Del Copete y en el XV Festival De La Víspera. Espacio Libre es uno de los grupos más representativos de nuestro teatro independiente, siempre con la consigna de lo valioso que significa hacer verdadero teatro de grupo en el Perú.

Sergio Velarde
08 de diciembre de 2011

Crítica: HEBRAS

2011-11-30T19:01:00.000-08:00

HEBRAS: amor radical

Hebras, el último montaje del interesante grupo teatral Cuer2, es el más radical que se les haya visto últimamente. Palintrópolis (2006) fue un contundente retrato de nuestra caótica y salvaje ciudad; e Interruptor (2008), una acertada denuncia contra el progresivo aislamiento del ser humano, en contraste con los últimos avances tecnológicos. En ambos montajes, el director Roberto Sánchez-Piérola logró en sus actores un excelente equilibrio de sus capacidades gestuales, corporales y vocales, en beneficio de las puestas en escena. Pero en esta oportunidad, Sánchez-Piérola lleva a sus actores de siempre Roly Dávila y José Luis Urteaga al límite: confunde sus personalidades con la imposición de máscaras y el mismo corte de pelo, además de limitarlos a expresar sus emociones con sus cuerpos y no con sus voces. Los resultados son por supuesto, muy positivos, y marcan una nueva etapa en el grupo, que los llevan a radicalizar aún más sus propuestas, luego de su proceso de exploración con respecto a un sentimiento tan complejo como lo es el amor.

Las hebras no sólo están presentes en el suelo del íntimo salón de la Casona de San Marcos, en donde se viene realizando una cortísima temporada, sino también en los instrumentos musicales de cuerda (guitarra y violín) que acompañan en vivo la performance. También vemos simbólicamente los hilos que se tejen entre ambos cuerpos andróginos (jugando con el mito de Aristófanes), que amplía el término amor hacia otras variantes. Y por supuesto, las hebras que nacen de uno al convertirse en títere del otro, representadas en el mejor cuadro del conjunto. Hebras es un montaje físico, pero también poético, pues explora las relaciones humanas (ya sea amorosas, amicales o fraternas) de manera contundente y estilizada, justificando así la ausencia de texto, pues en una puesta en escena como ésta, las palabras salen sobrando.

Excelente trabajo físico de ambos actores, muy precisos en cada uno de sus movimientos, escenificando las escenas con vigor y fluidez. Acaso el tipo de montaje que se propone no sea apto para todos los públicos, pero sí confirma la madurez de Cuer2 como un colectivo comprometido con sus puestas en escena, intachable en el desarrollo de sus conceptos, y que los confirman como uno de los grupos más interesantes y coherentes de nuestro medio. Hebras podría ser llamado un montaje radical, poco convencional, pero es consecuente con la línea que se viene trazando el grupo, y es por supuesto, muy recomendable.

Sergio Velarde
30 de noviembre de 2011

Crítica: EL GATO, EL CORONEL Y 101 DÁLMATAS EN APUROS

2011-11-29T17:45:00.000-08:00

EL GATO, EL CORONEL Y 101 DÁLMATAS EN APUROS: al rescate de los canes

101 Dálmatas (1961) fue la decimoséptima película animada de Walt Disney Pictures. La historia se centró en la pareja de dálmatas conformada por Pongo y Perdy, quienes traen al mundo a un grupo de cachorros, secuestrados luego por una pareja de torpes ladrones liderados por la archi malvada Cruella de Vil, con el propósito de confeccionar su abrigo de pieles. Muchos años después llegaría la versión en carne y hueso con una desbordada Glenn Close en el papel principal. La historia tiene los suficientes atractivos como para encandilar a los más pequeños, aunque representa todo un reto llevar la trama al escenario, especialmente para representar a los 101 dálmatas. Y por supuesto, una actriz capaz de darle vida a una de las malvadas más sobresalientes y estilizadas del mundo animado.

El director Josse Fernández, egresado de la ENSAD, sí demuestra tener conocimientos y sobre todo, sentido común, sobre cómo montar un espectáculo teatral. La adaptación de la historia se centra en personajes humanos y caninos por igual. La idea de los títeres para representar a los dálmatas con la ayuda de la luz negra es ingeniosa, aunque pudo ser ejecutada con mayor orden y sin demasiada aparatosidad. La escenografía y el vestuario son funcionales para hacer avanzar la historia, aunque tengo mis reparos con el uso del playback para la canción de “Cruella de Vil”. Eso sí, el montaje debió realizarse en el estrado, ya que la disposición elegida para el escenario y las tribunas no permitieron que el 100% del público apreciara todas las acciones escénicas.

Algunos efectivos gags como el secuestro de los canes y las secuencias del espejo y del veneno, a cargo de los experimentados Fernández y Walter Huallpa, superan con creces a algunas débiles y poco claras escenas de los canes con sus dueños. La "Cruella de Vil" de Ivonne Soto se queda corta en representar la maldad y la codicia necesaria para convertirse en el centro de atención. Los personajes caninos deben delinearse mejor, a pesar de ser caricaturas de por sí. En última instancia y sin mayores contratiempos, El gato, el coronel y 101 dálmatas en apuros cumple con entretener a grandes y niños.

Sergio Velarde
27 de noviembre de 2011

Crítica: SUPER POPPER

2011-11-26T05:00:00.000-08:00

SUPER POPPER: inquietante héroe de locura

De acuerdo a una nueva ley impuesta por la ENSAD, los alumnos de actuación del noveno ciclo deben tener como mínimo 200 horas de práctica pre-profesional. Hecho curioso (por elegir el adjetivo más diplomático), pero que en todo caso nos permite ser testigos de la evolución de una puesta en escena, que valgan verdades, rebasa las expectativas generadas. Acaso se pueda suponer que una obra interpretada por estudiantes no podría ser catalogada como profesional; sin embargo, la nueva versión de Super Popper de César de María, ganadora del Premio del Jurado y público en el Festival de Teatro del ICPNA 2006, y que actualmente se encuentra en temporada en el Centro Cultural CAFAE, demuestra un profesionalismo y entrega tal, que no queda más remedio que ubicarla por encima de otros montajes supuestamente profesionales, pero que dejaron mucho que desear.

Super Popper es un héroe de historieta, que vive en la mente de Brunella, una joven que asesinó a sus padres adoptivos y que actualmente está interna en un manicomio infantil. Cuando conoce a Joe, el chico de la limpieza, ella lo confundirá con su personaje de ficción. Y Joe, con la finalidad de protegerla, asumirá esta identidad para buscar venganza. Mientras tanto, en el manicomio los internos planean una fuga, incrementándose los niveles de violencia. La obra entonces, plantea dos planos bien marcados: la realidad del sanatorio y sus alrededores, en donde ocurren violentos asesinatos; y la fantasía, en la que se mueven Brunella y Joe y sus más oscuros impulsos, representados por entes de pesadilla.

Super Popper inquieta, desenfrena, sorprende y desconcierta. Una vez que disculpamos el estilo de actuación teatral (aún en búsqueda de un naturalismo más auténtico), la puesta en escena no se detiene en ningún momento. La directora Guadalupe Vivanco aprovecha los cuerpos de los actores para lograr un montaje fluido y visceral. La Brunella de una descollante Luccia Méndez acapara y llena el espacio: es sugerente, pero a la vez sensual y conmovedora. Su encuentro sexual con el Joe de Herberth Hurtado es brutal y estilizado a la vez, ejecutado con pasos de danza contemporánea. El vestuario, el maquillaje, el empleo multimedia y los recursos escenográficos generan un ambiente irreal y atemporal. El doctor (Max Yovera) parece no escuchar o no entender el clamor de los internos y su falta de comunicación con Joe es desconcertante. Las víctimas del Super Popper también tienen mucho que decir en sus breves apariciones, bien interpretados por Melina Bonifacio y André Silva. Super Popper cumple todas las condiciones para convertirse en el montaje revelación del año, rescata un excelente texto de César De María y propone una propia visión, ejecutada con pasión y profesionalismo.

Sergio Velarde
26 de noviembre de 2011

Taller: ANITA, LA HUERFANITA

2011-11-19T12:31:00.000-08:00

ANITA LA HUERFANITA: un musical muy especial y de verdad

Una gratísima sorpresa fue el estreno, en el Teatro Auditorio Miraflores, de la comedia musical Anita, la huerfanita, basada en el espectáculo de Broadway Annie, a cargo del joven director y comunicador social Jonathan Oliveros. Se trata de un musical muy especial y de verdad; primero, porque el espectáculo es interpretado casi en su totalidad por jóvenes con síndrome de Down y retardo mental; y segundo, porque los actores cantan en vivo (como debe de ser), apoyados por un coro dirigido por Gonzalo Mendoza. Anita (encantadora Vania Castellano) es una huérfana que vive en el orfanato regentado por la señorita Hannigan (Betzabeth Misme), una alcohólica y malvada mujer que odia a la niña. Por cosas del destino, la decidida Anita entra en la vida del millonario Oliver Warbucks (Omar Del Águila), quien en un primer momento se muestra contrariado por la intrusión, aunque luego comienza a sentir afecto por la pequeña y decide adoptarla. Sin embargo, Anita sigue decidida a conocer a sus verdaderos padres, ignorando que fallecieron años atrás. Entonces, una pareja de bribones, con la complicidad de la señorita Hannigan, se hacen pasar por los padres de la niña, con las peores intenciones. La historia se sigue con interés y las magníficas canciones mantienen el brillo que convirtió a este musical en clásico. A destacar la entrega y seguridad de los jóvenes intérpretes, quienes demostraron sus dotes artísticas y musicales, bien dirigidos por Oliveros. Anita, la huerfanita es un espectáculo muy agradable, mérito de Liberarte Talleres Especiales, la primera escuela de teatro musical para personas con habilidades especiales, y a quien deseamos toda la suerte y éxitos para continuar con esta importante labor.

Sergio Velarde
19 de noviembre de 2011

Crítica: TÚ NO ENTIENDES NADA

2011-11-05T13:51:00.000-07:00

TÚ NO ENTIENDES NADA: obra peruana en estreno simultáneo

El joven artista peruano Juan José Oviedo puede sentirse afortunado, pues su pieza dramática Tú no entiendes nada, publicada en la revista Muestra N° 22, ha sido estrenada en Argentina, España y ahora en Perú. Lujo que no todos nuestros dramaturgos pueden darse. Mérito también, el haberlo conseguido con una obra poco convencional y de corta duración, adaptada por sus directores, cada uno con su particular visión. Y es que de acuerdo a la información de los montajes mencionados en la web, cada uno ha seguido la propia personalidad de sus creadores, consiguiendo espectáculos muy diferentes entre sí partiendo de un mismo conflicto: la impotencia y la depresión por no seguir los sueños propios ante el temor al fracaso, y el no arriesgarse por conformismo.

Estrenada en Mar del Plata, Argentina y dirigida por Juan Carlos Ruiz, la versión gaucha de Tú no entiendes nada recibe un tratamiento aparentemente surrealista y onírico, pero acaso sea la más fidedigna con el texto original, pues el mismo autor actúa en la puesta en escena. Por su parte, la actriz peruana Mercy Bustos se encargó de dirigirla en Madrid, España, pero con un elenco netamente femenino (ella misma incluida) y otorgándole un giro distinto a la temática propuesta por el autor. Esta versión madrileña de Tú no entiendes nada se basa en “tres mujeres que hablan de su condición de género y el maltrato que a veces reciben por tal motivo; es una obra que llega a develar el alma humana, y que propone el mundo del corazón y de la no violencia”.

La puesta en escena limeña de Tú no entiendes nada, a cargo del novel colectivo Teatro del Riesgo, le debe mucho al director Diego La Hoz, hecho que ellos mismos se encargan de reconocer. Y si bien es cierto, por momentos pareciera que estamos ante una obra de Espacio Libre, su director Paco Caparó sabe imprimirle su propia personalidad, a pesar de considerarse él mismo como un “colaborador eficaz” dentro de la realización de un espectáculo con estilo “pastrulo”. Los actores Omar Del Águila, Jonathan Oliveros y Daniela Rodríguez demuestran en escena sus evidentes recursos interpretativos y corporales, a pesar de no estar del todo clara la primera parte de la obra. Pero acaso esto no sea del todo importante, ya que la obra contiene suficientes imágenes contundentes y creativas, con el apoyo multimedia y un original vestuario, además de tomar forma el mensaje del autor en la parte final. Los estrenos en simultáneo de Tú no entiendes nada, una pieza interesante pero menor de un joven dramaturgo peruano, son motivos suficientes para celebrar.

Sergio Velarde

05 de noviembre de 2011

Crítica: DE REPENTE, UN BESO

2011-11-05T07:48:00.000-07:00

DE REPENTE, UN BESO: triángulo amoroso en los noventa

Luego de dos puestas en escena con aciertos parciales estrenadas este año, como lo fueron Sangre como flores y Demonios en la piel, el dramaturgo Eduardo Adrianzén puede sentirse satisfecho por los resultados obtenidos con De repente, un beso, un reestreno tardío de su debut teatral (allá por 1995 en el Teatro Británico con la dirección de Pipo Gallo y la actuación de un trío de ases: July Natters, Gabriela Bilotti y Carlos Mesta), gracias principalmente a la acertada (y virtualmente infalible) dirección del experimentado Carlos Acosta, en el acogedor espacio de Teatro Racional.

De repente, un beso aborda el tema de la soledad en un trío de treintones de clase media, en plena década de los noventa, en medio de canciones de Avril Lavigne y Cristina y los subterráneos. Las frustraciones intelectuales, la incapacidad de comprometerse y la vida que avanza sin dar tregua ni respiro, afectan las relaciones sentimentales de los tres protagonistas: la esposa y madre aburrida de su vida; la productora de televisión incapaz de mantener una relación estable; y el profesor universitario sin rumbo fijo. A lo largo de la obra los tres se conocen, dialogan, discuten, se amistan, tienen relaciones, se juntan, se separan; todo narrado en un tono coloquial y contemporáneo, que engancha al espectador hasta el final. Adrianzén consigue un fiel retrato de toda una generación en un tiempo determinado de nuestra historia.

Como en todo montaje de Carlos Acosta, las actuaciones son sobresalientes: Jackeline Vásquez, Maricarmen Valencia (gran improvisadora a quien vimos en El baúl mágico) y Luis Alberto Urrutia (actor de reparto en la notable Los cachorros) asumen sus roles con gran convicción, logrando un trabajo en conjunto muy parejo y transmitiendo con precisión y veracidad sus motivaciones. El íntimo espacio de Teatro Racional resulta inmejorable para sentirnos cómplices de la historia. La puesta en escena avanza sin tropiezos, con momentos dramáticos y cómicos en perfecto equilibrio. Gran acierto el mantener la puesta en escena en los noventas. Adrianzén y Acosta logran con De repente, un beso un excelente montaje, fresco, melancólico y divertido, que retrata con acierto la atemporal soledad dentro de nuestra vida cotidiana.

Sergio Velarde
06 de noviembre de 2011

Crítica: EL AMOR YA NO ES LO QUE ERA

2011-10-30T15:56:00.000-07:00

EL AMOR YA NO ES LO QUE ERA: ¿hasta cuándo la informalidad?

Con ese afiche ya todo estaba “cantado”. Asistir al cómodo y nuevo Teatro Auditorio del colegio Miguel Grau en Magdalena para ver la obra El amor ya no es lo que era, comedia escrita y dirigida por Federico Merani, es como entrar en una máquina del tiempo y retroceder varias décadas, cuando supuestamente todavía no se “descubría” el verdadero potencial que tenía el teatro en sí como medio de comunicación, como herramienta para emocionar y cuestionar al público, y por supuesto, como un sano e inteligente entretenimiento. Pues Merani no es Osvaldo Cattone, tampoco es Tito Salas, y por lo tanto no puede salvar su débil y además dilatada comedia de enredos, que cuenta con un irregular elenco (que él mismo integra) y con una dramaturgia fallida, plagada de situaciones en absoluto inverosímiles.

La historia va como sigue: Renato (Havier Arboleda) es un mujeriego incorregible, dueño de una empresa con obreros varones exclusivamente, a punto de cumplir 45 años, divorciado tres veces y con ansias de encontrar el verdadero amor. Como El amor ya no es lo que era, sus grandes amigos, el homosexual Virgilo ( Merani) y el bisexual Carlos (Renato Iberico), sólo parecen complicarle su existencia, especialmente con la aparición de un amor del pasado de nombre Talula (debut de la cantante Ghiis), quien busca recuperar el tiempo perdido. Toda la trama no tiene ni pies ni cabeza, con algunas pinceladas de humor involuntario y nada más. Acaso el hacer mención que aparece un bebé siendo cargado con toda naturalidad dentro de una maleta para pizzas (!), sea suficiente para entender el supuesto humor del director.

Las actuaciones, a pesar de los esfuerzos de un actor entrenado como lo es Iberico, nada pueden hacer para hacer creíble o al menos, medianamente entretenida, la imposible historia de amor, pues como ya sabemos, El amor ya no es lo que era. Finalmente, y de acuerdo a la publicidad que “adorna” el afiche, se debe señalar que la presente obra tuvo su estreno mundial aquí, antes del propio en las ciudades de Los Ángeles, Buenos Aires, Bogotá, Off Broadway y Madrid (sic). Ojalá encuentre su público objetivo por esos lares, pues acaso por allá El buen teatro ya no es lo que era.

Como nota adicional, al investigar sobre el pasado del dramaturgo y director Federico Merani, descubro que escribió y dirigió una obra el año pasado llamada Los indestructibles, protagonizada por Cecilia Tosso y Gustavo Mac Lennan, producida por Vicky Paz y estrenada en el Teatro Auditorio Miraflores. Así lo confirman el portal ADONDEVAMOS.PE y el periodista Ernesto Jerardo “La Estrella”. Lo que no mencionan ambos medios es que dicha obra no es otra que Dinosaurios, comedia escrita y dirigida por el dramaturgo argentino Santiago Serrano, tal como lo demuestra su página oficial y lo confirman las sinopsis de las notas de prensa aparecidas sobre Los indestructibles, en donde Merani no hace mención alguna al verdadero autor de su montaje. Una lástima que a estas alturas se continúe con la informalidad en un nuestro medio teatral. Una pena, pues La informalidad en el teatro sigue siendo aún lo que es.

Sergio Velarde
30 de octubre de 2011

Crítica: NAVAJA EN LA CARNE

2011-10-28T21:47:00.000-07:00

NAVAJA EN LA CARNE: una mirada a nuestras miserias

Plinio Marcos es un autor brasilero que se caracteriza por retratar las miserias de los parias de la sociedad, sin dejar de exponer con sutileza sus sentimientos y sus motivaciones. En Perdidos en una noche sucia (acaso su obra más representada en nuestro país y que encontró su montaje ideal, obviamente, en el dirigido por Jerry Galarreta), Marcos expone la tirante relación de dos delincuentes que luchan a muerte por un par de zapatos que podrían rescatarlos de su dura realidad. La crudeza del intercambio verbal de los personajes resulta siempre lo más destacable del drama. Actualmente se viene presentando en la AAA, con la producción de Pasión Mystica Teatro, Navaja en la carne, otra mirada del autor a un puñado de personajes que habitan en zonas marginales y su desesperanzadora vida, de la cual aparentemente no pueden ni quieren escapar.

La pieza Navaja en la carne (escrita en 1967, pero que aún posee contundente actualidad) nos traslada a una sucia habitación en la que conviven una cansada y recorrida prostituta con su abusivo proxeneta; la convivencia es atroz, pero ambos parecen estar conformes con su miserable estilo de vida; especialemente ella, quien es sometida a una terrible agresión física y sicológica por parte de él. La desaparición de un dinero dentro del cuarto trae a escena al homosexual encargado de la limpieza, quien saca a relucir la sordidez de la pareja, que termina en un brutal duelo verbal. Los diálogos, de fuerte carga erótica y contenido vulgar, son contundentes y recrean el insoportable ambiente en el que los personajes se encuentren inmersos.

El ahora director José Medina (antes actor de reparto en todos los montajes de Pasión Mystica Teatro) propone un sencillo y directo montaje, con mínimos cambios de luz y efectos de sonido, privilegiando la acertada construcción de los personajes marginales que participan en la historia. Javier Quevedo convence como el bravucón protagonista, especialmente en su ensañamiento con la prostituta; y Santiago Moreno se luce como el divertido homosexual, cuando intenta seducir al matón. Mención especial para Jacqui Chuquillanqui, quien hace creíble la desesperanza de su otoñal prostituta, así como su absurda decisión de someterse día a día al lado del hombre que más la humilla. Y es que Chuquillanqui es creíble y se mueve con igual solvencia en drama y comedia. Navaja en la carne de Plinio Marcos es un modesto pero contundente retrato de las miserias del ser humano.

Sergio Velarde
29 de octubre de 2011

Teatro universitario: LOS ÁRBOLES MUEREN DE PIE

2011-10-23T19:39:00.000-07:00

LOS ÁRBOLES MUEREN DE PIE: teatro universitario en buena forma

Este año la Universidad Privada Antenor Orrego fue la sede del XVI Encuentro Nacional de Teatro Universitario Peruano y del I Encuentro Internacional de Teatro Universitario, que se desarrolló desde el 17 al 22 de octubre en la ciudad de Trujillo. La coordinación de este evento estuvo a cargo de la Coordinadora Nacional de Teatro Universitario Peruano (CONTUP), que dirige el Lic. Raúl Vásquez, también director del elenco de la Universidad Inca Garcilaso de la Vega. Justamente la obra que presentó dicha universidad en el mencionado evento fue Los árboles mueren de pie, una de las obras más populares y recurrentes de Alejandro Casona. Sobre el montaje, hay que recalcar la valoración de un hermoso texto, en el que se mezclan el drama, la comedia, la esperanza y la emoción. La historia juega con el engaño del señor Balboa, quien busca desesperadamente ocultarle la verdad a su esposa acerca del destino y de la maliciosa personalidad de su nieto. Vásquez debe corregir algunos aspectos técnicos, pero acierta con la riesgosa elección de un actor para el papel de la abuela. Felizmente Luis Espinoza, a pesar de no ser un actor profesional, otorga la dosis exacta de ternura y fuerza para no caer en el fácil estereotipo. El resto del elenco cumple satisfactoriamente, aunque algunas caracterizaciones, como la del personaje de la criada, deben revisarse. Esta versión de Los árboles mueren de pie, a pesar de ser ejecutada por un elenco aficionado casi en su totalidad, resulta mucho más coherente y sincera que otros montajes, supuestamente profesionales, pero que dejan entrever su lamentable informalidad. Pero ya escribiremos de ello muy pronto.

Sergio Velarde
23 de octubre de 2011

Crítica: VISITANTE NO IDENTIFICADO

2011-10-22T06:12:00.000-07:00

Visitante no identificado: curiosos encuentros cercanos

Discurre en ciertos círculos un errado concepto sobre la producción en el teatro independiente: creer que el economizar significa por ejemplo, contar con un elenco cada vez más reducido, que interprete varios personajes en la obra; convocar a una persona sin entrenamiento previo y sin la mística teatral obligatoria para apoyar en la parte técnica; y un promotor que escriba, actúe, dirija y produzca la obra, sabiendo de antemano que no podrá cumplir al 100% sus deberes, en demérito de la puesta en escena. Es necesario dejar sentado que cualquier carencia que pueda afrontar un grupo de teatro independiente (¿qué grupo no tiene problemas en producción en estas épocas?) debe ser resuelta de manera creativa por parte de los responsables del proyecto. Y por supuesto, tomando en cuenta siempre el respeto hacia el sufrido público, que frecuentemente hace las veces de conejillos de indias. Felizmente, esta mentalidad poco a poco está desechándose, gracias a la calidad de la mayoría de teatristas independientes.

Acaso importe este comentario antes de reseñar la nueva puesta en escena de La Caja de Oropel Producciones, estrenada en el Teatro Auditorio Miraflores, titulada Visitante no identificado. Un freak llamado Odiseo (Alfonso Pagaza), ávido por descubrir la existencia de vida extraterrestre, encuentra en la calle a un misterioso ser llamado Xadón (Edward Montano), quien afirma haber sido abandonado en este planeta por expedicionarios del planeta Tryor. La comunicación entre ambos personajes es posible, gracias a los conocimientos de Odiseo en el idioma de Xadón. Así se inicia el aprendizaje por parte del supuesto extraterrestre para poder sobrevivir en nuestro mundo. Sin embargo, las apariencias engañan y ambos personajes finalmente revelarán sus verdaderas intenciones. Si bien la historia resultó interesante por momentos, la caótica operación de luces y sonido, así como el retraso en el inicio de la función y los largos cambios de escena, le restó demasiados puntos al montaje, debido principalmente a la inasistencia del operador de luces y sonido, que tuvo que ser reemplazado a última hora.

Al autor, director y actor de Visitante no identificado, Alfonzo Pagaza, le pasa factura el pretender abarcar demasiadas funciones en el montaje, pues esto conlleva al descuido de esos detalles técnicos, que pueden parecer triviales en un inicio, pero que terminan por arruinar la función. Los dilatados cambios de escena pueden ser corregidos, ya sea con la presencia de más apoyo en tramoya o utilizando creativamente las luces. A estas alturas, el apagón y la interminable música de fondo pueden ser sustituidas de mil maneras con creatividad. Contar con un técnico que pueda faltar a una función, sea cual sea el motivo, denota una enorme irresponsabilidad pues su labor es crucial para el espectáculo. Ni siquiera el director pudo asumir esta función, ya que participó en el montaje como actor. Actuar y dirigir a la vez son dos responsabilidades muy grandes para una sola persona; la decisión de asumir ambas debe ser tomada con mucha prudencia y siempre tomando en cuenta el no descuidar la calidad del espectáculo. De las tres funciones que asume Pagaza en la obra, la que tiene mayor mérito es la de dramaturgo, pues Visitante no identificado tiene una historia curiosa que bien pudo ser mejor aprovechada.

Sergio Velarde
22 de octubre de 2011

Entrevista: ALONSO CHIRI

2011-10-14T18:29:00.000-07:00

ALONSO CHIRI: pasión por el teatro

El Teatro de mi Vida es un muy visitado blog creado por un joven apasionado de las artes escénicas y lleno de una energía desbordante: Alonso Chiri, sobrino nieto de la teatrista María Isabel Chiri, quien gentilmente atendió nuestro pedido para una entrevista en El oficio crítico, con motivo de celebrarse los dos primeros años de su bitácora teatral, en la que entrevista a actores y directores; además de comentar estrenos teatrales en nuestra capital. “Al inicio, yo mismo me puse de sobrenombre Alonso El Champiñón”, recuerda Alonso. “En las reuniones familiares siempre éramos mi computadora y yo. Era muy tímido y calladísimo”. Una historia muy conocida para todos aquellos que estamos inmersos en el mundillo teatral (incluido quien escribe). “Hace 4 años mi papá me llevó a ver varias obras, entre ellas una obra de Moliere en el Centro Cultural de La Católica. Luego de la función no podía dejar de hablar de ella. Estaba “alucinado” con los actores, las luces, con todo. Algo hervía dentro de mí”, recuerda emocionado. Fue así que esa energía interna que Alonso sentía hacia el teatro, se volcaría después en un interesante blog que existe desde el 2009.

“Entré primero al Taller que dictó Oscar López Arias, luego de ver dos de sus obras: Arsénico y encaje antiguo y El mentiroso”, recuerda Alonso, quien se volvió en el alumno más empeñoso del taller. “Para cada cosa que Oscar pedía, yo levantaba la mano. Oscar tuvo que pedirme después que le diera la oportunidad a los demás compañeros”. Luego Alonso llegó (cómo no) al Club de Teatro de Lima, la ya mítica institución teatral a cargo del señor Reynaldo D’Amore. “Estuve sólo dos años en el Club”, precisa el bloggero, quien también tenía que atender sus estudios de Ingeniería de Sistemas en la Universidad San Martín. “En el Club me enseñaron Gerardo Cárdenas y Pold Gastello. Con Gerardo reforcé mi parte creativa, teníamos que inventar historias en 15 minutos. Con Pold tuve las cosas más claras, ya que inmediatamente comenzamos los ensayos de nuestra muestra, que se llamó La vida sigue igual de Emilio Carballido”.

La génesis del blog

Sobre la creación del blog El Teatro de mi Vida, Alonso nos cuenta que “todo comenzó en el Teatro La Plaza Isil, cuando asistí, invitado por mi amiga Gloria Farfán, a ver la obra Incierto Concierto. En la obra, Gisela Ponce de León juega con el público y me sacó a escena a participar. Fue muy emocionante. Esa noche no pude dormir ni de madrugada, estaba lleno de energía y decidí crear el blog”. Elegir el nombre fue tarea difícil, ya que el que más le gustaba ya estaba tomado: Tu vida es puro teatro ya era el blog del dramaturgo César De María. “Fue así que decidí llamarlo El Teatro de mi Vida, escribí todo lo que ya comenté y listo”. Alonso trata de abarcarlo todo, aunque sabe lo difícil que esto puede resultar. “Lo que yo quiero hacer es contarles a todos sobre el gran trabajo que realizan los actores y directores”, cuenta entusiasmado. “Hacer una obra de teatro cuesta, es mucha “chamba”, sudor y sufrimiento. Quiero compartir todo este proceso con los que visiten el blog".

Una anécdota muy simpática fue la que tuvo cuando entrevistó al actor Carlos Tuccio. “¿Eres pariente de Manuel Chiri?, me preguntó. Le contesté que sí y luego me dijo que conocía a mi tío abuelo del trabajo en el banco, y a mi tía abuela del teatro. Fue una conversación muy divertida e interesante”. Alonso considera que él es el único de la familia que heredó la “locura” del teatro, si bien es cierto tiene primos y primas que también actúan. “Siento una pasión desbordante por el teatro y me demoro hasta más de 12 horas en preparar cada una de las entradas a mi blog”. También afirma que uno de los grandes problemas que afectan al teatro actual es la falta de comunicación y unión entre los teatristas. “Fue una sorpresa para mí conocer a tantos actores y directores en la reunión que se realizó con la ministra. Tenemos que conocernos más para poder estar unidos”, afirma.

Finalmente Alonso Chiri les da un consejo a aquellos jóvenes que deseen incursionar en el teatro y que sienten la misma pasión por él. “La actriz Ana Cecilia Natteri me dijo algo muy sabio: Excelente que el teatro te haga volar, pero debes tener algo que te haga retener tus piececitos en la tierra. Si te gusta la actuación o el teatro, aprende algo, estudia algo”, concluye Alonso. Desde El oficio crítico le deseamos mucho éxito con su blog El Teatro de mi Vida y que su pasión desbordante por el teatro nunca se extinga. El teatro necesita de comunicadores como él.

Sergio Velarde
14 de octubre de 2011

Crítica: TODAS LAS SANGRES

2011-10-10T19:09:00.000-07:00

TODAS LAS SANGRES: Arguedas siempre vigente

Sumándose al centenario del nacimiento de José María Arguedas, como ya lo hiciera el grupo Teatro del Sol y su obra Mitos de fuego, el Taller de Teatro Zapatos Rotos rinde homenaje a nuestro ilustre hombre de letras, quien reivindica como ningún otro a los forjadores andinos. Acaso lo que diferencia a Arguedas de otros indigenistas es el ver al indio desde dentro. Despreciado por su madrastra al morir su padre, es obligado a dormir en la cocina con los indios y convivir con ellos. Es por ello que en su obra involucra aspectos económicos, sociales, políticos y religiosos dentro de la cultura occidental, revalorando al mundo andino, la comunión con la naturaleza y especialmente, la justicia.

La trascendental obra de José María Arguedas, Todas las sangres, adaptada al teatro por Áureo Sotelo y presentada por el Consorcio Cultural La Compañía en Los Olivos, es un crudo retrato de la situación social del gamonalismo andino anterior a la reforma agraria de Velasco. El suicidio del viejo hacendado Andrés Aragón y Peralta (Freddy Miranda) provoca que su herencia sea repartida entre sus hijos Bruno (Roger Guerrero) y Fermín (Martín Sepúlveda), ambos con caracteres muy diferentes. En medio de ellos, el minero Rendón Willka (Miguel Cano) se convierte en el digno héroe que defiende los derechos de los indios; mientras que el inescrupuloso ingeniero Cabrejos (Jhimi Zegarra), en el malvado intrigante que sólo busca su conveniencia económica.

El director Arturo Fernández saca partido a su joven y numeroso elenco, muy entusiasta y enérgico, para mantener el ritmo de la obra interpretando a varios personajes cada uno; además de aprovechar el reducido espacio que dispone con paneles y cubos. La utilización de algunas máscaras y el vestuario enriquecen la puesta, así como el baile y música en vivo. Acaso el recargado maquillaje en las caracterizaciones, como en el caso del patriarca don Andrés, desentone debido a la cercanía del público con los actores. Los movimientos corporales durante las escenas con diálogo son coherentes, pero también deberían estar presentes en las escenas con Matilde (Ginger Apaza). A destacar también el personaje de Asunta (Sandra Quiroz), muy preciso y convincente. Todas las Sangres de Arguedas es una obra coral en donde se encuentran todas las razas y culturas del Perú, y que el Taller de Teatro Zapatos Rotos se encarga de mantener vigente.

Sergio Velarde
10/10/11

Crítica: PEDRO Y EL CAPITÁN

2011-10-08T09:25:00.000-07:00

PEDRO Y EL CAPITÁN: conmovedora lucha psicológica

Pedro y el capitán, obra de teatro escrita en 1979 por el escritor y poeta uruguayo Mario Benedetti, nos remite a una época muy cercana a nuestra realidad: los interrogatorios entre las fuerzas del orden y los detenidos por apoyar causas izquierdistas durante la dictadura militar uruguaya. La misión del capitán en cuestión es la de averiguar datos y acciones de los implicados en las manifestaciones contra el régimen; mientras que la de Pedro, ocultar y proteger a sus colaboradores, a pesar de las terribles amenazas y castigos que sufre. La violenta etapa de la historia reciente de Uruguay es muy reconocible por nosotros, ante las reiteradas denuncias de abusos cometidos contra los presos políticos. Pero, más allá de las motivaciones de ambos personajes, erradas o no, la pieza nos envuelve en una dilatada y emocionante lucha psicológica.

Dividida en cuatro cuadros, Pedro y el capitán nos muestra un vibrante diálogo entre el mencionado capitán, representante de las fuerzas armadas; y Pedro, víctima de la persecución a los activistas de las ideologías de izquierda durante la dictadura militar de su país. Los brutales abusos físicos cometidos contra el preso no son mostrados en el escenario, pero sí sus consecuencias. En el primer cuadro, Pedro no pronuncia una palabra, siempre encapuchado con un sucio costal, negándose a delatar a sus socios ante las insistentes preguntas y amenazas del capitán. El mismo resultado obtiene el capitán en los siguientes interrogatorios, pero ahora él es quien comienza a relatar anécdotas familiares, las figuras de autoridad parecen modificarse, hasta producirse el quiebre emocional del capitán en el último acto.

La puesta en escena de Pedro y el Capitán, dirigida por Jimena Del Sante, acierta al elegir su espacio: el sótano del Centro Cultural Juan Parra del Riego es lo suficientemente oscuro, húmedo y claustrofóbico como para semejar un intimidante calabozo subterráneo. El capitán, interpretado por José Miguel Arbulú, inicia el interrogatorio con mucha energía y llega a ser realmente perturbador. Sin embargo, algunos detalles como su particular orden y su obsesión por la limpieza no son coherentes del todo cuando, por ejemplo, manipula el costal ensangrentado y sucio de Pedro, colocándolo junto al café sobre su mesa. Acaso lo sobresaliente del montaje sea la actuación de Ray Álvarez como Pedro, quien hace creíble a este torturado, que nunca revela su secreto y quiebra sicológicamente a su torturador. Algunas escenas, como la onírica, en la que Pedro se libera metafóricamente de sus ataduras, son arriesgadas pero ajustadas a la propuesta de la directora. Las luces y los sonidos apoyan la recreación del ambiente. Pedro y el capitán es una pieza bien ejecutada, sólida y conmovedora, que retrata con acierto la lucha ideológica entre dos hombres no muy diferentes entre sí.

Sergio Velarde
08 de octubre de 2011

Muestra: LOS GIGANTES DE LA MONTAÑA

2011-09-28T20:42:00.000-07:00

LOS GIGANTES DE LA MONTAÑA: Pirandello según Riboty

Carlos Riboty tiene una presencia constante en nuestra historia teatral. Fue fundador del Movimiento de Teatro Independiente del Perú (MOTIN) y condujo los laboratorios teatrales con el elenco de Cuatrotablas en el Instituto Italiano de Cultura de Lima, que dieron como resultado los siguientes espectáculos: Incas Trágicos (2002), El Infierno de Dante (2004) y Sacrosanto Pasolini (2006). Para esta oportunidad, dentro del XII Festival Internacional de Teatro de Grupo, se eligió al gran dramaturgo italiano Luigi Pirandello y una de sus obras más exigentes, Los gigantes de la montaña, que aborda la conflictiva relación entre una troupé de actores y su comunidad, y que le sirve al director para exponer sus puntos de vista sobre las importantes raíces que tiene un pueblo, sus costumbres, sus ritos y su mística propia. Las excelentes actuaciones de Rocío Antero Cabrera, Raúl Durand, Pilar Ochoa, Sonia Franco y Wady Fulton, quienes nos muestran sus innegables virtudes interpretativas, musicales y plásticas, nos hacen olvidar a menudo del conflicto mismo de la obra. Los gigantes de la montaña, obra inconclusa de Pirandello no será considerada como un espectáculo teatral por su mismo director, pero sí es un genuino y entretenido experimento escénico, con alma y vida propia, que nos acerca a un interesante director como lo es Carlos Riboty.

Sergio Velarde
28 de setiembre de 2011

Crítica: ESTRÉS

2011-09-14T20:41:00.000-07:00

ESTRÉS: disminuyendo tensiones en tres actos

El grupo Puesta viene presentando desde hace algunos años un notable repertorio de comedias claun, con diversos temas de interés general para desarrollar hilarantes e ingeniosas historias: Clauning Perú (2005) aborda la relación del peruano con sus referentes patrios (la bandera, el himno), la corrupción de la justicia, el racismo y la ausencia de un congreso sensible a los problemas de hoy; y en Doctor Gen (2007), las peripecias de una pareja para poder concebir un hijo con ayuda de la medicina y la ciencia más disparatada. Cada puesta en escena destacaba por su creativa realización y por el excelente desempeño actoral. Pues bien, Estrés es el nombre de la sexta puesta del Grupo de Teatro Puesta, espectáculo claun estrenado en el Centro Cultural CAFAE de San Isidro, bajo la dirección de Luis Gustavo Gonzales, quien esta vez busca relajarnos del estrés con una historia por triplicado, que nos demuestra que al fin y al cabo, no todo es tan malo como parece.

Utilizando los nombres de los mismos actores, la historia que presenta Estrés incluye a un variopinto grupo de personajes, todos ellos relacionados de alguna manera entre sí y agobiados por sus propios problemas: el hijo rebelde, la estricta directora, la pareja disfuncional, el padre en búsqueda de su hijo abandonado y otros, inmersos en una trama imposible pero cautivante. Todos ellos encuentran un trágico final al terminar el primer acto. El drama resulta intachable, pero felizmente Estrés es un montaje del grupo Puesta, así que la comedia no demora en hacer su aparición. En el segundo acto, los actores vuelven a interpretar la misma historia, pero esta vez en clave de comedia, relajando el ambiente y convirtiendo el conflicto en un divertidísimo enredo plagado de hilarantes situaciones. El último acto, ahora en clave de claun, remata un impecable espectáculo de humor, que busca a través de este supuesto experimento, disminuir las tensiones generadas por el estrés.

El elenco debía ser creíble en las tres secuencias de la obra: el drama, la comedia y el claun. Todos los actores cumplen a cabalidad este requerimiento, especialmente Cynthia Schreiber, Rossana Ramón, Jonathan Oliveros y el propio Luis Gustavo Gonzales, quien nuevamente acierta en su doble función como intérprete y director. Estrés es un montaje muy recomendable para relajarse luego del terrible estrés que vivimos en nuestro día a día, y por supuesto, es un agradecido regreso del grupo Puesta a nuestra cartelera teatral, y en su mejor forma.

Sergio Velarde
14 de octubre de 2011

Crítica: FELIZ ANIVERSARIO

2011-08-30T16:55:00.000-07:00

FELIZ ANIVERSARIO: comedia feminista con las mejores intenciones

Desde la Nora en Casa de muñecas de Henrik Ibsen, un autor que se atrevía a hablar en un mundo “todavía” retrógrado sobre la plena igualdad entre el hombre y la mujer en la sociedad y en la familia, hasta la Alicia de Entonces Alicia cayó de Mariana De Althaus, una autora contemporánea que pone hábilmente en el tapete la maternidad, las damas siempre han adornado los escenarios en múltiples situaciones, ya sea cómicas o dramáticas. Actualmente, las protagonistas femeninas han dejado huella en nuestro teatro independiente: la Elektra de Sófocles y sus ansias de venganza; la Paula de ¿Qué tierra heredarán los mansos? de Estela Luna, capaz de provocar por interés el embarazo de su hija; o las arribistas hermanas de La otra Bolena de Philippa Gregory, capaces de concebir sólo por complacer interesadamente a su Rey.

Pues bien, la protagonista de Feliz Aniversario de Adolfo Marsillach, estrenada en el Teatro Auditorio Miraflores, es Lidia Constanza, una inteligente mujer pero sumisa e ingenua en extremo, que ha tomado la decisión de cambiar de manera radical su vida, en plena celebración de su cumpleaños número 50. Es así que somos testigos de su historia a través de sucesivos flashbacks, en los que aparecerán los principales personajes que la han acompañado en vida: la amiga fashion, la vecina chismosa, la hija rebelde, el novio estrafalario, hasta su actual situación: estar casada con un hombre infiel. Las escenas se suceden con fluidez y humor, a pesar de ser conflictos vistos mil veces. El final de la pieza, con esposo y amante en la misma habitación en donde Lidia Constanza festeja su onomástico crea la duda acerca de la decisión que tomó y que se avizoraba desde un inicio.

El director Pold Gastello se anima a retomar una obra que anteriormente ya había montado en el Club de Teatro de Lima, a modo de muestra de estudiantes, hace algunos años. En aquella oportunidad, hábilmente hizo recaer el rol principal en dos de sus alumnas (Katherina Sánchez e Isabel Castañeda, ambas vistas en escenarios este año), quienes supieron aprovechar mejor los largos monólogos, ya sea compartiendo o intercalando los cuadros, dotándolos de gran dinamismo, cada una en su estilo. En el presente montaje, la joven actriz y productora Erika Brutton es lo suficientemente carismática como para sostener ella sola con eficiencia a su Lidia Constanza, pero definitivamente no aparenta ni por asomo tener 50 años y no aprovecha del todo la locura que este personaje lleva en su interior. El resto del elenco sirve como buen soporte, pero desentona la presencia del actor español Luis Gonzalez, quien debe mejorar su dicción para no volver ininteligible su personaje. Feliz Aniversario de Adolfo Marsillach es una amable comedia plagada de buenas intenciones y que finalmente, se deja ver.

Sergio Velarde
30 de agosto de 2011

Crítica: LA OTRA BOLENA

2011-08-24T21:16:00.000-07:00

LA OTRA BOLENA: intenso drama aún en ciernes

Basada en la novela escrita por Philippa Gregory y en la película La otra Reina, la nueva apuesta de la Asociación Cultural Entre Cajas es La otra Bolena, dirigida y protagonizada por Oswaldo Bravo, quien interpreta nada menos que al Rey de Inglaterra Enrique VIII. El drama comienza cuando el monarca, ante la desesperación por su esposa, la reina Catalina de Aragón, quien no le ha podido dar el hijo varón que necesita para consolidar su reino, conoce a las hermanas Ana y Mary Bolena. Los inescrupulosos padre y tío de las jóvenes verán esta oportunidad para ascender socialmente y así se inicia una serie de romances e intrigas, que darán como resultado final la muerte de una de las hermanas, acusada de incesto. La puesta en escena en general todavía luce en proceso de maduración, hecho que al menos no distrae demasiado de los aciertos de la intensa dramaturgia.

Cada obra teatral tiene puntos a favor y en contra. La otra Bolena presenta algunas serias dificultades que su director debe prestar atención: la elección de actores con edades diferentes a la de los personajes que interpretan, perdiendo así veracidad en sus acciones y motivaciones; se hace extrañar una mayor profundidad en las personalidades de los personajes principales, cuyas acciones se tornan por momentos inverosímiles, aún para los cánones de la época que intentan representar; los cambios en escena y el movimiento de tramoya por parte de los actores es aún errante e impreciso. Lo mejor de la puesta en escena es el cuidado vestuario, que recrea con acierto la época isabelina, pero que durante la obra no sufre ninguna mancha en medio de los numerosos partos y abortos de las protagonistas. Las luces también podrían colaborar con la recreación y delimitación de espacios, cuando éstas se integren con mayor precisión y cuidado al espectáculo.

Las actuaciones son todas esforzadas, pero no pueden sobresalir aún en medio del desorden de las acciones en escena. Algunas buenas escenas a cargo de los actores Fiorella Cordano como la reina Catalina y Mario Soldevilla como el fiel Stafford, mantienen el interés del drama. Curiosa la presencia de una excelente y recuperada actriz como lo es Ruth Razzeto en un papel bastante menor que no aprovecha su enorme registro dramático. Es obvio que uno de los principales problemas del teatro independiente es a menudo, la falta de tiempo prudente de ensayo, y este espectáculo es prueba de ello. La otra Bolena, estrenada en el Teatro Augusto B. Leguía en el Parque de la Amistad, es un intenso e interesante drama que logrará despegar, cuando todos los elementos en escena logren cuajar de manera coherente y fluida.

Sergio Velarde
24 de agosto de 2011

Crítica: AQUÍ EN LA TIERRA

2011-08-21T08:15:00.000-07:00

AQUÍ EN LA TIERRA: adecuada elección y digno montaje

Es innegable virtud de un director con sentido común el saber elegir la obra precisa para el grupo humano que dirige. En el caso de contar con jóvenes actores aún en proceso de aprendizaje, una de las elecciones más sensatas es la de escoger una pieza en la que se luzca el trabajo coral, en la que el protagonismo no recaiga en unos cuantos personajes, sino por ejemplo, en un conflicto interesante y cautivador. Fue así que la Asociación Cultural Última Orilla recupera sus brillos iniciales conseguidos con su primer proyecto El señor de las moscas, luego del traspiés que significó Demonios en la piel, con la obra Aquí en la tierra, una adaptación basada en la original de Fritz Hochwälder y en la emblemática película La misión, película británica de 1986 dirigida por Roland Joffé.

Presentada en el teatro Julieta (convertido ahora en la sede oficial del grupo) Aquí en la Tierra aborda la historia de las reducciones jesuíticas en Paraguay y en especial, de Rodrigo Mendoza, un traficante de esclavos que asesina a su hermano por traición y encuentra la redención hermanándose con los indígenas, a quienes antes cazaba y esclavizaba. Los intereses particulares generarán la pronta desaparición de estas organizaciones, que es enfrentada por un grupo liderado por Mendoza y algunos jesuitas que se oponen a esta determinación. El director sabiamente reparte equitativamente el peso dramático entre todos los actores, centrando la atención en el nudo dramático, en el que la religiosidad no es el tema central; es la fe de algunos seres humanos que se convierte en esperanza de aquellos grupos minoritarios que eran, en épocas no tan lejanas, tratados como seres inferiores. Las motivaciones opuestas de los personajes en pleno siglo XVIII, la modestia y la soberbia, la obediencia y la desobediencia, pasividad y acción desesperada, reivindica la sincera caridad de algunos creyentes, frente al autoritarismo de la Iglesia en aquella época.

Gracias a la elección de esta obra coral y como ya anotamos, en el que se destaca la labor en grupo, los personajes son asumidos con bastante convicción por el elenco, pero que definitivamente necesita un ajuste por parte de la dirección de actores en determinados monólogos y escenas discursivas. La dicción, el volumen de voz y la sobreactuación deben ser manejadas con mayor rigurosidad, pero que en última instancia no interfieren con el desarrollo dramático del espectáculo, hecho clave que se debe agradecer. Aquí en la tierra es un paso adelante en la trayectoria de la joven asociación cultural Última Orilla, supera largamente a su anterior montaje, y se hace evidente una necesidad de parte del director Paco Solís Fúster para trabajar aun más con el entusiasta y comprometido elenco que cuenta para su próxima aventura, que obviamente esperamos con gran expectativa.

Sergio Velarde
21 de agosto de 2011

Crítica: LA CHICA DEL MAXIM

2011-08-14T15:00:00.000-07:00

LA CHICA DEL MAXIM: amable comedia de enredos

Luego de un tiempo dedicado a la reseña de puestas en escena de teatro independiente, tuve la oportunidad de asistir al point de moda, la nueva sucursal en donde sucede el “mejor” teatro hecho en el país (según “críticos” en planilla): el Teatro Peruano Japonés en Residencial San Felipe, para ver la comedia La chica del Maxim del dramaturgo francés Georges Feydeau, nueva apuesta de La Plaza ISIL y Raquel en Llamas, dos “íconos emblemáticos” de nuestro nuevo teatro peruano (ensalzados por la prensa miope) y con la dirección del multinominado y multipremiado (por El comercio y afines) Juan Carlos Fisher. Cabe resaltar que este humilde servidor no tiene nada en contra de los responsables de este espectáculo (la mayoría de ellos de innegable y comprobado talento), pero sí contra aquellos periodistas que sólo tienen “espacio” para ellos en sus páginas y lista de recuentos y premios anuales. Y obviamente, para las tan necesarias promociones para suscriptores. Sin embargo, debo decir que sin llegar a convertirse en la “obra comercial del año” (aunque es de esperarse su mención en diciembre próximo), sabe entretener a su público objetivo, aquel que en su mayoría valora más la presencia del actor de la novela, el profuso maquillaje, el colorido vestuario y la buena memoria de los artistas, que otros aspectos más de "fondo".

La acción de La chica del Maxim ocurre en París en 1880, cuando el doctor Lucien Petypon despierta, luego de una terrible resaca, encamado con una bailarina del famoso cabaret Moulin Rouge llamada Coco. Los problemas empiezan cuando llega la esposa de Petypon y el juego de identidades y enredos se desata. Esta efectiva adaptación, que reduce considerablemente las acciones y personajes, se presenta en tres cuadros sin intermedio, en donde los malentendidos y gags se suceden sin parar. Acaso desconcierta en parte el que algunos actores interpreten varios personajes, pero el desarrollo dramático se sigue con interés. Se agradece también el hecho que la molesta improvisación esté casi ausente del montaje. Por otro lado, el vestuario, la escenografía y la parte técnica están impecables, como era de esperarse.

La puesta en escena sirve como un exclusivo vehículo de lucimiento para esa gran actriz, cantante y bailarina que es Gisela Ponce de León (brillando con luz propia), quien opaca de manera evidente al supuesto protagonista Carlos Carlín, prometedor actor en los noventa, pero echado a perder actualmente por el mainstream televisivo. Los notables Katia Condos, Rómulo Assereto (actor fetiche de Fisher) y Paul Vega manejan muy bien la comedia y le dan la réplica justa a los protagonistas. Gratas sorpresas las del veterano Alfonso Santistevan y el joven Bruno Ascenzo, ambos hilarantes. El resto del elenco, entre quienes figuran las deliciosas Norma Martínez y Gabriela Velásquez, deja huella a pesar de lo corto de su participación. La chica del Maxim entretiene y divierte, es muy superior a la irregular ¿Y dónde está el tenor? también a cargo de Fisher, pero no pasa de ser uno de más de aquellos montajes con una impecable producción preparados para un público exclusivo.

Sergio Velarde
14 de agosto de 2011

Muestra: CURSO - TALLER DE FORMACIÓN ACTORAL NIVEL I DE JOSE CARLOS BECCERRA

2011-08-14T10:05:00.000-07:00

CURSO – TALLER DE FORMACIÓN ACTORAL NIVEL I

El joven director y pedagogo Josecarlos Beccerra presentó en el Mocha Graña de Barranco la muestra del Nivel I de su Curso – Taller de Formación Actoral, que sirvió para que sus alumnos alcanzaran objetivos puntuales: plantear en escena su personaje, actuarlo con naturalidad y expresar con coherencia sus emociones. Para ello se eligió dos obras recurrentes y emblemáticas, tanto para su autor Juan Rivera Saavedra como para la necesaria confrontación de los estudiantes con el público: Mami… ¿me amas, mami? y El crédito. Si bien es cierto los actores cumplieron a cabalidad este primer cometido en su entrenamiento teatral, algunos detalles del montaje pudieron haberse mejorado para realzar el trabajo en conjunto: faltó precisar más las caracterizaciones de los personajes, por ejemplo, para hacer evidente la diferencia de edades entre madres e hijos; el manejo de objetos imaginarios debió ser más preciso, y ser utilizado ya sea para todos los cuadros o para ninguno; el abuso de groserías que genera la risa fácil debió ser modulado por la dirección de actores. A pesar de esos detalles, esta muestra del I Nivel del Curso – Taller de Formación Actoral de Josecarlos Beccerra sirvió para poner en vitrina a nuevos y auspiciosos valores de la escena teatral, que luego de completar el necesario entrenamiento requerido, estarán capacitados para dar la sorpresa en un futuro cercano.

Sergio Velarde
14 de agosto de 2011

Crítica: PROMETEO ENCADENADO

2011-08-05T22:09:00.000-07:00

PROMETEO ENCADENADO: arriesgada propuesta escénica

Debemos ser claros al momento de reseñar la puesta de un clásico griego: no necesariamente todos los espectadores que acuden a la sala para apreciar el espectáculo saben, o al menos conocen superficialmente, la historia que verán en escena. Por eso en ciertos casos, se hace imprescindible ayudar de alguna manera al público por medio de trípticos, voz en off, introducción actoral en escena, etc. y así orientarlo previamente para que disfrute a plenitud de la pieza dramática, pues es complicado entender la historia sin conocimientos previos. Prometeo encadenado, escrita por Esquilo y adaptada por Ricardo Morante con el grupo Aqualuna en el Teatro Auditorio Miraflores, acusa este problema del cual se vio libre, curiosamente, Electra de Sófocles (anterior montaje del grupo), cuya mayor virtud fue justamente la total sencillez que facilitó su entendimiento. Por otro lado, para quienes conocemos el mito de Prometeo, titán que fue encadenado a una montaña por Zeus como castigo por favorecer a la humanidad, esta nueva e irreverente versión ofrece una propuesta minimalista y creativa, reemplazando los vestuarios clásicos por jeans y casacas de cuero; las cadenas, por telas colgadas; y todo esto acompañado por música rock a todo volumen. Un enorme riesgo que se debe valorar.

La tragedia de Prometeo encadenado sucede en un apartado lugar, en donde la Fuerza y la Violencia han llevado a Hefesto para que encadene a Prometeo a una montaña. Éste debe cumplir un severo castigo por haberse rebelado contra Zeus, ya que robó el fuego de la morada de los dioses y se lo entregó a los hombres. Y este castigo será más fuerte aún, pues Hermes es enviado por Zeus para solicitarle que le revele el destino que le depara al nuevo imperio del dios. Como toda tragedia, el destino inexorable de Prometeo se cumple, ya que considera su castigo injusto y no acepta el trato propuesto. El estilo contemporáneo de esta nueva actualización del mito griego luce interesante en escena, y las telas colgantes suponen una estilización del tormento que sufre Prometeo, que es bien aprovechado por la dirección escénica. La música sirve también para agregar un elemento de caos “ordenado” para escenificar algunas acciones, bien ejecutadas por los actores.

Prometeo encadenado sirve de lucimiento para un versátil actor como lo es Daniel Zarauz en el papel principal, bien acompañado por Michella Chale, Inés Sadovnik y especialmente Jonathan Oliveros, quien derrocha energía y precisión en cada una de sus intervenciones. Algunos personajes, como por ejemplo Ío, que es transformada en ternera en escena, necesitan de una revisión en cuanto a su construcción física. Algunos datos clave, como el águila que come el hígado de Prometeo en el día para que se regenere de noche eternamente, deben tener mayor protagonismo. La disposición escénica, con parte del público en el escenario tradicional, aprovecha las posibilidades del teatro. Vale la pena revisitar este clásico griego y saber apreciar esta arriesgada y minimalista propuesta del grupo Aqualuna y del director Ricardo Morante, quien busca nuevas maneras de abordar estos textos dramáticos de visionado obligatorio, útiles para entender y valorar la historia del teatro en general.

Sergio Velarde
06 de agosto de 2011

Crítica: EL SASTRECILLO VALIENTE

2011-08-03T21:28:00.000-07:00

EL SASTRECILLO VALIENTE: ingeniosa propuesta infantil

El dramaturgo y director Alexander Pacheco y su grupo Ayepotamono continúan con la difusión de obras para toda la familia, en la que comparten con el público historias del imaginario europeo: en el 2009 llevó a escena Guillermo Tell en el Goethe-Institut de Lima, basada en la conocida leyenda suiza; y en el 2010, Juan sin miedo, en el Centro Cultural Ricardo Palma, una adaptación de la historia de los Hermanos Grimm. Pacheco desarrolla propuestas corales, en las que los actores interpretan varios papeles, acompañados por música en vivo como la guitarra o el piano, y que motiven la reflexión del público. En esta oportunidad Pacheco elige llevar a escena nuevamente una historia de los hermanos Grimm: El sastrecillo valiente, que consigue entretener sanamente a los más pequeños.

El sastrecillo valiente, en versión y dirección de Pacheco, acierta al no convertirse en un cuento teatralizado más, sino que aborda la historia desde el punto de vista de un niño llamado Sebastián, quien es castigado por mala conducta por el director de su colegio y debe presentar un informe sobre alguna historia de los Hermanos Grimm. Es entonces que a través de la lectura, descubre el cuento en cuestión, y con la aparición de dos tramoyistas, es teatralizado en escena. Un humilde sastrecillo es confundido por un héroe popular, al pregonar a los cuatro vientos que mató a siete con una sola mano, cuando en realidad se trataba de siete moscas. La aparición de dos gigantes que amenazan la tranquilidad de su pueblo lo llevará ante el Rey, quien le ofrecerá la mano de su hija a cambio de librarlos del peligro. El ingenio y la valentía harán que el sastrecillo cumpla su objetivo y que Sebastián aprenda una valiosa lección. Una ingeniosa vuelta de tuerca que distancia a esta propuesta teatral de otras mediocres y facilistas obras infantiles.

Participa la troupé habitual del grupo Ayepotamono: Reynaldo Arenas, Percy Williams, Nicolás Lamas y Patrick Martel, todos ellos interpretando con entusiasmo sus roles, bien aprovechados en escena por el director (quien los había dirigido anteriormente en Guillermo Tell). Acompañan en esta oportunidad los jóvenes actores Vitto Landavery y Ximena Vidaurre Fox, quienes a pesar de su corta edad, ya demuestran aplomo y gran seguridad escénica. Acaso la mayor dificultad que enfrenta el montaje (por cierto, fácilmente solucionable), sean los cambios de escena, aún demasiado dilatados, que impiden la total fluidez de la acción dramática. Agradecido acompañamiento en vivo del pianista Christian Hurtado. El sastrecillo valiente, presentándose actualmente en el Centro Cultural Ricardo Palma de Miraflores, es una buena opción para disfrutar con toda la familia.

Sergio Velarde
04 de agosto de 2011

Crónica: TERCER ENCUENTRO DEL BARRANCO

2011-07-25T22:06:00.000-07:00

Crónica: TERCER ENCUENTRO DEL BARRANCO – TEATRO PRESENTE

Organizado por el grupo Espacio Libre, el Tercer Encuentro del Barranco – Teatro Presente se llevó a cabo del 20 al 24 de julio, con la participación de delegaciones de varios países latinoamericanos, quienes no sólo mostraron sus trabajos, sino que compartieron su experiencia creativa, autogestora e investigativa a través de talleres (convites), intervenciones callejeras, presentaciones de libros y mesas de discusión. Para Diego La Hoz, director del grupo Espacio Libre, este evento buscó fortalecer la red que se está construyendo para el desarrollo del nuevo teatro latinoamericano. Las obras y grupos participantes fueron los siguientes:

CUENTO ALREDEDOR DE UN CÍRCULO DE ESPUMA
Espacio Libre (Perú)

Luego de finalizar hace algunos meses una exitosa temporada en el Centro Cultural CAFAE de San Isidro, el grupo Espacio Libre inauguró el Tercer Encuentro del Barranco que organiza con su último montaje, escrito por la dramaturga peruana Sara Joffré y dirigida por Diego La Hoz. La historia que se narra en Cuento alrededor de un círculo de espuma (dos payasitos, que se ven enfrentados tras la aparición de una misteriosa mujer) sufrió un injusto olvido luego de estrenarse hace casi 50 años en el Club de Teatro de Lima, y constituyó un enorme riesgo para el grupo el insuflarle nueva vida. Como todo montaje de Espacio Libre, la limpieza, el orden escénico y las cuidadas actuaciones se convierten en constantes dentro de su trayectoria. Luego de apreciarla en el estreno de su temporada en el CAFAE, esta nueva función en la sede del Encuentro, el Centro Cultural Parra del Riego, sirvió para pulir algunos detalles, madurar los personajes y rematar el montaje con un nuevo final, que resulta mucho más apropiado y coherente con la historia que se busca contar. Fue una buena oportunidad de recordar los inicios de Sara Joffré, quien desde siempre es una de las más importantes propulsoras del teatro peruano.

ATAHUALPA, INTENTANDO OTRA MIRADA
Teatro de la Resistencia (Perú)

Llevar una obra a escena basada en un personaje histórico, puede resultar riesgoso; sin embargo, el colectivo Teatro de la Resistencia liderado por Beto Romero se las ingenia para mostrar dentro del Tercer Encuentro del Barranco, una propuesta muy interesante que aborda al personaje del Inca Atahualpa en sus últimos días, desde una óptica bastante singular: un casting que realiza el actor Daniel Zarauz sobre el soberano inca. La historia de la puesta en escena se basa en el encuentro de ambas culturas, la indígena y la española, con los resultados que todos ya conocemos, pero que no todos sabemos valorar en su verdadera dimensión. El empleo del reproductor multimedia resulta particularmente pertinente al reproducir imágenes completamente frívolas de la figura de Atahualpa (como aquel grupo musical “techno dance” del mismo nombre presentado por Rafaela Carrá). El trabajo de Zarauz es notable, pues logra traer el espíritu del Inca a escena, a pesar de su aspecto tan español, con barba al estilo de Pizarro. Atahualpa, intentando otra mirada es el resultado de un proceso dentro del trabajo que propone el grupo y que verá en el futuro una nueva versión, que termine por redondear su interesante y muy válida propuesta, presentada anteriormente en el Festival de Teatro Peruano Norteamericano del ICPNA el año pasado.

EL BESO MÁS ANTIGUO DE LA TIERRA
La Rueda de los Deseos (Argentina)

Es sabida la estrecha relación entre las mujeres y la cocina. Pero no en el sentido “machista”, por cierto; son la magia, el misterio y el humor que rodean las diversas narraciones existentes entre las féminas y la preparación de los alimentos. Justamente aprovechando esta sabrosa combinación, el grupo argentino La Rueda de los Deseos presentó en el Tercer Encuentro del Barranco, el unipersonal El beso más antiguo de la tierra, dirigido por Fabián Castellani, que tiene la particularidad de que la actriz Gabriela Psenda no sólo nos entretiene con diferentes personajes, cuentos y narraciones sobre las comidas, sino que nos prepara en tiempo real, un suculento plato de locro argentino para degustación de los espectadores. El carisma de la actriz, sumado a los años que viene trabajando esta puesta en escena, es suficiente para convertir este espectáculo en un delicioso entretenimiento que nos hace reír y reflexionar por igual.

CUANDO EL DÍA VIENE MUDO
J. A. VAR. (Venezuela)

Un texto tan complejo y difícil como lo es Cuando el día viene mudo de Diego La Hoz, resulta un verdadero desafío para aquel colectivo teatral que piense en llevarlo a escena, especialmente si es una compañía que tiene entre sus filas a actores aún en formación. Es por ello que existe una gran responsabilidad en el director, para guiar al elenco con mano firme y cuidadosa a la vez, tratándose de una historia sobre un tema tan trillado y espinoso como lo es la homosexualidad. La puesta en escena presentada en el Centro Cultural Parra del Riego fue arriesgada, ya que el director Jan Thomas Mora decidió presentarla como teatro circular, con todos los requerimientos que ello acarrea. Los jóvenes actores Hugo Prieto y Wilxander García supieron salir adelante y seguramente, luego de un proceso intenso que implica este tipo de experiencias, lograrán delinear correctamente a los personajes, valorar cada línea que reciten y dejar que sus movimientos fluyan sin tropiezos en el escenario. La música incidental necesita una urgente revisión para no traicionar las emociones que el autor desea transmitir. Buena oportunidad de ver en escena una inspirada obra escrita por La Hoz, con mucha poesía y profundidad, que explora las diferentes formas de amar del ser humano.

DE CARNE Y TRAPO
La Vorágine (Argentina)

Acaso el punto más alto del Tercer Encuentro del Barranco llegó con el grupo que más dificultades tuvo para participar en él: vuelos perdidos, consolas malogradas, trapecios rotos y demás peripecias que artistas consumados están preparados para afrontar, sumados a la inasistencia de la actriz principal, que tuvo que ser reemplazada por otra en dos semanas y debutar en este Festival. Estos detalles sólo sirven para admirar en mayor medida a una compañía argentina que realizó una función de teatro puro. La historia de un ventrílocuo venido a menos, que responde al nombre de Míster Franklin y su muñeco Pansito, quien hace las veces de su conciencia, es la excusa perfecta para hacer gala en escena de un entrenamiento vocal, gestual y corporal como pocos. Brillantes actuaciones, deliciosas rutinas, notable dramaturgia y una inspiradísima dirección escénica de Pablo Gigena y Noe Andrade. Inolvidable y entrañable, De carne y trapo se convierte en toda una lección de teatro, que servirá de inspiración a todos a aquellos afortunados que logren apreciarla.

COATLICUE 2.0
La Quinta Teatro (México)

Coatlicue, “la de la falda de serpientes”, que devora la carne de sus hijos muertos, es una divinidad mexicana, la diosa de la tierra y la fertilidad, que a su vez se basa en la relación vida y muerte, tan recurrente en el imaginario azteca. El actor Daniel González, con la dirección de Salomón Santiago, logra construir físicamente en Coatlicue 2.0, a esta extravagante diosa con bastante convicción y mantenerla durante el desarrollo de su monólogo, agregándole elementos lúdicos y cómicos que no le hacen perder la solemnidad que su personaje necesita. La narración, la danza y el canto son bien llevados por el actor, manejando correctamente su expresión vocal y corporal en las dos funciones que presentó en el Tercer Encuentro del Barranco: dentro de las instalaciones del Centro Cultural Juan Parra del Riego y en el frontis de la Biblioteca Municipal del distrito. La utilización de instrumentos musicales como el caracol, enriquecen su propuesta escénica y la convierten en un trabajo en el que se luce la versatilidad del actor.

POBRE DE NUESTRO NIÑO GUY
Galpón de las Artes (Argentina)

Basado en un cuento que el grupo recogió en su visita a México, el colectivo argentino Galpón de las Artes decidió llevar a escena Pobre de nuestro niño Guy, una adaptación para toda la familia que narra la historia de un niño con una capacidad mágica de captar los misterios de la naturaleza, y en la que también aparece un indio maya llamado Canek. El espacio que ofrecía el Centro Cultural Parra del Riego fue bien aprovechado por el grupo, a manera de teatro circular, que gracias al diseño de luces y la interpretación actoral, lograron crear los espacios y ambientes en donde transcurría la historia. Si bien es cierto es una propuesta del grupo, el ritmo de la obra bien podría acelerarse en determinados pasajes para mantener la fluidez. Los actores Claudia Balinotti, Zulma Losinno, Mónica Suárez y Mariano Tiribelli realizan un preciso y ordenado trabajo en conjunto. Es de celebrar que el colectivo tiene en su país una necesaria preocupación por mantener la calidad de las obras para los más pequeños.

Felicitaciones a Diego la Hoz y al grupo Espacio Libre por la impecable organización de este Tercer Encuentro Teatral del Barranco, un evento necesario para estrechar los lazos entre artistas del continente. Los participantes y convidados especiales pudimos disfrutar de un puñado de originales y creativas obras teatrales independientes, que reafirman las varias similitudes que existen entre los teatristas de países hermanos, así como también valiosos conversatorios para intercambiar ideas. ¡Éxitos para el grupo Espacio Libre y esperamos con ansia el Cuarto Encuentro!

Sergio Velarde
26 de julio de 2011

Crítica: ENTONCES ALICIA CAYÓ

2011-07-23T11:37:00.000-07:00

ENTONCES ALICIA CAYÓ: la maternidad sobre el tapete

La maternidad siempre ha estado asociada al factor tiempo: a veces llega prematuramente, o a veces nunca lo hace; el paso de los años nos convence que debimos optar por ella cuando la posibilidad aún existía, o tal vez nos haga dudar de lo acertada de la decisión ya tomada. Para todas las mujeres sin excepción, la opción de convertirse en madre y engendrar una nueva vida constituye una decisión vital en sus vidas, y no cuentan con todo el tiempo del mundo para decidirse, por cierto. Entonces Alicia cayó es una obra estrenada en el Teatro Británico, que consigue exitosamente ligar este interesante y siempre vigente tema con elementos literarios extraídos de la novela “Alicia en el país de las maravillas”. La directora y dramaturga Mariana de Althaus consigue también darle la importancia debida a la premura del tiempo como elemento unificador de las historias que presenta (y como una genuina amenaza), pero la puesta en escena adolece de ciertos defectos que impiden que sea sobresaliente, aunque sí muy disfrutable.

De Althaus divide la obra en tres claros hilos narrativos, desarrollando hábilmente cada historia en paralelo dentro del mismo espacio escénico, que representa a tres habitaciones distintas dentro del mismo hotel, llamado Wonderland. La cantante cincuentona Alba (Ana Cecilia Natteri) debe enfrentar la infidelidad de su esposo Basilio (Carlos Mesta) con una mujer más joven; Daniela (Sofía Rocha) es una dramaturga que lucha por sostener la tirante relación con su hija adolescente (Patricia Barreto); y la cuarentona Alicia (Vanessa Saba) quiere ser madre, pero su novio Martin (Paul Martin) no está tan seguro de esa idea. Algunos personajes lograrán salir del metafórico hoyo en el que cayeron, gracias al contacto con elementos real-imaginarios del universo propuesto por Lewis Carroll, que parecen desprenderse de la adaptación que realiza Daniela sobre la historia de “Alicia en el país de las maravillas”.

Las tres historias principales podrían haber mantenido una fuerza pareja, pero el irregular elenco no contribuye a lograr este objetivo. Una buena actriz como lo es Saba, luce demasiado joven y por ende poco creíble, como la cuarentona desesperada por tener un hijo. Tampoco la ayuda en escena un Paul Martin en piloto automático, repitiendo su eterno y gastado esquema actoral. Natteri y Mesta al menos les imprimen cierta dignidad a sus otoñales personajes en crisis, pero son Barreto y la brillante Rocha, quienes se lucen como la hija adolescente y la madre soltera, respectivamente. Es justamente esta subtrama la que sostiene toda la obra, consiguiendo las escenas más sinceras y conmovedoras. Entonces Alicia cayó, ganadora del 3er. Concurso de Dramaturgia Peruana por el Centro Cultural Británico, confirma a Mariana de Althaus como una de las dramaturgas y directoras contemporáneas más influyentes de nuestra escena nacional, y logra con esta puesta en escena, motivar la reflexión sobre un aspecto tan delicado y gratificante como lo es la maternidad.

Sergio Velarde
20 de julio de 2011
Publicado originalmente en SEMANAECONÓMICA.COM, 21/07/2011
http://semanaeconomica.com/articulos/69908-resena-de-obra-de-teatro-entonces-alicia-cayo

Tercer Encuentro del Barranco: Teatro Presente

2011-07-17T06:59:00.000-07:00

TERCER ENCUENTRO DE BARRANCO

Las jornadas pedagógicas son exclusivas para participantes inscritos. Las presentaciones son abiertas al público y tienen un costo simbólico. Las entradas se compran en el mismo centro cultural una hora antes de cada función.

Es un encuentro de intercambio pedagógico con grupos de teatro independiente e invitados especiales que compartirán su experiencia creativa, autogestiva e investigativa a través de talleres (convites), intervenciones callejeras, presentaciones de libros, funciones, desarmes y mesas de discusión.

Nuestro encuentro busca fortalecer la red que estamos construyendo para el desarrollo del nuevo teatro latinoamericano.

Más detalles en:
http://www.tercerencuentrodelbarranco.blogspot.com/
Cupos limitados.

Crítica: DEMASIADO POCO TIEMPO

2011-07-09T06:18:00.000-07:00

DEMASIADO POCO TIEMPO: alabad todos a David Carrillo

He aquí diez contundentes razones para celebrar la última puesta en escena del talentoso director David Carrillo:

1. Adaptar y encadenar con absoluta coherencia ocho piezas breves del ingenioso dramaturgo norteamericano David Ives, que abordan tópicos extravagantes y sencillamente inolvidables acerca del escaso tiempo que disponemos para alcanzar la felicidad y la redención, y que mezclan con acierto la comedia pura con el suspenso, el drama y el romance.

2. Plasmar imágenes surrealistas e impactantes, como las dos moscas tratando de aparearse, pues sólo disponen de un día de vida; o el técnico hablando con su adorada lavadora, que le recuerda indefectiblemente a su madre; o el político ruso León Trotski, reflexionando sobre su cercana muerte con una piqueta en la cabeza.

3. Valorar con acierto el contenido de cada pieza, evidenciando los mensajes con claridad y aprovechando los recursos que disponen, convirtiéndolas en verdaderas joyitas.

4. Mantener admirablemente el ritmo de la dilatada duración de la obra, gracias a la energía y fluidez de sus intérpretes, así como también en los cambios de escena realizados en su totalidad por ellos mismos.

5. Rescatar del discreto olvido a una sala de renombre como el Teatro Larco, que resurge como la nueva morada de la Asociación Cultural Plan 9, luego de tres intensos años calentando el Teatro Mario Vargas Llosa.

6. Ser contundente ejemplo para todo actor, que sólo con dedicación, paciencia, esfuerzo e intensos ensayos pueden lograrse obras con escenas soberbias, de precisión milimétrica, especialmente la última, que aborda el tema de los universos paralelos, en la que el espectáculo alcanza niveles de teatro puro.

7. Conseguir que los cinco intérpretes de la puesta, Manuel Gold, Alina Ferrand, Carlos Galiano, Masha Chávarri y Pietro Sibille, rayen la perfección, potenciando sus virtudes y resaltando la evidente versatilidad de su trabajo en conjunto.

8. Servir de inspiración para aquellos incautos que creen que lo han visto todo en teatro y que no hay nada nuevo por explorar: Demasiado poco tiempo es un claro ejemplo de excelencia en el teatro independiente, realizado con pasión, entrega y responsabilidad.

9. Invitar al espectador a reflexionar sobre el tan poco tiempo que tenemos y las tantas cosas que nos quedan por hacer.

10. Comprobar que, efectivamente, hay “demasiado poco tiempo” para poder ver una de las mejores puestas del año, pues la temporada tarde o temprano llegará a su fin. De visión obligatoria. A verla ya.

Sergio Velarde
08 de julio de 2011

Crítica: HISTORIAS PARA SER CONTADAS

2011-07-04T19:12:00.000-07:00

HISTORIAS PARA SER CONTADAS: historias vigentes y nunca olvidadas

Existe un tipo de obras recurrentes en las muestras de teatro, aquellas que son utilizadas con frecuencia en talleres como meros ejercicios para entrenamiento actoral (algunas de ellas escritas exclusivamente para dicho fin). Uno de estos textos es Historias para ser contadas del dramaturgo argentino Osvaldo Dragún, que ha sido representada innumerables veces a lo largo de los años y que significa actualmente un gran reto para el joven director Jorge Medina Moretti y el colectivo Cuando la luna se caiga, pues debían escapar de la inevitable etiqueta de ser una “muestra” y convertirla en un montaje profesional. Luego de apreciar el montaje, celebramos un balance afortunadamente positivo, que consigue con creces insuflarle nuevos aires a estas cuatro historias que critican, justamente, la crítica relación hombre-sociedad.

Armados únicamente con un par de maletas y unos cuantos cubos, cuatro actores de colorido vestuario se lanzan al escenario a teatralizar cuatro cuadros, en los que el autor argentino expone con maestría lo abrumadora que resulta nuestra sociedad, tan egoísta y agobiante, y su nefasta influencia entre aquellos que la conforman. En “Historia del mono que se convirtió en hombre”, asistimos a la (des)humanización de un par de primates, que de manera hilarante se transforman en especímenes humanoides muy reconocibles; en “Historia de un flemón, una mujer y dos hombres” somos testigos del trágico final de un trabajador de la calle que se ve obligado a laborar pese a un espantoso dolor de muelas; en “Historia de cómo nuestro amigo Panchito González se sintió responsable por la epidemia de peste bubónica en África del Sur”, la carga familiar obliga a un hombre a importar de manera inescrupulosa carne de rata al África del Sur ocasionando un brote epidémico; y en “Historia del hombre que se convirtió en perro”, la falta de oportunidades laborales y la necesidad de sobrevivir denigra a un hombre al grado de tener que suplantar a un perro por un mísero sueldo trastornando su salud mental.

Excelente puesta en escena, muy fresca y vital, que no sólo respeta el concepto base del autor, si no que agrega algunos toques de modernidad, como la musicalización de algunas líneas, con agradecida voz en vivo. Otro acierto es el carismático elenco, que sostiene el ritmo de la obra con mucha energía y vitalidad: los actores Dante Del Águila, Julio Navarro, Sergio García – Blásquez y Olenka Castro (en ese orden), demuestran gran destreza vocal y gestual para interpretar sus múltiples personajes. Historias para ser contadas de Osvaldo Dragún, en esta nueva reposición a cargo de Jorge Medina Moretti en el Centro Cultural CAFAE de San Isidro, supera las expectativas, consolidándose como un espectáculo ameno, intenso y completo.

Sergio Velarde
03 de julio de 2011

TEATRO LATINOAMERICANO EN BARRANCO

2011-07-03T20:37:00.000-07:00

TEATRO LATINOAMERICANO EN BARRANCO

Es un encuentro de intercambio pedagógico con grupos de teatro independiente e invitados especiales que compartirán su experiencia creativa, autogestiva e investigativa a través de talleres (convites), intervenciones callejeras, presentaciones de libros, funciones, desarmes y mesas de discusión.

El encuentro busca fortalecer la red que se está construyendo para el desarrollo del nuevo teatro latinoamericano.

miércoles 20
4pm-7pm
acreditación y recepción de participantes
8pm
cuento alrededor de un círculo de espuma / espacio libre - perú

jueves 21
10am-1pm
convite con el "galpón de las artes"
3pm-5pm
convite con “javar"
5:30pm-7pm
presentación de libros: made in tucumán / la rueda de los deseos / el otro aplauso
8pm
atahuallpa, intentando otra mirada / teatro de la resistencia - perú

viernes 22
10am-1pm
convite con “la vorágine”
3pm-6pm
convite con “teatro de la resistencia”
8pm
el beso más antiguo de la tierra / la rueda de los deseos -argentina
10pm
cuando el día viene mudo / javar - venezuela

sábado 23
10am-1pm
convite con "la rueda de los deseos"
3pm-6pm
teatro abierto en el parque municipal
convite con “la cordura del copete” y con “la quinta”
8pm
pobre de nuestro niño guy / galpón de las artes - argentina
10pm
el reino de las salamandras / sa´astun - méxico

domingo 24
10am-1pm
convite con “sa´astun”
3pm-6pm
conversatorio y desarme: laurietz seda- puerto rico/ armando madero - argentina / marcelo soto – chile / sergio velarde – perú
6:30pm
coatlicue 2.0 / la quinta - méxico
8pm
de carne y trapo / la vorágine - argentina
9:30pm
desarme y clausura

SEDES

CENTRO CULTURAL "JUAN PARRA DEL RIEGO"
pedro de osma 135 - barranco

TEATRO QUILLA
bolognesi 397- barranco (alt. plaza de los bomberos)

SALÓN DEL PARQUE DE LA FAMILIA
av. grau s/n (alt. estadio chipoco)

BIBLIOTECA MUNICIPAL DE BARRANCO
parque municipal de barranco

PARQUE MUNICIPAL DE BARRANCO

Mayores informes en el blog oficial: http://www.tercerencuentrodelbarranco.blogspot.com/

Crítica: EL SOPLADOR DE ESTRELLAS

2011-06-29T06:22:00.000-07:00

EL SOPLADOR DE ESTRELLAS: grata sorpresa en la AAA

Una auténtica sorpresa significó el estreno de la obra El soplador de estrellas, una adaptación del director y dramaturgo argentino Ricardo Talento a cargo de la directora Yasmín Loayza, en el marco de un nuevo aniversario de la Asociación de Artistas Aficionados AAA en el Centro de Lima. Y es que en medio del estéril panorama del teatro infantil, atosigado por enésimas e inútiles repeticiones de cuentos clásicos y algunos contados aciertos, el apreciar una puesta en escena para toda la familia original, ordenada, entrañable y con un inteligente mensaje para reflexionar, resulta un completo acierto por parte de los realizadores.

Desde su improvisado observatorio en la terraza de un edificio, el maestro Bornolio dedica sus noches a pedirle al cielo deseos para toda la humanidad. El problema radica en que, a pesar de su altruismo, por cada deseo que pide, sopla y apaga una estrella con absoluta precisión, con la ayuda de un Estelaeróforo Retráctil, aparato con el que puede lograr su objetivo. Entonces aparece la ingenua Cibelina, una aspirante a ayudante, que al enterarse de que el cielo se está quedando sin estrellas, hará todo lo posible para que Bornolio encuentre una nueva manera de cambiar el mundo, sin dejar el cielo a oscuras. Este conflicto es sumamente interesante y lleva a la reflexión a los más pequeños, ya que no se le puede acusar a ninguno de los personajes de obrar mal, pues sus intenciones son sinceras y justas. Y la relación amical entre Cibelina y Bornolio está actuada con mucha ternura, que captura la atención del público hasta el feliz desenlace.

Excelentes actuaciones de Manuel Calderón y especialmente de Ximena Arroyo, muy carismática, en un papel que le exige una dosis de ingenuidad, que no le veíamos muy seguido. Acaso las referencias localistas (como los nombres de diarios, las combis, el Metropolitano) puedan distraer de la mágica atemporalidad que fluye a través de la puesta en escena, pero éstas no perturban el avance de la historia. Mérito de la joven directora Yasmín Loayza, que sabe aprovechar por igual las acciones físicas de los actores y el simpático texto, para lograr la complicidad con el público. El soplador de estrellas es un claro ejemplo que es posible realizar obras infantiles de calidad para el disfrute de toda la familia.

Sergio Velarde
29 de junio de 2011

Crítica: JUGUETES EN FUGA

2011-06-25T21:03:00.000-07:00

JUGUETES EN FUGA: encomiable esfuerzo de teatro para niños

La obra inicia como una variante atemporal de “Las nuevas ropas de emperador”, con el rey Kar (Óscar Ugaz), egoísta y vanidoso monarca que descuida a su castigado pueblo debido a su arrogante actitud. Pero luego aparece un genio que, como castigo, lo convierte en un muñeco flatulento, y termina dentro del cuarto de una insoportable niña que detesta a los juguetes. Y es entonces que la puesta en escena cambia diametralmente de apariencia y registro, para convertirse en un cruce entre Chicken run (Pollitos en fuga) y Toy Story (Historia de juguetes) y titularse muy convenientemente Juguetes en fuga. Una interesante vuelta de tuerca por parte de la dramaturgia de Micky Bolaños, pero que resulta algo forzada en su ejecución escénica.

Siguiendo los cánones tradicionales de toda obra infantil, Juguetes en fuga busca recuperar en el joven auditorio algunos valores como la tolerancia, la humildad y el trabajo en equipo, en este caso, para lograr que Kar recupere su anterior personalidad, ayudando a la variopinta e ingenua colección de muñecos a huir del cuarto de la niña. La dilatada duración de varias escenas y los cambios de escenografía perjudican el ritmo de la obra, hecho que sin embargo no impide el disfrute de los más pequeños. Especialmente en los números musicales, ingeniosos y alegres, pero con innecesario “playback”.

Por otro lado, la producción de la obra es impecable y los actores cumplen con corrección su cometido. Para actuar y dirigir a la vez, el joven actor Óscar Ugaz no lo hace mal en el rol protagónico, pero es Úrsula Kellenberger quien destaca nítidamente en su doble papel, como Bella, la engreída niña de la casa; y Zaraí, la malvada muñeca antagonista. Juguetes en fuga es una encomiable propuesta en nuestro (a menudo) estéril teatro infantil, que podría mejorar al sintetizar algunas escenas y reducir el tiempo de los cambios de escena. También el director debería animarse a grabar sólo las pistas y dejar al elenco cantar en vivo (que incluye además al cantante y actor Jean Pierre Vismara). Los mejores deseos para la próxima aventura teatral de la compañía Paradero Macondo.

Sergio Velarde
26 de junio de 2011

Crítica: EL DRAGÓN DE ORO

2011-05-28T10:24:00.000-07:00

EL DRAGÓN DE ORO: conmovedor y logrado mosaico de historias

Luego de deslumbrar hace algún tiempo con La noche árabe, el destacado y multipremiado dramaturgo alemán Roland Schimmelpfennig regresa a la escena limeña con un notable montaje a cargo del grupo Ópalo llamado El Dragón de Oro, ganador del prestigioso Festival de Mülheim 2010. Cinco actores narran, comentan e interpretan múltiples historias, aparentemente sencillas, pero de una complejidad simbólica deslumbrante, alrededor de un restaurante de comida oriental, en la que se dan cita sentimientos encontrados como la soledad, el amor y la desesperanza que afectan especialmente, a los inmigrantes ilegales en el mundo. Somos testigos de la vida de 15 personajes, entre cocineros, azafatas, ancianos, jóvenes, mujeres y hombres que realizan sus quehaceres cotidianos normales, mientras el joven cocinero chino del restaurante sufre un terrible dolor de muelas y ruega por encontrar a su hermana perdida, quien se encuentra coincidentemente demasiado cerca de él.

La propuesta del director Jorge Villanueva aprovecha acertadamente el espacio que ofrece el Auditorio del Goethe Institut, a manera de teatro circular, centrando el espacio escénico en medio con el público en ambos laterales. La cercanía actor- espectador es crucial para darle un toque intimista a la puesta en escena, que logra calar hondo en el público. A pesar de las continuas acotaciones que indican los actores en medio de sus propias escenas y de la elección de intérpretes de características distintas a la de sus personajes, la pieza no pierde ritmo y las historias se siguen con fluidez, creando un ambiente de ambigüedad y alegoría. Y es que en un brillante giro argumental, también aparecen la Hormiga y la Cigarra, quienes integran su fábula de manera muy peculiar al mosaico de caracteres que componen el montaje. Además, cada imagen conseguida produce emociones encontradas, como por ejemplo, la azafata colocando un diente podrido en su boca, que resulta tan conmovedor como repulsivo.

La trama del joven cocinero tiene un trágico final y es allí donde la obra alcanza sus mayores picos de lirismo, en donde cada historia converge de manera coherente, y que nos hace reflexionar sobre lo caótica e injusta que puede ser la raza humana, cuando se deja llevar por sus instintos más básicos. Notables actuaciones de los consumados Carlos Victoria y Graciela Paola (Grapa); de los versátiles Marcello Rivera y Claudio Calmet; y de la enérgica y sorprendente Laura Aramburú; todos ellos intachables, quienes representan a la variada gama de personajes que pueblan este alegórico universo de El Dragón de Oro, bajo la inspiradísima dirección de Jorge Villanueva. Cargada además de un amargo e insólito sentido del humor, esta obra constituye uno de los mejores estrenos de nuestro teatro independiente en lo que va del año. De visión obligatoria.

Sergio Velarde
29 de mayo de 2011

Crítica: ASUNTO DE TRES

2011-05-25T21:17:00.000-07:00

ASUNTO DE TRES: la complejidad de la juventud contemporánea

Gonzalo Rodríguez Risco es uno de los pocos dramaturgos peruanos que retrata de manera certera los conflictos del ser humano (especialmente en el adolescente tardío y en el adulto precoz) y la compleja relación de éste con su entorno. Autor versátil, con varios premios y distinciones en su haber, tiene entre su piezas agradables y sanos divertimientos como TV-Terapia; o efectivas adaptaciones de otras obras clásicas como Mal-Criadas, escrita con Diego La Hoz. En La Manzana Prohibida (repuesta el año pasado) abordó la imposible relación entre la eterna enamorada y su ambiguo objeto de deseo; en Un Verso Pasajero retrató el drama familiar a través de sentidos monólogos alrededor del hijo en estado de coma; y en Juegos de Manos puso al descubierto la imposibilidad de la juventud contemporánea por asumir compromisos ante el posible fracaso.

Asunto de Tres, estrenada originalmente en el marco del V Festival de Teatro Peruano-Norteamericano auspiciado por el ICPNA en el 2000 y reescrita este año por el mismo autor, sigue siendo un interesante ejercicio escénico para tres actores, quienes deben interpretar diversos personajes envueltos en la vorágine de las relaciones amorosas juveniles y la identidad sexual, y en las que siempre el tercero en cuestión se convierte en la manzana de la discordia. Para su joven director Henry Sotomayor García, este texto dividido en tres escenas y tres monólogos, no le es desconocido: en el 2008 dirigió una secuencia de la obra como parte del curso de dirección que ofreció en ese entonces el grupo Espacio Libre. Pero lejos de limitarse a seguir el texto con mínimos cambios y sin mayores riesgos, como en El eterno recuerdo de un cristal (su adaptación de El zoológico de cristal del año pasado), Sotomayor ahora sí arriesga con una propuesta propia, que busca ser entre lúdica y dramática, logrando un equilibrio óptimo, dejando entrever una visión mucho más elaborada y madura como director.

Con algunos detalles por pulir, como los monólogos aún por despegar y la presentación inicial de los actores (que saludan y bailan ante el público) que merece una revisión, el espectáculo se sostiene por las tres escenas con diálogo, en la que se evidencia el hábil manejo del autor para retratar los problemas de pareja y los lazos afectivos (en la primera y segunda escena, respectivamente), bien aprovechados por la dirección de actores. La última escena es la mejor: la pareja de enamorados y su amigo gay matan el tiempo flirteando sobre una cama, mientras los secretos van apareciendo en medio de los besos y caricias. Una ocasión que no es desaprovechada por los actores Alana La Madrid, Fito Valles y Carlos La Rosa, quienes logran un lucimiento parejo en dicho cuadro, valorando cada gesto, cada mirada y cada silencio. La puesta en escena de Asunto de tres aprovecha convenientemente el reducido pero funcional espacio que ofrece La Casa de Tespis en Magdalena y es un evidente avance del director Henry Sotomayor García, al frente del grupo teatral El retorno de la brújula.

Sergio Velarde
Miércoles 25 de mayo de 2011

Crítica: MITOS DE FUEGO

2011-05-21T06:03:00.000-07:00

Mitos de fuego: Teatro del Sol regresa a la escena limeña

En el año 1979 Teatro del Sol se fundó por iniciativa de los actores y directores Alberto Montalva y Luis Felipe Ormeño, quienes buscaban nuevas formas y contenidos en la expresión teatral, creando una escuela de formación actoral que privilegiaba el entrenamiento físico y el cuerpo del actor como unidad expresiva. Su primera obra fue El beso de la mujer araña de Manuel Puig, con la cual hicieron una gira de veinte meses por países latinoamericanos y de Europa, y la última fue Los ladrones de Darío Fo en 1996. Luego de 15 años, Teatro del Sol regresa de manera discreta con la reposición de su obra Mitos de fuego, escrita por Ormeño en 1994 y dirigida ahora por Arturo Piedra Valdez, aprovechando las celebraciones por el centenario del nacimiento de José María Arguedas, importante antropólogo y novelista peruano, durante una breve temporada en el Auditorio del ICPNA de Lima.

Sobre la puesta en escena habría que indicar que no sigue los patrones clásicos de una obra tradicional. Presentada a manera de viñetas independientes, Mitos de fuego se regodea en la explotación de nuestras raíces más profundas frente a la imposición cultural europea, teniendo como nexo a la figura de Arguedas (Joan Lamas), quien narra alguna de sus anécdotas ya conocidas (como su estrecha relación con los indígenas, al ser recluido de niño en la cocina por la situación familiar que vivió) y que privilegia siempre la riqueza de nuestro folklor y lo castrante que fue la conquista española. En estas épocas electorales, resulta inevitable distinguir a favor de qué corriente ideológica se inclina el grupo. Pero más allá del contexto actual, Mitos de fuego busca desesperadamente crear conciencia sobre los daños que ocasiona la intolerancia y la represión de los más fuertes hacia los más débiles. Y por supuesto, la inevitable revolución que se genera después.

La puesta en escena mantiene un ritmo acelerado y galopante, acaso también luce algo desordenada, luego de una introducción con el proyector multimedia muy dilatada, en la que se pudo haber aprovechado para graficar o reseñar mayor información sobre el personaje central (sobre todo para aquellos espectadores, entre ellos muchos turistas que asistieron a la función, que no conocen a Arguedas). Destacable el uso del quechua en una de las primeras secuencias, con oportuna traducción, para introducirnos en el concepto del montaje. En medio de coloridos vestuarios y danzantes de tijeras, algunas secuencias resultan particularmente efectivas como la represión sexual de los conquistadores hacia las mujeres indígenas, con el sonido en volumen máximo. Mitos de fuego necesita todavía algunos ajustes para la siguiente temporada que se aproxima, pero nos trae de vuelta a un interesante grupo como Teatro del Sol, que los más jóvenes no habíamos tenido la oportunidad de conocer en escena, y que ofrece una acusadora mirada hacia el pasado, plasmada en el encuentro y el desencuentro de dos mundos antagónicos entre sí.

Sergio Velarde
21 de mayo de 2011

Crítica: ¿QUÉ TIERRA HEREDARÁN LOS MANSOS?

2011-05-13T22:14:00.000-07:00

¿Qué tierra heredarán los mansos?: contundente mensaje ecológico

La dramaturga peruana Estela Luna, en su obra ¿Qué tierra heredarán los mansos?, escrita en 1988 y estrenada en el Teatro de la AAA a cargo de la Asociación Cultural Tablas Maestras, nos propone un futuro apocalíptico y sobrecogedor: los niveles mundiales de oxígeno han caído a niveles alarmantes debido a la contaminación generada por el ser humano, los animales han muerto, los mares han desaparecido y las plantas apenas mantienen su débil color verde, frente a la nube de aire envenenado que parece invadirlo todo. Mientras que Ramón Foster (Ángel Morante) es un próspero director de una fábrica, que contamina los ríos aledaños, con el único propósito de asegurarle el bienestar a su familia, su esposa Paula (Isabel Castañeda) es una madre completamente ajena a esta problemática mundial, pero sí está dispuesta a cambiarle a su hija los anticonceptivos por vitaminas con el propósito de tener un nieto. Por su parte, la nerviosa Lina (Katya Castro), hija de Ramón y Paula, debe lidiar con la nueva vida que lleva dentro, pues el futuro se hace cada vez más incierto. Y su esposo Carlos (Miguel Augurto) reniega de su suegro Ramón, pues antes de trabajar para él, le exigió detener la contaminación ambiental que provocaba su fábrica, y que ahora es lo único que heredará su futuro hijo.

El director Martin Medina eligió el camino más fácil, pero a la vez el menos estilizado, para retratar el ambiente futurista que sirve de contexto a la historia: el utilizar el color plateado como símbolo de una “modernidad” mal entendida, y lo precario de la producción, evidenciado principalmente en el vestuario y la escenografía, generan que el escenario luzca como un enorme set de película de ciencia ficción serie B de los setenta, con un gigantesco extractor de aire en el medio. Pero estas deficiencias aparentes sólo sirven para hacer relucir una historia inteligente, cautivante, inquietante y totalmente contundente en su mensaje: el ser humano camina hacia una extinción segura, si no se dejan de lado los intereses particulares y se piensa en un bien común, reflejado en el respeto hacia la naturaleza. La mejor escena de la obra: los cuatro protagonistas, echados en el suelo durante un periodo de relajación obligatoria impuesto por el gobierno, mientras debaten sobre el futuro del niño por nacer y suenan las alarmas anunciando que los niveles de oxígeno se agotan por la discusión.

La obra presta su nombre de la cita bíblica de Mateo 5:5, “Bienaventurados los mansos; porque ellos heredarán la tierra”, entendiéndose la mansedumbre como la sencillez y la humildad carente por completo dentro de la soberbia inherente del ser humano, que sólo busca su propio beneficio, sin importarle el daño que le causa a su propio planeta. Sin bien es cierto, el aspecto religioso es tocado muy someramente, el discurso filosófico de la autora abarca varios campos: las complicaciones en la relación de pareja, el aborto, el control de la natalidad, las opciones sexuales y hasta las diferencias generacionales, todos ellos desarrollados a plenitud gracias a las inspiradas actuaciones y la fluidez que le da la dirección al montaje. ¿Qué tierra heredarán los mansos? tiene una dramaturgia que hará las delicias no sólo de los defensores del medio ambiente, sino también de cualquier persona con criterio y sentido común, con un humor negro negrísimo, como el que cubre a las hierbas incapaces de generar el oxígeno vital. Este espectáculo de Tablas Maestras podrá tener mucho que mejorar en la forma, pero en el fondo es un valiente e inquietante montaje, contundente en su mensaje ecologista y que se convierte en uno de los mejores esfuerzos de nuestro teatro independiente en lo que va del año.

Sergio Velarde
14 de mayo de 2011

Crítica: EN EL JARDÍN DE MÓNICA

2011-05-08T18:29:00.000-07:00

EN EL JARDÍN DE MÓNICA: la innegable vigencia de Sara Joffré

Nuestro teatro independiente le debe mucho a Sara Joffré. Dueña de un espíritu fuerte, vehemente y perseverante, nuestra Sara probablemente no sea del agrado de muchos, pero la deuda que le tenemos es evidente y enorme, por todo el trabajo sostenido que viene realizando por los más jóvenes durante décadas y por su incansable empeño en compartir su experiencia con los demás. Es por eso que este año, sus dos primeras obras han sido llevadas a escena, a manera de homenaje. La primera fue Cuento alrededor de un círculo de espuma, que partía con cierta desventaja, pero que llegó a buen puerto gracias a la habilidad del director Diego La Hoz y su grupo Espacio Libre, en el Auditorio del CAFAE-SE. Y la mencionada desventaja nacía desde su estreno, allá por el año 1962 en el Club de Teatro de Lima, cuando Ciro Alegría le dio la “bendición” a su obra gemela En el jardín de Mónica, estrenada conjuntamente con Cuento alrededor de un círculo de espuma, ambas bajo la dirección de Alonso Alegría.

Y justamente En el jardín de Mónica es la segunda obra estrenada en lo que va del año, a cargo del grupo Malioumba Teatro. Sus últimos estrenos, en la Sala Joven de la Alianza Francesa (2003) dirigida por Ernesto Cabrejos y en el Teatro Auditorio Miraflores (2009) dirigida por Gustavo Cabrera, lograron otorgarle una personalidad propia a la historia de esta niña, que puede tener hasta ochenta años (edad máxima impuesta por la autora) y que juega en un horrible jardín, con árboles resecos, hojas marchitas y pájaros muertos, imaginando un mundo irreal, siempre a la sombra de su castrante madre. La inesperada llegada de dos niños completamente ajenos a su mundo, alterará por completo su fantasía, pero la semilla de su imaginación germinará en los recién llegados, cerrando el círculo con un abrupto y desconcertante final.

La joven directora Mirella Quispe, con estudios en la ENSAD al igual que sus actores, aprovecha muy bien el espacio que le ofrece el patio de la AAA: las columnas, la puerta principal del auditorio y sus ventanas enrejadas son utilizadas con eficacia para desarrollar la historia. Mía Michelena crea con mucho aplomo a una desquiciada y errante Mónica, logrando distinguir varios niveles en su actuación durante el monólogo inicial, imprimiendo un estilo propio y marcando distancia de las últimas intérpretes del personaje: María Carbajal (2003) y Daisy Sánchez (2009). Destacable también la participación de Maricarmen Velásquez en el papel de la Niña, quien resulta muy honesta en su incredulidad inicial, para luego continuar las fantasías de Mónica con la aparición del Niño, bien interpretado por Miguel Torres. La dirección logra innovar en algunos aspectos de la construcción de los personajes y de sus acciones, siempre respetando el texto original de la autora. Sin duda, este año le ha permitido al público, gracias a este montaje y al presentado actualmente en el CAFAE-SE, conocer los inicios de una dramaturga y promotora de importancia capital para nuestro medio teatral.

Sergio Velarde
08 de mayo de 2011

Crítica: ELECTRA

2011-05-01T19:52:00.000-07:00

Electra: discreto homenaje al teatro griego

Electra vive presa del dolor y la angustia por el asesinato de su padre Agamenón y planea, luego de reencontrarse con su hermano Orestes, vengarse de los asesinos: su propia madre Clitemnestra y Egisto. Presentada por el grupo Aqualuna y dirigida por Francisco Echeandia, esta discreta nueva versión de la inmortal tragedia de Sófocles llega sin sorpresas, despojada de todo artificio y fanfarria, centrando la atención en esta heroína trágica por excelencia y su permanente afán de venganza en medio del sufrimiento. Y esta simplicidad en la puesta en escena por parte del director, que inclusive cuenta con actores doblando personajes, puede que haga fruncir el ceño a los académicos o puristas del teatro, pero es en sí una virtud, en el sentido de acercar esta obra a un público que todavía desconoce el valor de los trágicos griegos y que se aproxima por primera vez a este tipo de dramaturgia clásica.

Sólo una actriz enérgica y de carácter podría interpretar adecuadamente el papel principal. Katiuska Valencia resulta una buena elección, convence en su agónica espera, en sus careos con su madre y hermana, y es especialmente conmovedora cuando se reencuentra con su hermano perdido. Acaso la dirección debería pulir algunos excesos en los llantos y gritos, para conseguir una actuación más contenida por parte de la actriz, para evitar algunos innecesarios desbordes. La decisión de contar con actores que interpreten dos papeles de importancia resulta arriesgada, principalmente porque los personajes del Ayo y Orestes también disfrazan sus identidades en la obra. Tanto Gabriela Billotti (Clitemnestra y Crisótemis, hermana de Electra) como Ricardo Morante (el Ayo y Egisto) cumplen correctamente su doble papel, pero el director podría afinar más las caracterizaciones, especialmente en la composición vocal. Raúl Durand y Jimena Ballén como Orestes y el Coro respectivamente, tienen buenas participaciones.

Tratándose de un montaje minimalista y discreto, en caja negra y con un solitario banco en un extremo, las luces y la música cumplen irremediablemente un papel primordial, las cuales deben ser ajustadas, ya que frecuentemente lucen y se escuchan erráticas. El vestuario no ayuda a definir un lugar y tiempo específico para la acción, por lo que se puede deducir que ese detalle no es primordial para el director. Los actores resultan entonces, el único soporte para esta tragedia, que logra llegar a buen puerto, pero sin explorar otros tantos matices que cada personaje podría desarrollar, como por ejemplo, las causas y consecuencias del matricidio por parte del personaje principal. Electra de Aqualuna constituye, más allá de los reparos que se le puedan hacer al montaje, un auténtico acierto, al revisitar un clásico de importancia capital, que mantiene su vigencia a pesar de los años y que es al final de cuentas, el origen de todo el teatro existente en la actualidad.

Sergio Velarde
01 de mayo de 2011

Crítica: NOSTALGIA

2011-04-30T13:00:00.000-07:00

Nostalgia: sencillo romance entre el escritor y la bailarina

Basada en un hecho real, la obra Nostalgia, escrita, dirigida y protagonizada por Luis Enrique Cornejo y presentada por el grupo Teatro del Horizonte, narra la historia de un joven José Carlos Mariátegui (Romualdo Travezaño), antes de convertirse en el reconocido escritor y político socialista nacional, quien cautivado por la sensualidad de la bailarina suiza Norka Rouskaya (Rosa Micaela Távara), la convence junto a otros intelectuales limeños para danzar de madrugada la «Marcha Fúnebre» de Chopin en el Cementerio Presbítero Maestro en pleno 1917, para luego ser encarcelado por el escándalo generado. Presentada en los auditorios satélites del Británico, Cornejo cumple en presentar una puesta en escena limpia, austera y directa, que explora superficialmente la relación sentimental entre el escritor y la bailarina y el trasfondo político del primero en mención, haciendo extrañar acaso una mayor profundidad tanto en las acciones como en el desarrollo dramático de los personajes. Sin embargo, esta obra representa un evidente progreso respecto a su anterior montaje como dramaturgo y director.

Luego de Trances (2007), estrenada en la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático (ENSAD), Cornejo hábilmente corrige sus principales defectos para Nostalgia: reduce considerablemente la duración de la puesta en escena, prescinde de diálogos inútiles y elimina los constantes apagones para ordenar las escenas. Nostalgia fluye sin interrupciones, el trío de actores nunca abandona el escenario e incluye un elemento multimedia que ayuda a recrear el espectáculo realizado por la bailarina en el Cementerio. Los actores Travezaño y Távara le imprimen una agradecida dosis de ingenuidad a su relación en escena y Cornejo cambia de registro con precisión, aunque debe cuidar con mayor énfasis el volumen de su voz.

El grupo Teatro del Horizonte ya anuncia su próximo montaje: Ojos bonitos, cuadros feos de Mario Vargas Llosa, todo un reto para un grupo que poco a poco va consolidándose dentro del medio. A destacar también la labor de la Asociación Cultural Peruano Británica, que viene ofreciendo espectáculos gratuitos a un público ávido de cultura, así como también el mejoramiento de sus auditorios y el apoyo a los grupos jóvenes de teatro que merecen una oportunidad de confrontar sus espectáculos con los espectadores.

Sergio Velarde
30 de abril de 2011

Crítica: CUENTO ALREDEDOR DE UN CÍRCULO DE ESPUMA

2011-04-24T07:11:00.000-07:00

CUENTO ALREDEDOR DE UN CÍRCULO DE ESPUMA: riesgoso homenaje a Sara Joffré

Un gran reto fue el que decidió enfrentar este año el grupo Espacio Libre: homenajear a la destacada Sara Joffré por su incansable labor como teatrista, dirigiendo una obra de su autoría que sólo llegó al escenario por primera y única vez en 1962, llamada Cuento alrededor de un círculo de espuma, dirigida en aquel entonces por Alonso Alegría en el Club de Teatro de Lima, y que marcó el despegue de Sara como una de las principales dramaturgas nacionales. ¿Por qué esta obra se mantuvo retenida en el papel por tanto tiempo? Podríamos ensayar algunas hipótesis: Cuento alrededor de un círculo de espuma llegó a escena acompañada de otra pieza, En el jardín de Mónica, que recibió una mayor acogida y aceptación, como lo demuestran sus numerosas reposiciones y “excavaciones”, estas últimas realizadas (o perpetradas, según Alegría) por el grupo brasileño Caleidoscopio. Además, una crítica de aquella época, publicada en el diario Expreso por Ciro Alegría, afirma que Cuento alrededor de un círculo de espuma “está menos lograda, tiene parlamentos innecesarios, cuadros que parecen repeticiones, pero que sus hallazgos de expresión, la finura de algunos matices psicológicos, nos compensan ampliamente”. Estamos entonces, ante un enorme riesgo que el buen director Diego La Hoz logra resolver, felizmente, casi en su totalidad.

Con un minimalista y cuidado montaje, un estilizado vestuario, unos sencillos y funcionales elementos escenográficos, y una gran solvencia escénica en sus jóvenes intérpretes (Andrea Chuiman, Karlos López y Jhosep Palomino), esta nueva versión del Cuento alrededor de un círculo de espuma logra adaptarse con holgura a nuestro tiempo, luego de casi 50 años, y mantener la vigencia en su mensaje. Dos payasos sin nariz roja, Trigo y Lechuga, forman parte de un circo de barrio y pasan sus días de manera rutinaria, pero en armónica amistad, subiendo y bajando escaleras, e imaginando situaciones con los trastos que encuentran en un cajón. La llegada de Elena, una mujer de frágil apariencia y negrísimos zapatos de taco, creará el enfrentamiento entre los amigos. La sencilla anécdota, con mucho lirismo y algunas pinceladas de humor, es matizada oportunamente con ágiles movimientos y desplazamientos de los actores. Algunos textos reiterativos y el abrupto final son compensados en escena por la atmósfera poética que le imprime el director. Acaso esta estilización en las imágenes, que La Hoz maneja con evidente maestría, distraiga por ratos del conflicto principal, pero sin afectar en demasía el desarrollo dramático de los personajes.

Pero la mayor virtud (de acuerdo a las palabras del director al finalizar la función) de este reestreno demasiado tardío en el Centro Cultural CAFAE-SE de San Isidro, sea la de festejar la vida de una incansable e imparable promotora teatral como lo es Sara Joffré. Este Cuento alrededor de un círculo de espuma, más allá del riesgo involucrado en la elección de la obra y en el desarrollo del proceso, se convierte en la excusa ideal para revisitar los inicios de una dramaturga comprometida con nuestro medio, que mantiene desde siempre la misma vitalidad y esfuerzo hacia su mayor pasión: el teatro. Como dato curioso, En el jardín de Mónica, hermana gemela del presente montaje, también se encuentra en cartelera en la AAA. Motivo ideal para un futuro comentario, que demuestra fehacientemente la vigencia de nuestra Sara.

Sergio Velarde
24 de abril de 2011

Crítica: EL TRICICLO

2011-04-21T07:09:00.000-07:00

El triciclo: notable comedia arrabalera

A medio camino entre la farsa y el absurdo, el grupo La Manzana (…) Teatro viene presentando en los auditorios satélites del Británico, una de las primeras obras escritas por el notable dramaturgo y cineasta español Fernando Arrabal, titulada El triciclo, que narra la historia de un puñado de marginales, asfixiados por un sistema incomprensible para ellos, que encuentran la solución a sus problemas de la manera más ingenua, pero con el peor de los resultados. Cambiando radicalmente de tono luego del contundente ejercicio dramático del año pasado que significó Los asesinos, el grupo insiste en mantener una dirección colectiva, lo que para muchos puristas sería un acto suicida, pero que revela una gran madurez escénica lograda por el grupo, que en el futuro podría volver (quién sabe) opcional la presencia de un único director como cabeza de un proyecto teatral.

Climando (Alexander Carbajal), un ingenuo payaso callejero y Apal (Leo Zevallos), un vagabundo que duerme 18 horas al día, deben conseguir dinero para pagar la cuota de un triciclo alquilado, con el cual se ganan la vida paseando niños en el parque. Mientras que Apal prefiere la seguridad que le ofrece un subibaja, convertido en su provisional catre, Climando conversa con el Viejo del saxo (Miguel Ángel Malpartida), un anciano que gusta de acariciarle la cabeza a los niños para después robarle sus galletas, y con Mita (Elizabeth Duarte), una jovencita suicida. La aparición de un hombre de abultada billetera (Emilio Benavente), que observa constantemente a Mita, se convierte en la única solución posible: Apal y Climando deciden matarlo para quedarse con el dinero, utilizando a Mita como carnada. Acaso la anécdota no sea en realidad lo más trascendente del montaje; es la manera cómo se comportan estos surrealistas personajes dentro de su entorno. Al final, el círculo vicioso de la miseria continúa, al ser apresados los asesinos, pero con el triciclo aún en movimiento, ahora con Mita y el Viejo como sus nuevos conductores.

Arrabal, deudor de los hermanos Marx, de Lewis Carroll y acusado injustamente de plagiar a Ionesco y Beckett, consigue al igual que en Fando y Lis, un crudo retrato de personajes errantes y marginales dentro de una sociedad alienante, con textos que son disparates per se. Los personajes juegan con el lenguaje, con una lógica tan infantil como poética. La muerte aparece retratada de la manera más ingenua posible: el cielo le servirá a Climando para estar siempre al lado de burritos y niños; el infierno, para calentar su cuerpo; el suicidio (para Mita) o el asesinato (para Apal) serán las soluciones lógicas y carentes de malicia, para acabar con sus problemas. La autoridad también es retratada con el mismo tono burlón, o tal vez con mayor intensidad: el bacín en la cabeza, el matamoscas como arma y el lenguaje ininteligible del Guardia (Benavente), lo convierten en el ser más disparatado del conjunto, en clara crítica del autor hacia la autoridad.

La limpia puesta en escena no hace otra cosa que respetar y enriquecer la propuesta del autor, acompañada de música en vivo, con un sencillo y funcional diseño de vestuario y escenográfico. Los actores se desenvuelven de manera excelente, con una mención especial para la notable caracterización de Miguel Ángel Malpartida como el Viejo, quien alcanza los mejores momentos de la obra con esos intercambios verbales, tan carentes de lógica y tan cargados de poesía a la vez, con el Climando de Alexander Carbajal. El triciclo marca un importante paso hacia la consolidación del grupo La Manzana (…) Teatro dentro del medio, que a pesar de su corta trayectoria, ya exhibe un alto grado de compromiso en cada una de sus propuestas escénicas.

Sergio Velarde
21 de abril de 2011

Crítica: DEMONIOS EN LA PIEL

2011-04-01T20:56:00.000-07:00

DEMONIOS EN LA PIEL: Encomiable esfuerzo y fallida elección

Cuando en el 2009 se estrenó la obra El señor de las moscas en el Teatro Julieta, el director Paco Solís Fuster y su joven elenco acertaron gratamente con un montaje que lograba maximizar el potencial de sus intérpretes, con la historia de un puñado de náufragos varados en una isla solitaria y su difícil aprendizaje por sobrevivir. Lamentablemente en el presente año, el grupo en mención (llamado Última Orilla) yerra parcialmente al elegir una pieza intimista, densa, compleja y estructurada en base a monólogos duros y feroces, que ponen en demasiada evidencia el destacable esfuerzo y el poco oficio de sus actores más jóvenes.

Demonios en la piel, término que remite a las arrugas del envejicido e incomprendido protagonista, es una de las mejores obras escritas por Eduardo Adrianzén, que aborda la vida del notable cineasta italiano Pier Paolo Pasolini (Patricio Villavicencio) durante la filmación de Los cuentos de Canterbury, una pieza menor dentro de su filmografía, su relación con la actriz Laura Betti (excelente Claudia Berninzon) y la aparición de tres jóvenes marginales, que aparecen de extras en una secuencia onírica de la película, que quedaría para la posteridad como una de las más crudas y salvajes del sétimo arte. Superior en muchos sentidos al homenaje a Lorca que resultó ser Sangre como flores, Demonios en la piel de Adrianzén logró, de la mano de Diego La Hoz y un inspiradísimo elenco, ser uno de los mejores montajes del 2007. Y todavía se le recuerda, por lo que podemos afirmar que Solís tomó un enorme riesgo al elegir esta pieza para su reestreno, que resultó un reto que su esforzado elenco no logra cumplir a plenitud.

La puesta en escena, nuevamente en el Julieta, muestra una acabada e impecable producción, con un cuidadoso diseño escenográfico y de vestuario, pero con un recurso multimedia no del todo claro, especialmente en las imágenes de un niño, que aparentemente sería o el mismo Pasolini o fragmentos de alguna de sus películas. Todo el primer acto resulta por ratos tedioso, a pesar de los esfuerzos de Villavicencio y Berninzon, con monólogos que pecan de superficiales y que no llegan a cuajar por la inexperiencia de los jóvenes actores. Felizmente, en el segundo acto, el montaje alza vuelo y suceden los mejores momentos, especialmente en la resolución, en la que cada pieza parece encajar coherentemente. Esta nueva versión de Demonios en la piel permite revisar una de nuestras mejores piezas biográficas, pero deja en claro la capital importancia de elegir la obra correcta para el recurso humano con el que cuenta un grupo de teatro, que es en el caso de la Asociación Cultural Última Orilla, un grupo de jóvenes con entrega, dedicación, energía y un enorme talento aún por pulir.

Sergio Velarde
01 de abril de 2011

Invitación

2011-03-23T18:48:00.000-07:00

Crítica: HISTORIA DE UN HOMBRE

2011-03-19T11:40:00.000-07:00

HISTORIA DE UN HOMBRE: personalísimo trabajo de Daniel Dillon

Adaptada y dirigida en versión libre por el dramaturgo y director Daniel Dillon, Historia de un hombre, escrita por el español Borias Trauben, es un espectáculo teatral con dinámica de performance que explora con éxito nuestra eterna dificultad para generar lazos afectivos en medio de la miseria y de la crisis, a través de la historia de un joven soldado (Fito Valles) y su compleja relación con una vieja represiva (Angelita Velásquez) y una perturbada mujer (Patricia Biffi). La trama y el desarrollo de la historia queda relegada a un segundo plano, pues el director propone un marcado énfasis en la vida interior de estos golpeados personajes y en la oscura interacción entre ellos.

La performance, con un diseño de luces similar a la de su poco convencional adaptación de Roberto Zucco de hace algunos años, juega con las sombras, los silencios y los cuerpos de los actores, que impactan más que con los escasos textos que recitan. Algunos cuadros resultan inquietantes: la mujer buscando la muerte en una cubeta de agua, el hombre cediendo a la tentación de un cuerpo tentador y repulsivo a la vez, y la vieja quejándose del cuidado que le intenta brindar la mujer. Gisella Estrada, encargada de la producción y la operación de luces, y Pamela Bardález, encargada de la música en vivo, coexisten en este universo lúgubre y miserable, adecuado con escenografía y utilería sencilla y funcional.

Valles convence en su transición de niño a soldado herido y derrotado; Biffi logra el equilibrio exacto entre la locura, la tosquedad y la sexualidad en su personaje; y Velásquez se luce con una soberbia caracterización de una vieja amargada y desquiciada. Historia de un hombre se convierte entonces, en una experiencia netamente sensorial, rica en imágenes y sonidos: el agua chorreando dentro de una cubeta, la blusa manchada de sangre, la gutural risa de la vieja, la tos del hombre enfermo, el aluminio arrugado de la lámpara de mesa, la sombra de la jaula moviéndose alrededor de los personajes, las erráticas notas del cello, el parche en el ojo de la mujer y las constantes y dilatadas pausas, que cubren de densidad y sordidez a la puesta en escena. Un personalísimo trabajo de Daniel Dillon es el que ofrece el colectivo Sin Línea Espacio Teatral en el Galpón Espacio.

Sergio Velarde
19 de marzo de 2011

DÍA MUNDIAL DEL TEATRO ITI-UNESCO PERÚ

2011-03-10T18:59:00.000-08:00

ITI-UNESCO PERÚ ALISTA CELEBRACIÓN POR EL DÍA MUNDIAL DEL TEATRO

En la fecha central, que se llevará a cabo de forma gratuita en el Centro Cultural de la Católica, habrá un sentido homenaje al Teatro de la Universidad Católica (TUC).

El Día Mundial del Teatro, organizado por el ITI-UNESCO PERÚ, a celebrarse este martes 29 de marzo a las 7:00 p.m. en el Centro Cultural de la Católica, en Av. Camino Real 1075 San Isidro, contará con diversas actividades en torno a esta disciplina, entre las que figuran las lecturas de los Mensajes Conmemorativos por esta fecha de la desatacada actriz, directora y dramaturga ugandesa JESSICA KAAHWA, y de nuestro reconocido dramaturgo CÉSAR DE MARÍA, así como un homenaje al TEATRO DE LA UNIVERSIDAD CATÓLICA (TUC) por su larga e impecable trayectoria.

El Día Mundial del Teatro, creado en 1961 por el INSTITUTO INTERNACIONAL DEL TEATRO (ITI), es motivo de celebración anual por todos los Centros Nacionales del ITI y la comunidad teatral internacional. En todo el mundo se realizan actividades y manifestaciones artísticas, relacionadas con las Artes Escénicas. La página web del ITI UNESCO informa sobre dichos eventos: http://www.iti-worldwide.org/

Es por ello que el CENTRO PERUANO DEL INSTITUTO INTERNACIONAL DE TEATRO ITI-UNESCO le rendirá un justo homenaje, por su impecable trayectoria artística, al TUC, el más importante semillero de actores de teatro, cine y televisión del país, que cumple 50 años. El Teatro de la Universidad Católica (TUC) cuenta con una escuela de formación profesional llamada Escuela de Teatro del TUC que, al depender de la Pontificia Universidad Católica del Perú, se nutre de una formación humanista y de un entrenamiento intensivo que exigen un alto nivel de rendimiento; así como una auténtica y vigorosa vocación artística.

El Mensaje Internacional por este día ha sido redactado por Jessica Kaahwa, actriz, directora y dramaturga ugandesa, (ha escrito más de 15 obras de teatro, televisión y radio), muy respetada internacionalmente por su labor humanitaria. Posee una larga carrera en el diseño de una metodología participativa de la comunicación para el desarrollo. Titulada por la universidad de Benin, la Dr. Kaahwa estudió historia del teatro, teorías y críticas en la Universidad de Maryland, USA. Ha sido la arquitecta de un sinnúmero de iniciativas nacionales que han intentado utilizar el teatro y los medios como fuerza constructiva en ajustes del conflicto y para la mejora de la salud. Un buen ejemplo es su experimentación reciente con el “teatro para el significado personal” y el “teatro de los conflictos de comunicación.” Trabaja actualmente en la integración de la “teoría de proceso” en práctica del teatro terapéutico.

Por su parte, el Mensaje Nacional por esta fecha será escrito por CÉSAR DE MARÍA, uno de los dramaturgos peruanos más destacados de la actualidad y dedicado desde hace veinte años en paralelo al teatro y a la publicidad. La actual Junta Directiva del ITI-UNESCO Perú está conformada por el reconocido director y actor Ricardo Morante (Presidente) y por el periodista y actor Sergio Velarde; y es la encargada de la realización de la presente ceremonia. La cita es este martes 29 de marzo a las 7:00 p.m. (hora exacta) en el Centro Cultural de la Católica, en Av. Camino Real 1075 San Isidro. La entrada es libre.

Se ruega su difusión.

Crítica: EL MISTERIOSO ASESINATO DE YOU PAYASO

2011-02-23T17:25:00.000-08:00

EL MISTERIOSO ASESINATO DE YOU PAYASO: investigación del absurdo

Cristian Lévano logra con su nueva comedia El misterioso asesinato de You Payaso, estrenada en el Auditorio del CAFAE de San Isidro, alcanzar algunos notorios signos de madurez teatral, luego de llevar a escena tres interesantes y muy particulares montajes. Con claras influencias del teatro del absurdo, de Ionesco y de Beckett, este joven autor y director nos cuenta la historia de tres esperpénticos payasos: la intimidante Payuya (Yasmin Londoño), el díscolo Piyoyo (César Golac) y el veterano Poyuyu (Alfredo Lévano, padre del director), quienes intentarán resolver el misterioso asesinato del colega que da título al montaje. Pero la resolución del entuerto es lo de menos, ya que lo valioso de la puesta en escena es la comiquísima investigación que inician estos tres personajes, representando a todos los sospechosos del crimen, entre los que figuran ellos mismos.

Muchas de las características del universo propuesto por Lévano a lo largo de su corta pero valiosa producción dramática están presentes en la obra: el contrapunto de los payasos jóvenes hacen recordar a la dupla Alguien – Otro en ¿Qué hiciste Diego Díaz? (2007); la presencia virtual o la ausencia física del personaje central, como en Dana (2008); el juego teatral, en el que los mismos personajes dentro de la obra sacan otros del sombrero como en Francisco (2010). En El misterioso… se advierte una consolidación del laboratorio teatral por parte del director, en el que los actores atraviesan por un proceso que enriquece la puesta en escena, guiados con mano segura para aprovechar las virtudes de cada intérprete.

Las actuaciones nuevamente destacan por su fluidez y solvencia, especialmente el hilarante Lévano, todas apoyadas por una austera producción (bastidores, elementos escénicos), pero coherente con el montaje, que busca ser urbano y adefesiero a la vez. Sorprende el escaso maquillaje utilizado en los payasos (en Francisco se utilizó por toneladas). Los personajes que interpretan los payasos están muy bien definidos, pero el abuelo vende rifas y la madre novelera necesitan cierto ajuste en caracterización y dicción, respectivamente. El empleo del proyector multimedia (con algunas fallas ortográficas en los textos) concluye convenientemente el montaje. El misterioso… confirma a Cristian Lévano como un interesante autor director, a quien debemos prestar atención en el futuro.

Sergio Velarde
23 de febrero de 2011

Crítica: PINOCHO

2011-02-22T17:42:00.000-08:00

PINOCHO: la eterna problemática del teatro infantil

Como todos los veranos se lleva a cabo en estos días el 10mo Festival de Teatro para Niños, organizado por el Instituto Cultural Peruano Norteamericano (ICPNA) en su local de Jr. Cuzco en el Centro de Lima. Sirva este evento para reafirmar, de acuerdo a la variopinta oferta de espectáculos que se ofrece, el maltrecho estado en el que se encuentra nuestro teatro infantil, con una pobreza creativa realmente preocupante y que según la crítica Sara Joffré: “deberían salir todos de cartelera”. Pues salvo contadas y notables excepciones, muchas obras infantiles (pero ninguna del presente festival) se convierten en el gran “recurseo” para inescrupulosos productores, que con unos trapos de colores, un CD y un DVD de Walt Disney, perpetran montajes inexcusables en tiempo record, con el único de fin de llenar sus bolsillos.

Este año al menos, podemos encontrar en el Festival algunas sorpresas con dos curiosas adaptaciones: el relato Escándalo en Bohemia de Sir Arthur Conan Doyle, que acerca a los más pequeños a uno de los detectives más famosos de la literatura universal, Sherlock Holmes, a cargo del grupo Vodevil Producciones; y la película de dibujos animados Anastasia: un viaje tiempo atrás, llevada a escena por Kumdha Producciones. La dramaturgia peruana tiene aquí una oportunidad con La hermosa serpiente de César Vega Herrera y Producciones Casandra; y con La princesa y el dragón, dirigida por Diego Zamora y el grupo Contraelviento. Los cuentacuentos, tan de moda hoy en día, también están presentes con el grupo Más de Nosotros. El campeón absoluto del cruce de universos infantiles, Jorge Moncada, arremete con Princesas en Lazy Town, que reúne en un mismo escenario nada menos que a Stephany, Sportacus, Cenicienta, Blanca Nieves, la Sirenita, los ratones Mickey y Minnie, Pepe Grillo, un Hada, un Príncipe y hasta el malvado Yafar. Para todos los gustos y que nadie se queje. No podían estar ausentes los clásicos de siempre, aquellas historias que aparentemente nunca pasarán de moda: la veterana productora Vicky Paz y su Flautista de Hamelin, esta vez con música de Michael Jackson incluida (!); Sendar Producciones con Blanca Nieves y los Siete Enanos; y Pinocho de Alelí Teatro.

Justamente esta última obra es la que me toca reseñar: la historia del muñeco de madera convertido gracias al Hada Madrina en un niño de carne y hueso cuando aprende el valor de la verdad, es llevada a escena de la mano del director Alfredo Lévano, quien interpreta varios papeles en la puesta, entre ellos el Abuelo Gepetto. Con una mayor seguridad en la letra, necesarios ensayos técnicos y la recomendable inclusión de un actor más, el montaje en general podría levantar vuelo. Y si los niños prestan atención hasta el final es por el trabajo del carismático actor Cristian Lévano en el papel principal. Mención aparte la terrible educación teatral de los más pequeños, que es responsabilidad directa de padres y maestros: en plena función y a pesar de las recomendaciones, los niños tenían celulares encendidos; bebían gaseosas y comían golosinas; hablaban, cuando no gritaban, interrumpiendo el espectáculo; e invadían el escenario a vista y paciencia de sus acompañantes adultos, quienes o hablaban despreocupadamente al celular o intentaban silenciar sin éxito a sus pequeños menores de 4 años. La problemática del teatro infantil sigue siendo alarmante y es deber de los artistas intentar hacer algo para remediarlo.

Sergio Velarde
22 de febrero de 2011