lunes, 27 de febrero de 2017

Crítica: LIMA, DÉJAME QUE TE CUENTE

 Todo tiempo pasado es mejor

“No dejemos que la tradición muera, déjame contarte un poco de tradición limeña."

“Lima, déjame que te cuente” es una puesta en escena que combina la narración oral, teatro y  música en vivo, que está ambientada en la Lima de 1850. El montaje tuvo su primera temporada en abril del 2016 en el Centro Cultural CAFAE y actualmente, vuelve con su reestreno en el Teatro de la Asociación de Artistas Aficionados (AAA). La obra es una adaptación de Yennifer Díaz, una narradora de cuentos que ha tomado como referente al escritor y poeta peruano Luis Benjamín Cisneros. Además, cuenta con la dirección musical de Miguel Fonseca. “Lima, déjame que te cuente” busca revalorizar nuestras tradiciones y costumbres, que se han ido perdiendo como los personajes de la antigua Lima, como los pregoneros o las típicas mujeres tapadas. Lo que le da vida a esta historia de amor son los  cantos de los pregoneros, que con su melodiosa voz y su picardía llegarán a conquistar más de un corazón.

Entra en escena la narradora (Yeniffer Díaz), dando inicio al contexto histórico de nuestra antigua Lima, en donde aparecen los personajes principales. Julia es una joven encantadora y humilde, que solo se preocupa por jugar e imitar a las mujeres tapadas de esa época. Ve por primera vez a José Antonio (Juan de los Santos), un joven galante y buen mozo de clase media y sin decir ninguna palabra, ambos quedan totalmente flechados. Es así que Julia deja caer su pañuelo, que es recogido por José Antonio. El resultado: amor a primera vista. Ellos nos contaran su historia, en medio de una Lima caótica, llena de prejuicios, comidillas. Y nos mostrarán el amor que se profesaban el uno al otro y cómo, por cosas del destino, nuestra joven enamorada se dejará influenciar por una dama de sociedad, olvidando así su promesa de amor por nuestro joven galán. Lo rico de la historia de “Lima déjame que te cuente” recae en los cantos de los pregoneros y en el acompañamiento de guitarra, ejecutado por Loko Pérez.

Algunas sugerencias: tratar de no trabarse en el dialogo y tener cuidado con la proyección de luz; sobre el vestuario, quedé fascinada con las máscaras de los pregoneros. A mi parecer, el vestuario de esta temporada es más sobresaliente; y sobre la escenografía, sencilla pero linda. En el apartado de los actores, me encantó la conexión y el carisma que tienen. Solo me queda decir buen trabajo y gracias por la invitación, me encantó la obra.

La puesta en escena cuenta con la participación de Yeniffer Díaz, Beatriz Quintana, Miguel Fonseca, Juan De Los Santos, Loko Pérez y la producción de Tiempo de Cuentos y La Tinta de Sancho. Las funciones son los días viernes y sábados a las 8:00pm y domingos a las 7:00pm, en la  Asociación de Artistas Aficionados (Jr. Ica 323, costado del Teatro Municipal – Lima). Entrada general: s/. 25 y para estudiantes y jubilados: s/. 15, hasta el 05 de marzo.

María Victoria Pilares
27 de febrero de 2017 

Muestra: DEL ARTE Y OTRAS MÁSCARAS

“Entre Máscaras” presenta su muestra de verano 2017

Este sábado 4 de marzo los Talleres de Arte “Entre Máscaras” presentarán su muestra de verano, la cual se llevará a cabo en el Teatro Mocha Graña, ubicado en la Av. Saenz Peña 107, Barranco.

Esta actividad se realiza con la finalidad de mostrar el avance adquirido de los alumnos en los distintos talleres, así como también exhibir las diferentes actividades que “Entre Máscaras” ofrecerá durante la temporada de invierno.

Para esta ocasión las actividades artísticas serán las siguientes:

2:00 pm:              Taller de Entrenamiento Actoral a cargo de Ivo Macha
                “Un Idilio Ejemplar” de Ferenc Molnar, “Adicta Yo” de Tania Ruiz y “La Farsa del Hombre y el Queso” (Bonomé).
                Alumnos: Camilla García, Fiorella Gomez, Mirella Gomez, Gonzalo Yrribarren, José Miguel Herrera y Ana Lucia Díaz

2:50 pm:              Taller de Canto a cargo de Romina Moya
                Miscelánea musical.
                Alumnos: Julio Alarcón, Gonzalo Yrribarren, Camila Santos, Valeria Aranda y  Daphne Bautista.

3:40 pm: Taller de Teatro del Adulto Mayor a cargo de Ivo Macha
                “Wannabe Script” de Luz Patricia Cachay Torres.
                Alumnos: Lorena Mifflin, Maritza Valle Tejeda, Cesar Aquije, Eliana Argote, Maria Esther Castillo.

4:20 pm:              Taller de Teatro para Adolescentes a cargo de Ivo Macha
                “Como en el Cine” adaptación de Ivo Macha.
                Alumnos: Jairo Benavente, Daniel Salvatierra, Adrián Gonzales, Adrían Ávila, Sebastián Salvatierra, Nicolás Jara, Alfonso Siguas, Camila Rosell, Gabriela Vidalón, Valeria Aranda, Francesca Nieto, Julio Alarcón, André Lavi, Enrique Valdivia, Kamila Elcorobarrutia.

5:00 pm:              Número Sorpresa a Cargo de la Compañía de Teatro “Entre Máscaras”
                Participan: Ivo Macha y Braulio Rossel.

El ingreso a este evento es totalmente libre y la salida será con sombrero. El horario será desde las 2:00 p.m. hasta las 6:00 p.m. Para mayor información comunicarse al 9974552247 o al 997020895, o escribir al correo electrónico info.entremascaras@gmail.com, también puede visitar la fanpage: www.facebook.com/EntreMascaras

Entrevista: EDUARDO CAMINO

“No olvidemos que existe un público al que debemos llegar”

Clausura del amor (2016), escrita por Pascal Rambert y dirigida por Darío Facal, fue un montaje que nos entregó dos de las actuaciones más sentidas y desgarradoras de la temporada. Tanto Lucía Caravedo como Eduardo Camino se lucieron en sus respectivos papeles, Audrey y Stan, dos actores que deciden terminar definitivamente su relación en una sala de ensayos. Ambos recibieron los premios del jurado del Oficio Crítico 2016 para los mejores intérpretes en la categoría Drama. “No tengo familiares relacionados específicamente con las artes escénicas”, refiere Eduardo, quien también se dedica a la dirección de arte cinematográfica. “Pero por ejemplo, mi abuelo fue marino, ingeniero naval, un hombre de guerra que, sin embargo, dibujaba sus propios buques en acuarelas. Y mi madre, que es ama de casa, ha desarrollado por cuenta propia una apreciación por el arte decorativo. Sospecho que he debido heredar algo de eso”.

Eduardo se involucró en el teatro desde muy joven, de la mano de su profesor de teatro en el colegio de La Inmaculada, Paco Solís Fuster. “Fue un profesor muy especial, él era miembro del Teatro del Sol, que dirigió Pipo Ormeño, así que su influencia era la de un teatro expresivo y corporal, con un sentido ritual. Fue un taller poco convencional para ser teatro escolar; fue electivo, pero al alumno se le exigía entrega, concentración y convicción en lo que se hacía. Todos los que estuvimos ahí quedamos marcados por ese proceso”. Posteriormente, Eduardo estudió Comunicaciones e inició su labor como realizador cinematográfico y televisivo. “Luego entré al Taller de Formación Actoral de Roberto Ángeles. Era lo que me debía después de haber conocido al teatro en el colegio, además no estaba muy lejos de lo que había estudiado”. El actor es finalmente un comunicador, así que Eduardo pasó todos los niveles del mencionado taller, combinando su trabajo en la direccion artística con la actuación.

Primeras experiencias interpretativas

“Mi primera obra profesional, fuera del taller de Roberto Ángeles, fue Ya hemos empezado (2003), obra infantil musical escrita por Celeste Viale”, recuerda Eduardo. “La dirigió Vanessa Vizcarra y la presentamos en la Casa Amarilla de Barranco, ahora convertida en una tienda de muebles. En aquella época la administraba DeAbril Teatro y se estrenaron muchas obras”. Pero, sin duda, fue La importancia de llamarse Ernesto (2004), estrenada en el Teatro La Plaza y dirigida por Ángeles, el primer estreno resaltante en la carrera actoral de Eduardo, al lado de experimentados actores como Carlos Carlín, Vanessa Saba, Alfonso Santistevan y Mario Velásquez. “Ese montaje fue mi cuarto nivel del taller con Roberto. Lo principal era la interpretación; tuve un papel protagónico, y además tuve algunas otras tareas que hacer en producción y traducción”. La experiencia fue muy enriquecedora para Eduardo, que pasaba por primera vez por un proceso de ese tipo. “Desde los ensayos, el análisis de la obra, la construcción del personaje, el enfrentamiento con el público. Fue un espectáculo de cierta factura, con uno de los procesos en los que más asustado he estado, pero del cual salí muy satisfecho”. Esta extensa temporada le permitió a Eduardo sentir esa “libertad” que tiene el actor y que para él fue la parte más gratificante de la experiencia.

Para Eduardo, un buen actor de teatro debe “tener entrega, que implica también coraje, valentía, ese desprendimiento que significa dejar salir del cuerpo y mente lo que hay dentro de uno, sin saber si va a ser celebrado o no”. Eduardo considera un verdadero acto de fe el alcanzar cierto desequilibrio emocional accionado por la propia voluntad. “En algún momento hay que desbalancear las cosas para dejar salir cosas que sorprendan”, afirma. También valora mucho la disciplina y la responsabilidad, que son fundamentales para que exista armonía en el grupo, es decir, consideración al compañero en escena, al director, a la empresa que contrata, o al espacio que alberga. “Es importante además, el espíritu de trabajo, sé de montajes que han colapsado por falta de eso; debemos tener ese rigor que tiene cualquier otro profesional, ya sea cirujano, abogado o lo que sea. Tenemos que tener responsabilidad y autocrítica”. En última instancia, Eduardo considera al talento del actor, que nace o se crea en el camino. “Algunas personas quizás no tengan la disciplina o la dedicación, pero hacen maravillas: eso también es talento. Pero hay quienes saben que tienen cierta aptitud y con fe y disciplina consiguen resultados igualmente interesantes. Somos como una materia y nosotros mismos nos esculpimos. El que siente esa seguridad, esa confianza en algo que lo mueve a expresarse, ya tiene suficiente motor para desarrollar un talento”.

Por otro lado, Eduardo asegura que un buen director de teatro debe saber que con la libertad de los actores puede descubrir y obtener lo que quiere. “Cuando es muy honesto y franco, él está ahí para conducir nuestras ideas, más que para decir hagan esto o lo otro. Esa característica puede llamarse generosidad, desprendimiento, dejar hacer y observar”. Asimismo, un director debe tener una visión, observar mucho lo que ocurre en la vida real o en otras puestas en escena, ya que esa visión lo coloca en una dirección. “Debe también tener una técnica para saber contar historias, no solo hay que entretener, sino plantear el conflicto, ofrecer un tema y desarrollarlo a través de personajes que nos hagan reflexionar”. Toda esta dinámica requiere entonces, de conocimientos y técnica. Finalmente, Eduardo rescata la parte humana, en otras palabras, el trato entre director y actor. “Creo que debe ser tu aliado, tu cómplice, hasta tu amigo, si quieres desequilibrarte tienes que confiar. Solo así vamos a tener un teatro muy vivo, para que no nos estemos cuidando las espaldas por detalles superficiales y así el espectador salga de ver una obra tocado o tal vez incomodado”.

El amor se clausura

“Nunca había hecho una obra como Clausura del amor, menciona Eduardo. “Sí había leído textos parecidos, como La noche justo antes de los bosques de Bernard Marie Koltés, que me había provocado hacerlos”. La pieza de Pascal Rambert tiene algunos detalles particulares, como el hecho que los personajes sean actores que se encuentran en una sala de ensayos. “No es gratuito, por ejemplo, el hecho que hable primero uno y luego el otro, hay algo que está manipulado. ¿Esto está pasando realmente? Hay una decisión evidente por parte del dramaturgo sobre su montaje, para hacerlo de esta manera y no como un diálogo”. Para Eduardo, la división en la obra parte de una teatralidad esencial hecha con brocha gorda, para dar a entender esa imposibilidad de comunicación y de tender puentes para conciliar, responder inmediatamente, perdonarse o extender algo de cariño. “Apenas leí el texto, me pareció un reto hacerlo, poder explorar en ese tema. Son varias cosas: la posibilidad de enfrentarse a un monólogo de 55 minutos de duración y que se pueda explorar actoralmente el tema a la altura que exige la dramaturgia”.

Definitivamente, una obra del calibre de Clausura del amor, necesitaba intérpretes que puedan entender su alcance poético. “La valla estaba muy alta”, reflexiona Eduardo. “Para hacer llegar esas imágenes al público y se las dibuje en la cabeza, hay que creérsela muy bien. No es algo que Lucía y yo hayamos capturado desde el inicio, se ha ido dando hasta la última función, abrazar todo ese contenido, esa humanidad, esa universalidad que nos toca a cualquiera”. Eduardo asegura que le gustó que el texto no ahonde en detalles mundanos o cotidianos de pareja, como dejar la tapa del inodoro abierta o una infidelidad. “El texto sugiere una relación, una tensión entre estos dos personajes, con palabras cargadas de violencia que nos hacen ver las heridas. Más allá de las razones cotidianas que se han acumulando, la historia nos muestra a un ser humano abriendo su corazón y cabeza, vomitando a otro ser humano su amor y odio, y al otro respondiendo con el mismo vigor y fuerza”.

Pormenores y proyectos

Eduardo afirma no tener la fórmula para que una puesta en escena sea exitosa, pero sí reconoce que la mirada como teatrista tiene que ser muy sensible a nuestro tiempo y a las expectativas que tiene el espectador. “No necesariamente darle al espectador lo que espera ver, sino presentar obras que se diferencien unas de otras y que esa diferencia sea una virtud”. Una virtud traducida en la certeza de que el espectador tenga la seguridad que cualquier obra que elija ver, le reportará una buena experiencia. “Siento que muchas veces el teatro independiente, en menor escala y según su capacidad, hace eco de lo que se aprecia en las salas mayores o de modelos constituidos en nuestra cultura teatral. Es natural pero hay otros caminos y de esto hay muchos ejemplos. Para nosotros, debe ser una lucha constante por renovarse”. Eduardo afirma que si no viene mucha gente a ver un montaje, pues es porque algo no está funcionando correctamente, a pesar de considerar que todas las obras actuales son apreciables en muchos aspectos. “Creo no se trata solamente de satisfacernos a nosotros mismos por el placer de hacer teatro, de pronto ahí hay un regocijo muy personal y nos funciona para sentirnos bien con nosotros mismos. Pero nos olvidamos que hay un público con el que tenemos que conectar, ya sea en el teatro o el cine comercial. No significa ofrecer cualquier cosa, pero que sí tenga un tema por explorar con que el que el público se identifique y una propuesta escénica que genere impacto e interés".

Este 2017 podremos ver a Eduardo, hasta el momento, en dos importantes montajes en el Teatro Británico: Luz de gas de Patrick Hamilton, nuevamente al lado de Lucía Caravedo en el escenario y Darío Facal en la silla de director; y La tempestad, un clásico de Shakespeare, nuevamente con la dirección de su profesor Roberto Ángeles. También lo veremos en Infortunio en el Teatro de Lucía, escrita por Gino Luque bajo la dirección de Mikhail Page. “Tenemos una responsabilidad con el púbico, contarles historias que se entiendan, que entretengan, que emocionen, ofrecerles un viaje emocional y sensorial que les abra los ojos y estimule su mente. Que valga la pena este encuentro en una sala de teatro o espacio alternativo. No es fácil, es una constante exigencia que nos tenemos que hacer para no bajar la guardia, y pasarla bien, por supuesto", concluye.

Sergio Velarde
19 de febrero de 2017

Crítica: PARIENTES LEJANOS

Cuando la familia se reencuentra

Al hablar de la obra “Parientes Lejanos” de la dramaturga peruana Johuseline Porcel, creo que es necesario mencionar que su más reciente temporada, realizada en enero de este año, tuvo cinco funciones a sala llena, incluso, dándose el “lujo” de tener que dejar fuera a más de cincuenta personas en una de las fechas. ¿Es esto común en las salas de teatro limeñas? Claro que no. Entonces, ¿qué ocurrió con esta obra que todos querían verla?... A propósito, ¿mencioné que estamos hablando de la obra que ganó el primer lugar del Concurso Nacional “Nueva Dramaturgia Peruana” edición 2015 en la categoría Teatro para Adultos? ¿No lo hice? Entonces, empecemos de nuevo:

“Parientes Lejanos” de Johuseline Porcel, es una obra ganadora que nos cuenta una historia que conecta con el público desde el primer momento y que tiene un montaje, dirigido por Vanessa Vizcarra, que le hace justicia. ¿Estamos claros ahora?

Pues bien, esta obra nos cuenta la historia de tres hermanos mayores que, al morir su madre, tienen que reencontrarse en la casa familiar, y no solamente para cumplir con los rituales culturales que le siguen a la muerte de un familiar sino también para ver qué pasará con ellos y con la repartición de los bienes dejados por la difunta. Sin embargo, lo que nos viene a la mente mientras entendemos la relación de estos hermanos son varias preguntas: ¿Quiénes somos realmente?, ¿a dónde pertenecemos?, ¿nos pueden cambiar tanto los años y la distancia que vemos a nuestros propios hermanos como desconocidos?

Vanessa Vizcarra, encontró en la comedia la forma más adecuada de presentarnos un momento tan duro, como la muerte y sus consecuencias, haciendo que estemos en contradicción entre lo que sentimos ante lo que vemos en escena y lo que, lógicamente, deberíamos sentir, haciendo de éste un montaje ágil y muy disfrutable.

Creo que un gran acierto de la puesta en escena ha sido el casting pues se muestra bastante solvente, pero es la capacidad de compenetrarse entre ellos la que me parece la más valiosa. Creo que es indiscutible la calidad de los actores más experimentados del elenco (Carlos Victoria, Sylvia Majo y Mario Velásquez), y es por eso que me parece muy importante el trabajo de la parte joven (Yolanda Rojas, Juanjo Espinoza y Verony Centeno) pues nos ofrecen actuaciones tan sólidas como frescas que mantienen el alto nivel de sus colegas mayores.

Ojalá que el Ministerio de Cultura brinde cada vez más apoyo a su concurso de dramaturgia pues es muy importante que desde el estado se gesten proyectos escénicos de calidad y que sean mostrados al público masivamente y con el orgullo que te da la convicción de tener entre manos algo realmente bueno. Esta obra, como el mismo concurso, no ha tenido la difusión que cualquier otro proyecto privado hubiera tenido, y aun así ha sido un éxito. ¿Se imaginan su verdadero potencial si el Estado diera los recursos adecuados?

Daniel Fernández
27 de febrero de 2017

Estreno: ANTÍGONA RECORTADA

“Cuentos que cantan sobre aterrizajes de pájaros”

Presenta el FAE Lima – Festival de Artes  Escénicas 2017 
2, 3 y 4 de marzo; 8:00 p.m.
Auditorio ICPNA Lima Centro (Jr. Cuzco 446)
Entradas en Teleticket  y en los locales del ICPNA
Mira aquí el trailer de la obra: https://www.youtube.com/watch?v=sGwMNIaE85c

El Núcleo Bartolomeu de Depoimentos de São Paulo (Brasil), caracterizado por su propuesta de «teatro hip hop», en el marco del Festival de Artes Escénicas de Lima (FAE Lima), presenta una versión urbana de la tragedia griega Antígona. Esta versión titulada “ANTÍGONA RECORTADA: cuentos que cantan sobre aterrizajes de pájaros” es escrita y dirigida por Claudia Schapira (Brasil). Serás tres únicas presentaciones, los días 2, 3 y 4 de marzo a las 8:00 p.m. en el Auditorio ICPNA Lima Centro (Jr. Cuzco 446). Las entradas están a la venta en Teleticket y en los locales del ICPNA (una hora antes del evento).

Una Antígona (metafóricamente) urbana y contemporánea, narra la trayectoria de mujeres jóvenes en zonas periféricas del mundo que, ante el exterminio constante de sus “hermanos implicados en el tráfico de drogas”, realizan una acción de desobediencia civil: mirar en todas las zanjas y agujeros, buscar cuerpos sin enterrar para darles sepultura; crear un nuevo imaginario, un día especial donde prevalezca la niñez.

El espectáculo se estrenó en 2013 en São Paulo, y su producción ha sido posible gracias al apoyo financiero de la Ley de Desarrollo Municipal al teatro para la ciudad de Sao Paulo y al fondo estadual PROAC. Además de tres exitosas temporadas en São Paulo, el espectáculo circuló por 15 ciudades diferentes. La obra ganó el premio gobernador de estado de "Mejor Espectáculo de Teatro del Estado de São Paulo 2013" y también recibió nominaciones para el Premio Shell; también nominados para "Mejor Diseño de sonido", por el Premio Cooperativa Paulista de Teatro.

Ficha técnica

Concepción General: Núcleo Bartolomeu de Depoimentos
Dramaturgia y Dirección: Claudia Schapira
Actrices - MC’s: Luaa Gabanini e Roberta Estrela D’Alva
Dirección Musical y DJ: Eugênio Lima
Dirección de movimiento: Luaa Gabanini
Entrenamiento de voz y spoken word: Roberta Estrela D’Alva
Dirección de arte: Claudia Schapira e Bianca Turner
Vestuarios: Claudia Schapira
Diseño de Luz: Carolina Autran
Adaptación y operación de Luz: Vânia Jaconis
Operación de sonido: Dr. Aeilton
Dirección de Producción Internacional: Carla Estefan- Metropolitana Gestão Cultural
Co - producción internacional: Marcelo Zamora

Duración - 70 minutos / recomendación de edad - 14 años / género – Teatro Hip-Hop
São Paulo- Brasil

Augusto Carhuayo
ENCARGADO DE PRENSA
GERENCIA CULTURAL
Av. Angamos Oeste 120, Lima 18, Perú
Tel.: (511) 706-7000 anexo 99111

jueves, 23 de febrero de 2017

Estreno: SÍRVASE UN PAYASO 2

Creación colectiva

Jueves 2 de marzo en el CC. Ricardo Palma a las 8:00 pm
PREVENTA HASTA EL 25 DE FEBRERO A 20 SOLES

Luego de un exitoso recorrido por diversos Festivales en Latinoamérica y Europa y decididos a recuperar sus seguidores, La Nave producciones presentará la temporada de SÍRVASE UN PAYASO 2. El estreno del espectáculo clown se realizará en el Centro Cultural Ricardo Palma el día jueves 2 de marzo a las 8:00 pm. La preventa de entradas a 20 soles ya se encuentra en Teleticket.

Acompañados del actor Renato Pantigoso y el gran músico Armando Abanto, en esta segunda entrega de SÍRVASE UN PAYASO 2 tiene una nueva premisa: nos traslada a un teatro, donde Miki y Manchi llegan de casualidad en el peor momento.El señor Patín, un empresario inescrupuloso, está subastando una sala de teatro debido a las deudas que ésta tiene. A Manchi se le ocurre, junto a su fiel escudero Miki, tomar las riendas del teatro y salvarlo llegando a un acuerdo con el señor Patín, pero solo tienen 24 horas para conseguir el dinero y salvar el teatro.

Es así que veremos a Manchi y Miki inventando una y mil maneras de poder conseguir el dinero, pero siempre estará el sr. Patín boicoteando cualquier posibilidad. Con trabajos sin sentido, intento de robo, espectáculos, préstamos a peculiares personajes y muchas canciones, estos payasos mantendrán el humor durante los 60 minutos de espectáculo. Esta obra es una secuencia de sketches cómicos de payasos que cuentan esta disparatada historia que retoma la historia de Sírvase un payaso.

Desde su creación, La Nave Producciones está interesada en producir, realizar y gestionar proyectos culturales y artísticos en espacios públicos como espacios cerrados queriendo comunicar mediante las artes escénicas su forma de mirar el mundo y lo que los moviliza para crear nuevos públicos con sensibilidad y que disfruten de espectáculos en vivo y puedan compartir experiencias de vida con su comunidad. Tienen en su haber diez proyectos desarrollados en 3 años y esperan seguir creando y produciendo cada vez más. Con mucha risa e interacción con el público, siendo los ejes de Sírvase un Payaso 2, los invitamos a disfrutar de este nuevo espectáculo de clown.

SÍRVASE UN PAYASO 2
TEMPORADA: del 2 al 26 de marzo
DÍAS: de jueves a domingo a las 8:00 p.m.
LUGAR: Auditorio del Centro Cultural Ricardo Palma
DIRECCIÓN: Av. Larco 770, Miraflores

Entrada General: S/.35.00 nuevos soles
Estudiantes: S/.25.00 nuevos soles
Entradas a la venta en Teleticket y en la boletería del teatro una hora antes de la función. PREVENTA A 20 SOLES HASTA EL 25 DE FEBRERO

Para mayor información comunicarse con
PRENSA | Kitty Bejarano| 951710071(rpc)/ (#) 998934590 (RPM)

Estreno: UNA RELACIÓN PORNOGRÁFICA

Escrita por Philippe Blasband y dirigida por Pancho Tuesta

Estreno: jueves 2 de marzo en el Teatro de Cámara del CC. El Olivar
PREVENTA A 20 SOLES HASTA EL 1 DE MARZO

Para comenzar el año teatral 2017 Break Producciones presentará, por una corta temporada, la obra teatral UNA RELACIÓN PORNOGRÁFICA del dramaturgo Philippe Blasband bajo la dirección de Pancho Tuesta. La puesta en escena se estrenará el jueves 2 de marzo a las 8:00 p.m en el Teatro de Cámara del Centro Cultural El Olivar.

UNA RELACIÓN PORNOGRÁFICA nos presenta la historia de un hombre y una mujer que recuerdan cómo se conocieron a partir de un anuncio en el que ella propone cumplir una fantasía sexual. Lo que empieza como una relación ocasional -en donde sus nombres, familias, trabajos deben quedar afuera- se transforma en algo que va más allá de lo puramente sexual. Una Relación Pornográfica invita a reflexionar sobre el amor y los dilemas de la libertad individual en una relación.

Sobre la obra, el director Pancho Tuesta nos dice: “cuando pienso en lo pornográfico tengo en la mente dos imágenes opuestas: una manifestación sexual explícita, sin tapujos, para el goce y placer del voyeurista de turno; y, por otro lado, su carácter clandestino, eso que haces sin que nadie se entere, en privado, que carga a menudo el peso equivocado de la vergüenza social. En esa contradicción se dibuja el punto de partida de esta historia: un hombre y una mujer que recuerdan con dificultad cómo se conocieron, al querer realizar juntos una fantasía sexual. Pero preguntarse en estos tiempos si puede nacer el amor entre dos extraños a partir de una relación puramente sexual, específicamente pornográfica, donde hay una decisión -consciente o no- de mantenerse en el anonimato, no es lo sustancial. Hoy en día -donde nos creemos más conectados que nunca porque hacemos un videochat online con alguien al otro lado del mundo o tenemos sexo con una persona que creemos conocer sólo con mirar su perfil y fotos en una red social- veo más significativo reflexionar sobre los temores a perder la libertad individual, sobre el miedo a la dependencia emocional. Ahondar sobre el por qué nos cuesta tanto apostar por alguien y lanzarnos al vacío, el por qué preferimos quedarnos con un recuerdo efímero pero inmaculado. ¿Por qué dudamos ante el miedo a no sobrevivir una relación?”.

UNA RELACIÓN PORNOGRÁFICA
Entrada General: S/.40.00 nuevos soles
Estudiantes: S/.25.00 nuevos soles
Viernes populares: S/.25.00 nuevos soles

PREVENTA A 20 SOLES HASTA EL 1 DE MARZO
Entradas a la venta en Teleticket de Wong y Metro, y en la boletería del teatro una hora antes de función

Para mayor información comunicarse con
PRENSA | Kitty Bejarano| 951710071(rpc)/ (#) 998934590 (RPM)

martes, 21 de febrero de 2017

Estreno: FINANCIAMIENTO DESAPROBADO

Del 10 de marzo al 10 de abril

Obra teatral se presentará en el AUDITORIO AFP INTEGRA DEL MALI
/Otro/Colectivo Teatro y el Museo de Arte de Lima, en coproducción con Sala de Parto, presentan Financiamiento desaprobado.

Escrita por Tirso Causillas y dirigida por Nani Pease, esta obra cuenta con la participación de los actores Emmanuel Caffo, Tirso Causillas, Lilian Nieto, Sylvia Majo, Carlos Victoria y Sammy Zamalloa.

Esta propuesta escénica va del 10 de marzo al 10 de abril en el Auditorio AFP Integra del MALI.
Las entradas se pueden adquirir en Teleticket, Atrápalo y en la boletería del MALI.

Dice Nani Pease la directora, “Financiamiento desaprobado trata acerca de la memoria: de la necesidad de recordar, del dolor que trae el olvido. A través de la historia de un hombre con Alzheimer. Un hombre que sirvió al Estado toda su vida como funcionario público, un hombre que sigue luchando por recordar para crear sentido sobre la realidad. La obra explora el universo más íntimo de las personas que padecen esta enfermedad y de las familias que las acompañan, explorando al mismo tiempo lo que supone que dejemos ir a la vejez hacia el olvido y el abandono. Financiamiento desaprobado termina siendo una metáfora de lo que hacemos como país al olvidar y al olvidarnos.”

Financiamiento Desaprobado va acompañada de un proyecto de investigación e intervención conducido por la directora de la obra, Nani Pease que es además psicóloga, asistida por 4 estudiantes de psicología de la Pontificia Universidad Católica del Perú, institución donde Nani es docente a tiempo completo del departamento de psicología. Partiendo de la obra teatral como contexto de reflexión y análisis en torno al tema, se entrevistará a una muestra de familiares cuidadores de enfermos de Alzheimer para poder identificar los efectos psicosociales del cuidar pacientes de Alzheimer en los familiares cuidadores. El proyecto tiene como finalidad visibilizar la enfermedad de Alzheimer y su impacto sobre los cuidadores, tanto en la población en general como entre estudiantes de psicología y de otras carreras afines. Como parte del proyecto además, el equipo ha desarrollado un espacio de conexión e intercambio de recursos entre familiares de pacientes de Alzheimer que se constituya como una red para conectar familiares cuidadores.

FINANCIAMIENTO DESAPROBADO

Lugar: Auditorio AFP Integra del MALI (Paseo Colón 125, Parque de la Exposición, Lima 1)
Temporada: del 10 de marzo al 10 de abril de 2017.
Funciones: viernes, sábados y lunes, 8 pm.; domingos, 7 pm.

Precio: General S/ 30.00. Estudiantes y jubilados S/ 15.00. Programa Amigos del MALI (PAM) S/ 15.00 | Lunes y viernes populares S/ 15.00
Preventa: S/ 15.00 hasta el 9 de marzo

Venta de entradas: en Teleticket, Atrápalo yen la boletería del MALI

Web MALI:www.mali.pe

sábado, 18 de febrero de 2017

Entrevista: MIJAIL GARVICH

“Los personajes cobran verdad cuando se les ve imperfectos”

Uno de los actores peruanos más versátiles y en constante actividad en nuestra cartelera teatral es Mijail Garvich. Oficio Crítico ha presenciado algunas de las puestas en escena en las que ha participado, todas ellas de diversos estilos y temáticas: amables comedias, como la itinerante Titina (2008); musicales contemporáneos, como Bare: expuestos (2014); divertidas obras para toda la familia, como El Cuco Cuquito (2015); y contundentes dramas, como Escenas en casa de Vasili Vesémenov (2016), ganando por esta última el premio del público al mejor actor en la categoría Drama en la Premiación Oficio Crítico del año pasado. “Fue un gran honor el ser convocado, junto a mis compañeros, por parte de Leonardo (Torres Vilar, director de la puesta)”, comenta Mijail.

“Empecé muy temprano, porque la tenía muy clara desde niño”, recuerda Mijail. “Quería ser actor y cada vez que había oportunidad en mi colegio de participar en alguna actuación, ahí estaba”. Pero manifiesta que sí tuvo un alto durante sus últimos años de escuela. “En aquella época, cuando comuniqué mi deseo de estudiar actuación y me preguntaba dónde, la ENSAD estaba confinada en una apartada casona en el Rímac incluso con problemas de electricidad y hasta en la tele salían a denunciar el abandono en que estaba; me dije que era impensable”. Es entonces que Mijail decidió estudiar otra carrera y así entró a Comunicaciones en la Universidad Garcilaso. “Estuve en el Taller de Teatro TAPS, con el que participamos en festivales de teatro universitario. Una vez viajamos a Cerro dePasco, con una obra muy física; la mayoría de elencos terminaban en el hospital con oxígeno”.

Talleres y maestros

Mientras que Mijail estudiaba en la universidad, no dejaba pasar oportunidad para ganar experiencia en las tablas. “Hice teatro en la municipalidad y en la parroquia en alguna época”, rememora. “Luego estuve en algunos talleres, con profesores maravillosos, que trabajaron conmigo la expresión corporal y la plasticidad. No seré el mejor ejemplo de ello, pero fue un viaje muy interesante y satisfactorio”. Uno de esos talleres fue el de Iguana, en el que conoció a muchos compañeros que todavía siguen en el medio como Patricia Barreto y con maestros como Joaquín Vargas, Pilar Nuñez, Margarita Ponce y Cocoa, entre otros. Posteriormente, estuvo en Pataclaun y tuvo de maestro a Alberto Nué, su compañero de escena en El Cuco Cuquito. “Me divertí muchísimo; en aquel entonces estaba algo peleado con el teatro y encontré un lado que desconocía: el poder reírme de mí mismo”.

Mijail recuerda con bastante cariño el taller que llevó con Torres Vilar, en el que aprendió de su particular estilo (Técnica de Meisner). “Pone mucho énfasis en escuchar al otro. Se trata de una técnica en la que tienes que  tomar todo lo que dé tu contraparte y eso es algo que tengo siempre presente.” Para Mijail, la idea es tomar del otro actor todo lo que pueda nutrir. “Te puede hacer explotar, te puede  llevar por una serie de emociones y estar segundo a segundo reaccionando a la conducta del otro. Eso lo tengo muy presente, hasta en la vida, si se está interpretando correctamente el mensaje, te permite corregir”, reflexiona.

Consultado sobre la manera en la que aborda diversos personajes de diferentes registros, manifiesta que ha interpretado algunos personajes más complejos o distantes que otros, que le han llevado a un trabajo mucho más consciente. “En cambio, en otros me divierto más y simplemente voy trabajando con mis compañeros de elenco como un laboratorio y dentro del proceso voy ajustando el personaje. De repente en teatro infantil, estamos jugando por un lado pero uno de tus compañeros propone algo muy parecido a mi propuesta; entonces te fuerza a buscar otros matices”. Por ejemplo, en El Cuco Cuquito, Mijail tenía como compañeros de elenco a Mario Soldevilla y Juan Carlos Díaz. “Éramos tres altos en el escenario, los tres medios pesados, así que había que diferenciarnos”.

El arte de la interpretación y la dirección

“Desde el punto de vista humano, un actor debe tener muchísima perseverancia, esta profesión es una especie de maratón: corres y corres y no puedes rendirte”, afirma Mijail. “Es necesario también ser muy paciente en todo sentido, porque puedes tener meses o años de sequía teatral. Pero también ser paciente con los procesos, con la parte humana, pues a veces la producción no es como debería ser por cuestiones económicas o de experiencia. Además, ser paciente con el proceso como actor, ya que es muy distinto para cada personaje. A veces encuentras al personaje recién durante la temporada”. Mijail agrega que un buen actor debe ser buena persona, tener buena onda y hacer las cosas con cariño. “Debe tratar a todos con el mayor respeto y cariño, porque todos hemos estado en el otro lado; yo entiendo cómo se siente el director, el escenógrafo, el colega, trato de que los comentarios tengan la mejor de las intenciones”.

Desde el punto de vista profesional, para Mijail un buen actor de teatro debe “tener mucha verdad, escuchar mucho al otro, porque a veces te está dando algo, un gesto, un tono de voz, un cambio en el texto, y si no estás atento a eso, puedes quedar mal tú, tu compañero o todo el espectáculo, por algo que se pudo corregir gracias a la escucha”. La solidaridad debe primar en el teatro, que es netamente un trabajo de grupo. “Todos tenemos que saber la letra y movimientos de los demás; si a algún compañero le sucede un imprevisto, hay que ayudar y tratar de solucionar el problema inadvertidamente”. Últimamente, Mijail ha reflexionado sobre cómo encontrar verdad y naturalidad a sus personajes. “Me llevó a pensar que el personaje también sea imperfecto, ese detalle también debe estar presente dentro del trabajo como creación. Un personaje cobra verdad cuando es imperfecto, cuando muchas veces deja de ser un cliché y tiene ese “algo” que lo hace muy humano”. Como ejemplo, Mijail menciona a la premiada cinta La La Land y a su pareja protagonista. “Seguro habían miles de actores ideales para esos papeles, pero verlos así, imperfectos, dar por ahí un mal paso, equivocarse o hacer un gesto que de repente no corresponde, así pasa en la vida real. Aunque en el teatro es más complejo y a veces no se nota”.

Por otro lado, para Mijail, un buen director de teatro debe ser muy maleable, es decir, tener la capacidad de adaptarse a cada elenco, situación y obra. “Yo no creo que el actor y el director deban adaptarse a un estilo, ya que cada obra es un mundo distinto”. Además, añade que cree mucho en el estímulo positivo por parte del director, cuando este trata con cariño y respeto al elenco. “Siento que me hace comprometerme de lleno con la obra y que no le puedo fallar. Así que lo doy todo, y a veces te ayuda maravillosamente “jalando hilitos”, como un trabajo de filigrana y te hace sacar lo mejor de ti”. Por último, un requisito indispensable es la paciencia, una virtud que puede convertir a un actor considerado como malo en toda una sorpresa en escena. “Tiene que tener la paciencia de esperar y confiar, se pueden construir cosas muy sorprendentes”.

Dramas domésticos de época

Escrita por el dramaturgo ruso Máximo Gorki y presentada por El Estudio de Actuación de Leonardo Torres Vilar y la Asociación Cultural Camisa de Fuerza en el Teatro Racional de Barranco, Escenas en casa de Vasili Vesémenov nos presentó la lucha generacional, tan lejana y tan cercana a la vez, dentro de un hogar en la Rusia de principios del siglo XX. La pertinencia temporal de su puesta en escena fue justificada plenamente con la sólida actuación de Mijail, como el severo y castrante padre que le da el título a la pieza, frente a una nueva y frustrada generación ávida de libertad. “Fui alumno de Leonardo hace más de 10 años y siempre he tratado de mantener contacto con mis ex-maestros. En un momento me dijo que quería hacer este proyecto con mucha anticipación, hasta que gratamente salió al año siguiente. Me dijo que quería que interpretara a “Vasili”. Me gustó mucho la obra, además de parecerme un desafío muy grande, un personaje bastante distante (así como el que hice en Casa Refugio ese mismo año), me obligan a pensar conscientemente y trabajar todo, desde el caminar, el peso, el mundo interior, esas cosas que nunca están escritas pero que tengo que dárselas”.

Todos los actores de Escenas en casa de Vasili Vesémenov fueron alguna vez, alumnos de Torres Vilar. “Supongo que quería mantener un estilo, era importante que todos tengamos esa técnica de actuación”. Para Mijail, cualquier universidad, instituto o taller tiene una responsabilidad con sus egresados y ex-alumnos. “Es tu mejor carta de presentación. Si tienes egresados muy buenos y en actividad, es un referente para los próximos estudiantes”. Por último, Mijail prefiere ser cauteloso en adelantar sus próximos proyectos. “Aquí en el Perú, nada es seguro, vamos a ver qué pasa. Hay una posible reposición, y me interesaría mucho hacer cine”, finaliza.

Sergio Velarde
18 de febrero de 2017

miércoles, 15 de febrero de 2017

Estreno: LA HISTORIA DEL SEÑOR SOMMER

Desde España llega a Temporada Alta en Lima

La Alianza Francesa de Lima tiene el agrado de anunciar la presentación de la obra La historia del Señor Sommer, segunda propuesta española en el Festival Temporada Alta 2017, dramaturgia de Xicu Masó, Lluís Massanet y Pep Tosar, con la dirección de Xicu Masó y l la actuación de Pep Tosar, el jueves 16 y viernes 17 a las 8:00 p.m. en el Teatro de la Alianza Francesa de la Av. Arequipa 4595 en Miraflores.

La historia del Señor Sommer es una adaptación del cuento del afamado escritor alemán Patrick Süskind. A 22 años de su estreno en Barcelona, donde ganó el Premio Especial de la Crítica en 1994, ya supera las 1500 funciones y se le considera una obra de culto en España.

Sinopsis: un niño, ahora ya convertido en adulto, nos cuenta la historia del misterioso señor Sommer. Ese niño nos relata cómo era su vida cuando aún podía subirse a los árboles; cómo eran su pueblo, su casa, sus amigos y sus vecinos, sobre todo el matrimonio Sommer. ¿Qué pasaba por la cabeza del taciturno Sommer mientras daba sus caminatas diarias? ¿No lo entendió la sociedad o fue él quien no supo entenderla?

En la puesta en escena de Masó y Tosar, el narrador de la historia original de Patrick Süskind se convierte en el showman de un cabaret literario, un espacio teatral donde el protagonista rememora su paso por la infancia, la juventud y la madurez; al tiempo que en el recuento descubre su vínculo con ese enigmático personaje que no desaparece hasta que el niño deja de subir a los árboles.

Se trata de un espectáculo conmovedor, tierno y divertido; que provoca que el espectador se reconozca en cada uno de sus episodios porque todos llevamos dentro un señor Sommer.

Las entradas están a la venta en TuEntrada de Plaza Vea y Vivanda y por internet en tuentrada.com.pe., los precios son:  S/.45 general y S/.25 estudiantes y un precio especial de S/.100 soles por cuatro entradas.

Contactos:
Prensa: Roberto Ramírez. telf. 6108000 anexo 133 RPC 997585085
Dirección de Asuntos Culturales: dac@alianzafrancesa.org.pe

Estreno: FICCIONES TEATRALES EN CONSTRUCCIÓN (FITEC 3)

Presenta Escuela Nacional Superior de Arte Dramática (ENSAD)

De lunes a jueves a las 7:30 de la noche desde el lunes 20 de febrero

Del 20 de febrero al 02 de marzo, la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático- ENSAD, presentará el ciclo de puestas en escena FITEC 3: “Ficciones teatrales en construcción”
Ficciones Teatrales en Construcción (FITEC 3), es un ciclo de propuestas escénicas en proceso, producto de las investigaciones para optar la licenciatura de actor profesional. Bajo la asesoría y dirección del Profesor Juan Arcos y de la Profesora Lic. Sofía Palomino Del Castillo los egresados Oscar Olarte, Rosa Victoria Chauca, Natalia Palacios, Kelly Estrada, Génesis Rugel y Nick Bejarano recorren el camino de sus tesis profesionales explorando textos de Antón Chejov, Cesar De María, José Sanchis Sinesterra, Jean Cocteau y Fernando Arrabal.

Esta es una magnífica oportunidad para apreciar y disfrutar un interesante y diverso abanico de lenguajes y propuestas que nuestros egresados exploran abordando temas que van desde la violencia, el desamparo, la vulnerabilidad hasta la forma más divertida de entretener a la muerte para salvarse de ella.

FECHAS: Del 20 de febrero al 02 de marzo del 2017
HORARIO: 7:30 p.m.
LUGAR: Sala Ensad
DIRECCIÓN: Av. Paseo de la República cuadra 4 s/n – Puerta 1 (La Cabaña – Parque de la Exposición)
INGRESO LIBRE La entrega de boletos es personal y se realiza una hora antes. No hay reservas. Capacidad limitada.
Informes: ensadproduccion@gmail.com / 332-0432 anexo 25

PERFORMANCES – FITEC 3

PERFORMANCE: “A ver un Aplauso”
DRAMATURGO: César De María
ACCIONA: Oscar Olarte.
DIRECTOR / ASESOR: Prof. Juan Arcos
FECHAS: 20, 21, 22 y 23 de febrero

PERFORMANCE: “Ahí está”
DRAMATURGO: José Sanchis Sinesterra
ACCIONAN: Kelly Estrada y Génesis Rugel
DIRECTOR / ASESOR: Prof. Juan Arcos
FECHAS: 20, 21, 22 y 23 de febrero

PERFORMANCE: “Sobre el daño que causa el Tabaco”
DRAMATURGIA: Versión libre de la obra de Antón Chejov
ACCIONA: Nick Bejarano
DIRECTOR / ASESOR: Prof. Daniel Dillon
FECHAS: 20, 21, 22 y 23 de febrero

PERFORMANCE: “La voz humana”
DRAMATURGIA: Versión libre de la obra de Jean Cocteau
ACCIONA: Rosa Victoria Chauca
MULTIMEDIA: Alex Nacarino
DIRECTOR / ASESOR: Prof. Lic. Sofía Palomino Del Castillo
FECHAS: 27, 28 de febrero, 1 y 2 de Marzo

PERFORMANCE: “La caminante paralítica”
DRAMATURGO: Versión libre de la obra de Fernando Arrabal
ACCIONA: Natalia Palacios
MULTIMEDIA: Sebastián Guevara
DIRECTOR / ASESOR: Prof. Lic. Sofía Palomino Del Castillo
FECHAS: 27, 28 de febrero, 1 y 2 de Marzo

martes, 14 de febrero de 2017

Taller: MONTAJE TEATRAL

En Casa Mocha Cultural

Taller dirigido a estudiantes, actores y aficionados que deseen explorar el mundo teatral desde las técnicas y el proceso creativo hasta el montaje de una obra que se escogerá según las características de todos los inscritos.

INICIO: 21 de febrero
DURACIÓN: 03 meses
HORARIO: martes y jueves de 6:00 a 8:00pm
LUGAR: Casa Cultural Mocha Graña (Av. Sáenz Peña Nº 107 – Barranco)

NOTA: Los alumnos podrán obtener descuentos especiales en algunas producciones que se realicen en el Teatro Mocha Graña.

SOBRE EL MONTAJE
Al finalizar el taller y con todo lo aprendido se realizarán 02 funciones en Teatro Mocha Graña.

SOBRE LOS PAGOS
s/.300.00 mensual

Los pagos podrán realizarse mediante depósito a la cuenta ahorros soles del BANCO CONTINENTAL Nª 0011-0521-0200102838 a nombre de María Morales Castro. Luego enviar el voucher al correo electrónico: talleres.mochagrana@gmail.com solicitando a la vez su ficha de inscripción. También se acepta pagos en EFECTIVO en el mismo Teatro Mocha Graña de lunes a viernes de 4 a 8pm.

Casa Mocha Cultural
Av. Sáenz Peña Nº 107 – Barranco
51 1 247-6292

Entrevista: PEDRO ITURRIA Y MARIO MENDOZA

“Estamos creando relaciones entre dramaturgos y compositores”

Zapping, 3 musicales en 1 es un proyecto de largo aliento. Ganador del premio del jurado del Oficio Crítico 2016 como el mejor montaje de Comedia o Musical, el espectáculo combinaba a compositores y dramaturgos que desarrollaron tres historias con temáticas y estilos diferentes, de 30 minutos cada una. El objetivo: fomentar el Teatro Musical Original Peruano, convocando año a año a duplas de dramaturgos y compositores para que sus historias lleguen felizmente a escena con garantía de calidad. Oficio Crítico conversó con dos de los principales responsables de esta puesta en escena musical, el productor Pedro Iturria y el director Mario Mendoza, jóvenes emprendedores con mucha experiencia a pesar de su corta edad.

¿Cómo se iniciaron en las artes escénicas? Pedro comenta que hizo teatro en la universidad San Martín con jóvenes de la Facultad de Comunicación, Turismo y Psicología. “Había un grupo oficial, nosotros éramos uno independiente, ensayábamos en un salón y veíamos nuestra manera de conseguir sala. Llegamos a hacer función en el ahora desaparecido Teatro Montecarlo”. Pedro entró a ver un ensayo y luego permaneció ayudando en producción. “Solo actué una vez y después el grupo se fue disolviendo”. Por su parte, Mario empezó en el colegio y cada verano estudiaba en distintos talleres. “Estudié en la Escuela D’Art, desde los 14 hasta los 18 años. Luego mis padres me aconsejaron que estudiara fuera, así que me fui con una beca por 4 años a estudiar teatro musical a la Fundación Julio Bocca, en Buenos Aires. En paralelo, estudié Dirección Teatral. Soy licenciado en Dirección teatral de la Universidad de Palermo y egresado en teatro musical de la Fundación Julio Bocca”.

Primeras experiencias teatrales

“En D’Art (Escuela de actuación y comedia musical creada por Henry Gurmendi en 2004) aprendí a tener cancha y concha para ir a una audición en Argentina y  mostrar lo que podía hacer”, asegura Mario. Sin embargo, reconoce que no es recomendable hacer musicales tan seguidos durante la etapa de formación, ya que no se puede hacer un proceso adecuado. “El teatro musical es una disciplina, un deporte, necesitas tener físico constante”. Ya en tierras gauchas, Mario quedó encantado con la carrera de Dirección. “En la Fundación Julio Bocca nos promovían mucho la autogestión, es decir, crear y no rehacer los musicales de Broadway, para tener nuestro propio material”. Por otro lado, Mario comenta que tuvo un reciente paso por la Dirección escénica de Ópera, en el Teatro Colón en  Buenos Aires. "Tenía muchas ganas de hacerlo, pero la ópera no es lo mío”.

En cambio, Pedro estuvo involucrándose cada vez más en la producción en nuestro país. Luego de algunos intentos por hacer teatro, decide legalizar su actividad con su socia Carolina Silva Sanstisteban para formalizar auspicios y todo lo concerniente a las puestas en escena. “Con Vodevil Producciones estuvimos encargándonos de algunas obras, eso sí, con ciertas dificultades financieras en el camino. Hasta que llegó Mujeres que habitan en mí (2009), dirigida por Guillermo Castrillón y estrenada en la Alianza Francesa. Tuvo buena crítica y acogida por el público”. Ese mismo año, se presentó la puesta infantil Los Músicos de Bremen.

"El despegue de Vodevil llegó con Bolognesi en Arica (2013), escrita y dirigida por Alonso Alegría. Inclusive tenemos funciones ya pactadas en este año”, señala Pedro. Vodevil se encargaría de producir varias obras de Eduardo Adrianzén, todas con un determinado corte social: una crítica a la televisión con Cristo Light (2014); a las universidades, con Los veranos son cortos (2014); y a nuestra ciudad, con Humo en la neblina (2015). “Todas nuestras producciones futuras tenían que tener un fin social. Lo mejor es producir nuestras propias obras”. Actualmente, Vodevil es una agencia de comunicaciones, escuela y productora.

Actuar, producir y dirigir

Para Mario, un buen actor de teatro debe tener una buena comunicación con todo el equipo. “No me gusta que en ningún ensayo alguien se vaya con alguna incomodidad, la relación entre los actores y el equipo es vital para que el proyecto avance”, manifiesta. Además, debe ser “súper lanzado” y tener disciplina. “Especialmente en el teatro musical. Es muy complejo, porque tienes tres áreas: canto, actuación y baile; además de involucrar a los directores coreográficos y musicales”. Por otra parte, Pedro considera que un buen productor teatral debe “ser anticipado, organizado y tener la mayor empatía posible con el elenco, los auspiciadores, los dramaturgos, con todos. En el camino se va aprendiendo”. Además, agrega que un productor debe tener toda la obra en la cabeza y manejar muy bien los niveles de comunicación e integración.

Consultado sobre aquellos colectivos que prefieren hacer la producción entre ellos mismos, afirma que siempre ha pensado que debe existir un una persona autónoma encargada de producir el montaje. “Dirigir y producir al mismo tiempo, por ejemplo, sí se puede hacer; si tienes dinero y tiempo, hazlo. Pero si no lo tienes, vas a descuidar uno o ambos aspectos”. Para Pedro sería mucho mejor si el productor contara con una especialización o conocimientos en marketing o comunicación. De otro lado, Mario afirma que un buen director de teatro debe de tener, aparte de una buena comunicación, contar con las herramientas para saber cómo llegar al objetivo y para cambiar de postura en el camino si fuera necesario. “También debe saber toda la obra, porque el actor se pregunta muchas cosas. Cuando soy autor y director, me doy cuenta que tenía algunas ideas al escribir, pero descubro nuevas al dirigir”. Finalmente, considera que un director debe tener el manejo de todas las áreas y estar pendiente de todo. “Debe contener a todo el grupo, saber que todos van hacia un lado determinado”.

Para Pedro, que se lanzó a producir junto a Vodevil Zapping, 3 musicales en 1, toda obra es considerada como un producto cuyo objetivo es comercial. “Debes pensar que sí es un producto comercial y tener las estrategias para cumplir tus objetivos de negocio”.  Mario añade que se debe “combinar lo comercial con lo personal a la vez”. Si bien es cierto cada caso es independiente del otro, Pedro considera que Zapping fue un montaje solvente, que seguirá generando ingresos con su reposición y venta de productos. “Uno debe manejar su propio modelo de negocio, pero con proyección. Si quieres montar una obra por propio gusto, hacer teatro de autor y que te reporte ganancias, debes verlo también como un producto”. Zapping demostró que sí se puede realizar buenos espectáculos musicales independientes propiamente nacionales. “Se podría analizar qué es lo que público quiere ver. Por ejemplo, para estas obras se hizo campañas de todo un año para convocar espectadores. Cada obra debe tener su propia personalidad”.

Larga vida a Zapping

“Estamos esperando la confirmación de festivales para ponernos a trabajar en la reposición de Zapping”, menciona Pedro. Para los que se perdieron ver en escena a los actores Natalia Salas, Gabriel Gil (ganadores del premio del público de Oficio Crítico) y Martín Velásquez, cada uno en triple papel, todavía tendrían una oportunidad. Por su parte Mario es más drástico con sus opiniones. “Está claro que el teatro musical nacional casi no existe. Me refiero al original y nacional. Cuando estaba aún por acá, había solo musicales de autores ya hechos, tenemos pocos referentes de musicales propios peruanos”. Considera a Zapping como una verdadera locura. “Al volver a Perú, necesitaba generar cosas y no tenía los medios para comprar una obra de Broadway. Con Zapping, descubrimos que sí podemos hacer y mostrar nuestro propio musical, que se podía hacer las cosas que uno se imagina”.

El indiscutible éxito de Zapping, 3 musicales en 1 ha generado una gran convocatoria para la realización de Zapping 2, en el que jóvenes creadores podrán realizar sus propios musicales. “No  existe otro lugar donde los autores y dramaturgos puedan estrenar sus propios proyectos. Los que hacen teatro están más conectados con los que hacen danza. Pero nosotros estamos creando una relación entre músicos y teatristas”, recalca Pedro. A través de las redes sociales, el proyecto de Zapping ya está sirviendo como un importante puente entre dramaturgos y compositores, que esperemos resulte en un nuevo espectáculo musical con las suficientes virtudes de su predecesor. Para mayor información, pueden visitar su página de Facebook: 
https://zappingmusicales.com/2017/01/03/convocatoria-obras-musicales-zapping-2da-edicion/

Por su parte, Mario anuncia que estará a cargo de la dirección de Te quiero hasta la luna, obra argentina que desde el año 2012 se viene representando en diversas ciudades como Bogotá, Buenos Aires, Madrid, Montevideo, Ciudad de México y Panamá. “Este año llega a Lima gracias a La Compañia Teatro Musical y su estreno está previsto para el 30 de junio". Pueden encontrar información sobre la convocatoria para las audiciones en la siguiente página de Facebook:
https://www.facebook.com/pg/tequierohastalalunaperu/about/?ref=page_internal

Sergio Velarde
12 de febrero de 2017