jueves, 29 de abril de 2021

Crítica: ENTRE DOS LUCES


Escarbando en la herida

En estas épocas de incertidumbre política, el arte se hace cada vez más necesario para reflexionar sobre nuestra coyuntura actual. Es por ello que resulta muy oportuna la reposición de ciertas piezas dramáticas, escritas en contextos muy particulares, para ejercitar aquella capacidad no muy arraigada en nuestra sociedad: la memoria. Entre dos luces (1996), texto escrito por César Bravo, escarba en el resentimiento, en nuestras heridas aún no cicatrizadas, en el sinsentido de la violencia y en la profunda brecha social que nos divide como nación. A la actriz Andrea Luna, en su primer trabajo como directora dentro del colectivo Contrateatro, solo le basta ofrecernos de manera virtual y en vivo la primera escena de la obra de Bravo, con algunos cambios en las formas, para demostrar la total pertinencia de una historia que nos toca muy de cerca como peruanos.

Entre dos luces, así como La eternidad en sus ojos (2013) de Eduardo Adrianzén o La cautiva (2014) de Luis Alberto León, nos devuelve a los terribles años en los que todo el país fuera azotado por el terrorismo, a través del velado encuentro entre dos jóvenes estudiantes: una, Martha (Beatriz Quintana), es militante de la izquierda radical; y la otra, Elizabeth (Natalia Bonifaz), de la más progresista y moderada. Las diferencias en sus discursos y pensamientos, que ambas sacan a relucir tras la muerte de otro estudiante, evidencian las profundas desigualdades existentes entre compatriotas, aquellas que generan violencia, pobreza y atraso. Mientras que no aprendamos todos a respetar nuestras ideas y las ajenas, mediante el diálogo y el consenso, los tiempos electorales, por ejemplo, solo servirán para polarizar cada vez más al país con futuros resultados nefastos.

En cuanto a las formas, Luna consigue hacer creíble la convención de estar las dos mujeres una frente a la otra en una misma habitación, solo en la ficción. La oscuridad que rodea al personaje de Martha también le permite crear una atmósfera de suspenso durante el diálogo, muy bien manejado por ambas actrices. La elección del cambio de género del estudiante subversivo del original enriquece la relación que entablan las mujeres hasta el final, en el que las luces aparecen y se revela otra cruda realidad. Entre dos luces es un auspicioso debut en la dirección para Luna y un oportuno reestreno de una muy interesante pieza dramática, que nos ayuda a devolvernos, en mayor o menor medida, la tan necesaria memoria requerida para votar a conciencia a las inminentes contiendas electorales dentro de unas semanas.

Sergio Velarde

29 de abril de 2021

miércoles, 28 de abril de 2021

Entrevista: JULIO VARGAS, FIORELLA GAMBINI Y DANIELA AYAIPOMA


“Hay que tomar cada reto como un juego.”

¡Los Dalio están de vuelta! Está por estrenarse una nueva aventura del dúo claun, conformado por los divertidos Daniela Ayaipoma y Julio Vargas, con la dirección de Fiorella Gambini, que lleva por título Olímpico, un reality deportivamente payaso con los Dalio. ¡Ellos han venido preparándose hace mucho tiempo para competir en las Olimpiadas Payasas 2021! Hoy, como buenos payasos, se jugarán el todo por el todo, se entregarán al 100% en cada disciplina, pelearán cada punto y se mantendrán firmes en la competencia limpia para así obtener la medalla de oro.

Las funciones se llevarán a cabo el sábado 1º y domingo 2 de mayo a las 8:00 p. m. por la plataforma Zoom. El precio del enlace es de S/. 20.00. las entradas se encuentran a la venta en https://www.passline.com/sitio/la-vecindad-escuela-de-clown o escribiendo al correo losdalio@gmail.com.

Sergio Velarde

28 de abril de 2021

 

martes, 27 de abril de 2021

Crítica: SUPERHÉROES


Inocencia interrumpida

El universo de los niños es fascinante, especialmente en su desarrollo intelectual. La curiosidad comienza a tener una mayor presencia en sus motivaciones y se convierte además, en un motor de aprendizaje acerca de su realidad. Por otro lado, su capacidad lógica los lleva poco a poco a dejar su mundo de fantasía, para emitir juicios de valor aterrizados en la realidad. Las reglas que rigen su vida ahora tendrán matices, con una variada escala de grises; y ya empieza a asomar un verdadero entendimiento de la intencionalidad de muchas acciones que realizan los adultos y otros niños de su edad. Valgan estas someras apreciaciones para abordar un espectáculo como Superhéroes, obra virtual protagonizada justamente, por tres niños que aún juegan a tener superpoderes.

Escrita por Edgard Linares y dirigida por Rafael Mora, Superhéroes nos presenta a un trío de niños que asumen sus personalidades heroicas, las que responden a los nombres de Águila Dorada (Romina López), Unicornio Azul (Nicole Monroy) y Lechuza Roja (Jesús Bazalar); ellos se preparan para una nueva misión a través de una videollamada, cada uno desde su respectivo hogar. Sin embargo, un personaje en específico, relacionado con el objetivo de su nueva aventura, les hará reflexionar sobre su accionar y además, revelará una triste realidad en la que nos hallamos todos sumidos en la actualidad. Es allí donde radica lo más interesante de la propuesta dramatúrgica de Linares: el agridulce y progresivo descubrimiento por parte de los niños de los lamentables lastres que vienen afectando a nuestra machista sociedad desde hace décadas.

Siempre existe un riesgo al presentar una obra protagonizada por niños e interpretada por actores de mayor edad, ya que se puede abusar de la sobreactuación. En ese sentido, a destacar el trabajo de Mora en las controladas actuaciones de elenco para evitar molestos disfuerzos. A nivel visual, se podría optar por darle un mayor dinamismo al diseño estético de la pantalla, tal vez con viñetas animadas, en movimiento o variables en colores y formas. Escena Cultural y la productora Karen Guiselle Patiño ofrecen con Superhéroes una oportuna puesta virtual, que busca llamar la atención sobre cómo la niñez analiza e interpreta las carencias y deficiencias de una enferma sociedad creada por adultos y lo mucho que nos falta como colectividad, para alcanzar un trato equitativo para todas y todos, con afecto y sin violencia.

Sergio Velarde

27 de abril de 2021

domingo, 25 de abril de 2021

Crítica: DISFORIA


Ella y él

El llamado Teatro virtual ha permitido que podamos ver diversas obras a nivel mundial. En esta oportunidad, pudimos disfrutar de Disforia. Una microobra española, con texto de Ángel Serrano Laguna, dirigida por José Luis Espinoza y los encargados de darle vida a esta genial puesta en escena son Cecilia Voter (peruana) y Noam de la Rosa (español).

Con un escenario minimalista y completamente vestidos de negro, ella y él aparecen en el mismo espacio. Ella, sentada sobre una cómoda silla, pero con la cabeza agachada; él, pensativo, echado en el piso y con la cabeza recostada sobre un pequeño banco. Parece que ambos personajes están por entablar una conversación un poco acalorada, pero poco a poco la transición se iba dando, hasta mostrarnos que se trataba de una sola persona. Disforia nos presenta, de manera clara y original, la conversación interna de un personaje transgénero, con el único propósito de mostrar lo que le sucede a este, cuando habla o discute consigo mismo. Donde perfectamente cualquiera puede verse asociado con el conflicto que se muestra a lo largo de estos 15 minutos aproximados de duración.

En cuanto a las actuaciones, podemos decir que estuvieron muy bien representadas. A ambos actores se les notó en todo momento dentro de sus personajes, actuando de manera natural y verdadera, interactuando orgánicamente uno con el otro; pues como se dijo al inicio, se trataba de una sola persona. Incluso, uno de los personajes supo resolver sin mayor dificultad, cuando en algún momento se cae el teléfono, lo cual nos hizo sentir aun más cerca del teatro, porque son cosas que suceden en vivo.

Asimismo, podemos decir que Disforia tuvo una buena dirección, pues no solo se reflejó en el desarrollo de la obra, sino también en el buen uso de algunos recursos audiovisuales, como planos de cámaras distintos, sumando positivamente al desarrollo de esta, pudiendo disfrutar de algunos detalles en cuanto a movimientos, gestos y reacciones, gracias a los primeros planos que se mostraron en algunos momentos de la puesta en escena. Finalizando con una melodía que complementó de manera apropiada esta espectacular microobra.

En general, podemos comentar que se consiguió el objetivo, logrando que el espectador entienda, se involucre y se conecte en todo momento, no solo con los actores, sino con la historia en general. Al finalizar la obra, fue interesante escuchar un coloquio conformado por los actores, el director, Lara (transexual) y Lola (madre de Lara), en donde el tema principal fue conversar si existe un modelo de familia, rescatando lo fundamental e importante que es sentir el apoyo de esta en estos temas.

Milagros Guevara

25 de abril de 2021

viernes, 23 de abril de 2021

Crítica: EN SUS OJOS


Una combinación perversa

El comienzo de una relación de dos personas es el inicio de una historia común. Pues la historia de uno es el asunto de ambos. Pero las experiencias vividas en dicha situación pueden terminar significando distinto para cada uno. Así, el significado de la relación también cambia. He ahí la diferencia. Por ejemplo, A y B se conocen. Ambos se enamoran. Inician su relación. La dopamina, oxitocina y serotonina hacen su efecto los primeros días, semanas y meses. Pero luego inician los obstáculos, las piedras en su enamoramiento. No interesa el motivo ni el cómo sucedió. Vale el sentido en el que afectó a cada uno. Importa el resultado de esa piedra. Sobre ese tema versa En sus ojos, historia escrita y dirigida por Josema Ruiz Vía. Asimismo, en dicha ficción actúan Andrea Alvarado y José Miguel Ríos. 

En sus ojos es una fusión entre dos maneras de streaming para representar una obra dramática en la actualidad. Pues la situación se representa en vivo y los flashbacks, que se presentan ahí, son grabados. En general, la obra es una secuencia audiovisual de tomas en vivo y grabadas, unidas justificadamente.

La obra posee dos partes: por un lado, los creadores representan la historia, pero desde el punto de vista de Manuel. Es decir, la situación sucede tal como significa para él. Por otro lado, luego de treinta a cuarenta y cinco minutos, vuelven a representar la misma historia, pero desde el punto de vista de Diana. Así, computan ambos casos para mostrar cómo influye cada situación en los personajes respectivamente. Sobre esto al parecer, ambas partes presentan la misma situación. Sin embargo, estas varían por el cambio de estrategias y acciones por parte de los actores en cada sección. Las palabras descritas por el dramaturgo pueden variar poco o nada, pero la acción y sus estrategias influyen en la situación. Eso lo convierte en diferentes circunstancias. El aquí y ahora en cada sección no son los mismos, porque cada pequeña acción o estrategia que realiza un personaje significa distinto para el otro. Por lo tanto, en estos dos escenarios heterogéneos, cada personaje abstrae un significado diferente de la situación.

Los actores, en sus correctas interpretaciones, mostraron personajes con comportamientos complejos y verosímiles. Además, las decisiones que tomaron en cada parlamento fueron claras y precisas. De esta manera, crearon un ambiente tenso, caótico y conflictivo en el transcurso de la escena.

Presentar esta obra en este tiempo es muy acertado. Pues vivimos en una sociedad en la que abundan las denominadas relaciones tóxicas. Diana y Manuel son un claro ejemplo de ese tipo de relación. Pues, ella es codependiente y él presenta problemas psicológicos no superados. Así, son los ingredientes perfectos que encajan para que surja esa perversa relación. En la obra, ellos se dañan mutuamente. Ambos lo saben, sobre todo Diana. Pero no quiere romper definitivamente con él, porque ella necesita que Manuel lo necesite: quiere rescatarlo de sus inseguridades. De esta manera, esta relación se convierte en un monstruo peligroso para ambos.

En resumen, En sus ojos es una obra dramática que atañe problemas actuales, explorando la fusión de ambas formas de streaming. Además, sus buenas interpretaciones crean la ilusión perfecta para que sumerja al espectador en su mundo conflictivo.

Elio Rodríguez

23 de abril de 2021

Crítica: PERRO QUE LADRA, GATO QUE AVANZA


La delgada línea entre la realidad y la ficción

Como parte de la programación del Festival de Artes Escénicas de Lima 2021(FAE), se presentó la obra virtual Perro que ladra, gato que avanza, escrita por Augusto Gutiérrez S. y dirigida por Sebastián Ramos, quien también es parte del elenco. Producida por La Maldita Compañía, la propuesta se centra en tres personajes: Baco (interpretado por Ramos), un famoso actor que está a punto de estrenar una obra virtual; Loca (Francesca Correa), una joven artista aturdida por sus conflictos personales; y Lobo (Josue Castañeda), quien debido a la pandemia vuelve a Lima después de mucho tiempo, replanteando aspectos de su vida que creía resueltos. Así, en medio de los ensayos para el próximo estreno de su obra, se descubren los vínculos que hay entre ellos, revelándose temas como el suicidio, los logros y fracasos personales, la idea de formar una familia y el amor.       

Ahora bien, el buen manejo y aprovechamiento de los recursos audiovisuales (el uso de las cámaras y encuadres), junto a las sólidas interpretaciones de los actores desde sus espacios personales, permitieron al espectador notar las distintas personalidades de estos tres personajes, cuyas características fueron claramente detalladas y ejecutadas por el reparto. Un claro ejemplo: la escena de la conversación entre Baco y Lobo, en donde se confrontan. Por otro lado, el inesperado final en el que aparece el propio autor del texto, nos recuerda de alguna forma al metateatro, esta vez, adaptado al mundo virtual, el cual nos deja cuestionándonos cuál es el límite entre la ficción y la realidad de la propuesta. 

Sin duda, Perro que ladra, gato que avanza es una interesante puesta virtual, que nos muestra cómo el colectivo La Maldita Compañía viene adaptándose cada vez más a este formato audiovisual, con propuestas como esta, que nos llevan a reflexionar acerca de temas tan cotidianos como profundos; permitiéndose arriesgar y probar con acierto las técnicas del teatro presencial que tanto añoramos.

 Maria Cristina Mory Cárdenas

23 de abril de 2021

Crítica: ¿QUIERES SER MI VALENTÍN?


Un acto sensibilizador

Facebook, Instagram y Tinder han cambiado la manera de relacionarnos. Salir a algún lugar concurrido para interactuar con nuevas personas ya casi es parte del pasado. Pues las redes sociales no solo nos permiten conocer gente de nuestro distrito, sino de otras regiones, incluso, países. Sin embargo, hacerlo a través de estos medios es complicado, porque no sabemos quién es realmente nuestro interlocutor. También es una comunicación “a medias”, ya que no escuchamos u observamos completamente a la otra persona. Aún así, causa cierta intriga saber quién es el otro. Esto conlleva a concretar una cita en el plano real sin saber qué sucederá. Sobre esta situación versa la historia de Lorenzo, youtuber en la obra ¿Quieres ser mi Valentín?, pues decide conocer físicamente a la persona con quien interactuaba a través de la app de citas. Asimismo, en el trabajo audiovisual acciona Pedro Ibáñez; en las voces en off, participan Raúl Sánchez McMillan y Kristel Osterloh; la dramaturgia estuvo a cargo de Sánchez McMillan; y además, la obra la dirigió Ximena Aguilar.

¿Quieres ser mi Valentín? fue una obra que se trasmitió vía streaming grabado. Es decir, la representación ya había pasado por los procesos de rodaje y edición para ser transmitida a través de YouTube. Así, este proyecto se convierte en un cortometraje, mas no un trabajo teatral trasmitido vía streaming en vivo.

La calidad del vídeo y audio fueron óptimas. A esto se suma el trabajo de postproducción. Los textos e íconos agregados tuvieron una posición simétrica respecto a la pantalla del espectador. Además, no opacaron al protagonista. En general, la composición del vídeo siempre mostraba como personaje principal a Lorenzo.

Respecto a la actuación, Ibáñez representa a Lorenzo, el personaje principal del proyecto. El actor crea la misma atmósfera que todo videoblogger produce en sus vídeos. Así, lo contado en ese espacio es tan importante para él que mantiene al espectador interesado en esta. Pues la historia en torno al personaje es concebida por Ibáñez como una real. Esto permite que aquello que acontece sea verosímil en su situación. Por otro lado, Sánchez McMillan representa al compañero de cita de Lorenzo. Su personaje aparece en el desenlace de la historia. Por la acción del habla, se logra entender la historia de este. Sin embargo, no se hallaba el decir del personaje. Dicho de otro modo, las palabras del personaje hablaban más que el comportamiento de este. Así, resultaba dificultoso para el espectador saber su motivación en escena.  

La dramaturgia, guion en este caso, fue realizada por McMillan. Su material es la fusión entre el script de un youtuber blogguero y un diálogo, que gira el argumento de la historia. Pues esta trata sobre un youtuber que cuenta a sus seguidores el proceso previo a su cita por San Valentín con un chico que conoció a través de una app. Luego, McMillan apuesta por la interacción con diálogo entre Lorenzo, el youtuber, y la persona que eligió con quien pasaría San Valentín. Este último tramo permite el giro dramático en la historia de Lorenzo. Así, el discurso creado por McMillan se muestra entretenido e impredecible para el espectador.

Presentar ¿Quieres ser mi Valentín? en este tiempo es acertado, pues muestra la vileza de un sector de la sociedad hacia otro reducido cuánticamente. En ese sentido, la obra sensibiliza al espectador con la parte minoritaria.

En resumen, la obra contiene un mensaje claro, específico y preciso para este mundo contemporáneo. Además, es divertida, imprevista y sensibilizadora, pero, como todo producto final artístico, aún mejorable. 

Elio Rodríguez

23 de abril de 2021

jueves, 22 de abril de 2021

Crítica: FENÓMENOS


El amor en tiempos virtuales

Acaso lo único que se le podría reclamar a Fenómenos, la más reciente producción en línea de la compañía Katartika, sea la de promocionarla como un drama psicológico. Y es que si bien esta puesta virtual, escrita y dirigida por Rodrigo Delgado, no deja de tener un fuerte contenido emocional, es en el manejo del humor, casi rayando con el sarcasmo, en donde radica su mayor fortaleza. Siempre resulta saludable escapar de vez en cuando del “dramatismo” que destila la mayoría de proyectos de videollamadas de otros colectivos, que abordan las relaciones de pareja, incluso cayendo algunos en la solemnidad.

De entrada, el contexto de la trama de Fenómenos resulta completamente disparatado: dos ex-enamorados actores, que no se ven desde hace cinco años, coinciden en un casting virtual para una película: ella, Raya de tigre, con sus llamativas ojeras y pobladas cejas; y él, Loquivan, con una notoria mancha en una de sus mejillas. Ambos, con extravagantes comportamientos y actitudes. En medio de ellos, un despreocupado jefe de casting que va enterándose de la situación de a pocos. Lo mejor de esta primera parte del espectáculo se encuentra en el hilarante paralelo entre los diálogos marcados para el casting y los que de verdad están diciendo y sintiendo estos dos atípicos personajes al reencontrarse y analizar su ruptura, para darse cuenta que quizás todavía queden cenizas donde hubo fuego hace años.

Ya hacia el final, la puesta de Delgado bordea un contenido emocional, con imágenes pregrabadas del jefe de casting (¿o es quizás otro personaje?) en actitudes reflexivas y además, acompañadas por varias líneas acerca del amor, declamadas por la pareja en cuestión, pero ya en tono serio y aleccionador. Felizmente, todo esto último está ejecutado de manera impecable por los actores Joaquin Usseglio, Carlo Mario Pacheco y Astrid Villavicencio, sin caer en el “dramatismo” que mencionamos al inicio. Fenómenos, un muy interesante proyecto de la productora Katartika, es un bienvenido respiro entre tantas historias solemnes acerca del amor, que se sirve hábilmente de la comedia para entretener y reflexionar.

Sergio Velarde

22 de abril de 2021

miércoles, 21 de abril de 2021

Entrevista: WIL LEÓN


“Un improvisador debe respirar el ahora.”

El joven improvisador y cantautor Wil León viene preparando un espectáculo muy especial, que él mismo denomina como un freakshow y que lleva por título La comunidad de los poetas surrealistas, en el que se encarga de la música y de la dirección general. Wil ha intervenido en interesantes puestas en escena como Vidas alternas (2018), con la dirección de Alejandra Bouroncle; o Inflowmados, Noticias con flow (2020), en donde escribió y actuó al lado de Luis Alonso Leiva, bajo la dirección de Pepe Céspedes.

La comunidad de los poetas surrealistas te puede llevar a la risa, para luego tocar algo en ti y tal vez no entender, pero sí sentir. Ocho artistas de una comunidad surreal (Ana Paula Delgado, Ed Salcedo, Fátima Ramos, Gonzalo Del Rio, Lenita Aguilar, Luis Natteri y Roy Zevallos) comparten la poesía atemporal de una manera poco convencional. La música en vivo y la puesta performática escenifican un intento constante de que la poesía traspase la pantalla del dispositivo de cada observador de este encuentro.

¡La comunidad de lxs poetas surrealistas vienen para quedarse! El estreno será el 2 de mayo a las 8:00 p. m. ¡El precio es de 20 soles o 7 dólares!

Formas de pago directamente al Instagram @arte.desdeadentro O @holayosoywil

Producido por DESDE ADENTRO

Sergio Velarde

21 de abril de 2021


Entrevista: CARLOS CASELLA


“Es más rico el talento que viene de la constancia.”

Oficio Crítico conversó con el joven artista Carlos Casella, quien viene desarrollando una interesante carrera dentro de las artes escénicas, como actor y director. Lo vimos el año pasado al lado de Pietro Sibille en la muy interesante puesta virtual de Fragmentos, en homenaje al gran dramaturgo Samuel Beckett. Actualmente, Carlos viene trabajando en la dirección de un espectáculo transmedia titulado Spa Trascendencia, con las actuaciones de Elsa Olivero y Gabriela Navarro.

En un mundo de filtros, cirugías estéticas, y Photoshop, ser bello por fuera ya no impresiona. Por eso en Spa Trascedencia, el spa del futuro, nos dedicamos a la belleza de tu alma. Saca tu cita, asiste a nuestras funciones y vive una experiencia verdaderamente trascendente. 

Spa Trascendencia, obra transmedia, se presentará el viernes 23, sábado 24 y domingo 25 de abril a las 9:00 p. m. Las entradas se pueden conseguir en el IG: @bmteatrostudio o al WhatsApp 987 754 727. La producción ejecutiva es de Gonzalo Portilla y la producción general, de BM Teatro Studio.

Sergio Velarde

21 de abril de 2021 


martes, 20 de abril de 2021

Crítica: EL JOKER


Cuidado con las adaptaciones a la virtualidad

El confinamiento al que nos tiene condenados la pandemia ha provocado dos tipos claros de espectáculos virtuales: los que son escritos especialmente para estos tiempos en streaming y aquellos que son adaptaciones de obras presenciales para la virtualidad. En estos épocas, acaso las mayores dificultades, tanto de formas como de contenido, las enfrente el segundo grupo. Una salida plausible resultan siempre las lecturas dramatizadas; sin embargo, al pretender llevar a la pantalla de manera fidedigna una historia escrita especialmente para teatro presencial, deben tomarse en cuenta muchas consideraciones no solo para no perder el espíritu del original, sino además para que la puesta sea entretenida y luzca convincente o por lo menos, probable. Lamentablemente, El Joker, presentada por Sagrada Producciones, no logra acomodarse del todo al mundo virtual, a pesar de sus innegables aciertos.

Es ya sabido que para captar la atención del espectador, que se halla en su casa en medio de un sinnúmero de distracciones, los proyectos virtuales deben tener en cuenta su duración y además, el manejo de los dispositivos. En El Joker del autor Jean-Pierre Martinez, tenemos una historia dilatada y discursiva (un joven guionista sin inspiración que recibe la misteriosa visita de un reparador informático) y que además, mantiene una perspectiva de cámara estática durante toda su duración. También se intenta sugerir sin éxito que por lo menos dos personajes comparten el mismo espacio, estando los actores evidentemente en lugares diferentes. El afiche promocional también es engañoso: el maquillaje del personaje del técnico remite a la famosa película del mismo título con Joaquin Phoenix, que por cierto, no guarda ningún tipo de relación con la obra en cuestión. Incluso viendo fotografías de un montaje anterior del 2015, este personaje se asocia más al bufón o comodín de los naipes.

En todo caso, El Joker 2021 destaca por el trabajo de José Sheen en la dirección de actores. Renato Bermúdez, como el guionista, va ganando seguridad y veracidad a lo largo de la historia hasta el conmovedor final; mientras que Lucía Barbarossa, como su novia, luce impecable. Mención aparte para la caracterización que enfrenta Carlos Thornton, un actor que dedicó buena parte de su carrera a la televisión y que aquí sorprende con una ingeniosa actuación: luego de abandonar los espectadores la idea que veríamos una variante del personaje de Phoenix, Thornton construye con voz y gestos a un Joker inquietante y sarcástico, manteniendo el suspenso hasta el revelador final. Sagrada Producciones podría apostar en el futuro por llevar a la pantalla textos escritos expresamente para la virtualidad.

Sergio Velarde

20 de abril de 2021

martes, 13 de abril de 2021

Crítica: A. R. I.


Invasión de la virtualidad

Entrando de lleno en el terreno cinematográfico, el colectivo La Maldita Compañía nos ofrece un sólido proyecto virtual, que lleva como título A. R. I., y que así como lo fue lo último que Oficio Crítico alcanzó a ver del grupo en teatro presencial (su muy interesante versión de La disputa del 2019), se sigue apostando por historias que reflejen los vericuetos atemporales de las emociones humanas y sus cambios ante factores externos. Si en la pieza inspirada en el clásico de Pierre de Marivaux, la conducta de los protagonistas era controlada y monitoreada en un inmoral experimento, en A. R. I. la relación entre dos amigas se trastoca ante la presencia de un juego virtual, uno que poco a poco va perdiendo su propio control.

Marianne Carassa y Sebastian Ramos, autores y directores del proyecto, realizan un muy pertinente llamado de alerta acerca de la intromisión de la virtualidad en nuestras vidas. Ya no estamos hablando de ciencia-ficción: nuestra dependencia hacia las aplicaciones en línea y dispositivos electrónicos va en aumento cada día que pasa y estos representan, sin duda, un muy posible peligro hacia nuestra integridad e intimidad. El mencionado videojuego A. R. I., interpretado de manera impecable por Daniela Zea, se transforma ante nuestros ojos, desde su inofensiva ingenuidad hasta convertirse progresivamente en una real amenaza; mientras que Eliana Córdova y Vanessa Zeuner desarrollan con credibilidad una de las tantas discusiones que pueden tener dos amigas.

Lo novedoso del proyecto viene desde apartado audiovisual: acaso realizar la puesta en vivo hubiera significado un enorme riesgo, es por ello que la presentación de A. R. I. como cortometraje resulta todo un acierto. La producción de Silvia La Torre y la realización audiovisual de José Pecho se encargan de darle un acabado estilizado y creíble a una muy posible historia de invasión virtual a nuestra privacidad. La Maldita Compañía viene mostrando una sana evolución y suma con A. R. I. otro destacable proyecto dentro de su repertorio, apostando por incluir herramientas que provee la virtualidad.   

Sergio Velarde

13 de abril de 2021

lunes, 12 de abril de 2021

Crítica: ENEMIGOS ÍNTIMOS


¿En quién podemos confiar?

Pandora 180 Films & Arts presentó el último fin de semana Enemigos Íntimos – La última videollamada, espectáculo virtual escrito por Matilde Carreón –quien además actúa- y dirigido por Gian Marco Valle.

En medio de la crisis que continúa por la pandemia, el descontento social y el inevitable quiebre de la política peruana, cinco amigos se reúnen por videollamada con el pretexto de reencontrarse y celebrar un cumpleaños, sin imaginar que secretos impensados serán revelados y sus vidas cambiarán por completo. Bajo esta premisa se desarrolla esta historia que inicia con la aparición de cada personaje mostrando claramente parte de su personalidad. Como en todo grupo de amigos, hay diferentes formas de pensar y ser; entonces, una de las fortalezas respecto a la interpretación es el trabajo de precisión en los detalles y la psicología de cada personaje que hizo el elenco, el cual se completa con la participación de Leonela Alarcón, Romina Basurto, Sebastián Olivencia y Renzo Oviedo.

Asimismo, la coherencia de la narrativa permite al público quedar a la expectativa y suspenso de las cuestiones que van revelándose (que van in crescendo), transformando con acierto la simplicidad y ligereza del momento inicial, en algo mucho más profundo y dramático hacia el final, que dicho sea de paso, bien podría desencadenar en una segunda entrega. Cabe resaltar la calma y el buen manejo por parte del elenco cuando los temas técnicos se escaparon de las manos, detalle que considero, por la naturaleza de la propuesta, jugó más a su favor que en su contra.

Enemigos Íntimos – La última videollamada retrata en su historia gran parte de la problemática que seguimos viviendo y lamentando a nivel social y político, si bien las diferencias existen y existirán siempre, la crisis de valores y el desapego emocional, hacen surgir los cuestionamientos, tal vez, el más notable hoy por hoy: ¿¡En quién podemos confiar!?

Maria Cristina Mory Cárdenas

12 de abril de 2021

sábado, 10 de abril de 2021

Entrevista: JUAN PABLO BUSTAMANTE


“No soy partidario de dar mensajes en la obra, yo invito a pensar.”

Lapel Duvide es un espectáculo que mezcla el teatro virtual con animaciones al estilo novela gráfica, dirigido por el comunicador Juan Pablo Bustamante. Oficio Crítico conversó con el joven artista acerca de esta nueva propuesta escénica en línea, escrita por Vanessa Vizcarra Soberon y que cuenta en el elenco con Rodrigo Reyes, Alejandra Saba, Carlos Cáceres y Karla Prieto. La producción está a cargo de Machete Studio.

Esta propuesta mezcla el teatro virtual con animaciones al estilo novela gráfica y será transmitida en vivo por la plataforma Joinnus.com desde el sábado 24 de abril al 2 de mayo, sábados a las 9:00 p. m. y domingos a las 8:00 p. m. La obra aborda temas sociales y humanos dentro de un universo distópico en el que el totalitarismo del estado se ha convertido en la forma de vida común en la ciudad de Lima. En este régimen, el Gobierno Central ha restringido los derechos de las personas con el pretexto de brindarles seguridad.

La venta de entradas a través de la Web Joinnus.com, el link directo es https://bit.ly/3sWiO5x


viernes, 9 de abril de 2021

Entrevista: RUBÉN QUIROZ ÁVILA


“No hay peor castigo que no hablar de una obra.”

Siempre es pertinente celebrar cuando un colega crítico logra sacar adelante una publicación en físico. Katarsis. Crítica a las artes escénicas en el Perú es el título del flamante nuevo libro de Rubén Quiroz Ávila, destacado crítico teatral, literato, filósofo y profesor universitario, quien ha recopilado sus propios artículos y críticas a lo largo de dos años y medio visitando espectáculos teatrales presenciales.

Rubén es actualmente Secretario Académico de la Unidad de Posgrado de Letras de la Universidad San Marcos. Es Presidente de la Sociedad Peruana de Filosofía y Magister en literatura peruana y latinoamericana. Además, es editor y director de revistas indexadas, además de gestor en educación superior. También, es profesor universitario y ha escrito artículos en diversos medios de comunicación como El Comercio, La República, Exitosa noticias y El Peruano.

Ha publicado los siguientes libros: La razón racial (2010), El teatro de vanguardia en el Perú (2008), El teatro en la guerra del Pacífico (2009), 16 poetas transbarrocos. Antología de la poesía transbarroca (2017) y Ni calco ni copia. Antología de la filosofía peruana contemporánea (2019). Ha obtenido la beca de la Fundación Ford, la beca Santander y la beca del Concytec con la Embajada de Francia en el Perú.

El público puede adquirir Katarsis. Crítica a las artes escénicas en el Perú contactando al Facebook de Rubén Quiroz Avila o a la Editora Máquina Purísima de Cecilia Podestá.

Sergio Velarde

9 de abril de 2021


jueves, 8 de abril de 2021

Crítica: LA VISITA DEL PRESIDENTE


La corrupción sin fin

Las inminentes elecciones presidenciales que se llevarán a cabo en unos días se convierten en el telón de fondo perfecto para historias que tienen que ver con los abusos del poder político. La Asociación Cultural Kapchiy, entrando de lleno en el terreno cinematográfico, como ya lo hiciera en Mi nombre es Javier e Incertidumbre a inicios de este año, consigue el que quizás sea hasta ahora su mejor cortometraje, tanto en términos estéticos como de contenido. La visita del Presidente de Martín Velásquez Marvelat, dirigida por Maricella Vilca Vargas, nos traslada en el tiempo hasta la Lima del 2041, para mostrarnos que los votos desinformados siempre producen que la historia se repita una y otra vez.

El joven presidente Francisco (Sergio Armasgo) mantiene una tensa conversación con Jorge (Renato Piaggio), un preso político que se dedica a matar su tiempo de encierro con una guitarra. Como era de esperarse, nuestro futuro mandatario no es una blanca paloma y se dedica a hostigar y coaccionar al preso para que firme unos papeles, en la única habitación en la que se desarrolla la historia. Acaso habría sido conveniente contar con un par de figurantes que funjan de seguridad del presidente, para darle mayor credibilidad a la situación. En contraparte, Piaggio está intachable al representar su progresivo desmoronamiento psicológico frente a las amenazas en aumento y Armasgo sorprende al asumir con solidez un difícil rol, que en un primer momento parecería estar destinado a un actor mayor, pero que se justifica plenamente en el final.

Kapchiy y Sierra Sur Audiovisual, con la dirección de Vilca Vargas, logran darle al cortometraje un acabado muy profesional, combinando bien los colores, luces y sombras, que crean la cerrada atmósfera necesaria para este enfrentamiento psicológico, bien llevado por Piaggio y Armasgo. La trama de La visita del Presidente nos lleva a la reflexión acerca de nuestra responsabilidad al momento de elegir a nuestros gobernantes, para no continuar inmersos en los círculos viciosos de poder que no tienen cuando acabar y que son sin duda, el motivo por el que no despegamos como país. Es una historia de corrupción que se repite una y otra vez, y es nuestro deber ponerle freno para que no sigamos por el mismo camino hasta el ya no tan lejano 2041.

Sergio Velarde

8 de abril de 2021

martes, 6 de abril de 2021

Crítica: BUZÓN DE VOZ


Curiosa invasión de audio-ficción

El colectivo EspacioLibre se resiste a entrar de lleno en las posibilidades visuales que le ofrece la virtualidad. En compensación, los resultados obtenidos en el ámbito auditivo han sido sumamente interesantes: no solo nos ofrecieron Paroxista – Radioteatro serial (2020), con diversas historias en un contexto post cuarentena y solo para escuchar, sino que se tomaron el tiempo de organizar el Quinto Encuentro del Barranco, en el que se mostró al público una variada cantidad de proyectos exclusivamente para audífonos. Pues bien, la nueva (e inclasificable) aventura del mencionado colectivo se llama Buzón de voz, que consiste en el envío de mensajes de voz por parte de los actores a cada uno de los destinatarios, durante dos días y a cualquier hora. Una experiencia francamente inquietante y desconcertante.

Más allá del solvente trabajo de los actores Claudia Castro Pedro, Eliana Fry García – Pacheco, Ilda Polo y Karlos López Rentería (este último, autor y director del proyecto) y lo insólito de los contenidos a pesar de abordarse temas habituales y conocidos, es la experiencia única e irrepetible lo más valioso que le ofrece Espacio Libre al oyente. Haciendo una probable analogía, ¡cómo odiaba cuando los actores, en medio de alguna función presencial, invadían la platea para buscar la participación de los espectadores! Muchos nos sentíamos intimidados y además invadidos en nuestro espacio de “seguridad” frente a la ficción. Pues Buzón de voz representa a su manera, exactamente lo mismo: es una intromisión concertada en nuestra nueva intimidad virtual, que viene a ser representada en nuestra lista de contactos en WhatsApp.

Las reglas del juego se aceptan desde el inicio: realizar nuestras acostumbradas acciones y labores durante dos días de encierro y recibir en cualquier momento, mensajes de voz de cuatro personajes ficticios, quienes nos hablan como si nos conocieran, nos solicitan servicios, nos cuentan también parte de sus actividades diarias, nos invitan a pensar como ellos, ¡nos llaman por nuestro nombre! Buzón de voz lleva la ficción a nuestra cotidianidad, pero a un nivel mucho más profundo; es una experiencia curiosa y hasta inquietante, cuando nuestro hogar ya está convertido en aula de clase o centro de labores. Muy bien por EspacioLibre en su constante experimentación con el material de ficción auditiva, que nos regala esta irrepetible vivencia ficticia, invasiva pero segura, muy difícil de olvidar.

Sergio Velarde

6 de abril de 2021

lunes, 5 de abril de 2021

Crítica: SOLO UNA ROSA


Entusiasta proyecto de experimentación

Siempre resulta alentador el ver el trabajo de jóvenes agrupaciones que no se rinden ante la crisis sanitaria y que encuentran diversas maneras de continuar con sus intereses escénicos. En este caso, es de felicitar el encomiable esfuerzo de la novel compañía La Coalición de Trujillo y su puesta virtual Solo una rosa, basada en el texto del siempre vigente Sebastián Salazar Bondy. Más allá de las formalidades estéticas propias de la experimentación de los nuevos medios de comunicación virtual y también, perfectamente superables, el espectáculo se deja ver y le plantea al colectivo nuevos retos en su búsqueda de ofrecer puestas en escena de calidad.

Siendo esta su primera producción virtual, resulta acertada la elección de un texto de Sebastián, quien escribió sus obras con sencillez, precisión y destreza. La trama involucra a una muchacha bailarina, quien se encuentra enamorada de un joven periodista, pero que percibe cierta reticencia en su frustrada madre. El trío de actores, conformado por Devora Castro, Marlena Becarti y Sergio Baltazar (quien además dirige), destaca por su energía y entrega al recitar los parlamentos, siendo el oficio que seguramente irán ganando en próximas puestas, el que les permitirá perfilar y delinear con mayor exactitud a los personajes que les toque interpretar, especialmente cuando no tengan la edad que exige el libreto. El entusiasmo que se evidencia en el elenco resulta muy motivador. ¡Bravo!

La puesta en escena es solvente y funcional, con mínimos elementos, pero para ser transmitida en línea es importante cuidar el audio al máximo. El uso de micrófonos especiales sería una alternativa para espacios que generen mucho eco y que a la vez permitan escuchar al 100% a los actores. En cuanto a la estética, es importante siempre recordar que el público no está viendo un documental, sino una versión estilizada de la realidad. En ese sentido, jugar con los colores en el vestuario, los muebles y de ser posible, con las luces, le otorgaría al grupo la posibilidad de generar distintas atmósferas y además, de delimitar espacios. Solo una rosa demuestra el gran entusiasmo del joven colectivo trujillano de actores, quienes nos comentan sus expectativas al inicio de la transmisión, y que nos hace esperar con ansias su siguiente proyecto, siempre en la senda de la necesaria experimentación.

Sergio Velarde

5 de abril de 2021

domingo, 4 de abril de 2021

Colaboración regional: I FESTIVAL DE TEATRO VIRTUAL DON PEPE


Fiestas, festivales y otras penas

No les voy a mentir, no estoy contento, ¿cómo estarlo?

En un año he podido ver cómo se derretía el esfuerzo de décadas dedicadas al trabajo artístico, he visto casas culturales desaparecer, perdiendo la magia que las alimentaba producto de la ficción regresando a ser simples construcciones frías de ladrillo y fierro. También hemos despedido seres cercanos, hermanos, amigos, padres y maestros, sin poderles decir adiós como se lo merecían. Hemos lidiado con la enfermedad, con la desesperación, con la falta de dinero en los bolsillos y de alegría en los corazones. Hemos comprobado una vez más que nuestro trabajo solo es un nombre grabado en una placa que cuelga en el dintel de un despacho burócrata, solo eso, sin mayor importancia para los que nos dirigen.

Ha sido sin lugar a dudas un año desgarrador, terrible e imprevisible, como un desierto para nuestro arte… y aunque la discusión sobre "el teatro virtual" queda pendiente, sabemos en el fondo de nuestros corazones que extrañamos pisar una tabla, ver un rostro en directo y escuchar un aplauso sin auriculares; pero no me entiendan mal, no es por mezquindad o falta de agradecimiento a los medios digitales que nos han brindado la subsistencia los anteriores 365 días, no. Esta añoranza es el peso que cargamos en nuestro ADN, esa herencia milenaria que llevamos en el cuerpo desde aquella primera historia contada alrededor de una hoguera con una piel de animal recién degollado sobre los hombros como vestuario y algunas flores molidas pintando el rostro; es nuestra humanidad la que extraña la reunión, nuestro ser más profundo sabe que algo anda mal, que no podemos llamar "normalidad" a contener las ganas de fundirnos en un abrazo con el desconocido, porque así ha sido por milenios, y está en nosotros, es nuestro anhelo de infinito que grita por el contacto, por el beso, por el apapacho, por el poder despedir a nuestros muertos como se lo merecen, por el dejar que nuestras lágrimas y de alegría se junten al rozar nuestras mejillas, o al menos poder ver la dentadura reluciente en la sonrisa de un colega, satisfecho, contento por la tarea cumplida.

En medio de tanto dolor, hemos decidido creernos una nueva convención, y hemos convenido que estamos contentos, que vernos reflejados en los píxeles de una pantalla es reunirnos, y que podemos hacer teatro sin hacer teatro.

En estas condiciones tan inhumanas ha brotado lo humano, la necesidad de celebrar, ¡celebrar! Que es tan humano como divino, ya que el primer milagro de un tal Jesucristo fue precisamente darle más trago a la muchachada durante una celebración. Por un par de semanas hemos decidido sacudirnos de lo pesaroso que resulta nuestra nueva cotidianidad y festejar a nuestro amado teatro. Por dos semanas nos hemos juntado los artistas escénicos, cada uno desde sus hogares, a disfrutar de obras, charlas y talleres de nuestros colegas en el marco de un festival sui generis llamado "Primer Festival Virtual don Pepe".

Desde el nombre enarbolamos la dicotomía de esta fecha. Don Pepe, sinónimo de teatro, maestro local que pudo sembrar la semilla teatral en muchos corazones que ahora ya dan frutos; don Pepe partió en pandemia, a quien no pudimos despedir con los honores que le correspondían; don Pepe, a usted este humilde festival, 10 días de labor virtual, hecha con mucho cariño por una de sus instituciones hijas, la Asociación de teatristas de Arequipa, que tuvo a bien fundar hace 20 años junto con otros seres valientes que pusieron, y siguen poniendo el pecho a las balas.

De todo corazón, espero que este primer festival virtual sea tanto el primero como el último celebrado, y que el siguiente siga siendo festivo, pero de cuerpo presente.

Mauricio Rodríguez-Camargo

Arequipa, 4 de abril de 2021

sábado, 3 de abril de 2021

Crítica: VOTA X TI, VOTA X TODAS


La lucha por la memoria

Estrenada de manera acertada a pocos días de las elecciones generales, Vota x ti, vota x todas es la clara muestra de la vital importancia del Teatro como instrumento de comunicación, no solo para mostrar de manera estilizada y entretenida la realidad, sino además como un necesario entrenamiento de la memoria. Especialmente, con ciertos candidatos empecinados en querer mantenernos en el oscurantismo sin evolución, según sus ideologías. La pieza, escrita por Carla Valdivia, Patricia Biffi y Claudia Tangoa, y dirigida por las dos últimas, se presentó en el marco del Festival Redpública, con el propósito de abordar temas relevantes de la actual situación que viven las mujeres, poblaciones indígenas y juventudes, en el año de nuestro Bicentenario.

Como bien se deduce del título, la puesta, transmitida en vivo desde el Teatro La Plaza, realiza un recorrido histórico acerca de los orígenes del sufragio femenino en el Perú; por cierto, el penúltimo país latinoamericano en “concederle” ese derecho a las mujeres, formalmente, recién en 1955. Se trata pues, de una dolorosa historia, que nos llena de rabia y vergüenza, pero que nos permite recodar y apreciar a las valerosas mujeres que le hicieron frente al sistema de entonces por lo que consideraban justo. Se deduce entonces que es inaceptable que el pueblo peruano se decida en las próximas elecciones por alternativas que nos estanquen a todo nivel. La dramaturgia, muy bien articulada, nos brinda este panorama en poco más de treinta minutos, en los que la energía no decae en ningún momento.

Las muy competentes actrices Stephanie Orué y Mayra Nájar interpretan sin tacha los múltiples roles asignados, bien definidos cada uno y no carentes de un corrosivo humor que deja ver lo arbitrario de la situación. Excelente el acompañamiento musical en vivo de Danitse. Las imágenes proyectadas en el fondo de las heroínas del pasado, con las actuales mujeres que se encuentran aún en la lucha, refuerzan el mensaje que Valdivia, Biffi y Tangoa quieren transmitir. Vota x ti, vota x todas es un valioso testimonio acerca de una de las tantas luchas que enfrentamos como sociedad, para convertirla en una equitativa y justa. Y demuestra que el Teatro debe servir para sensibilizarnos y devolvernos la tan necesaria memoria, una que muchos peruanos parecieran haber perdido.

Sergio Velarde

3 de abril de 2021

viernes, 2 de abril de 2021

Crítica: HISTERIAS DE AMOR


Un nuevo microteatro

La virtualidad ha permitido que conozcamos nuevos dramaturgos. Histerias de amor se inspiró en Cuadros de humor y amor al fresco de José Luis Alonso de Santos. Revisando la edición de la editorial Cátedra, me percaté que esta última es una larga serie de microobras y que la productora escogió tres para esta oportunidad. El montaje inició con un jingle musical muy pegajoso y divertido, lo cual dejaba entrever que se trataría de una comedia. La canción me llevaba a imaginar la película clásica Tiempos modernos (1936) de Charles Chaplin.

La primera escena aborda los problemas de la convivencia. Edith Rodríguez y Thalía Castillón interpretan a dos roomates, es decir, que conviven en un mismo departamento y tienen que lidiar con una serie de conflictos sobre el espacio, los horarios y sus personalidades tan diferentes. Me gustó mucho el cuestionamiento a los valores hacia el final de la breve escena. La escenografía fue muy convencional, así como la luz.

La segunda fue la más divertida, en donde destacó Iván Avilés, interpretando a un paciente hipocondriaco y enamoradizo. En esta oportunidad, el formato de Zoom ayudó mucho, pues se podía uno percatar de las reacciones ante las emociones. Por otro lado, la interpretación de Rodríguez, como la doctora, fue interesante desde un punto de vista escénico, debido a que su personaje tenía una personalidad tan diferente a la de la primera escena. Cuando un actor llega a lograr eso, así esté en proceso de formación, es único. Me sorprendió mucho que mencionaran al cine Tacna en el Centro de Lima, pues ya no existe formalmente, mucho antes de la cuarentena.

Finalmente, el último cuadro fue algo estrambótico, en el sentido en que era más hilarante que coherente. Un sacerdote (Avilés) es confesado por su superior en su congregación (Joan Segura). Me desagradó mucho el acento madrileño de uno de los personajes, pues era muy forzado y más parecía las terribles traducciones andaluzas que se ven en las películas de Hollywood. Por otro lado, me gustó el doble sentido de los diálogos De tanto en tanto, parecía que estuviésemos apreciando una adaptación teatral de una escena con Woody Allen.

En suma, felicito el esfuerzo de la productora La Posta. El trabajo del director Santiago Giraldo ya lo había visto antes en Entrevista para ser un fantasma, un montaje muy conmovedor. Los actores tienen mucho potencial dentro del género de la comedia y el microteatro.

Enrique Pacheco

2 de abril de 2021

Crítica: LORCA EN PANDEMIA


No, sí hacen teatro

Lorca en pandemia es, definitivamente, un montaje atípico en tiempos atípicos. Sin embargo, eso no quiere decir que no hicieron teatro, como desde un inicio en la presentación advertían. “Lo que viene no es teatro, pero sí está hecho por gente que lo practicaba”, mencionan antes de la tercera llamada. Luego de ver el montaje no puedo estar más en desacuerdo con esa afirmación. Cesar Marticorena, Hádaly Ramirez, Marleny Rojas y Yonatan Munguia presentan un montaje colaborativo difícil de descifrar, pues se trata de una serie de escenas en donde se mezclan sus vivencias, justo antes de la cuarentena, con un poco de imaginación y hechos coyunturales, como la crisis política de noviembre del año pasado. La narración es rápida, con muchas escenas sobre otras, pero al mismo tiempo, muy atractiva.

Esta crítica es diferente, pues el montaje no tuvo pretensiones de impresionar y más parecía un trabajo audiovisual-personal-escénico muy emotivo y por momentos, entretenido. Fue como ver un montaje de un montaje, lo cual era al mismo tiempo extraño e interesante. Todo empieza con una frustrada puesta en escena de Bodas de sangre, el clásico de García Lorca. Entonces, el elenco decide ensayar virtualmente y esto sirvió de excusa para que se desencadenara una serie de anécdotas. Rojas destacó cuando narra sus frustraciones en el ensayo y Munguia resaltó mostrando sus bailes frente a la cámara. Marticorena, como la voz de autoridad dentro de ese grupo, funcionó bastante bien en varios momentos. Por último, Ramirez sobresalió por su energía, aunque mucho más por el conmovedor relato personal en los últimos diez minutos.

Lorca en pandemia es inclasificable, pero al mismo tiempo, la consideraría como una experiencia teatral en donde la principal herramienta fue lo audiovisual. En ese sentido, hace reflexionar mucho, pues hacer teatro en estos tiempos tan difíciles debe ser algo más que un simple Zoom. La puesta hace reflexionar sobre esas otras herramientas como lo visual o edición de videos que son importantes en estos momentos. Estoy seguro de que la edición de este montaje habrá demorado no menos que un par de horas, por los efectos de sonido y animaciones. De esa manera, parecía estar viendo una historieta, pero con contenido teatral. Finalmente, es de felicitar que la compañía haya abordado a Lorca de esta forma tan experimental pero clara. Muchas gracias, chicos, por la presentación. 

Enrique Pacheco

2 de abril de 2021

Entrevista: JOSE MIGUEL ARGÜELLES


“Un buen actor de teatro nunca debe sentirse realizado.”

La saga de Afrodita llega a su fin. Jorge Pecho es el encargado de escribir y dirigir el final de la trilogía virtual de este personaje mitológico. Los hijos de Afrodita es un proyecto virtual de próximo estreno en el que participará el joven actor Jose Miguel Argüelles, estudiante en la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático, con varias participaciones en cortometrajes, un largometraje y series de televisión. Esta será su primera obra virtual.

Los hijos de Afrodita es un espectáculo teatral dirigido a un público mayor de dieciséis años, que cuenta una historia impactante, triste, y a la vez, reflexiva. En ella se abordan temas como la responsabilidad emocional, el abandono de los hijos, el dolor entre padres e hijos, el perdón y la importancia de conocer y respetar los sentimientos de cualquier persona. Con la dirección y dramaturgia de Jorge Pecho y las actuaciones de Liz Roggero, Stephany Moreno y Jose Miguel Argüelles.

Las funciones se llevarán a cabo el 3 y 10 de abril, a las 9 p. m., por la plataforma Zoom. La entradas se pueden adquirir por YAPE al 934830963 o en las redes de Mitos Estudio.

Sergio Velarde

2 de abril de 2021


Entrevista: JOSEMA RUIZ VÍA


“Una ventaja de la virtualidad es el hecho de romper fronteras.”

Uno de los espectáculos virtuales más sólidos del año pasado fue Encerrados, escrito y dirigido por Josema Ruiz Vía, y que consiguió el premio del público como el mejor proyecto Drama en el evento de Oficio Crítico 2020. Josema se prepara para estrenar una nueva obra en línea llamada En sus ojos, con la actuación de Andrea Alvarado y Jose Miguel Ríos.

Manuel y Diana han logrado superar juntos la etapa más difícil de su relación y por fin podrán volver a verse. ¿Pero en verdad todo ésta bien? ¿Dónde está la verdad? En los ojos de quien la ve. La verdad será descubierta este viernes 2, sábado 3 y domingo 4 de abril a las 8:00 p. m. (en los ojos de ÉL) y 9:30 p. m. (en los ojos de ELLA), a través de la plataforma será Facebook Live. 

El precio individual es de 15 soles y por ambas funciones, 20 soles, teniendo como medios de pago Yape, Plin, BCP, BBVA, Interbank y PayPal. Mayores informes: 952393664

encerrados.team@gmail.com 

www.instagram.com/encerrados.teatro/ 

https://m.facebook.com/Encerrados.Peru

Sergio Velarde

2 de abril de 2021


jueves, 1 de abril de 2021

Reseña: ¡YA BASTA! DOCUMENTAL


En carne propia

Como parte del cierre del Festival de Directoras en Escena 2021 FEDA, la sección NUEVAS APUESTAS, presentará el documental ¡YA BASTA!, este 02 y 03 de abril a través de la plataforma Joinnus Live. Una creación de Dalina Dulanto, quien también dirigió el proyecto, el cual visibiliza los testimonios de distintas mujeres, que comparten a corazón abierto, las duras experiencias de violencia que atravesaron en algún momento de su vida.

Mujeres valientes, de edades y ocupaciones diversas, en su mayoría ligadas al arte, salen al frente para encarar un problema social latente: el maltrato contra la mujer,  el mismo que no encuentra una solución real y eficaz por parte de las autoridades y la propia sociedad. El camino aún es largo; no obstante, el coraje de este grupo de mujeres, significa un paso más en esta incansable lucha. ¿Cómo no identificarnos con sus historias? ¿Qué se debe hacer para erradicar este tipo de conductas?  

Por otro lado, la parte audiovisual del documental, se complementa con la participación de la actriz Rosa Chauca, quien encarna con destreza y sensibilidad cada testimonio, desde el cuerpo hasta las palabras, su intervención desvela el dolor, la impotencia y frustración; emociones inevitables por las que transita quien ha vivido en carne propia el abuso.     

¡YA BASTA! es un trabajo hecho en gran parte por un equipo femenino, que nos revela con cifras actuales y crudas, la situación alarmante de mujeres, violentadas y desaparecidas en nuestro país, sin duda, este valioso material testimonial, es una muestra más de lo mucho que falta en materia de violencia contra la mujer, pero también, es un grito de hartazgo y valor por parte de sus protagonistas.

Maria Cristina Mory Cárdenas

1º de abril de 2021

Entrevista: GRECIA ISABELLE


“Los artistas debemos ser más sensibles”

Oficio Crítico conversó con la artista escénica interdisciplinaria Grecia Isabelle, actual productora de la obra Fenómenos, drama psicológico escrito y dirigido por Rodrigo Delgado, a cargo de KATARTIKA, una compañía escénica profesional, creada por jóvenes para jóvenes. Grecia nos comenta de su formación, trayectoria y este último proyecto que viene presentándose actualmente.

Fenómenos de Rodrigo Delgado se presentará los sábados 3, 10 y 17 de abril, a través de la plataforma virtual Zoom. Para adquirir entradas, solicitarlas en redes sociales de Instagram: @katartika_ce y en Facebook, como Katartika. También por el WhatsApp 902035600 o por medio de Yape, Plin o trasferencia bancaria.

Sergio Velarde

1º de abril de 2021