tag:blogger.com,1999:blog-12858651627168742492024-03-18T21:14:44.217-07:00OFICIO CRÍTICOENTREVISTAS, CRÍTICAS Y REFLEXIONES SOBRE ESTRENOS TEATRALESSergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.comBlogger2194125tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-62147904250128391752024-03-18T21:13:00.000-07:002024-03-18T21:13:49.281-07:00Entrevista: ARMANDO SALAZAR<div><p class="MsoNormal"><b><i><span style="font-family: georgia;"></span></i></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><i><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBZbPynt-MuQFT_2o3u_nlIJjuhqNaLwK4NZpe8musiaoLGzsH6u1_-31YWUjkDIi0esK8mQWFJYUXTj1IAkMRh10_nIuep1s2zQ3RXD6gtwCtwMTGdVmppAligVnmVrolCn7dK9QJTUjsS-_fr3nyZvE_nBJSJyNMUUuMHj3t5to7rzXb5EFMGLnczS8Y/s6000/DSC_6641_ok.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="6000" data-original-width="4800" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBZbPynt-MuQFT_2o3u_nlIJjuhqNaLwK4NZpe8musiaoLGzsH6u1_-31YWUjkDIi0esK8mQWFJYUXTj1IAkMRh10_nIuep1s2zQ3RXD6gtwCtwMTGdVmppAligVnmVrolCn7dK9QJTUjsS-_fr3nyZvE_nBJSJyNMUUuMHj3t5to7rzXb5EFMGLnczS8Y/s320/DSC_6641_ok.jpg" width="256" /></a></span></i></b></div><b><i><span style="font-family: georgia;"><br />“Las oportunidades pueden llegar por suerte, pero la forma de mantenerse
es con disciplina.”</span></i></b><p></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;"><i>¿Quieres estar
conmigo?</i>, ya un clásico de la dramaturgia peruana, con autoría de Roberto Ángeles
y Augusto Cabada, llega nuevamente a escena con la dirección de Johan Robles y
presentada por Primer impulso y La escena producciones. <b>Oficio Crítico</b> conversó con uno de sus jóvenes actores, Armando Salazar,
acerca de la muy breve temporada de dos funciones, el 3 y 10 de abril en el
Teatro Auditorio Miraflores.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">En esta comedia agria, ambientada durante los años 70 y 80
en Lima, el público se hace presente frente a una década de la vida de nueve jóvenes
de clase media, que luchan por concretar sus sueños en medio de un contexto de
inestabilidad económica y violencia política. Acompañan a Armando los jóvenes
intérpretes Alisson Alonso, Carlos Córdova, Almudena Yeren, Franco Solis, Gerardo
Coveñas, Andrea García, Alberto Almeyda y Cristina Marichi.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">Las funciones serán el 3 y 10 de abril a las 8 p. m, en el Teatro
Auditorio Miraflores (Av. José Larco 1150 Miraflores). Las entradas están a la venta
escribiendo a @1er_inpulso, @djjazzoficial o @la_escena_producciones.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span style="font-family: georgia;">Sergio Velarde<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">18 de marzo de 2024</span><o:p></o:p></p></div><div><br /></div><iframe frameborder="0" height="270" src="https://youtube.com/embed/x8XIiQenDLI?si=7tSdKCTZojGRtrb7" width="480"></iframe>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-44658517326693011712024-03-13T14:46:00.000-07:002024-03-13T14:46:57.556-07:00Crítica: EL DÍA QUE QUEMÉ A MI PADRE<p><b><span style="font-family: georgia;"></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiM5FlOQC4BbsKNSDoLU-DPtHzwQcLGMaZ8Rtmc9mJK6-rZUhPMBG14Y-K0CxF9eKbQHOst4yXzaUpYDF5e9TcuWTE2xmqfBGs1THAoYWnWhw2-_4aYdfbiNruJC7aFgdCvIY5ZD9psevQmYdNJH-tJYgNPLCXb4ZkAWUWuwnhBHjtXy90MWf3vN4Npdqhs/s662/el%20dia.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="662" data-original-width="640" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiM5FlOQC4BbsKNSDoLU-DPtHzwQcLGMaZ8Rtmc9mJK6-rZUhPMBG14Y-K0CxF9eKbQHOst4yXzaUpYDF5e9TcuWTE2xmqfBGs1THAoYWnWhw2-_4aYdfbiNruJC7aFgdCvIY5ZD9psevQmYdNJH-tJYgNPLCXb4ZkAWUWuwnhBHjtXy90MWf3vN4Npdqhs/s320/el%20dia.jpg" width="309" /></a></span></b></div><b><span style="font-family: georgia;"><br />Reescribiendo una historia</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">Diversos proyectos teatrales han abordado los grandes
conflictos que giran en torno a la familia; esta vez, Proyecto 88 y La Eme
Colectivo estrenaron la obra<i> El día que quemé a mi padre</i>, escrita por
Henry Sotomayor y Mónica Talavera, quien también la dirige. La temporada tiene
lugar en el Club de Teatro de Lima.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">El elenco está conformado por Luisa Caldas, Luis Acuña y
Henry Sotomayor, este último interpreta a Enrique, un escritor conflictuado por
su infancia y la ausente figura paterna, situación que lo lleva a repetir los
mismos errores con su propio hijo. Su intención de borrar el pasado lo lleva a
transitar por sus recuerdos, en compañía de un irreverente conejo y la figura
de la muerte. Ahora bien, la narrativa plantea un drama con varios momentos
cómicos, los cuales sirven para refrescar al público y aportan dinamismo a la
puesta; sin embargo, se corre el riesgo de perder el sentido del relato, el
cual se recupera cuando el drama aparece, y el protagonista toma decisiones.
Respecto a las actuaciones, tenemos construcciones de personajes bien
delimitadas, con características específicas desde el manejo corporal, los
elementos de vestuario y el universo emocional de los mismos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">Una escenografía funcional, diseñada en base a cajas de
cartón, haciendo uso de elementos sencillos, el juego de luces y la música en
vivo, que bien podría considerarse un personaje más, debido a las precisas
intervenciones dentro de la historia. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;"><i>El día que quemé a mi padre</i> es una sobrecogedora
pieza de teatro, que a través del humor oscuro e incómodo nos revela la
oportunidad para reescribir una historia, en este caso la de Enrique, que lucha
contra su pasado atravesando diversas emociones, que permiten identificarnos de
alguna u otra forma con este personaje. Además, refleja la necesidad atender el
tema de la salud mental y la forma en la que influye en todos los ámbitos de
nuestra vida. Sin duda, estos temas nos llevan a infinitas reflexiones, no solo
como individuos, sino también como sociedad.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span style="font-family: georgia;">Maria Cristina Mory Cárdenas<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">13 de marzo de 2024</span><o:p></o:p></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-37691041558178660492024-03-13T14:41:00.000-07:002024-03-13T14:41:03.955-07:00Crítica: HAMLET<p><b><span style="font-family: georgia;"></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0V6S-0PCsC52Ien1Q1W642hW0Tg17LIeLLWeA3bJuJ-MdHXLwGJhnOj-_ERMhn9YfB3wbK_tzh_zjylt_DLIATwMej3MYbkneGjOTmSJJrOgS5O29D2_KngTy4pYSfIUKvSdLQDc3CCLMw7VOKyXssAkNPMBY40VR7l0AqGZdQKwcrzPASlVuaQ60oMnt/s600/hamlet.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="480" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0V6S-0PCsC52Ien1Q1W642hW0Tg17LIeLLWeA3bJuJ-MdHXLwGJhnOj-_ERMhn9YfB3wbK_tzh_zjylt_DLIATwMej3MYbkneGjOTmSJJrOgS5O29D2_KngTy4pYSfIUKvSdLQDc3CCLMw7VOKyXssAkNPMBY40VR7l0AqGZdQKwcrzPASlVuaQ60oMnt/s320/hamlet.jpg" width="256" /></a></span></b></div><b><span style="font-family: georgia;"><br />Shakespeare medieval</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">Es la primera vez en mi vida que veo una versión de <i>Hamlet</i>
tan pedagógica y empática con la sociedad limeña. Lo que más me gustó de la propuesta
es que no se tuvo que recurrir a un humor chabacano para llegar a alegrar al
diverso público del Nuevo Teatro Julieta. Con humor sutil y fresco, la
productora Mercadillo Medieval de la Asociación Diez Talentos de Bruno Odar ha
innovado de manera mayúscula. Acaso varios de los espectadores nunca en su vida
habían escuchado del famoso drama escrito por Shakespeare y sin duda, esto
despertó muchas curiosidades entre el público, que daba por sentado que el
lenguaje empleado sería denso. De hecho, <i>Hamlet</i> es un drama universal
que habla acerca del valor de la lealtad en contraposición de la venganza. Es
un mérito que hayan logrado adaptarlo a un lenguaje peruano, como comedia para
toda la familia. Creo que el montaje debería se consumido por público escolar
que necesita conocer esta parte de la historia del teatro.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">Por otro lado, las actuaciones estuvieron a la altura de un
montaje profesional. Destacó el protagonista Jorge Guerra como Hamlet, quien me
impresionó por desarrollar su personaje de una manera equilibrada, parsimoniosa
y sin exageraciones, pues era necesario demostrar el odio y el dolor en sus
escenas. También fue resaltante el rol de Elena Castillo como la madre de
Hamlet, pues me gustó la seriedad de la actriz frente a una serie de
situaciones cómicas que ocurrían a su alrededor. Soportar el humor es un
talento pocas veces reconocido en un actor. Quien brilló por su presencia
escénica, picardía y dominio en el escenario fue Jorge Moretti como Shakespeare.
<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">Adicionalmente, debo felicitar a la productora por realizar
una escenografía muy acorde con el mundo medieval “hollywoodense”, que fue lo
primero que nos conecta con el público, principalmente porque los peruanos, al
igual que otras sociedades, hemos sido muy consumidores de películas de ese
mercado. Es entendible pues, como mencionó una colaboradora de la producción: <i>“Gracias
por venir a vernos, aun estando en momentos muy difíciles como sociedad”.</i> Es
fundamental que el teatro peruano se aleje de sectarismos de teatro clásico y
se adapte de una manera inteligente y entretenida a los nuevos tiempos. Muchos
éxitos en futuras presentaciones. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span style="font-family: georgia;">Enrique Pacheco<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">13 de marzo de 2024</span><o:p></o:p></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-88027907561232342852024-03-13T14:29:00.000-07:002024-03-13T14:29:27.454-07:00Crítica: LA PIEDRA DEL MAL<p><b><span style="font-family: georgia;"></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEge-dKeRNJzwjMBzqRDZInoJsai-LG4ocRsnkF_S4a76H1m__X6E8-R0V84PLsAKOFrFEytLuGF8Temqi0io2SUvK6c5krhNOTjyKGJO5Dxdc91oBDxwIDtO3NEZVhM_61GiZrD_o91W5CkewP3VGUQy1SroCv8UowphcHysypQfmrkUiq6M9gTJG4pzuDD/s1080/la%20piedra%20del%20mal.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1080" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEge-dKeRNJzwjMBzqRDZInoJsai-LG4ocRsnkF_S4a76H1m__X6E8-R0V84PLsAKOFrFEytLuGF8Temqi0io2SUvK6c5krhNOTjyKGJO5Dxdc91oBDxwIDtO3NEZVhM_61GiZrD_o91W5CkewP3VGUQy1SroCv8UowphcHysypQfmrkUiq6M9gTJG4pzuDD/s320/la%20piedra%20del%20mal.jpg" width="320" /></a></span></b></div><b><span style="font-family: georgia;"><br />Dramaturgia del terror</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">Me acuerdo aún del estreno, en el verano pasado, de la
agrupación independiente Bramarte Producciones titulado <i><a href="https://eloficiocritico.blogspot.com/2023/03/critica-pol.html" target="_blank">Pol</a></i>, en el Teatro
Aforo de Pueblo Libre. A pesar de contar con una escenografía sucinta, este
tuvo un gran impacto psicológico sobre el público, pues abordaba el tema
controversial de la posesión demoniaca. El terror es un género poco explorado,
incluso si se tiene una perspectiva histórica, pues casi todo ha girado en
torno al drama (lo real, lo que sucede) o la comedia. Incluir el terror en una
puesta teatral es un gran reto e implica mucha creatividad. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">En primer lugar, mencionar que mi crítica hacia la puesta en
escena de <i>La piedra del mal</i> es constructiva, pues considero que nuestro
deber como <b>Oficio Crítico</b> es el de ser sinceros y respetuosos en
nuestros comentarios. Uno de los mayores teóricos del teatro latinoamericano, el
mexicano Edgar Cevallos, mencionó en su libro <i>Principios de Construcción
Dramática</i>: <i>“La construcción dramática nos enseña también que todos los
hechos se irán a dar sobre una base de relaciones complejas e intrincadas”.</i>
Por eso, es peligroso elegir un determinado elemento de la historia y forzarlo
de manera exagerada que desequilibre a los demás, como los personajes de la
obra de teatro. En ese sentido, la mayor debilidad de la propuesta fue la falta
de unidad en la historia dramáticamente hablando, pues sinceramente el
conflicto era poco creíble y todo ocurría en un espacio-tiempo muy breve y rápido.
<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">Como aspecto positivo, debo mencionar que la escenografía
fue realista y se evidenció el esfuerzo de la productora por un vestuario
acorde con la historia presentada. En cuanto a la actuación de José Ticse, como
el asistente del sacerdote, debo resaltar que esta fue creíble y transmitía la
sensación de desconcierto del ambiente casi religioso. Me gustó mucho su interpretación
por su veracidad. Por otro lado, al resto de actores les faltó transmitir la energía
necesaria para el ambiente de terror propuesto por el director César Carrión.
El mejor ejemplo de que estaba fallando dramáticamente lo propuesto fue que,
ante las escenas donde el demonio (Víctor Collantes) u otros personajes
entraban en posesión por la Piedra Horadada, el público estallaba en
carcajadas. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">Sinceramente creo que debió escogerse otra historia para representar.
Tal vez una comedia, en donde la Piedra Horadada sea solo parte de la historia,
habría funcionado mejor. Como menciono al inicio de esta crítica, el terror es
muy retador para el teatro. Sin embargo, felicitaciones a la producción por lo
logrado.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span style="font-family: georgia;">Enrique Pacheco<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">13 de marzo de 2024<span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span><o:p></o:p></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-49422358475725874792024-03-10T13:28:00.000-07:002024-03-10T13:28:54.685-07:00Crítica: EL PRÓXIMO AÑO, A LA MISMA HORA<p><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBe4jKPWr_LIwPrs2CqjSiTT3nNGjGFR7zvAhytftbbBX3en1FXXDm_-kCQY-x6OMZCXdj9suusYVQ3x9ktr7g6bLb4TdN2ie5NDZ-GVckNU3mEsi0rlek6IsXddsSWv3-C7DHqjyG6t-SU6VMC_UWM3hEataGEWkkie4eLxj_eIJaVPDoI45WFjZEvgi_/s1280/el%20proximo%20a%C3%B1o.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1280" data-original-width="905" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBe4jKPWr_LIwPrs2CqjSiTT3nNGjGFR7zvAhytftbbBX3en1FXXDm_-kCQY-x6OMZCXdj9suusYVQ3x9ktr7g6bLb4TdN2ie5NDZ-GVckNU3mEsi0rlek6IsXddsSWv3-C7DHqjyG6t-SU6VMC_UWM3hEataGEWkkie4eLxj_eIJaVPDoI45WFjZEvgi_/s320/el%20proximo%20a%C3%B1o.jpg" width="226" /></a></span></b></div><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"><br />Doce años después, a la misma hora</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">Imposible para mí
olvidar, allá por el 2012, aquellas actuaciones de nuestro hoy recordado Diego
Bertie y de una increíble Gianella Neyra, en las que, bajo la dirección de
Osvaldo Cattone, nos regalaron química, soltura, pasión; hoy, Connie Chaparro y
Sergio Galliani hacen lo propio, con mayor dulzura, matices de picardía y un
humor muy íntimo que manejan de forma maravillosa y que logran transmitir a los
espectadores. Todo ello en el mítico teatro Marsano y con la misma obra de
Bernard Slade: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El próximo año, a la misma
hora.<o:p></o:p></i></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">Una comedia
romántica como pocas, muy bien contada, de un texto maravilloso que exige de
una química especial entre los protagonistas y que David Carillo ha sabido
encontrar en sus actores. Hay ternura y un contacto desde la fascinación y el
deslumbramiento mutuo. Si bien la comedia nos hace reír a partir de un humor
pícaro pero tierno, también nos captura con escenas emotivas de añoranza y
tristeza, por ciertos acontecimientos que atraviesan sus protagonistas.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">La obra tiene un
carácter mágico, que te permite llorar, reír, asombrarte. Si bien en un inicio
los procesos se muestran un poco lentos, los actores logran sobreponerse a ello
y encontrar el ritmo adecuado, según la intimidad vaya dictando. Claramente se
entienden, es innegable la presencia que tienen ambos en el escenario, además
de ese carisma especial para congeniar con el público. Con Galliani con
momentos inmejorables; no bajo el ojo perfecto, inmejorables en lo humano que
logra plasmar en el escenario. Por otro lado, Chaparro deslumbra con un
personaje que crece, se transforma a partir de sus experiencias; logra
desarrollar la madurez y el aprendizaje de toda una vida.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El próximo año, a la misma hora</i> es una obra preciosa. Cuánto más
hermoso ha sido para mí verme envuelto en ese romance, pero como un espectador
hacia la obra, que vuelve una vez más, al mismo lugar de encuentro, el Marsano,
a dejarse deslumbrar, ya con nuevos actores, pero con la misma esencia de amor
y cariño. Ojalá no pasen tantos años para volverla a ver. Y si es que ocurre,
que siga manteniendo esa magia. Esta es una obra que tiene todos los méritos
para perdurar en el tiempo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: georgia;">Omar Peralta<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">10 de marzo de 2024</span><o:p></o:p></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-84629941264232285962024-03-10T13:25:00.000-07:002024-03-10T13:25:47.934-07:00Crítica: CUÉNTAME<p><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrzI38MEF0kv7zZzjuza4HiRrHvyLi5z0FhhEkZsYhJkEnYl8I3Pbg7Y3SonNWg3K9JLjFsL9RLVJqfLxdkfIHvHwuQT0owlsxUZY5u31oLJ-X0jfkVSWApmWKFQJti_hVwlFIWJ7EweToAGwOO4-jk1cHc_k0ITY-TBsw03mI8Y0o9jZDYCkosYJPfcdX/s640/cuentame.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="512" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrzI38MEF0kv7zZzjuza4HiRrHvyLi5z0FhhEkZsYhJkEnYl8I3Pbg7Y3SonNWg3K9JLjFsL9RLVJqfLxdkfIHvHwuQT0owlsxUZY5u31oLJ-X0jfkVSWApmWKFQJti_hVwlFIWJ7EweToAGwOO4-jk1cHc_k0ITY-TBsw03mI8Y0o9jZDYCkosYJPfcdX/s320/cuentame.jpg" width="256" /></a></span></b></div><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"><br />Una bella historia con la música a medias</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cuéntame</i>, obra musical para todo público, nos regala una historia emotiva,
divertida, pero que cojea de su aspecto musical. A pesar de ello, mantiene una
historia clara dentro de un juego fantasioso, aunque no por ello menos
verdadero. Partiendo de la propuesta luminotécnica, el montaje se muestra
preciso, con unos efectos visuales destacables, que le otorgaban a las escenas
este juego infantil necesario. Además, la propuesta de escenografía es
versátil, y desde ella, los actores se apoyan para generar coreografías que
mantienen el dinamismo de la obra.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">A nivel actoral, se
puede decir que todos se prestaban para el juego que planteaba la obra, había
un entendimiento del texto preciso y la interacción entre los personajes era lo
que se podría esperar por las circunstancias dadas. A quien parece haberle
costado más entrar en esta dinámica fue a Manchi Ramírez, cuyo personaje, si
bien guarda un carácter más opaco frente a los otros, se desconectaba cada vez
que terminaba su acción en la escena o su diálogo. Su corporalidad escénica
desaparecía en sus traslados por el espacio y volvía cuando tenía que
intervenir. Además de presentar dificultades en el aspecto musical, la falta de
claridad y afinación perjudicaban el entendimiento de las canciones. Teniendo
en cuenta que los momentos musicales de la obra se desarrollan tanto con una
pista musical como por los actores cantando, no hacía un buen empalme la pista
con la voz de Ramírez.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">Mejor dominio
musical presentaron Daniel Menacho y Daniela Olaya, aunque no fue suficiente.
Brillaron más por su dominio escénico, lo cual sí vale la pena resaltar. Quien
sí nos otorgó, de manera notable, un dominio musical, fue Guadalupe Farfán: con
una voz potente, afinada, lograba brillar en cada canción.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">Ya desde la
dirección, no se entiende muy bien por qué la primera canción no tiene una
pista al igual que las demás; no presenta una carga dramática importante, no
logra entenderse muy bien, porque la calidad vocal tampoco la acompaña, y
engaña un poco al espectador, que en consecuencia esperaría que el tratamiento
para la demás canciones sea el mismo. De igual forma el preámbulo de la obra
choca un poco en su estridencia, y se entendería mejor si no fuera interrumpido
por las llamadas a la sala.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">Luego de estas
consideraciones, la obra se desenvuelve mejor, va afianzándose a medida que
avanza la historia, y logra capturar ciertos momentos emotivos, que desembocan
en la resolución final de los personajes. Sin duda, todos atraviesan por un
viaje de transformación. Esta es una historia que sí logra evocar ciertos
aspectos olvidados de las tradiciones orales, de los cuentos, pero lejos de
buscar pretensiones, los aterriza a través de las experiencias de vida de cada
uno de estos chicos, ya no tan chicos, y la necesidad de recordar lo que
significa narrar, contar y soñar.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: georgia;">Omar Peralta<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">10 de marzo de 2024</span><o:p></o:p></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-9484458973837816092024-03-10T10:23:00.000-07:002024-03-10T10:23:02.082-07:00Crítica: MI PRIMER BAILE - AMAIA<p><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfVagK7JlXaXup0HiZhVxKYqLyBmd4TEClG-LrwG6N3ObX16kN7_bYJYKxxanXc37wIaa2I5zWEpX4-sbrNEEDrj46HBlBAPLu16P0HXGmQqWN51jIBxZnQmZxC1i-1gmnV0ZbVMbzIR1qOoHz9BAaLTmBlA_UcjbyKcudu1fuCKcEx3hyphenhyphenFBdyUHuM1gna/s3200/telon%20mestizo%203.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="3200" height="205" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfVagK7JlXaXup0HiZhVxKYqLyBmd4TEClG-LrwG6N3ObX16kN7_bYJYKxxanXc37wIaa2I5zWEpX4-sbrNEEDrj46HBlBAPLu16P0HXGmQqWN51jIBxZnQmZxC1i-1gmnV0ZbVMbzIR1qOoHz9BAaLTmBlA_UcjbyKcudu1fuCKcEx3hyphenhyphenFBdyUHuM1gna/s320/telon%20mestizo%203.jpg" width="320" /></a></span></b></div><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"><br />Cómo los vínculos
pueden ayudarnos a trascender</span></b><p></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-align: left; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">En la librería Café Casa Tomada se presenta una recopilación
de dos propuestas artísticas denominadas <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Microteatro
Mestizo III,</i> a cargo del colectivo independiente Telón Mestizo.<o:p></o:p></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-align: left; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">La primera de estas propuestas en presentarse es titulada <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Amaia</i>, escrita por Mauricio Figueroa, y
que pone en escena el vínculo afectivo entre Amaia y Lu, quienes se encuentran
dentro de un contexto de conflicto armado interno en el Perú. Este vínculo
denota un amor tierno, de cuidado a la vez que intenso, con una promesa de no dejarse
la una a la otra; que a pesar de una guerra fuera, el amor prima por dentro y
eso es más fuerte, un amor con convicción, con compromiso, que trasciende a la
muerte, y que aun después de ella ese amor nunca fenece. Esto está bien
representado por la propuesta del director Víctor Lucana, en un espacio
bastante íntimo en los cambios de ritmos entre la crudeza del conflicto de
afuera y el cuidado del amor visto por dentro. Las actrices Helen Domínguez y
Milagros Campos tienen una muy buena conexión en escena y en cada acercamiento
puedes sentir toma una gama de emociones entre lo que dicen, los silencios, los
cantos y las pesadillas.<o:p></o:p></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-align: left; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">La segunda pieza teatral se llama <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Mi primer baile, </i>obra corta escrita por Federico Abrill y que
cuenta la historia de Patricio, un adolescente con discapacidad auditiva, que
por obvios motivos está impedido de comunicarse con sus compañeros como él
quisiera y por lo tanto, se siente apartado en muchas ocasiones. Hasta que
conoce una compañera en la escuela que le cambiará la perspectiva acerca de su
discapacidad. Los actores en escena, Briana Campos, Rodrigo Delgado y Victor
Lucana dirigidos por Jiro de la Vega, logran con muy buena energía y entrega
contar una historia divertida, siendo al mismo tiempo muy aleccionadora, ya que
muchas veces las discapacidades físicas no son tan profundas como las de
pensamiento o del alma de quienes juzgan a quienes se ven “diferentes”. Esto se
logra ver muy bien en escena y cómo se logra integrar y hacer sentir bien a
Patricio, observando que la mayor discapacidad siempre será la de la limitación
de nuestros pensamientos, y que solo la empatía puede hacer que todos nos
veamos funcionales. Muy recomendable.<o:p></o:p></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-align: left; text-indent: 0cm;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: georgia;">Manuel Trujillo<o:p></o:p></span></b></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-align: left; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">10 de marzo de 2024</span><o:p></o:p></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-39756546474502345532024-03-10T10:10:00.000-07:002024-03-10T10:10:35.167-07:00Crítica: RESPIRA<p><b><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;"></span></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPpG6dw3v_cjQhd-dBmjepbim50tHCC59RZNDRBjFOJhswsRCTddIiMMULZTfWIZl2nPy6NMwgyrIU9bl3jy6pJiJJ8_3zFhjSR4Q8q2BnPNDETSjSJBVVhHfdjaSEv9sDzdVXxQNLsv9E4OwCbSRR9t11yfPvIUcYSLqcHSstYia9D44b2yfMbPKvbgHO/s717/423766465_1348446879202977_699310390346204259_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="717" data-original-width="714" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPpG6dw3v_cjQhd-dBmjepbim50tHCC59RZNDRBjFOJhswsRCTddIiMMULZTfWIZl2nPy6NMwgyrIU9bl3jy6pJiJJ8_3zFhjSR4Q8q2BnPNDETSjSJBVVhHfdjaSEv9sDzdVXxQNLsv9E4OwCbSRR9t11yfPvIUcYSLqcHSstYia9D44b2yfMbPKvbgHO/s320/423766465_1348446879202977_699310390346204259_n.jpg" width="319" /></a></span></b></div><b><span style="font-family: georgia;"><br />Cuando
¨Respira¨ se queda sin aire</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">La obra <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Respira</i>,
escrita por Eduardo Adrianzén, aborda temas potentes y universales como la
guerra interna, la influencia de la religión en la sociedad, la pedofilia en la
iglesia católica y los desafíos en la comunicación familiar, resonando no solo
a nivel local sino también global. La dirección de Johan Robles, junto con las
actuaciones de Carlos Gabriel, Pamela Alisson, Diego Fernando, Wendy Antonella,
Armando Salazar, Adrián Hermoza, Munay Davila, Adrían Gutierrez, prometía una
entrega apasionada al material complejo y desafiante.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">En términos de actuación, se notó que los
chicos en escena realmente se esforzaron por vincularse con el texto,
esforzándose para dar vida a un guion tan exigente y vibrante. Sin embargo, a
pesar de su compromiso, se percibió una necesidad de mayor profundidad y
experiencia actoral, lo cual resultó en momentos de rigidez y monotonía. La
intención de representar personajes mayores no se materializó con la
autenticidad esperada.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">El viaje en el tiempo que intentaban los
personajes era una idea genial, pero desafortunadamente no alcanzaron a
transmitir su intención claramente, afectados tanto por la inexperiencia
actoral como por la excesiva cantidad cambios de escena que más parecían
distracciones, disminuyendo su ritmo. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">La presencia de músicos en vivo, una
oportunidad invaluable para enriquecer la atmósfera, no fue explotada
adecuadamente, relegando su potencial impacto al parecerse más a una banda
sonora pregrabada por la repetición constante de la misma melodía y su
ubicación oculta.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">El aspecto de producción, especialmente el
vestuario, no logró capturar la esencia de la época representada, y junto con
la caracterización inadecuada de los actores, restó credibilidad al conjunto.
Los errores técnicos, como el manejo inoportuno de las luces, distraían y
deslucían momentos clave de la representación. Lamentablemente, una obra tan
bien escrita fue, en su mayoría, escenificada de manera poco adecuada, por
donde la hayamos querido ver.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">A pesar de la fuerza del texto de Adrianzén,
la obra no logró transmitir su potencial impacto, afectada por decisiones de
dirección que no favorecieron el desarrollo de la misma y por interpretaciones
que requerían de un mayor peso emocional y técnico. Es una pena que una pieza
con tanto potencial dramático y temático no haya resonado como se esperaba.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">Milagros
Guevara<o:p></o:p></span></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">10 de marzo de 2024</span><o:p></o:p></span></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-53961891649460707272024-02-27T02:40:00.000-08:002024-02-27T10:18:50.000-08:00Crítica: PARAÍSO PERDIDO<p><b></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBSjXbZK320aK97hVXU29BadwMD4ACsGK70w5PzaMEQSjzK62e0lxRX9p9cN4gy9-C_Fsp_5K0Kapw4XAB04g71V0QFhtM3Ver8SbVFoe7AqWAYwpEsDjFdioce2cN2Nk0SCe2k8bIBy5FmKcEJJGPK3ONcPP7ec8DTFNAJpCqYVwYh6DoQSAAm5jLo4YF/s480/images%20(8).jpeg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="380" data-original-width="480" height="253" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBSjXbZK320aK97hVXU29BadwMD4ACsGK70w5PzaMEQSjzK62e0lxRX9p9cN4gy9-C_Fsp_5K0Kapw4XAB04g71V0QFhtM3Ver8SbVFoe7AqWAYwpEsDjFdioce2cN2Nk0SCe2k8bIBy5FmKcEJJGPK3ONcPP7ec8DTFNAJpCqYVwYh6DoQSAAm5jLo4YF/s320/images%20(8).jpeg" width="320" /></a></b></div><b><br />La caída de un Ángel en clave rockera</b><p></p><p><i>Paraíso Perdido</i> emerge como una reinterpretación audaz del clásico poema épico de John Milton, originalmente publicado en 1667. Esta adaptación, llevada a las tablas bajo la dirección de Fernando Luque, nos sumerge en una reflexión sobre los difusos límites entre el bien y el mal a través de una propuesta escénica innovadora.</p><p>La obra destaca por su acompañamiento musical en vivo, a cargo de Roberto Rodríguez en la guitarra, Luis Felipe Ortega en la batería, Renzo Solimano en el bajo y Andrés Herrera en el teclado. Su ejecución impecable y la energía vibrante que aportaron en cada pieza musical se entrelazaron de manera sublime con la naturaleza salvaje de la escenografía, creando una atmósfera envolvente para el espectador.</p><p>La escenografía, diseñada por María Hilaje, transformó el teatro en una selvática utopía que facilitaba la inmersión en el universo propuesto. La integración de los músicos en este entorno, ocultos entre ramas, fue un acierto que realzó la experiencia visual y auditiva. El trabajo de iluminación merece una mención especial, por complementar a la perfección la música y la escenografía, culminando en un espectáculo de gran cohesión artística.</p><p>El elenco, liderado por Luque en el papel de Lucifer, mostró una notable solidez. El también director de la obra demostró una impresionante capacidad para manejar la complejidad de su personaje, manteniendo un alto nivel de energía y expresión a pesar de los desafíos físicos que implicaba cantar y actuar simultáneamente. El coro, integrado por Akemi Toma, Francesco Bacilio, Maria Fernanda Misajel, Manuel Valdivieso, Jose Soto, Hanks Sarmiento, Verónica Infantes, Ana Paula Galvez, Katia Uriol, Nick Delgado, Valeria Fumagalli, Rommileth Coronado y Fabian Suni, realizó una labor encomiable, destacando tanto en sus intervenciones vocales como en las coreografías. No obstante, es justo señalar que, en ciertos momentos, la dicción no fue del todo clara, lo que restó algo de fuerza a su actuación.</p><p>Por lo experimentado en el Teatro Británico, se trata de una producción teatral interesante y limpia. <i>Paraíso Perdido</i> se configura como un espectáculo que, mediante una fusión de elementos musicales, escenográficos y de actuación, logra un diálogo profundo con el público sobre temas eternos, manteniendo al mismo tiempo una frescura y originalidad.</p><p><b>Milagros Guevara</b></p><p>27 de febrero de 2024</p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-34643231210990490982024-02-26T20:42:00.000-08:002024-02-26T20:42:07.585-08:00Crítica: EL GRITO DE NARCISO<p><b><span style="font-family: georgia;"></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1VffKd_HzelZRLnfXqlasYyFJprj8BlLDPTtY_qc5Lph4sLgF0sbB4BrJPgC_vRm1qLFzzw-R4Bl8beM-3lZnhVlKiwI1Bz6ZXOlVuW2JRkfjAp-mikyh543PsF38yI4P8JhI5cKvKQnDmdQfWb0lB_-WpTojuo8IOElXbCZktioiFX8oyiaYZ1uihhpd/s800/narciso.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="800" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1VffKd_HzelZRLnfXqlasYyFJprj8BlLDPTtY_qc5Lph4sLgF0sbB4BrJPgC_vRm1qLFzzw-R4Bl8beM-3lZnhVlKiwI1Bz6ZXOlVuW2JRkfjAp-mikyh543PsF38yI4P8JhI5cKvKQnDmdQfWb0lB_-WpTojuo8IOElXbCZktioiFX8oyiaYZ1uihhpd/s320/narciso.jpg" width="320" /></a></span></b></div><b><span style="font-family: georgia;"><br />Triángulo de vanidad</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">Para todos los que, por innumerables razones, no podemos
asistir a espectáculos teatrales estrenados en las diversas regiones de nuestro
país, resulta muy gratificante el poder
verlos en alguna sala limeña. Tal fue el caso del estreno, en el Teatro Esencia
de Barranco, de la pieza itinerante <i>El
grito de Narciso</i>, escrito y dirigido por Lina Ninamango, bajo la producción
de Serendipia Teatro, colectivo arequipeño. Se trata de un grupo escénico que busca
proponer una fusión de técnicas vanguardistas para darles así vida a
experiencias teatrales atípicas y con un sello característico. La mencionada
puesta en escena es, sin duda, un muy auspicioso debut para esta agrupación, de
trama sencilla pero de interesante ejecución sobre el escenario.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">Basándose en el conocido mito de Narciso (personaje
mitológico que queda prendado de su propia belleza frente al reflejo en el
agua), Ninamango crea una interesante propuesta teatral, muy atinada en estos
tiempos de empoderamiento femenino y lucha frontal contra el machismo, así como
de ciertos escándalos mediáticos protagonizados por personajes narcisistas. Con
cámara negra y dos pequeños asientos del mismo color, un hombre (Diego Pacheco)
se debate entre el amor de dos mujeres (Nathalia Herrera y Pamela Corahua),
ubicadas a cada lado del escenario; una, con blusa blanca y la otra, de color
negro. Es durante sus interacciones físicas que podemos identificar mejor las
personalidades de cada uno de los personajes, más que por los diálogos cargados
de lirismo que recitan.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">De trama sencilla y duración justa, Ninamango juega y
despista al espectador desde el inicio: ¿son acaso ambas mujeres las caras de
una misma moneda dentro de la febril mente de Narciso o realmente son
personalidades independientes? Una emotiva conversación entre las dos deja en
el espectador un final esperanzador y una pertinente reflexión. <i>El grito de Narciso</i>, más que una
interesante puesta en escena minimalista e itinerante, es una prueba que se
vienen gestando valiosas propuestas en nuestras regiones, como esta de Arequipa,
y ojalá que podamos disfrutar de más de ellas en nuestros espacios teatrales.
Lima no es el Perú.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b><span style="font-family: georgia;">Sergio Velarde<o:p></o:p></span></b></p>
<span style="line-height: 107%;"><span style="font-family: georgia;">26 de febrero de 2024</span></span>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-15744864645529571172024-02-26T18:23:00.000-08:002024-02-26T18:23:17.100-08:00Crítica: CONCIERTO BARROCO<p><b><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;"></span></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirH9wvtsKWBIfcib7V9EGJC1HfROc2ByBv_jeupF_1l_TnI7SKyqDr0xb53E0ki79dy8Tu5w8K9_d87Eq5L9CYwOU1ctO1LKVr1kQNiNKgiTi-okGLpY-ncIX6PwRp6jfsuugvaP3KFM5nSrgriS59g7QWkueDIwzW9a01GPcZEOYs_X4WMUqKV7vsXlYE/s720/428888822_1870866910018184_7062470408665082508_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="720" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirH9wvtsKWBIfcib7V9EGJC1HfROc2ByBv_jeupF_1l_TnI7SKyqDr0xb53E0ki79dy8Tu5w8K9_d87Eq5L9CYwOU1ctO1LKVr1kQNiNKgiTi-okGLpY-ncIX6PwRp6jfsuugvaP3KFM5nSrgriS59g7QWkueDIwzW9a01GPcZEOYs_X4WMUqKV7vsXlYE/s320/428888822_1870866910018184_7062470408665082508_n.jpg" width="320" /></a></span></b></div><b><span style="font-family: georgia;"><br />Música
y performance</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">En el Teatro Universitario de San Marcos
culminaron, este fin de semana, las funciones de la puesta en escena <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Concierto Barroco</i>, adaptación de la
novela bajo el mismo título del autor cubano Alejo Carpentier, a cargo del
actor y director de teatro Luis Ramírez. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">La propuesta nos sumerge en una intensa y
creativa narración oral, que nos revela a través de ocho cuentos una historia
llena de contrastes, abordando temas como la identidad, el costumbrismo, las creencias,
entre otros. Sin duda, el ingrediente principal de este espectáculo, que
combina el uso de la palabra cantada y el performance, es la música tanto en la
particular y estilizada construcción de la narrativa, como en la ejecución de
la misma. Cabe resaltar la destreza actoral de Ramírez, quien sostiene la hora
y media de relatos, mediante el uso del cuerpo, la voz y el manejo de algún
instrumento; nos hace partícipes de esta historia basada en una ópera de
Vivaldi, que empieza en el año 1709 hasta el año 1733, dando un salto hacia
1924 y las posteriores revoluciones del siglo XX, representando a Montezuma,
Francisquillo, Filomeno, entre otros personajes con maestría. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES-PE">Concierto
Barroco</span></i><span lang="ES-PE"> fue una entrañable experiencia escénica,
que refleja la importancia y vigencia de la literatura latinoamericana, llevada
a escena de manera dinámica y entretenida, permitiéndonos conocer la escritura
de Carpentier, quien además de ser escritor es musicólogo, asociado al concepto
del realismo mágico, como particular punto de vista acerca de América Latina,
su diversidad cultural y la trasmisión de creencias, mitos y costumbres, siendo
la música el elemento representativo.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">Maria
Cristina Mory Cárdenas<o:p></o:p></span></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">26 de febrero de 2024</span><o:p></o:p></span></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-79732786194350856272024-02-26T18:21:00.000-08:002024-02-26T18:21:11.471-08:00Crítica: 15 MINUTOS - MIÉRCOLES<p><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEE9kPce668B8QdOw4zOkXhC4qWSN8SzUj5lsq61kuPOQ03SuGuBamFsQKUSDMhGjL_4BZtKMQdS6-Z2iPvxjV2DbYOz6Im0IEXqMq7jFbxNuHqqd2SFOWYqCmIqPwEU-cA4kG0hDuiX5BgCdGhpqnY7kgMPH5Tg2vzRm40Y4QClWH3pdH-8Dl7EPafOFN/s1752/15%20minutos%20miercoles.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1752" data-original-width="1352" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEE9kPce668B8QdOw4zOkXhC4qWSN8SzUj5lsq61kuPOQ03SuGuBamFsQKUSDMhGjL_4BZtKMQdS6-Z2iPvxjV2DbYOz6Im0IEXqMq7jFbxNuHqqd2SFOWYqCmIqPwEU-cA4kG0hDuiX5BgCdGhpqnY7kgMPH5Tg2vzRm40Y4QClWH3pdH-8Dl7EPafOFN/s320/15%20minutos%20miercoles.jpg" width="247" /></a></span></b></div><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"><br />¿Quién podrá defender los 15 minutos? Parte 2</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">Continuamos con esta
segunda parte, que conecta con nuestra crítica anterior a la oferta teatral de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">15 Minutos Teatro</i>. Aquí las obras de su
agenda de los miércoles:<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: georgia;">Proyecto secreto<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">Este es un proyecto
deja claro desde un inicio que debe ser mirado desde otros ojos. Entendiendo
que la premisa es darle visibilidad a los textos de dramaturgos emergentes,
aprovecha el formato de microteatro para plantear un juego escénico donde el
texto es el protagonista. En ese sentido, lo que más se valora de esta
propuesta es que los actores fueron capaces de entender, desde ese primer
acercamiento, hacia dónde va el texto. Después de ver este primer acercamiento,
se antoja que se construya la obra, para que deje de ser más cercano al papel,
a lo narrativo, y se convierta en algo auténticamente escénico.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: georgia;">NON<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">Es la obra que
presenta mayores dificultades, desde cómo se configura el espacio hasta el
texto mismo, que plantea demasiadas interrogantes para resolver en tan poco
tiempo. La protagonista estaba envuelta en esta maraña de preguntas y no
terminaba de resolver su personaje. La antagonista por el contrario, se
mostraba más resuelta, con un personaje más claro, donde el texto incluso se
presta para darle mayor enfoque, desde sus acciones hasta lo que expresa
verbalmente. Hace falta, desde la dirección, tomar decisiones más acertadas. Un
planteamiento de espacio escénico a cuatro frentes exige mucho más de lo que se
ofreció.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: georgia;">Taco y pluma<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">Una obra cargada de
emocionalidad, donde la historia está bien contada y los actores mantienen un
mismo registro, lo que les permite entenderse, jugar y capturar la
emocionalidad de la obra. De un realismo precioso, juguetón, podemos
adentrarnos en el conflicto de los personajes, sufrir con ellos y emocionarnos
de la misma forma. Hubiera preferido otro tipo de final, uno más cargado con
ese sentido de añoranza, de notas melancólicas que va soltando la obra, pero el
final planteado también funciona muy bien, eleva al personaje principal, lo
redime y libera de su conflicto previo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: georgia;">Monstruo<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">Otra obra muy bien
construida, bajo otros códigos, escenas marcadas desde lo cómico, con
corporalidades en constante tensión y una dinámica muy fluida entre los
personajes. La historia es divertida y a nivel visual también tiene la solidez
suficiente como para darnos un producto completo que se puede disfrutar de
manera plena.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">El balance de todas
las obras termina dejándonos una sensación positiva respecto a la oferta
teatral en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">15 Minutos Teatro</i>. Algunas
propuestas, en efecto, saben utilizar el formato y con atrevimiento creativo
logran dar resultados sólidos, claros, precisos. Al final, no todos logran
defender esos “15 minutos”, pero los que lo hacen, lo hacen bien.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: georgia;">Omar Peralta<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">25 de febrero de
2024</span><o:p></o:p></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-84373014461872527302024-02-22T16:34:00.000-08:002024-02-23T19:15:37.105-08:00Crítica: LA ÓPERA DE DOS CENTAVOS<p><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"></span></b></p><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzxiw90GDkRbkP_kd4O22aCHOR5x4CcFuJjh-ZDc8btJU44h4IGPORCPJArFbZJsOmO7T_5Sz5chlbJsBXYL_STOcnYYLA5j3EoDgRZuaCpfUJA68DvuU4hzF9yedV-LbtxMzVkKsSgSZsASWQLD9t6GAVuVdDGXADgunG0dxGX0NikivKlCxKpq4cGKfq/s1350/la%20opera.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1350" data-original-width="1080" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzxiw90GDkRbkP_kd4O22aCHOR5x4CcFuJjh-ZDc8btJU44h4IGPORCPJArFbZJsOmO7T_5Sz5chlbJsBXYL_STOcnYYLA5j3EoDgRZuaCpfUJA68DvuU4hzF9yedV-LbtxMzVkKsSgSZsASWQLD9t6GAVuVdDGXADgunG0dxGX0NikivKlCxKpq4cGKfq/s320/la%20opera.jpg" width="256" /></a></div><br />Cómo el arte escénico
puede ser una herramienta poderosa para cuestionar lo establecido</span></b><p></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-align: left; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">Los alumnos del tercer nivel del taller de teatro de la
Asociación de Artistas Aficionados, bajo la dirección de Manuel Calderón en la
sala Ricardo Roca Rey, presentaron <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La ópera
de dos centavos</i> de Bertolt Brecht, una obra que expresa una profunda
crítica a la deshumanización del capitalismo y que, al mismo tiempo, se
encuentra abierta a la interpretación, para que los actores tengan la pericia
de mejorar las intenciones originales del autor. En este caso, la puesta en
escena propuesta por el taller tuvo un buen camino en los puntos anteriormente
mencionados. Los asistentes contemplaron una obra con mucha energía, juego y
entrega por parte de los integrantes del taller. Un esfuerzo notable por parte
de los estudiantes, pero también de quienes hacen que la obra tuviera más fuerza:
Magali Luque, en la música en vivo; Airam Quesada, en la escenografía; y Katia
Villachica, en la dirección de arte.<o:p></o:p></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-align: left; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">A destacar el entusiasmo de los estudiantes del taller, con
atención, corazón y mucha concentración, cada uno en su labor; el elenco lo
compone </span><span style="font-family: georgia;">Ariana Isabella, Gina Trujillo, Frank Cuchillo, Sandy Uribe,
Sara Carbajal, Augusto Madalengoitia, Javier Gutiérrez, Alicia Valdivia, Peggi
Carhuallanqui, Marcos Soto, Alondra Contreras, Deanelly Lino, Octavio Reyes, Jorge
Zevallos, Beleny Gomez, Alberto Navarro, Cristhian Mendoza y Mayda Sánchez</span><span style="font-family: georgia; text-indent: 0cm;">. Esta obra, para ellos, ha marcado un desafío que han afrontado
con total entrega y disciplina; siendo un grupo grande en número han sabido
cómo de</span><span style="font-family: georgia; text-indent: 0cm;">sarrollar la historia de manera prolija y digerible, lo cual significa
un muy buen camino para el término de su tercer nivel. No obstante, lo único por
mejorar serían las secuencias de canto, para que puedan desarrollar una técnica
vocal más consistente.</span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-align: left; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">La escenografía ambientó muy bien esa atmósfera de un mundo
plagado de mendigos, ladrones y prostitutas, y logró desarrollar muy bien esta
historia en donde vemos las más bajas pasiones humanas conducidas a la
avaricia, la lujuria, la corrupción, la mentira, las traiciones, la arrogancia,
la indiferencia, el egoísmo y todo lo que se engendra en este ambiente.
Recomendable.<o:p></o:p></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-align: left; text-indent: 0cm;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: georgia;">Manuel Trujillo<o:p></o:p></span></b></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-align: left; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">22 de febrero de 2024</span><o:p></o:p></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-44066089230606313192024-02-20T14:48:00.000-08:002024-02-20T14:48:34.016-08:00Crítica: PISO 1 SEXTA TEMPORADA<p><b><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;"></span></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiziou9gulsTTU3-1_V7QbxEa-_bAnjN7nawszHM2e1SK6lc0yIHMFHfeZnLOhV8EbMPqd4FnPezG0lZnQmsHNFqAwkpQAXQOsngTjfqQIlg72fOMR96976NmjbDHr6AMo77NEIoTaC5H_V6TwEtOguc4_O-40OZUYUuIK2B8BZKkAvi8o_BxOq802C2tCn/s1140/piso%201%20noce.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1140" data-original-width="1098" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiziou9gulsTTU3-1_V7QbxEa-_bAnjN7nawszHM2e1SK6lc0yIHMFHfeZnLOhV8EbMPqd4FnPezG0lZnQmsHNFqAwkpQAXQOsngTjfqQIlg72fOMR96976NmjbDHr6AMo77NEIoTaC5H_V6TwEtOguc4_O-40OZUYUuIK2B8BZKkAvi8o_BxOq802C2tCn/s320/piso%201%20noce.jpg" width="308" /></a></span></b></div><b><span style="font-family: georgia;"><br />Horario
Noche</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">Se estrenó la sexta temporada
de Piso 1 Teatro, con cuatro propuestas breves en el horario noche, de jueves a
sábado a partir de las 8:00 pm (Jr. Leoncio Prado 150, Miraflores).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">Como primera entrega: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La princesa Beach & Gowser</i>, escrita por Jorge Pecho y dirigida
por Johan Escalante, quien también forma parte del elenco junto a Ekaterina
Konysheva. Estrenada en la época de pandemia bajo el formato virtual con el
nombre de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Game over</i>, la historia nos
traslada al universo de los videojuegos, específicamente el juego de Mario Bros,
revelándose el amor clandestino entre Gowser y Beach, quien supuestamente fue
secuestrada por él, mientras Hario la busca incansablemente. Sin duda, la
hilarante trama, que aborda temas como la paternidad, el compromiso y los
vínculos amorosos desde el humor negro, se sostiene con precisión y complicidad
por los actores, que dotan de características muy específicas a los personajes
tanto a nivel físico (juego corporal, uso del espacio) como psicológico (miedo,
seducción, enojo, tristeza, etc.). Otro detalle interesante es la escenografía,
acondicionada con el juego de luces, los vestuarios y algunos juguetes
creativos que aportan a la convención de la propuesta, que nos revela a personajes
ficticios dotados de emociones, los cuales bien podrían reflejarse en la vida
real. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">Luego, en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Una historia ordinaria</i> de Rodolfo Esquivel, bajo la dirección de
Rick Zamudio, el franco diálogo entre los amigos Miguel (Gian Paul Miranda) y
Camila (Jazmín Labrin), quienes en la banca de un parque rememoran los momentos
de juventud y anécdotas que un día los llevaron a estar juntos. Sin embargo,
Camila intentará revivir los sentimientos, antes de un importante evento en la
vida de Miguel. Con una escenografía sencilla, que revela la atmósfera de un
parque, así como los vestuarios, esta ingeniosa narrativa que esconde un giro
inesperado nos trae esta sentida conversación, bien interpretada por Miranda y Labrin,
que denotan sincronía y solidez en sus personajes, llevando al espectador a
inevitables reflexiones sobre el paso del tiempo, la nostalgia y la
responsabilidad de nuestras decisiones individuales.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">Indudablemente, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La visita del Presidente</i>, escrita por Marvelat, quien también actúa
junto a Abel Enríquez, bajo la dirección de Juan Pablo Bustamante, es una intensa
puesta que nos presenta a un Perú en el 2041, donde un cantautor preso, por
tener ideas contrarias al gobierno de turno, recibe la visita del Presidente de
la República, quien tiene una propuesta inquietante que hacer. Potente a nivel
visual e interpretativo, esta historia que podría revelarnos un espantoso
futuro político (como si el presente no bastara) en el que todo puede pasar; la
contraposición de los personajes, secundada por el juego de luces y la música,
mantienen la atención del público que apuesta en su mente quién ganará este
duelo. Una narrativa punzante, que devela la unión del arte y la política en su
extremo más cruel, bien ejecutadas por Velásquez y Enríquez, en la lucha entre
el opresor y el oprimido.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">Por último, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">En la oscuridad</i> de Federico Abrill, dirigida por Mario Gaviria, nos
trae una historia de misterio, en la cual una pareja interpretada por Santiago
Torres (Alejandro) y Claudia Trucíos (Alma), acaba de mudarse a su nueva casa; entonces,
Alma recuerda las advertencias sobre un espíritu que ronda el lugar. Respecto a
la escenografía, la sala está acondicionada con cajas y objetos que recrean una
mudanza; por otro lado, los actores entran en la convención de la trama
correctamente, manteniendo un juego que no nos permite saber con facilidad
quién es el espíritu. Sin embargo, considero que algunas pausas y silencios,
que debieron aportar al suspenso que la historia requiere, prolongaron y
afectaron el ritmo. Quizá, otros efectos adicionales, además del juego con la
luz podrían enriquecer esta entretenida puesta.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">Maria
Cristina Mory Cárdenas<o:p></o:p></span></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">20 de febrero de 2024</span><o:p></o:p></span></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-87719279703069450962024-02-18T16:30:00.000-08:002024-02-18T16:30:56.555-08:00Crítica: JAQUE MATE<p><b><span style="font-family: georgia;"></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfug6zRcF4FxoaQMWXrX-VE26UJeMYl7j0Kvg2V2zihLI1tLuhbHUvk1phGnC2zpo_2OWKRJLgDqDhAoTOXTz2DENqTabCV83DO8AbKZEKm_lCCgTp64stkAb3K2mEnHNp_VJySuLdq1tZi_Vfd_lWk0xC6FFen-BakUIRPf0ZeFN64UpJuK9CuK381MQa/s1080/jaque.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1080" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfug6zRcF4FxoaQMWXrX-VE26UJeMYl7j0Kvg2V2zihLI1tLuhbHUvk1phGnC2zpo_2OWKRJLgDqDhAoTOXTz2DENqTabCV83DO8AbKZEKm_lCCgTp64stkAb3K2mEnHNp_VJySuLdq1tZi_Vfd_lWk0xC6FFen-BakUIRPf0ZeFN64UpJuK9CuK381MQa/s320/jaque.jpg" width="320" /></a></span></b></div><b><span style="font-family: georgia;"><br />Romance celestial</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">Basada libremente en la comedia <i style="mso-bidi-font-style: normal;">48 horas de felicidad</i> del prolífico autor español Alfonso Paso, La
X Productora estrenó su primera obra del año en el Centro Cultural CAFAE-SE, titulada
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Jaque mate</i>, con dramaturgia y
dirección del incansable Paco Varela. Se trata de una historia con ciertos elementos
fantásticos, en la que la vida de un don juan sin remedio se ve alterada cuando
llega con un amigo a su lejana casa de playa y se encuentra con una esposa y dos
empleados que, misteriosamente, no reconoce. A 68 años de su estreno original,
esta nueva versión actualizada y peruanizada de Varela, a pesar de algunos tropiezos
en su ejecución, consigue entregarle al público poco más de hora y media de
sana diversión.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">Como novedad, las tres llamadas y la presentación de la obra
se hacen ahora con el apoyo del proyector multimedia, antes solo se realizaba con
voz en off. Si bien todavía el tamaño y la calidad de las imágenes en la
pantalla móvil pueden mejorarse, sí que ayudan para ubicar algunas acciones
necesarias en la trama, como toda la primera secuencia en la discoteca en la
que vemos en acción al soltero empedernido (el mismo Varela) con su acompañante
de turno (Susan León) y el azaroso viaje posterior que realiza con su mejor
amigo (Jaime Dávila), en la que cruzan el peligroso Pasamayo para llegar a la
casa de playa. El olor a flores que percibe el personaje de Varela durante el
trayecto ya marca un primer indicador con todo lo que respecta al acto siguiente,
en la casa de playa, con la súbita aparición de su “esposa” Cielo (Katherina Sánchez)
y los “empleados” Ángela y Ángel (Paola Vera y Betto Gómez).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">A pesar del tiempo transcurrido, el mensaje de la pieza se mantiene
intacto: ¿puede un mujeriego enderezar su vida, dejar de considerar a las
mujeres como simples objetos y comprometerse seriamente? Todavía por afinar el
desarrollo de algunas secuencias y pulir el manejo de texto en ciertos actores,
la puesta en escena se deja ver sin mayores inconvenientes, gracias al buen
desempeño actoral del experimentado Varela, bien secundado por la versátil Sánchez
y los divertidos Dávila y Vera. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Jaque
mate</i>, con la producción de Caroll Chiara, es una entretenida comedia ideal
en estos tiempos de machismo y “cosificación” de la mujer, en la que se
demuestra que el verdadero amor sí puede regenerar comportamientos y
actitudes inadecuadas.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: georgia;">Sergio Velarde<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;">18 de febrero de 2024</span><o:p></o:p></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-53475086329587373632024-02-17T18:42:00.000-08:002024-02-18T16:33:44.254-08:00Crítica: OBRAS KORTAS - FEBRERO<p><i><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;"></span></span></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-EreaaL3amMO17zyTpgvWXQ1LT3VQCqN87cWwaD6o9g5iU9N3aBGL7GugbF_y86GcbnDZFRamDwKbtaRmgczfU2zSAiGbjAk3cxiElTN8PmEyAoaigZY8NyJ_3fg2qs-Vf5y5chAKCGppFNHrVwJdW2uzYxF7bT5xSDTLGSJTToGgF_3og1gBLOjdulCE/s2813/IMG_6756.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2813" data-original-width="2250" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-EreaaL3amMO17zyTpgvWXQ1LT3VQCqN87cWwaD6o9g5iU9N3aBGL7GugbF_y86GcbnDZFRamDwKbtaRmgczfU2zSAiGbjAk3cxiElTN8PmEyAoaigZY8NyJ_3fg2qs-Vf5y5chAKCGppFNHrVwJdW2uzYxF7bT5xSDTLGSJTToGgF_3og1gBLOjdulCE/s320/IMG_6756.jpeg" width="256" /></a></span></i></div><i><span style="font-family: georgia;"><br />Teatro
exprés</span></i><p></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">El Teatro Barranco nos entrega su nuevo
ciclo de obras en formato breve. Consiste en pequeños espectáculos de quince
minutos cada uno, con intervalos de diez entre ellos, donde se le invita al
público a consumir lo que el local ofrece, así como un espacio para el diálogo,
acompañado de música y publicidad de la cartelera teatral.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">Entre estas obras <i style="mso-bidi-font-style: normal;">kortas</i>, se presenta <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Princesas
Barranquinas</i> de Nicolás Tete, dirigida por Manchi Ramirez y bajo la
producción de Studio Teatro. Una historia que se teje entre lo lúdico y la,
aparentemente, autocrítica de las actrices/personajes, quienes ejercen la labor
de la actuación y animación de show infantil en los distritos más adinerados de
Lima. Es en esta ocasión, un enredo amoroso con el padre del cumpleañero el que
genera la trama que fluye enérgicamente entre las actrices, con buena escucha y
resolución, pero que genera confusión por la técnica del sonido. Dado que el
uso de micrófonos y las voces de las actrices durante toda la trama se mantiene
encendido generando un audio o sonido diegético que las conecta con el público
ficticio, que las espera fuera del baño donde se esconden para continuar el show
y finalmente, en contradicción, cuando el personaje de Daniela Stornaiuolo
canta como su personaje la famosa canción de la película <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Frozen</i> logrando el objetivo, ella se encuentra sin audio en su
micrófono. Detalles técnicos que desenfocan y dispersan el viaje del público en
relación a la historia y sus personajes y que podría generar confusiones
dejando inconclusa la acción dramática. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">La segunda historia fue <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El correcaminos</i>, una obra que no figura
en el flyer, pero que sorprendió grata y curiosamente por las estrategias
escénicas y el unipersonal interactivo que realizó el actor en función al
multimedia, audios grabados y demás factores que le generaban el conflicto.
Quizá innecesario o abrumador por excederse de los recursos visuales, pues le
quitaba peso al real conflicto que tenía, el físico, con la trotadora. No
obstante, al abordar datos estadísticos, se convierte en una trama corta, pero
necesaria y potencialmente profunda al tratarse de temas tan reales como la
ludopatía, el consumismo y al sujeto de rendimiento en el que se están
convirtiendo las personas hoy en día por perseguir el supuesto éxito. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">Por otro lado, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La historia de mi vida</i>, dirigida por Jennifer Woytkowski y bajo la
producción de Butaca Film, rompe con ese sentimiento de exceso de realidad que
dejó la obra anterior y nos sumerge en la historia de un personaje y su posible
creador. Dejándonos a la imaginación la sensación de ser nada más que seres que
ejecutan una vida por mandatos y órdenes de alguien supremo. Una historia con
una atmósfera bastante sencilla, casi cotidiana, pero en contraste bastante ficticia,
incluso inverosímil. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">La noche termina con <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Día de suerte</i> escrita y dirigida por Francisco Cabrera y bajo la
producción de Los Asombrosos Sombreros. En esta oportunidad Claudio Calmet se
luce representando un aproximado de seis personajes, con un trabajo tan prolijo
y espontáneo que se disfruta de inicio a fin. Al lado de Sergio García – Blásquez
que, con su seriedad y rigurosidad le da el toque de cómplice a la trama. Una
entrada y salida al presente y pasado que se entiende y transita muy bien
gracias a la iluminación, la música y los cuerpos de los actores entregados al
juego, a la resolución y al riesgo. Todo lo que compete a la profesión del
actor, de la cual justamente, nos retratan un panorama. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">Conny
Betzabé<o:p></o:p></span></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">17 de febrero de 2024</span><o:p></o:p></span></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-64526921925283101222024-02-17T18:29:00.000-08:002024-02-17T18:29:00.864-08:00Crítica: 15 MINUTOS - MARTES<p><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgW1eG30o_ngimH8FCNjQzjWOntJwfWvsyCO8Tly9r8teQLmJn4SLqLM8LBzu2Ze1RV8rySx4ZSahoFkcrLYcexNXgwVyCRvF7817g0gIv2zRNKq78AywtLHWdHQKWlQGnBaJ8hIWMLZJoiPNoJqPVsFWHKFv2fn1DPy8fyE72js8imHA00Nt4YtEOJpEb9/s1708/15%20minutos%20martes.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1708" data-original-width="1352" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgW1eG30o_ngimH8FCNjQzjWOntJwfWvsyCO8Tly9r8teQLmJn4SLqLM8LBzu2Ze1RV8rySx4ZSahoFkcrLYcexNXgwVyCRvF7817g0gIv2zRNKq78AywtLHWdHQKWlQGnBaJ8hIWMLZJoiPNoJqPVsFWHKFv2fn1DPy8fyE72js8imHA00Nt4YtEOJpEb9/s320/15%20minutos%20martes.jpg" width="253" /></a></span></b></div><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"><br />¿Quién podrá defender los 15 minutos?</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">El pasado martes
fuimos a <i style="mso-bidi-font-style: normal;">15 minutos Teatro</i>, formato
que presenta una variedad de obras en distintos horarios. Esto es con lo que
nos quedamos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: georgia;">Amarte fuerte<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">La obra nos muestra
a dos chicas que afrontan momentos difíciles de su relación y navegan entre el
desgaste y la necesidad del otro, pero más allá del argumento, el planteamiento
no termina de vincular al espectador con la historia. El texto, al ser bastante
explicativo, requiere otro tipo de acercamiento. La manera que fue abordado
debilitó la obra; este intentaba dar por espacios un entendimiento poético a
través de uno de sus personajes, pero cuyo acercamiento naturalista expuso, más
bien, un letargo de las acciones. No había algo que sorprendiera o
trascendiera. Las actrices se mostraron implicadas una con la otra,
desarrollaron una conexión a través del romance, los conflictos, los recuerdos,
pero no es suficiente cuando la construcción de la escena desdibuja las
acciones y vuelve la historia pesada de ver.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: georgia;">La línea del suspiro<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">Una obra de
propuesta distinta, que a partir de un formato de improvisación, construye la
obra desde la historia de alguien del público. Lo que faltó es que se
desarrollaran las propuestas de las actrices en el escenario. Quizás es un
formato al que no le conviene ceñirse a un tiempo breve, le hace falta mayor
extensión, o de lo contrario una escucha muy clara y participativa para saber
identificar las propuestas. Hace falta un mayor juego, arriesgarse más.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: georgia;">Aquí<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">Esta obra nos regala
la historia de Hana y Felipe y los desafíos que pueden surgir a partir de la
convivencia. Desde un tratamiento sutil de la música, se genera una atmósfera
de intimidad que nos prepara para generar un vínculo con lo que sucede. La
música, sin duda, se da su propio lugar. La dinámica de los personajes es
clara; a partir de un texto simple, salen cosas potentes. Además, la obra
inserta un carácter narrativo: va directo al espectador. Y es muy interesante
ese tratamiento, que a partir de eso se vaya construyendo la dinámica de los
personajes, le da un aire singular a la propuesta. El desarrollo constante de
escenas de la vida de estas personas logra capturar la esencia de su relación,
pero que necesitan de una pausa para que cale más en el espectador. La cualidad
narrativa que se insertó al inicio hubiera servido para darle a la obra esas
pausas.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">El texto es sencillo
y profundo por la precisión con la que se utiliza y, en ese sentido, la obra es
hermosa, y diría que se antoja que sea más larga, que este formato le queda
corto. Puede llegar a ser mucho más, si se la sitúa en el formato correcto. Con
todo ello, la obra destaca como una de las mejores de la noche, pues sabe
utilizar sus elementos para crear no solo una atmósfera, sino también un
vínculo con su espectador.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: georgia;">Audición<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">La obra desde un
inicio muestra a sus actores con una conciencia de la corporalidad escénica
fantástica. Algo que pocas veces suelo resaltar en obras de formato breve,
porque los textos tampoco lo exigen. Es bello ver que también hay propuestas
que elevan el juego dentro de estas otras características. Además, la obra
busca hacerle justicia a la idea de presentar una historia en tiempo breve:
esta obra defiende su brevedad dando precisión en la escena, un inicio y fin
claro, en la medida justa para contar la historia que necesita contar.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">La interpretación
fue, de la mano de la conciencia corporal, honesta, presente. Logra calar en el
espectador más allá de un sentido de identificación, lo que también es valioso.
Es evidente que habrá más de un espectador cercano al mundo artístico, a la
experiencia que expresa la obra, la de una audición, pero la obra va más allá
de eso, y se debe a las cualidades estéticas bajo las que se construye: desde
el juego de luces, la corporalidad, la coreografía y la emocionalidad. Pero no
todo puede ser perfecto, y lo que sí podría considerar un desacierto es el uso
de la música. Las letras revelan demasiado una idea que ya es clara, si no
desde un inicio, en el desarrollo de la misma. No hace falta remarcar la
situación, en todo caso, una versión instrumental que evoque ciertos estados
hubiera dado mayor impacto, sin una sobrecarga de estímulos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: georgia;">Omar Peralta<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">17 de febrero de
2024</span></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-823390298334994092024-02-14T17:29:00.000-08:002024-02-14T17:29:13.993-08:00Crítica: SOÑANDO EN UN JARDÍN DE PULPOS<p><b><span style="font-family: georgia;"></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6ffhcI3Bydw56eN2PhOS6ohZoZPREpUeufOU4y8QMuZRDjCBjUu8bwjYWwTm0FDkUu9Br-CQjxoElPEPmzkO-TFWGH0kWIQ7soVzUIt9GalcSWWbM2ih71Kx_REHSweoEfYOltYxncGh99ZzReufTaYkLhKYPS0M41phY4IFDiAHnM5Y7-z5cY20YYgNg/s1080/so%C3%B1ando.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1080" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6ffhcI3Bydw56eN2PhOS6ohZoZPREpUeufOU4y8QMuZRDjCBjUu8bwjYWwTm0FDkUu9Br-CQjxoElPEPmzkO-TFWGH0kWIQ7soVzUIt9GalcSWWbM2ih71Kx_REHSweoEfYOltYxncGh99ZzReufTaYkLhKYPS0M41phY4IFDiAHnM5Y7-z5cY20YYgNg/s320/so%C3%B1ando.jpg" width="320" /></a></span></b></div><b><span style="font-family: georgia;"><br />Entretejiendo en la playa</span></b><p></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Jardín de Pulpos</i> es una obra de
Arístides Vargas que, como muchas de otras de sus composiciones, aborda temas
de la memoria, el desarraigo y la búsqueda de identidad. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Soñando en un jardín de Pulpos</i> de Karen Vivero toma la idea de esa
playa como el lugar utópico donde la protagonista de la obra busca ser feliz y
toma la estructura de sueños para mostrar el pasado y reflexionar sobre ella.
Al explorar la historia personal de la protagonista y su conexión con la
violencia doméstica, la pérdida de un ser querido y las luchas individuales, la
trama se sumerge en la complejidad de la vida y la resiliencia humana.<o:p></o:p></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Cuatro
cajas, un biombo y vestuario para cada uno de los tres personajes con los que
sueña la protagonista son recursos suficientes para dar vida a esta historia.<o:p></o:p></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: left;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: georgia;">¿Qué son los sueños? Son el rayo infinito de
la memoria.<o:p></o:p></span></i></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">La
primera caja donde la protagonista aparece sentada desde el ingreso de los
espectadores sirve como punto de partida para ir a ese jardín de sueños donde
buscará entenderse y entender el mundo y encontrar esa felicidad esquiva. Lo
hace soñando que vuelve a su niñez y enfrenta a tres personajes significativos
que representan distintas facetas de su vida.<o:p></o:p></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: left;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: georgia;">Los hombres prefieren entregar el dedo gordo
antes que entregar el corazón.<o:p></o:p></span></i></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">La
segunda caja viene de la mano del sueño de la tía como una mujer maltratada por
su pareja y que acepta ese destino; la lucha que plantea es la de buscar
resistir antes que buscar cambiar las condiciones.<o:p></o:p></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: left;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: georgia;">¿Por qué se fueron y me dejaron a mí solita?
¡Claro!, el señor se muere y a mí que me parta un rayo, ¿no es cierto?<o:p></o:p></span></i></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">La
tercera caja que muestra a la madre de la protagonista es la más interesante.
Es un cúmulo de emociones: de la persona valiente que lucha contra la
adversidad por criar sola a su hija, por el miedo diario que no ser capaz de
hacerlo, por su capacidad de superar expectativas, por su continua lucha contra
los obstáculos que se enfrenta por su género y situación y por esas ganas de
decir basta, aquí me bajo del tren de la vida, pero que a pesar de todo
encuentra esa chispa minúscula que la hace seguir adelante.<o:p></o:p></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: left;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: georgia;">El problema es que si olvidamos lo que nos
duele, posiblemente olvidemos lo que nos puede hacer felices.<o:p></o:p></span></i></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">El
desarrollo de la cuarta caja, donde se encuentra con su yo adulta, sugiere que
la vida está marcada por una mezcla de momentos buenos y malos, y que olvidar
las experiencias negativas también implica perder las lecciones aprendidas y
las fortalezas adquiridas. La protagonista le ofrece a su yo más joven la
perspectiva de que, a pesar de las dificultades, la vida continúa y puede ser
reconstruida a pesar de los nudos que literalmente se van formando en el
escenario.<o:p></o:p></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">En
general, la obra ofrece una mirada sensible y reflexiva sobre la complejidad de
la vida, con una justa exploración de las posibilidades de resiliencia y
crecimiento personal en medio de las dificultades.<o:p></o:p></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">La
obra está protagonizada por Silvana Oblitas, que construye este personaje en
forma acertada; el uso de la voz en off, en cierto momento en desmedro de
decirlo directamente, me sacó un momento de la obra, pero no fue nada
significativo con respecto a todo el conjunto. <o:p></o:p></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Espero
saber pronto de más proyectos escénicos de Silvana Oblitas y Karen Vivero.<o:p></o:p></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Nos
vemos en el teatro.<o:p></o:p></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: left;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: georgia;">Ulises Cabanillas<o:p></o:p></span></b></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">14 de febrero
de 2024</span><o:p></o:p></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-3151561541190198682024-02-12T18:16:00.000-08:002024-02-19T12:27:24.631-08:00Crítica: ¿Y SI MEJOR ME DEDICO A OTRA COSA?<p><b><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia;"></span></span></b></p><b><span style="font-family: georgia;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipWfY40zPGamy_PKBemrv0DXzw3FerRWRoMQggdQ0dcs97eq_aJx6gLdAzy5emZ46Ns8W3ekYhNkhlYB8d-dzE7QUAdTBo4pCyUXcmvR646CNCHOh5gpnAARxwvQknszMGqrC6zV43fu8ZAd_QDVi9vVQvRgRzJMLDm-M3LOCdYwIbJ3ccpnC7qW05cbVk/s1080/y%20si%20mejor.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1080" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipWfY40zPGamy_PKBemrv0DXzw3FerRWRoMQggdQ0dcs97eq_aJx6gLdAzy5emZ46Ns8W3ekYhNkhlYB8d-dzE7QUAdTBo4pCyUXcmvR646CNCHOh5gpnAARxwvQknszMGqrC6zV43fu8ZAd_QDVi9vVQvRgRzJMLDm-M3LOCdYwIbJ3ccpnC7qW05cbVk/s320/y%20si%20mejor.jpg" width="320" /></a></div><br />Lo
que nadie dijo sobre ser actor en estos días</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;"><span style="mso-ansi-language: ES;">En el marco del 23º
Festival Saliendo de la Caja, organizado por la Facultad de Artes Escénicas de
la PUCP, tuve la oportunidad de ver el montaje <i style="mso-bidi-font-style: normal;">¿Y si mejor me dedico a otra cosa?</i>, dirigido y producido por
Eduardo Ríos Cañamero, uno de los alumnos de la Especialidad de Producción y
Creación Escénica, quien se encarga también de la dramaturgia. </span><span lang="EN-US">Un elenco de seis actores se ha
sumergido en una experiencia de creación de una obra de corte testimonial,
donde comparten experiencias y perspectivas de lo que significa ser actor en
Lima actualmente. La investigación implicada en el proyecto es parte de una
tesis de licenciatura del director, en la que busca un muestreo de actores
formados en distintas escuelas de actuación de la ciudad. </span><span style="mso-ansi-language: ES;">El elenco estuvo conformado por Victor Lucana, Ana
Lucía Neyra, Alondra Ticse, Ethel Abanto Cabrera, Nataly Reátegui Rodriguez y el
mismo Ríos Cañamero. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;"><span style="mso-ansi-language: ES;">La propuesta inicia con
la presentación de los actores, quienes a partir de ese momento compartirán
paralelamente de dónde viene cada uno. Cada momento del montaje estuvo
acompañado de material audiovisual, como videos y proyecciones de referentes
visuales manejados con mucha precisión; dichos elementos contextualizaban y
potenciaban la información que los actantes iban compartiendo. </span><span lang="EN-US">La división de la obra fue clara, con un orden cronológico respetado
por la historia de cada actor y actriz. Fue interesante que el director
decidiera incluir lo que llamaré “escenas dinámicas”, las cuales podían durar apenas
un momento para personificar momentos clave de la historia de alguno de los
intérpretes. Esta decisión le dio dinamismo a la obra, además de retar a los
miembros del elenco a cambiar de personaje de acuerdo a la necesidad de la
representación. </span><span style="mso-ansi-language: ES;">En ese sentido, el
nivel de precisión actoral estuvo adecuado, a pesar de la presencia de ciertos
tropiezos en la interpretación de textos. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia;">Si bien la obra tuvo sentido de principio a
fin, y considerando que fue una obra creada colectivamente con índole testimonial,
considero que se incluyó demasiado material en la representación. Se pueden
suprimir ciertos momentos donde se incluyeron temas un poco alejados de la idea
principal de la obra (la inseguridad en las calles, por ejemplo, si bien es un
tema real, una de las actrices incluyó mucho tiempo de sus parlamentes en
hablar de ello, lo cual desviaba la atención de la audiencia). Hubo momentos
que, a causa de estos episodios, el ritmo de la obra se dilataba ligeramente. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia;">Fue un acto valiente y valioso el hecho de
que seis personas pudieran compartir cómo es que han podido enfrentar la
decisión de ser actores y actrices, a pesar de las dificultades o necesidades
externas que hayan podido atravesar. Es así como el espectador conoce, a través
de estas historias, que el ser actor no es tan fácil como quizá algunos
imaginan. Los actores lograron mostrar sinceramente cómo es que puede haber
dudas y logros en medio de un viaje hacia la realización de una pasión: en este
caso, el teatro.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><span style="font-family: georgia;">Stefany Olivos<o:p></o:p></span></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span style="mso-ansi-language: ES;"><span style="font-family: georgia;">12 de febrero de 2024 </span><o:p></o:p></span></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-46691143023945142222024-02-12T18:14:00.000-08:002024-02-12T18:14:49.169-08:00Crítica: SIEMPRE X NUNCA X JAMÁS: O UNA MUÑECA DE NADIE JUGANDO SOLA<p><b><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia;"></span></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1NF5dnjVG_66n1y0CQj95w6kZiteYo9wNvAZBWo4wddpW-gkH0pEpcPb86GYfQ77Y3lpdIS4ScYdOHWeyM8rzJaJ5PvibMwB_0-NTCySBbsosHFxPHLSen0uMkPk5DvIYNWu7Xv0hrxfDm6cr-OYP-QHXdxXkVkCwx53B0q6u_5DPcEuk8rIiOS98f22n/s526/siempre%20x%20nunca.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="526" data-original-width="526" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1NF5dnjVG_66n1y0CQj95w6kZiteYo9wNvAZBWo4wddpW-gkH0pEpcPb86GYfQ77Y3lpdIS4ScYdOHWeyM8rzJaJ5PvibMwB_0-NTCySBbsosHFxPHLSen0uMkPk5DvIYNWu7Xv0hrxfDm6cr-OYP-QHXdxXkVkCwx53B0q6u_5DPcEuk8rIiOS98f22n/s320/siempre%20x%20nunca.jpg" width="320" /></a></span></b></div><b><span style="font-family: georgia;"><br />Cuestionamientos
de una muñeca nunca antes vista</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;"><span lang="EN-US">En el marco del 23º Festival Saliendo de la
Caja, Oficio Crítico tuvo la oportunidad de asistir a los distintos montajes de
los alumnos de la Facultad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad
Católica del Perú. Esta institución organiza dicho festival con el fin de que
los alumnos de la Especialidad de Creación y Producción Escénica puedan
encargarse de la producción total del evento. Es así como el público tuvo la
oportunidad de ver distintos productos escénicos de música, danza y teatro. </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Uno de los montajes en temporada fue <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Siempre x Nunca x Jamás: o una muñeca de
nadie jugando sola</i>, bajo la creación, interpretación y dirección de
Fernanda Mía. Esta propuesta tiene pinceladas testimoniales que juegan con el
imaginario de las muñecas, cuestionando figuras clásicas como la de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Peter Pan</i> o <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Alicia en el país de las maravillas</i>, desde la mirada de la
intérprete. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;"><span lang="EN-US">Hace mucho que la niña Fer no juega, la
“bebé trueno” no llora hace incluso más tiempo. Yuyi, una muñeca, ya no desea
esperarlas, por lo que se aventura a jugar sola. Esta decisión desata una serie
de cuestionamientos sobre algunas normativas aprendidas por Yuyi, quien también
es una niña, que también es mujer. El montaje oscila entre el mundo de los
juguetes, especialmente “los de niña”: cuentos, muñecas, el mundo feliz que
Yuyi ha conocido siempre. Sin embargo, estas realidades no son las que ve ahora
mismo: está sola, Fer no llega y no sabe si llegará. </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Fer, finalmente, termina siendo la intérprete
adulta, quien retrata distintos momentos donde expone y cuestiona la realidad
de ser una niña, las herramientas que le dieron sus padres al momento de
crecer, y cómo en la adultez estas resultaron en transformarla en la persona
que es ahora. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;"><span style="mso-ansi-language: ES;">La interpretación de Mía
en este proyecto fue multifacética, de alto nivel de concentración y con una
necesidad de precisión en los cambios requeridos de personaje y vestuario. </span><span lang="EN-US">Se usaron recursos multimedia que recrearon planos y mundos en
proyecciones audiovisuales trabajados con un nivel impecable de precisión y
detalle. </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Lo mismo puedo decir de la
técnica actoral aplicada en la obra, pues Mía logró tener una alta precisión en
la construcción de los personajes que interpretó, además de una apropiación de
textos clara, y una coordinación corporal adecuada y necesaria para los
requerimientos de la representación. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;"><span style="mso-ansi-language: ES;">El mundo creado en esta
obra requería que el espectador esté muy conectado con cada escena, pues muchas
veces los cambios eran inmediatos y radicalmente distintos. </span><span lang="EN-US">Esto fue posible gracias a la creación de distintos estímulos
actorales y audiovisuales cuidados en el montaje. Si bien la historia total se
sustuvo, puede resultar abrumadora la cantidad de información y referentes que
la actriz decidió incluir en su proyecto. No obstante, se entendió y se
justificó el porqué de la inclusión de cada elemento representado. Este fue un
montaje logrado, cuya vigencia se sostiene en ese cuestionamiento que puede
nacer en algún momento de nuestra vida con relación a nuestras creencias
preestablecidas. </span><span style="mso-ansi-language: ES;">En definitiva, este
proyecto vino a sacudir a su audiencia, de modo que esta salga de la función
con preguntas por resolver.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><span style="font-family: georgia;">Stefany Olivos<o:p></o:p></span></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span style="mso-ansi-language: ES;"><span style="font-family: georgia;">12 de febrero de 2024 </span><o:p></o:p></span></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-59080544377746531902024-02-09T20:52:00.000-08:002024-02-09T20:52:02.536-08:00Crítica: LA CITA PERFECTA<p><b><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia;"></span></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDSaEWSaBjiUvHrRrvWpnveNdhAXoKOQtAD3Jf5zwRPsNuL0WXjz3EnZwNvUR-ISXPjPsgYR3rAR4G88l50bJFZM_lHGuNRCIL1RZPsucmHcSO_GHRet5T9zf-LDuU9bh3xSnUTLh8fEMONyGWRfd45j4q2gv5wqpLFSUug0BWAUKB2WDTgcuM9VYJXGP5/s1350/la%20cita%20perfecta.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1350" data-original-width="1080" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDSaEWSaBjiUvHrRrvWpnveNdhAXoKOQtAD3Jf5zwRPsNuL0WXjz3EnZwNvUR-ISXPjPsgYR3rAR4G88l50bJFZM_lHGuNRCIL1RZPsucmHcSO_GHRet5T9zf-LDuU9bh3xSnUTLh8fEMONyGWRfd45j4q2gv5wqpLFSUug0BWAUKB2WDTgcuM9VYJXGP5/s320/la%20cita%20perfecta.jpg" width="256" /></a></span></b></div><b><span style="font-family: georgia;"><br />Una
noche que puede cambiar tu vida</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;"><span lang="EN-US">Una persona nos gusta. Una primera cita se
agenda. Todo fluye naturalmente. ¿Todo va muy bien para ser cierto? Esta es una
de las cuestiones tratadas en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La cita
perfecta</i>, obra corta escrita y dirigida por Gerardo Fernández. </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Este montaje estuvo en temporada a lo largo del
mes de enero y contó con las actuaciones de Carolyn Tolentino y Rodrigo Basto. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;"><span lang="EN-US">Él y Ella, dos personajes que nos cuentan
de forma intrépida cómo fue la noche que cambió sus vidas, un encuentro que
pareciera de ensueño, muy por encima de sus expectativas. </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Ambos personajes interactúan todo el tiempo en la
narración, de modo que ambos parecen ser la misma persona. El discurso que
logran construir crea misterio sobre los datos de aquel encuentro,
especialmente aquella persona que capturó la atención de Él y Ella desde el
primer minuto. </span><span lang="EN-US">La dinámica y la escucha entre ambos
actores logró que el desenlace de la historia causara mucha sorpresa al espectador.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;"><span style="mso-ansi-language: ES;">Si bien la historia y la
relación de los personajes fue clara durante la representación, hubo ciertos
tropiezos en la interpretación de textos por parte de ambos actores; sin
embargo, ellos supieron resolver en el momento. </span><span lang="EN-US">La
construcción de los personajes estuvo llena de detalles; no obstante, en
algunos momentos se notaba un desborde de energía actoral. Esto causaba que
ciertos textos no se entendieran completamente, y que algunas escenas se vean
sobreactuadas. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia;">La historia visibiliza una perspectiva del
amor de aquellos que llevan acumulando malas experiencias. Se evidencia esa
sensación de desasosiego de los personajes, pues cuentan con mucha ilusión la
sorpresa que les provoca un episodio tan bueno románticamente hablando, “muy
bueno para ser cierto”. Este montaje logra polarizar un genuino deseo de tener
una historia de amor diferente, en contraposición del gran nivel de riesgo que
algunos están dispuestos a correr al momento de aventurarse a conocer a alguien.
La búsqueda de la felicidad de estos personajes resulta ser un factor que ha de
causar en el espectador empatía desde el primer momento, especialmente al saber
el desenlace de la cita soñada narrada en esta historia. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La cita perfecta</i> es, en conclusión, una exposición por los anhelos,
deseos e inseguridades de personas que buscan una experiencia romántica extraordinaria.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><span style="font-family: georgia;">Stefany Olivos<o:p></o:p></span></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span style="mso-ansi-language: ES;"><span style="font-family: georgia;">9 de febrero de 2024</span><o:p></o:p></span></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-68899368416568847072024-02-09T20:50:00.000-08:002024-02-09T20:50:52.523-08:00Crítica: PAPELES DEL INFIERNO<p><b><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia;"></span></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTAX3rO_Yq71LNhHgUrDZfpgWtU3iQTaEQH6uYmjk0zSOHYj8p4H4lrxkgCVx4Ff9uK38KcN8a363nNYGb0VjrEyd3g3NjFU-HDQh8FfLligi_ZHewldGFtskwIOkAiReOnkOyt2VfRJw1SIaw-OJBmqBjKTg58p2R9iMxYLOuE0yKYr7jpd4mLGGjzjIn/s2412/papeles.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2412" data-original-width="2108" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTAX3rO_Yq71LNhHgUrDZfpgWtU3iQTaEQH6uYmjk0zSOHYj8p4H4lrxkgCVx4Ff9uK38KcN8a363nNYGb0VjrEyd3g3NjFU-HDQh8FfLligi_ZHewldGFtskwIOkAiReOnkOyt2VfRJw1SIaw-OJBmqBjKTg58p2R9iMxYLOuE0yKYr7jpd4mLGGjzjIn/s320/papeles.jpg" width="280" /></a></span></b></div><b><span style="font-family: georgia;"><br />El
Infierno como excusa de representación</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;"><span lang="EN-US">El Teatro Mocha Graña albergó la temporada
de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Papeles del infierno</i>, adaptación
de cuatro obras cortas de Enrique Buenaventura: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La maestra, La tortura, La autopsia</i> y <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La presidenta</i>. Reflexiones sobre el infierno son las que articulan
este montaje, donde se tocan temas alrededor de la deshumanización del hombre
por intereses sociales, políticos y económicos. En consecuencia, la obra logra
mostrar una idea del infierno como algo creado por el hombre, alejándose de
visiones más clásicas sesgadas por la religión. </span><span style="mso-ansi-language: ES;">El elenco fue conformado por alumnos de la Escuela de Teatro de Lima: Luz
Dueñas, Meryl Romero, Josué Atapoma, Sandra Durand, Rodrigo Vargas, Naida
Zavaleta, Janeth Pascacio, Francisco Zamora, Orlando Chiroque y Daniel Piña.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;"><span style="mso-ansi-language: ES;">Los actores tuvieron la
oportunidad de representar distintos personajes a lo largo de cada historia
corta. La propuesta, dirigida por Luz Marina Rojas Marchán, fue clara: usar la
idea del infierno como hilo conector de todas las historias, además de
visibilizar al hombre como responsable principal de sus propias desgracias. </span><span lang="EN-US">Hay una trascendencia de resaltar cómo el hombre siembra y practica
el miedo en su afán de posicionar su poder. Aunque todo ello fue claramente
representado, dejó mucho que desear la apropiación del texto por parte de los
estudiantes. Se pudieron notar muchos tropiezos en los parlamentos, además de
no haber controlado el ritmo de sus escenas, por lo que cada historia se
terminó dilatando. Ello, en consecuencia, resulta en la pérdida de atención por
parte del espectador. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia;">La propuesta escenográfica fue elaborada
con elementos funcionales y necesarios para la historia. Debo destacar que las
transiciones entre escenas e historias fueron desempeñadas con eficacia y mucho
orden. Sin embargo, considero que debió haberse tenido cuidado con detalles en
los vestuarios (muchos de ellos estaban demasiado arrugados, lo cual quitaba
pulcritud al personaje). <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;"><span lang="EN-US">Es importante, dentro de un proceso
formativo en artes escénicas, el poder tener la oportunidad de enfrentarse a un
público real. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Papeles del infierno</i> constituyó
un reto actoral para este joven elenco, debido, entre otras cosas, a los temas
profundos que estaban implicados en cada historia. Fue evidente el trabajo que
cada actor aplicó en sus personajes; sin embargo, factores como los nervios
pueden haber afectado la concentración del joven elenco. </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Felicitaciones al equipo, especialmente por
animarse a trabajar textos de un autor imponente como Buenaventura.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><span style="font-family: georgia;">Stefany Olivos<o:p></o:p></span></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span style="mso-ansi-language: ES;"><span style="font-family: georgia;">9 de febrero de 2024</span><o:p></o:p></span></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-79036310647887512752024-02-08T18:22:00.000-08:002024-02-08T18:22:04.658-08:00Crítica: HONG KON<p><b><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;"></span></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjz59sgee2lUbbKWtCB2olYhnICAl3A97gmjrLhyQHM1iy4vK6Q5QgNnvYI4Gty6Ok0lWJMUZjnXA5caKMAYKHmYD0VH6UHb3dDuvHsf_-bTuFjIxgZTpNXLx1q5fms3hdWtrLGmhs-NsuColnEGh9cjDNst0175FwtK80Kw-Sdwo6HUnG9Awzqedhqg6oW/s1563/Afiche%20oficial%20HK%202.0%201_1.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1563" data-original-width="1563" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjz59sgee2lUbbKWtCB2olYhnICAl3A97gmjrLhyQHM1iy4vK6Q5QgNnvYI4Gty6Ok0lWJMUZjnXA5caKMAYKHmYD0VH6UHb3dDuvHsf_-bTuFjIxgZTpNXLx1q5fms3hdWtrLGmhs-NsuColnEGh9cjDNst0175FwtK80Kw-Sdwo6HUnG9Awzqedhqg6oW/s320/Afiche%20oficial%20HK%202.0%201_1.png" width="320" /></a></span></b></div><b><span style="font-family: georgia;"><br />Relaciones
inmediatas</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">Estrenada en el 2022, la obra en formato
breve <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Hong Kon</i> ha vuelto a la
cartelera teatral, escrita por Florencia Guzmán y dirigido por Larisa Landivar
(parte del elenco en la primera versión) y Duncan Torres. Esta vez, la historia
nos presenta a Dante (Daniel Flores Farias), quien revive su relación con Derek
(Coco Idoria), y sus encuentros en el hotel Hong Kon. Los recuerdos y
cuestionamientos, acerca de lo que significan el uno para el otro, revelan la
inmediatez de las relaciones actuales, teniendo a las calles limeñas como
testigos. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">Con una escenografía acomodada para
situarnos en un cuarto de hotel, vale mencionar que el espacio de la Asociación
Cultural Campo Abierto nos da la sensación de gran apertura para los
desplazamientos y el juego escénico; sin embargo, considero que para una obra de
esta naturaleza hubiera sido interesante optar por un espacio más íntimo, por
ejemplo, uno de los mayores obstáculos fueron los ruidos externos, suponiendo
una distracción no solo para el espectador, sino para los propios actores,
quienes supieron manejar la situación defendiendo sus roles correctamente. A
propósito de los personajes, ambos tenían características diferenciadas y
personalidades opuestas, trabajadas por los actores. De otro lado, al inicio
noté una baja proyección de voz en el caso de Idoria, lo cual superó
rápidamente.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">Ahora bien, en la sinopsis de la obra se
menciona el uso de recursos audiovisuales: el uso del juego de luces y la
música refrescaban los diálogos, aunque tal vez se podría arriesgar más, con
algunas imágenes proyectadas de las calles limeñas a las que alude Dante en su
relato, por citar un ejemplo.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">Respecto a la narrativa, sentí la ausencia
de los puntos de quiebre en la historia, los cuales en este tipo de formato tendrían
que quedar claros en poco tiempo, lo cual se refuerza con una suerte de final
abierto, no tan preciso, que bien podría ser motivo de una segunda entrega (si
fuera esa la intención de la dramaturga). Por ello, no estaría demás revisar
estos detalles en el texto. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">En contraposición, los recuerdos de Dante,
sumido en la encrucijada de lo que siente o no siente, y la frialdad de Derek,
al tomar a la ligera cualquier emoción, resulta un juego narrativo interesante
entre el pasado y el presente.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES-PE">Hong
Kon</span></i><span lang="ES-PE"> es una entretenida puesta teatral, que a través
del humor representa una frecuente y muy actual realidad en la manera en que se
“construyen” los vínculos, casi como un ejercicio mecánico e instintivo, que
muchas veces deja más preguntas que respuestas; también confusión, dolor y más
de un corazón roto… pero claro, todo está al alcance de un click. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">Maria
Cristina Mory Cárdenas<o:p></o:p></span></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES-PE"><span style="font-family: georgia;">8 de febrero de 2024</span><o:p></o:p></span></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-8338823243767412732024-02-08T18:20:00.000-08:002024-02-08T18:20:40.799-08:00Crítica: CUANDO NOS VOLVAMOS A ENCONTRAR<p><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipOhZ1C-AONC_aV6K2vsxPq0ACrH3nwOqlekwWAXHC3WyLW5c2EqyopgpFpu6OXnHaXEUjMsun-1HqVIeZJRd2aaDsS1o9kXFBi2hLWME3BHTqA8onIoEgGE1yEEbsv39dafiu8doWId_PMbg1jnuzBxzoSgCaI6s7_eosnPv7KUL0K1YU86FITxoCkp9w/s1080/CUADRADO_001.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1080" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipOhZ1C-AONC_aV6K2vsxPq0ACrH3nwOqlekwWAXHC3WyLW5c2EqyopgpFpu6OXnHaXEUjMsun-1HqVIeZJRd2aaDsS1o9kXFBi2hLWME3BHTqA8onIoEgGE1yEEbsv39dafiu8doWId_PMbg1jnuzBxzoSgCaI6s7_eosnPv7KUL0K1YU86FITxoCkp9w/s320/CUADRADO_001.png" width="320" /></a></span></b></div><b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"><br />Una buena química como primer paso</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">Una de las cosas
esenciales para contar una historia romántica parte de la química de los
protagonistas. A partir de ellos, se va construyendo la historia. En ese
sentido, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cuando nos volvamos a encontrar</i>
es una buena obra, aunque pudo llegar a ser mucho más.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">Un gran inicio,
lleno de buenas canciones, bien cantadas y bien tocadas; se genera el ambiente
bajo el cual se desarrollará la historia: un reencuentro entre dos personas que
en un pasado se amaron y ahora, frente a frente, descubrirán qué tan vivo sigue
aquello que alguna vez sintieron. El primer encuentro entre los dos personajes
fue plano, rápido, sin la tensión necesaria que exige un encuentro después de
mucho tiempo. Pero pasada la primera mirada, ambos toman esa gran química de la
que en un inicio hablamos, se recomponen y juegan con soltura y convicción. Los
personajes son sencillos, marcados en sus características pero complementarios
en cierta medida. La historia va agarrando cuerpo y a pesar de que los momentos
importantes (los primeros acercamientos, las primeras miradas) pasan sin el
cuidado necesario, no pierden el juego y la conexión que tienen.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">Así, dinámico y
lúdico, se va contando su historia, entre el recuerdo y la emoción. Lo malo es
que el texto no es preciso, uno que sabe que parte de un punto a otro, pero que
en su tramo final avanza muy rápido, pierde credibilidad y le quita peso a las
decisiones de sus personajes. La historia es buena cuando los personajes están
recordando aquello que vivieron, pero falla al retomar el tiempo presente,
donde se pierde la claridad de lo que quieren respecto al otro; la historia no
termina de cimentarse en la escena.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cuando nos volvamos a encontrar</i> es una obra agradable de ver, sabe
construir un ambiente, aprovecha la química de sus actores, pero falla en una
construcción más precisa de la historia, de las circunstancias. Eso sí, el
cierre, con cierto tono melodramático, cala en uno al escuchar una última
canción.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: georgia;">Omar Peralta<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-left: 0cm; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: georgia;">8 de febrero de 2024</span><o:p></o:p></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1285865162716874249.post-78350244520102798562024-02-08T16:31:00.000-08:002024-02-08T16:31:49.757-08:00Crítica: LA DOCTORA<p><b><span lang="es"><span style="font-family: georgia;"></span></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTPYbgwmjsRRrJLSF696vqNsTYTZaw_8o0O6qqv8B35d3JA1xRmWRlG8gfJahMiUN50dfQEnqZsEgt-Z3e_CWzNBCWc8GUL3tSmsS17OaZ4MkAxXezG4tSmb_JAxSGBfKH10GZ5S1DijKX_-KBJMt9CO2VtOikA2iyLg-RnxVb_NbGBLVvPysMWUuSKja1/s836/la%20doctora.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="522" data-original-width="836" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTPYbgwmjsRRrJLSF696vqNsTYTZaw_8o0O6qqv8B35d3JA1xRmWRlG8gfJahMiUN50dfQEnqZsEgt-Z3e_CWzNBCWc8GUL3tSmsS17OaZ4MkAxXezG4tSmb_JAxSGBfKH10GZ5S1DijKX_-KBJMt9CO2VtOikA2iyLg-RnxVb_NbGBLVvPysMWUuSKja1/s320/la%20doctora.jpg" width="320" /></a></span></b></div><b><span style="font-family: georgia;"><br />Dilemas
morales y teatralidad</span></b><p></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="es"><span style="font-family: georgia;">Desde su estreno hace algunas semanas en el
Teatro La Plaza, la puesta en escena de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
doctora</i> (2019), obra del dramaturgo y director inglés Robert Icke, viene
dividiendo a sus espectadores. Y es que el autor no solo se limita a mostrarnos
enormes problemáticas contemporáneas en su historia, como la ética médica, la
discriminación generalizada, la religión en contraposición a la ciencia, los
privilegios y los prejuicios que venimos arrastrando como sociedad durante
décadas, sino que además obliga al espectador a no dejarse llevar por la apariencia
física de los personajes, introduciéndolo en un juego teatral del que no tiene opción
de evadir, si es que desea disfrutar del espectáculo. Este detalle, que en
realidad vendría a ser el gran <i style="mso-bidi-font-style: normal;">leit motiv</i>
que propone Icke, es el que podría ser la causa de diversas posiciones
encontradas, que no deberían empañar, desde ya, una de las propuestas más
sólidas y arriesgadas del año.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="es"><span style="font-family: georgia;">Basada en la obra <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Profesor Bernhardi </i>(Arthur Schnitzler, 1912), la pieza dirigida con
precisión y nervio por Urpi Gibbons inicia con un hecho completamente atípico
dentro de un instituto médico dedicado al estudio de enfermedades de la tercera
edad: en aras del bienestar emocional del paciente, la doctora Ruth Wolff
(magistral reaparición de Diana Quijano) le niega la entrada a un sacerdote de
color para brindarle la extremaunción a una muchacha de 14 años, que se está
muriendo a causa de un aborto autoadministrado y además, fallido. Esta negativa,
que llega a filtrarse a la prensa, se convierte en el disparador de toda una
serie de protestas virtuales en contra de la institución y más adelante, de la
misma doctora, de carácter arrogante e intransigente. La trama, que se vuelve
más compleja e intensa conforme pasan los días, es certera en su crítica social
y conmovedora en su ejecución escénica, con múltiples personajes perfectamente
delineados, pero representados (por exigencia del autor) por un elenco en total
discrepancia con sus apariencias.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="es"><span style="font-family: georgia;">Salvo el rol protagónico de la doctora Wolff y
de todos los participantes en la excelente secuencia del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">talk show</i>, Icke solicita que la identidad de cada intérprete debe
estar directamente en disonancia con la de su respectivo personaje, en al menos
un sentido, por ejemplo, en edad, sexo o color de piel. Es por ello que, a
propósito, el público debe entrar en la convención de existir un comité
administrativo conformado por doctores que lucen muy jóvenes (Jorge Armas, Gabriel
Gonzalez y Carolay Rodríguez); o escuchar acusaciones de racismo contra un
instituto médico que alberga a un doctor y una relacionista pública
afrodescendientes (Luis Sandoval y Javiera Arnillas), o aceptar que el
sacerdote y el padre de la fallecida sean interpretados por un mismo y veterano
actor (el brillante Augusto Mazzarelli); o ver las gestiones realizadas para
evitar un mayor daño con una ministra de color (la siempre solvente Ebelin
Ortiz).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="es"><span style="font-family: georgia;">Esta propuesta, incómoda o desconcertante para
algunos, obliga al público a dejar de lado cualquier certeza predeterminada,
hasta que los mismos diálogos van descubriendo progresivamente las identidades
de los personajes. Curioso el hecho que desde la sala de espera del teatro sepamos,
por las pantallas que muestran al elenco, que uno de los doctores varones será interpretado
por una actriz (la muy inspirada Gabriela Velásquez), pero que un velo de
misterio cubra las reales identidades de la pareja de la doctora (Magali
Bolívar) y la muchacha que la visita con frecuencia (Yamile Caparó). Este juego
de identidades alcanza también, de cierta manera, a la misma doctora Wolff, una
mujer que debe (sobre)vivir en un mundo profundamente machista y desigual,
adoptando a la fuerza ciertas actitudes “masculinas”. Icke es contundente al
restregarnos en nuestra cara que es absolutamente irrelevante si un personaje
es blanco, negro, hombre o mujer. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La doctora</i>
es un montaje tan polémico como imprescindible.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="es"><span style="font-family: georgia;">Sergio
Velarde<o:p></o:p></span></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="es"><span style="font-family: georgia;">8 de febrero de 2024</span><o:p></o:p></span></p>Sergio Velardehttp://www.blogger.com/profile/05344176473422769376noreply@blogger.com0