martes, 31 de enero de 2017

Estreno: MI AMIGO DON QUIJOTE

PRESENTA EDUCARTE PRODUCCIONES
Versión adaptada por Abraham Martínez

En el marco del XVI Festival de teatro para niños que organiza el ICPNA, la compañía de Teatro EDUCARTE PRODUCCIONES, presenta en calidad de estreno la obra infantil “MI AMIGO DON QUIJOTE”; dirigida por Abraham Martínez. La función será el viernes 03 de febrero a las 05:00 de la tarde en el Auditorio del ICPNA en el Centro de Lima.

Santiago es un niño muy apasionado por la lectura. Está acostumbrando a leer dos libros por semana, hasta que empieza a leer Don Quijote de la Mancha, el clásico libro de Miguel de Cervantes Saavedra. Comienza, entonces, a vivir mil aventuras, no solo en su cabeza, sino en su dormitorio, hasta que aparece don Quijote, para estimular el hábito de la lectura en niños y adultos, que desarrollan así la creatividad, la curiosidad, mejoran su vocabulario y aprenden a decidir por nosotros mismos en la vida.

Con un reparto de seis actores, la puesta en escena la conforman los integrantes del elenco estable de la compañía: Charly Mandriotti, Carol Paredes, Juan José Agüero, Adriana Polack e Isel Luna y la dirección está a cargo de Abraham Martínez Ortiz.

EDUCARTE PRODUCCIONES presenta la obra infantil en una única función de estreno en el Auditorio ICPNA Lima Centro (Jr. Cuzco 446). El precio de las entradas es de S/15.00 niños y S/20.00 adulto y están a la venta en las boleterías de las sedes del ICPNA y en Atrapalo.pe.

Contacto:
Abraham Martínez
Mail: g.educarte@gmail.com
Teléfonos: 960372776


Estreno: LIMA, DÉJAME QUE TE CUENTE

Retrato de nuestra Lima de 1800 con sus pregones y diferencias sociales

Presentan la Asociación de Artistas Aficionados y Asociación Cultural Tiempo de Cuentos.
Viernes y sábados a las 8 de la noche y domingos a las 7 de la noche, del 10 de febrero al 05 de marzo, en el teatro de la Asociación de Artistas Aficionados (AAA)

El espectáculo de narración oral: “Lima, déjame que te cuente” será presentado los viernes y sábados a las 8 de la noche y los domingos a las 7 de la noche, del 10 de febrero al 05 de marzo, en el teatro de la Asociación de Artistas Aficionados (AAA), ubicado en jirón Ica 323 - Lima.

Se trata de una obra teatralizada y musicalizada que tiene como fuente principal la tradición limeña, en donde se desarrolla la historia de Julia y José Antonio, quienes luchan por su amor en contra del qué dirán.

Ellos nos contarán su vida, entre pregones y dilemas de una Lima convulsionada desde ya por una sociedad racista, con altas diferencias sociales, malas costumbres y todas aquellas tradiciones heredadas hasta la actualidad.

Esta historia es parte del contexto social de aquella Lima antigua de 1800, llena de ricas tradiciones peruanas como son los pregones limeños, las formas de vida, su lógica y todo aquello que rememoraremos durante el espectáculo.

La adaptación ha sido realizada por Yeniffer Díaz, quien además de actriz es gestora cultural, docente de literatura, creatividad, expresión oral, escrita y corporal. Actúan también Beatriz Quintana, Juan de los Santos, Miguel Fonseca y el Loko Pérez.

Es una de la Asociación Cultural Tiempo de Cuentos. Las entradas están a la venta en la misma boletería a 25 soles (general) y 15 soles (Estudiantes y jubilados). Está dirigido a público mayor de 10 años.

lunes, 30 de enero de 2017

Evento: XVI FESTIVAL DE TEATRO PARA NIÑOS

Del 1 al 17 de febrero (miércoles, jueves, viernes) a las 5:00 p. m.
Auditorio ICPNA Lima Centro (Jr. Cuzco 446)
Boletería: S/.20 y S/.15

El festival inicia con Fiesta Safari en Madagascar (Sendar), versión libre inspirada en la cinta animada protagonizada por Marty la cebra y sus amigos Alex, Gloria y Melman con un noble mensaje de hermandad, amistad y cuidado de los animales. Continúa Caperucita y el lobo ecológico, jocosa adaptación del clásico cuento de Charles Perrault que incluye lindas canciones, vistosas coreografías y mucha participación del público infantil, presentado por Vicky Paz Producciones. Desde que Santiago empieza a leer Don Quijote de la Mancha, comienza, a vivir mil aventuras, no solo en su cabeza, sino en su dormitorio, hasta que aparece «el Caballero de la Triste Figura», para estimular el hábito de la lectura, en la obra que nos presenta la agrupación Educarte, Mi amigo don Quijote.

El festival continúa con la obra que nos tare Adú Proyecto Universal: El último diablo mayor pieza que integra la danza, el zapateo y la música afroperuana,un recorrido musical de canciones, décimas y ritmos, creado para los niños y la familia, quienes participarán a través de dinámicas y juegos rítmicos que integran el movimiento. El Grupo de Teatro Imagen deleitará al público con El corderito travieso, obra que busca la reflexionen en los niños sobre la importancia de obedecer a los padres, sobre todo cuando personas que fingen amistad les quieran hacer daño. La Asociación Cultural Winaray hará reír a los niños con Un trébol mágico, historia sobre un rey y una reyna que se disputan un trébol mágico plantado justo en el límite de sus reinos, un personaje llamado Fantástico tratará de hacer lo imposible para que los reyes entren en razón y se den cuenta de que es mejor estar unidos que separados.

En la última semana, La Familia Mimo también se hace presente con Vengo a jugar, propuesta escénica interactiva que incentiva la imaginación de los más chicos en la que el juego nos invita a reflexionar con imaginación  a través de objetos, máscaras y música durante la ejecución de las escenas. El grupo Amarionetta nos divertirá con la adaptación libre de Peter Pan, donde reviviremos las aventuras de Peter Pan, Campanita y los hermanos Darling en el País de Nunca Jamás. Finalmente, KMM Producciones pondrá en escena Los tres chanchitos y el temible lobo feroz, en esta versión del clásico cuento infantil tres pequeños hermanos intentarán resolver sus diferencias para librarse del malvado lobo. Con esta obra se espera que los más pequeños empiecen a valorar los cuidados y recomendaciones y a asumir las responsabilidades de sus actos.

Un ciclo de presentaciones con historias para niños y para los adultos que llevan un niño dentro.

XV FESTIVAL DE TEATRO PARA NIÑOS
Del 3 al 19 de febrero

Miércoles 1:                      Sendar Producciones (Fiesta safari en Madagascar)
Jueves 2:                           Vicky Paz Producciones (Caperucita y el lobo ecológico)
Viernes 3:                          Educarte producciones (Mi amigo Don Quijote)
Miércoles 8:                      Adú Proyecto Universal (El último diablo mayor)
Jueves 9:                            Grupo de Teatro Imagen (El corderito travieso)
Viernes 10:                        Asociación Cultural Winaray (Un trébol mágico)
Miércoles 15:                    La Familia Mimo (Vengo a jugar)
Jueves 16:                          Amarionetta (Peter Pan)
Viernes 17:                        KMM Producciones (Los tres chanchitos y el temible lobo feroz)

Auditorio ICPNA Lima Centro
5:00 p.m. Boletería S/.20 y 15

Augusto Carhuayo
Prensa Cultural ICPNA
706 - 7001 anexo 99111 / 990118716

Cultural.icpna.edu.pe

Estreno: DIOS ES UN DJ

Una feroz crítica a la realidad virtual

Un grupo de jóvenes graban su vida diaria y comercializan sus más íntimos secretos.
Dirigida por Carlos Acosta
Del 09 al 14 de febrero del 2017 en el Teatro del Centro Cultural PUCP, San Isidro

Una feroz crítica a la realidad virtual en la que vive la sociedad actual muestra la obra teatral “Dios es un DJ”, dirigida por Carlos Acosta, y que se presentará del jueves 09 al martes 14 de febrero del 2017 en el Teatro del Centro Cultural PUCP, en San Isidro.

La puesta, a cargo de los alumnos de octavo ciclo de la Especialidad de Teatro de la Facultad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú, muestra con aspereza el mundo virtual en el que estamos sumergidos, en esa necesidad enfermiza casi paroxística de exhibición.

“Nos hemos permitido jugar con nuestras posibilidades creativas, planteándonos cuestionamientos, que generen ideas que nos planteen posibilidades de solución -desde el análisis y la intuición - potenciadas por nuestros impulsos internos a manifestarnos con libertad”, comenta el director Carlos Acosta.

“Hemos asumido el reto de presentar una obra posmoderna que comprometa artística, social y antropológicamente a todos”, señala al enfatizar que el montaje es resultado de su “experiencia creativa, encontrando estructuras nuevas como reacción a las ambigüedades e incertidumbres del día a día”.

La pieza, escrita por Falk Richter, presenta a jóvenes que viven su vida frente a las cámaras televisivas y que diariamente producen videos sobre su vida compartida: documentaciones fílmicas que luego venden, pero se transforman en un juego de auto representación y auto comercialización.

El elenco está conformado por Kiara Azabache, Junnior Condori, Estefanía Cortez, Brayan Pinto, Luis Carlos Reátegui, Natalí Rimachi, Carolina Lengua, Daniela Linares, Bárbara Ley, Sandra Muente, Camila Orchard, Pamela Paredes, Hillary Zumaita, Gianella Sairitupac y Beatriz Ureta.

“Dios es un DJ” se presenta del jueves 09 al martes 14 de febrero del 2017 a las 8 de la noche, el sábado 11 y el domingo 12 habrá doble función a las 6 de la tarde y 8 de la noche. Entradas a 20 soles (General), 15 soles (Estudiantes y jubilados) y 10 soles (Comunidad PUCP) en Teleticket y en la boletería del teatro del CCPUCP. Lugar: Teatro del Centro Cultural PUCP (Avenida Camino Real 1075 - San Isidro).

Entrevista: FRANSÉRGIO ARAÚJO

Teatro Salvaje

Desde Brasil: Compañía “Ópera Ritüal”
“El mal que fermenta en las vísceras y circula por todo el organismo se libera en explosiones cerebrales” A.A.
En memoria de los 69 años del fallecimiento del gran director francés Antonin Artaud.

El Teatro Salvaje  es una investigación de actuación teatral, de la compañía Ópera Ritüal, que envuelve técnicas  chamánicas de trance y realineamiento de sentidos y energías corporales, aliada a las técnicas del  “Teatro de la Crueldad  desarrolladas por Antonin Artaud (1896-1948), autor del  clásico “El Teatro y su doble”. Entre esas técnicas, pueden ser citadas  la “respiración artaudiana” (descrita en el texto “Atletismo Afectivo”)  el “descontrol de las emociones” (intrínsecamente apoyado en la obra “Elogio de la Locura, del filósofo Erasmo de Rotterdam). Puede ser citada, todavía, la llamada “fúria santa” de diversas religiones antiguas, captada como inspiración por el Teatro de la Crueldad y por el Teatro Salvaje, en favor del fervor de la entrega de los cuerpos para así alcanzar estados de renovación anímica, o  inclusive la redención espiritual. La capacidad de lanzarse sin ataduras y descubrir otro cuerpo en un “nuevo lugar”. La compañía busca crear potencias escénicas capaces de movilizar públicos para, a partir de ahí, romper el naturalismo de la representación.

PALABRAS DEL DIRECTOR
Considero que lo principal es concientizar a la sociedad; que ella es una potencia generadora de frustraciones y  deformidades en la psique humana. Esta es una tarea delegada a los artistas del teatro que resaltar la violencia de todas las formas y sobre el individuo como una represión que lo lleva a la incapacidad de transformar su entorno.  Es decir, el gran objetivo es crear un agente liberador de la opresión creada por los agente impuestos por la cultura “civilizadora”. Realizar un “Teatro Salvaje” es ofrecer un espejo necesario para que no caigamos en la  trampa y la explotación social. (Fransérgio Araújo)

RESUMEN DE ENTREVISTA AL DIRECTOR  FRANSERGIO ARAUJO

E: ¿Si tendrías que enumerar características del teatro salvaje, cuáles serían estas?
F: Para el intérprete: Este debería tener una necesidad de expansión de sus órganos. Eso pasa por todos los sentidos: sexual, digestivo, cerebral, emocional y su relación con su interior. El intérprete salvaje tiene una necesidad de radicalizar una posición revolucionaría dentro de esa fuerza que es violenta consigo mismo.
Otra característica es que él tiene los oídos abiertos para absorber el ambiente. Y pienso que ahí ellos consiguen desestabilizar un poco su pulsación en escena. Y en un teatro salvaje él debe desestabilizar la escena de su creación. El teatro en esta posición debe afectar. No necesita hacer entender comprender, tiene que afectar. Debe causar ahí una explosión. En todo momento busca una escena contundente, este intérprete salvaje solo debe subir a escena si él va a afectar, él no puede subir para mostrar algo.
Debe subir para mostrar mínimamente: su sangre, su corazón, sus órganos visceralmente abiertos.

E: ¿Cuáles son los objetivos de este teatro?
F: Tiene un objetivo muy fuerte, hacer que las personas vean sus vidas. Es su objetivo y una de las funciones del teatro. Y pienso que existe un objetivo mayor; crear una estructura de transformación no solo con los recursos que el teatro da: (la luz, la mecánica) pero sí con estructuras  internas que mueven esas estructuras externas por consiguiente.

E: Dirías que busca crear un nuevo espectador que absorba de diferente manera el teatro.
F: Sí, también diría que tiene otro objetivo importante que es el desbordamiento  de las emociones. Emociones verdaderas, no emociones fingidas ni buscadas. (Baba, fuego en los ojos, rabia) Emociones de un trastorno emociones fuertes. Ahí reside la catarsis.
Que me puedes ahondar sobre la relación de esta fuerza dionisiaca, que existe en el teatro salvaje.

E: Dionisos: como dios de la fertilidad y la borrachera. Ligado a las celebraciones carnavalescas. Tiene que ver con esas fuerzas estos flujos: Lo sexual, el alcohol como un embriagante que agudiza los sentidos y nos libera de la racionalidad. Una fiesta que se concentra en la ritualización de lo sagrado. Que conduce de igual forma al término “sacrificio” el actor que expone y deja su cuerpo y su psique en escena. Me podrías contar cuanto has trabajado sobre la relación de lo dionisiaco en tu investigación.
F: Eso es una herencia que traigo del “Teatro de oficina” porque es un teatro muy dionisiaco. Era una escuela de la locura, llegaba a la locura acompañada de las drogas, más este teatro llega a la locura pero de una manera sabia, no destructiva. En sí mismo y del otro, Dionisos reside ahí el causa la destrucción el trae la destrucción más este lleva al enloquecimiento trabajado en los dolores, las dudas todo eso se trabaja en el teatro oficina.

E: En conclusión el fin primero del teatro salvaje no es la forma, sino la verdad. Una verdad que expone la psique del actor, como si este estuviera con “los órganos expuestos”
Muchas gracias, Fransérgio.

Entrevistadora: Kiara Castro Béjar

Foto: Marba Goicochea. Actriz peruana residente en Brasil.  Asistente y actriz dentro de la investigación del “Teatro salvaje” como parte de la compañía “Ópera Ritüal”, dirigida por Fransérgio Araújo.

domingo, 29 de enero de 2017

Crítica: CRÓNICAS EN UN BAR

Casualidades de la vida

¿Te imaginas poder disfrutar varias obras en una misma noche? E incluso, poder elegir el inicio, desenlace y el final de cada una. Pues bien, vuelve en su tercera temporada a Victoria Bar, la puesta en escena de Crónicas en un bar. Se trata de un espectáculo de teatro-bar a la carta, que cuenta con cuatro historias cortas: cada una vendría a ser como un microteatro, por ser de corta duración. Las obras son presentadas en conjunto, con un intermedio de quince minutos entre cada una. Cada función es diferente a la otra, pues el desarrollo dependerá totalmente de la cartilla ganadora que marcó el público. La relación que habría en estas cuatro puestas en escena, sería  la actual sociedad en la que vivimos, pues se presentan temas como las rutinas, los gustos, las opciones religiosas y sexuales, la hermandad, el morbo, la fantasía, el amor y algunos hechos históricos. Crónicas en un bar, en general, es la mezcla perfecta de comedia y musical, con un toque de drama, donde puedes venir a disfrutar con los amigos.

La primera propuesta de la cartilla es ¿Aló, Angélique?, en la que una conductora de tv (Gabriela Navarro) presenta a un artista olvidado y gigoló (Stefano Tosso). Su programa transcurre al son de la música y de los agradecimientos a todas las mamitas que están en sintonía; sin embargo, no todo siempre sale como uno espera. Se trata de una parodia divertida de los programas más sintonizados de la televisión de peruana de hace algunas décadas, como los talk-shows de Laura Bozo y Gisela Valcárcel, dirigida por Pedro Pablo Corpancho. La segunda se titula Confía en mí, en la que Martín (Gabriel Gonzales) es un joven que ha decidido tomar los votos para convertirse en cura. Al enterase su amiga Lucia (Vera Pérez-Luna), esta intentará persuadirlo para que cambie de opinión, porque lo ama en secreto y no desea perderlo. Martin, al sentirse acorralado, empezará a sentir cosas por ella, pero a la vez se encontrará confundido y para no pecar, tendrá que alejarse de la tentación. En lo particular, se trata de una obra cómica con toques de realismo y exageración; es dirigida por Mario Gaviria.

La tercera propuesta tiene por nombre Muero por ti, en donde existen amores que matan: Pablo (Cristián Covarrubias) es un periodista que va en busca de su pareja (Lia Camilo), ya que ella le confiesa que tiene una noticia que cambiará su vida. Es entonces cuando vemos lo fantasioso de esta obra y la típica rutina de la relación de pareja. Se dice que el amor sobrepasa tantas barreras, que incluso ni la muerte se puede resistir a ella. Es dirigida por Joaquina Maldonado. Y finalmente, Correspondencia, que empieza con un minimusical, a cargo de Sofía (Alicia Mercado), en el que sin querer encuentra un mensaje en el mail de su hermano Tomás (Nicolás Vilallonga). Ella buscará la forma de hablar con él, pero este está más ocupado en buscar el regalo perfecto. Es ahí donde ya no puede callar más y Sofía le confiesa un secreto. Es una comedia musical divertidísima, en donde escogieron conocidas canciones (de Despertar de Primavera, Chicago) a las que cambiaron totalmente las letras originales, manteniendo solo la melodía original. Dirigida por Roberto Prieto.

Las cuatro puestas en escena cumplen con el objetivo de hacer reír al público; si bien es cierto, unas son más simpáticas que otras, sería recomendable en algunos casos no caer en la redundancia, ya que esto puede cansar un poco al público. Por otro lado, en la parte musical, un poco más de seguridad al cantar. Algunas de las duplas que estaban en escena tenían más químicas que otras, pero fue agradable el ambiente bohemio, con un toque místico, que se prestaba para la escenografía. Para finalizar, esta cita textual de Juan Mayorga resulta pertinente: “El valor de una obra teatral no depende de su extensión, si no de su intensidad, de la generosidad con que enriquezca en experiencia a sus espectadores”.

Crónicas en un bar se presenta todos los martes y miércoles de enero desde las 8 pm en Victoria Bar (Av. Pedro de Osma 135 Barranco). Las entradas pueden adquirirse en la boletería del bar. El precio es de 40 soles por las cuatro obras (entrada única).

María Victoria Pilares
29 de enero de 2017

viernes, 27 de enero de 2017

Estreno: EL PAÍS DE LA CANELA

Obra ganadora de Sala de Parto es escrita por Alonso La Hoz y dirigida por Diego La Hoz, director del grupo EspacioLibre

Con las actuaciones estelares de Ramón García (a quien vimos en su más reciente participación en la miniserie The Young Pope para HBO dirigida por el ganador del Óscar Paolo Sorrentino), Eliana Fry García-Pacheco, Karlos López Rentería y Javier Quiroz, el jueves 09 de febrero se estrena en el teatro del ICPNA de Miraflores, la puesta en escena “El país de la canela”, obra ganadora de Sala de Parto, dirigida por Diego La Hoz y escrita por Alonso La Hoz.

Un capitán y un alférez se encuentran juntos no saben desde hace cuánto pero deciden permanecer unidos y emprender un viaje, una peregrinación a la memoria perdida de un país que ellos creen los recuerda y los respeta como héroes. En su camino aparecen una serie de personajes que los interpelan: de comerciantes a vagos, de curas a rebeldes, de huérfanos a mujeres con finales felices. Todos familiares. Todos de la misma raza. Todos con el poder entre los dientes. ¿Vale la pena recordar? Se preguntará el capitán hacia el final.

“El país de la canela”, es una obra crítica y provocadora tanto en su discurso como en su forma. Cuestiona la memoria como mecanismo para recuperar la identidad de un país como el nuestro. Y es que las nuevas políticas de Estado solo pretenden darle un nuevo orden al olvido, darle un nuevo rumbo a la historia que “conviene” contar. Por eso sigue siendo trascendente que entre tanta modernidad y tecnología nos cuestionemos respecto a conceptos como patria y heroísmo, si un país necesita fuerzas armadas, y cuánto tiempo más negaremos que la corrupción y el poder sin escrúpulos dominan este suelo que llamamos Perú.

Para el director Diego La Hoz, se trata de una obra que “pertenece a un conjunto de textos teatrales que han comenzado a tener una particularidad que se desprende del cinismo moderno: la palabra incómoda. O sea, autores dramáticos que se enfrentan a realidades sin el temor moralista de cuestionar o incluso que se atreven a relativizar hechos que parecían zanjados”.

“El programa Sala de Parto apuesta por asumir una responsabilidad social que el Estado no suele mirar”, señala el dramaturgo Alonso La Hoz. “Hoy es un urgente construir un teatro que piense en peruano, un teatro que se redescubra en el otro como espejo de una sociedad con futuro cultural. Por eso me interesaba que mi texto sea montado por un grupo de teatro con trayectoria y experiencia (EspacioLibre tiene 18 años) en estas temáticas y búsquedas estéticas.”, acota el autor.

Sobre la obra
-Temporada: del 9 de febrero al 12 de marzo
-Funciones: de jueves a domingo
-Hora: 20:00
-Entradas: en la boletería del teatro
-Lugar: ICPNA Miraflores (Av. Angamos Oeste 160 – Miraflores)

Estreno: ANASTASIA Y EL MISTERIO DE LOS ROMANOV

Una obra teatral divertida y musical dirigida a toda la familia

La traición del siniestro monje Rasputín provoca una serie de desventuras de la única sobreviviente de la familia imperial, Anastasia.

Sábados y domingos a las 6 de la tarde desde el sábado 18 de febrero en el nuevo Espacio Teatro Esencia, en Barranco.

“Anastasia y el misterio de los Romanov” es una obra teatral dirigida a toda la familia que nos cuenta de forma divertida y musical, una historia de aventura, misterio y sobre todo romance. Se presenta del sábado 18 de febrero al domingo 2 de abril, los sábados y domingos a las 6 de la tarde en el nuevo Espacio Teatro Esencia, ubicado en avenida Miguel Grau 071 – Barranco.

La traición del siniestro monje Rasputín provoca una gran revolución en casa de los Romanov, y una maldición dará inicio a una serie de desventuras de la única sobreviviente de la familia imperial, Anastasia. La hija menor de la familia real, diez años después se conocerá a sí misma sólo por el nombre de Anya, debido a la amnesia que le acarrea un golpe en la cabeza que se dio la noche en que escapó del traidor.

“Anastasia y el misterio de los Romanov” es adaptada y dirigida por Gerardo Fernández y las actuaciones de Ángela Parra, Eduardo Paredes, Jorge Gestro, Gerardo Fernández, Juana Martínez, Gessy Cochachi, Lucía Dueñas, Camila Battistolo y Manuel Echeandia. Espacio Teatro Esencia es una nueva alternativa para proyectos teatrales, es una sala intima para 50 personas totalmente equipada que se abre con la finalidad de darle un espacio a los grupos independientes con un presupuesto cómodo.

“Anastasia y el misterio de los Romanov” va desde el sábado 18 de febrero hasta el domingo 2 de abril, los sábados y domingos a las 6 de la tarde en el nuevo Espacio Teatro Esencia, ubicado en avenida Miguel Grau 071 – Barranco.

Las entradas están a la venta en el mismo teatro y a los números 266 6414 y al 963 744769 a 25 soles (adultos) y 22 soles (niños). Hay preventa hasta el 17 de febrero a 20 soles.

Entrevista: MARISSA BÉJAR

“Debe haber un gusto del actor por usar el cuerpo para comunicar”

Una de las puestas en escena más interesantes y disfrutables de la temporada del año pasado fue, sin duda, La multitud, flamante y primera producción teatral del Instituto Confucio de la Pontificia Universidad Católica del Perú, escrita por Nick Rongjun Yu, uno de los dramaturgos chinos contemporáneos más populares a nivel mundial. La responsable de este primer montaje de una obra de dramaturgia china en el Perú fue Marissa Béjar, directora escénica, investigadora y profesora de amplia experiencia nacional e internacional y premiada por el jurado de Oficio Crítico como el mejor trabajo de Dirección en Drama del 2016. “Definitivamente mi formación y experiencia previa en el Perú han sido muy importantes”, menciona Marissa. “Pero también ha sido crucial y absolutamente decisivo todo lo vivido, aprendido, visto, y trabajado fuera del Perú en mi estadía en Nueva York por cerca de seis años, y, desde que volví, en mis salidas al exterior de los últimos cuatro años, que me han permitido ver, experimentar y sobre todo, aprender técnicas y perspectivas diferentes a lo que usualmente se hace y se enseña en el Perú”.

“Yo diría que desde muy pequeña entré en contacto con el mundo de la actuación. En el colegio tocaba guitarra, cantaba y bailaba en las actuaciones, era maestra de ceremonias”, recuerda Marissa. “Mi madre fue una conocida actriz de teatro y televisión (Ana María Miranda), así que crecí escuchando sus historias y visitando los sets de televisión para verla actuar. Siempre el teatro y el arte escénico estaban presentes en casa”. Afirma también que le tocó vivir una época dura (fueron los años ochentas) y sentía la presión de estudiar una carrera y ser profesional. “Mi madre estudió teatro de modo profesional, y sabía en carne propia que era una profesión sumamente difícil para sobrevivir, es por eso que ella insistió mucho en que mi hermana y yo estudiáramos otras carreras de modo profesional”. En cuanto a su padre, Héctor Béjar, además de ser un profesional de las Ciencias Sociales, ha estado muy comprometido con lo que sucede en el Perú y ha tratado activamente de participar en la mejora o transformación de nuestro país. “Desde ese punto de vista, mis motivaciones de vida y el deseo de estudiar, además de mi mamá, también provienen de él”.

Estudios y experiencias escénicas

Marissa es diplomada como actriz profesional por la Escuela de Teatro de la Pontificia Universidad Católica del Perú, y Bachiller en Ciencias Sociales con mención en Sociología por la misma universidad. “Mientras estudiaba Sociología llevé varios talleres de teatro e integré el Coro Creación, que fue parte del movimiento de la nueva canción en el Perú. Cantábamos temas que buscaban revalorizar la cultura peruana y latinoamericana, con cierto contenido político. Nunca canté en solitario, el tema grupal era vital para mí”, afirma. Posteriormente Marissa entra al TUC. “Entré tanto al TUC como al Conservatorio Nacional de Música para estudiar Dirección Coral, pero me era imposible llevar ambas cosas, así que me quedé solo en el TUC”. Evidentemente, su paso por la sociología y la música ha nutrido su actual carrera como directora de teatro, por ejemplo, con La multitud. “Esa obra tiene una música y un diseño de sonido muy particulares. Me parece que también hay musicalidad en el manejo de los cuerpos en el espacio y en el timing de la acción en escena”, afirma.

Una vez terminado el TUC, Marissa pasó a dirigir montajes en el grupo Los Tuquitos (cuyo director sigue siendo Jerry Galarreta), con el que logró ganar el Primer Festival de Teatro Peruano del ICPNA en 1996, con la obra De qué te quejas, empatando con Un verso pasajero de Gonzalo Rodríguez Risco. Pero, ¿cómo llegó a la dirección? “Fue todo muy lindo: para salir de la Escuela teníamos que llevar un Taller de Dirección”, menciona Marissa. “Las únicas de mi promoción que hicimos el taller fuimos mi amiga del alma y extraordinaria actriz María Angélica Vega y yo. Esa primera experiencia la condujo nada menos que Pipo Ormeño”. Y es que aquella época del TUC fue muy particular, como relata Marissa, la de la época de los noventas. “Era el teatro del cuerpo y del movimiento, cuando el TUC era dirigido por María Luisa de Zela. Había una formación sólida, con una propuesta física importante en el Perú. Eso sí, el entrenamiento era de terror”. Marissa se decidió a dirigir la pieza El último cliente, con las actuaciones de Vega e Ismael Contreras. “Esa propuesta la vio Danny Kanashiro (co-fundador de Los Tuquitos y director invitado para La conquista); él tuvo que irse y me dejó como directora de la mencionada obra de Alejandro Buenaventura y Jorge Adoum. Con esa obra viajamos mucho y después terminé dirigiendo De qué te quejas, con la que ganamos el festival y también visitamos el interior del país y el extranjero”.

“Luego de dirigir un par de años más en Lima, decidí salir del Perú en 1999 a estudiar”, menciona Marissa. Y su experiencia acumulada ha sido vasta y literalmente por todo el mundo: residente del Royal Court Theatre de Londres en su International Residency for Playwrights and Directors; del Lincoln Center Theater de Nueva York, en su Lincoln Center Director´s Lab; de la Scuola europea per l’arte dell’attore de San Miniato, Italia; de Casa de América de Madrid, en su Residencia para Profesionales de Dramaturgia y Dirección Teatral; del Bread and Puppet Theater, en su residencia Living with the Bread and Puppet Theater, en Vermont, USA, entre otras residencias internacionales. “Mi idea era la de ampliar el lenguaje escénico que yo tenía, integrando la reflexión con la acción, experimentando con videos y sonidos, a los cuales les tenía un poco de miedo”, confiesa.

De vuelta en casa con La multitud

Marissa volvió al Perú y reconoce que la inserción ha sido muy complicada. “Es que en nuestro teatro hay tribus sólidas y, a veces, poco permeables”, reconoce. “Regresé, me casé, tuve a mi hija, pero sentí que no era el momento aún de dirigir, ya que implicaba buscar dinero, espacios, productor”. Es así que Marissa vuelve a las aulas como docente y también tiene la oportunidad de salir del país por cuestiones académico-artísticas, vinculándose con otros artistas docentes extranjeros, como en el Mellon School of Theater and Performance Research at Harvard University; en tres oportunidades en el Summer Institute Cologne, organizado por la Universidad de Colonia y Northwestern University; y en los congresos del American Society for Theatre Research en las ciudades de Dallas, Baltimore y Minneapolis, así como el de Performance Studies International, en la ciudad de Shangái. Definitivamente ser Master of Arts in Media Studies por la New School University de la Ciudad de Nueva York, universidad en la cual obtuvo también el Diploma de Post Grado en Realización de Cine, le ha permitido otorgarle un aspecto audiovisual muy particular e interesante a La multitud.

“Pienso que más que una representación literal del texto, La multitud es un diálogo, una interacción. Todo el aspecto audiovisual fue una propuesta fantástica y simbólica de un joven profesional de la especialidad de Comunicación Audiovisual de la PUCP y un equipo de alumnos”, cuenta Marissa. Comandado por Gabriel Olaya, Asistente de Docencia de la Universidad Católica y por alumnos de último año de la especialidad de Comunicación Audiovisual (Marisol Heredia, Geraldine Andicoechea, Paul Guerra, Sayuri Kina y en un primera etapa, Andrea Bernales), las propuestas sonora y visual del espectáculo se basaron en proyecciones que cuentan con diversas animaciones de su propia autoría. “Me resulta muy interesante la experimentación escénica con nuevas tecnologías”.

Para interpretar La multitud, se convocó a un elenco de actores muy parejo, que no solo incluyó a la infaltable María Angélica Vega, sino también a Víctor Prada, Oscar Carrillo, Anneliese Fiedler, Mariajosé Vega y Claret Quea. “Yo tengo mi propio criterio sobre cómo debe ser un actor ideal”, reconoce Marissa. “Primero, este debe manejar el texto desde una perspectiva muy contemporánea y sólida en técnica: tiene que buscar la verdad en el otro y no en uno mismo. La idea es que el actor realiza un trabajo físico en el que el texto opera sobre el otro, con el texto uno busca que el otro personaje haga algo. Para mis montajes siempre necesito actores que tengan esta técnica, o que al menos estén dispuestos a aprenderla”. En segundo lugar, y como aplicada alumna del TUC, afirma que el trabajo del cuerpo es muy importante. “Debe haber un gusto por usar el cuerpo para comunicar, incluso en dramaturgias donde el texto es uno de los ejes centrales, como La multitud; por algo el teatro es teatro, eso lo diferencia de que te narren la historia o que la leas, tiene que haber algo interesante sobre el escenario”. Y finalmente, un actor no puede ser problemático. “Problemas en un montaje siempre van a haber y hay que solucionar, todos tenemos que tener buena vibra y aceptar trabajar con riesgo, de poder experimentar, de tirarse a la piscina; puedes ganar o perder, pero lo haces a conciencia. Esa actitud estuvo presente en todos los actores de La multitud”.

Actualmente, Marissa es profesora asociada de la Facultad de Artes Escénicas de la PUCP, y también ejerce en la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación, en la Facultad de Ciencias Sociales y en la Maestría de Antropología Visual. Además, realiza el Doctorado en Sociología en la Pontificia Universidad Católica del Perú donde desarrolla un tema de tesis vinculado a las artes escénicas en Lima. Además, nos comparte con mucha alegría uno de sus proyectos para este año: ha sido invitada para ser una de los directores del "International Master Class on Directing", organizada por el Shanghai Theatre Academy. “Es un programa bellísimo donde se selecciona a cerca de 25 participantes de todo China, entre directores, actores, bailarines, performers de ópera china, etc., maestros de dirección teatral, y estudiantes de dirección a nivel de posgrados, para trabajar con directores de alguna región del mundo”.  Si bien es cierto, en años anteriores se han concentrado en otras regiones como Europa del Este, Estados Unidos u Oceanía, este año le tocó a América Latina. “Seremos cuatro directores de la región y cada uno de nosotros estará una semana y media en Shangái conduciendo este espacio de trabajo tan interesante. La idea es que cada director está a cargo de una semana y comparte sus métodos y técnicas de trabajo, así como su visión como artista con todos los participantes”. Marissa comenta que esta ha sido una invitación cuyo proceso ha durado varios meses el año pasado, y que incluyó una visita de los directores del programa a Lima para ver su trabajo y realizarle una entrevista antes de oficializar la invitación. “Estoy muy orgullosa por esto, muy entusiasmada y feliz por esta experiencia hermosa por la que voy a pasar”, concluye.

Sergio Velarde
27 de enero de 2017

jueves, 26 de enero de 2017

Festival: TEMPORADA ALTA II

Lo mejor de las artes escénicas contemporáneas en Lima

Alianza Francesa llevará a cabo II Festival Temporada Alta del 8 al 22 de febrero

Con el montaje de ocho obras de España, Francia, México, Chile y Perú, será una oportunidad única para apreciar un teatro diferente en nuestro país.
Temporada Alta es considerado el mejor festival de artes escénicas de España y uno de los más importante del teatro contemporáneo europeo.

Del 8 al 22 de febrero la Alianza Francesa de Lima llevará a cabo, por segundo año consecutivo, el Festival Internacional Temporada Alta, reconocido como el mejor festival de Artes Escénicas de España y uno de los eventos de referencia en el teatro contemporáneo europeo. En la presente edición, se pondrán en escena ocho obras de compañías y colectivos de Francia, España (3), México, Chile y Perú (2). Serán en total 14 funciones que se montarán en cuatro salas: el Gran Teatro Nacional, el Teatro Ricardo Blume y dos escenarios en la Alianza Francesa.

El Festival Temporada Alta se creó en 1992 en Girona, Cataluña, España. En 25 años de trayectoria, ha ganado prestigio no sólo por presentar obras de primer nivel, sino principalmente porque muchas de éstas exploran en el lenguaje teatral, a través de propuestas disruptivas y multidisciplinarias. En su última edición, se presentaron más de 100 obras durante tres meses, con 194 funciones a las que asistieron aproximadamente 50 mil espectadores, logrando una ocupación de más del 96%.

Las obras que forman parte de la segunda edición del festival en el Perú son Todavía no es medianoche, de Francia; La noche justo antes de los bosques, Acorar y La historia del Señor Sommer, de España; Veracruz - nos estamos deforestando o cómo extrañar Xalapa, de México; Ricardo III, el príncipe contrahecho, de Chile; finalmente, las obras Deshuesadero y Escrito por una gallina, de Perú.

"A través de Temporada Alta le ofrecemos al público peruano la posibilidad de acceder al primer orden del teatro contemporáneo y al mismo tiempo ponemos en la mirada de la escena artística europea el trabajo de las compañías y colectivos teatrales nacionales”, afirmó Yohann Tubert Delof, director general de la Alianza Francesa. 

La presente edición de Temporada Alta se inaugurará con Todavía no es medianoche, un espectáculo de teatro físico con el que la compañía francesa XY viene de ser la revelación de la Bienal de Danza de Lyon y que presentará en el Lincoln Center for the Performing Arts de New York en julio próximo. En él, 22 acróbatas realizan una reflexión sobre la relación entre el individuo y el colectivo a través de acrobacias ejecutadas sin más equipamiento que sus propios cuerpos (sin redes ni columpios). Una propuesta que combina riesgo y arte nunca antes vista en el Perú y que tendrá como escenario el Gran Teatro Nacional el 8 y 9 de febrero.  Deshuesadero, obra a cargo de la Compañía de Teatro Físico y que viene de ganar el Festival Sala de Parto, se pondrá en escena el 9 de febrero en el Teatro Ricardo Blume de Jesús María. El protagonista intenta lidiar con su incompetencia para encajar con un mundo excesivamente pragmático y en el que lo único que importa son los resultados. El 12 de febrero se presentará en el teatro de la Alianza Francesa, Ricardo III, el príncipe contrahecho, una obra del dramaturgo Juan Radrigán, ganador del Premio Nacional de Artes de la representación y audiovisuales de Chile, que explora la humanidad de unos de los villanos más emblemáticos de William Shakespeare en una particular reinterpretación que sirve de pretexto para hablar del poder y su abuso, la justicia, el perdón, la impunidad y la muerte. La noche junto antes de los bosques se montará el 14, 15 y 16 de febrero en la Alianza Francesa de Miraflores y representará una experiencia casi inédita en la escena nacional, pues el montaje se realizará fuera del teatro y teniendo a los espectadores a centímetros del protagonista. Esta presencia cercana del público puede eventualmente convertirse en parte fundamental de la obra. El 14 de febrero en el teatro de la Alianza Francesa se presentará Veracruz, nos estamos desforestando o cómo extrañar Xalapa, obra de teatro documental de la compañía mexicana Lagartijas tiradas al sol, expertos en llevar la realidad al escenario, que narra de una manera particular las implicancias de una sociedad sometida al narcotráfico. En la misma sala, el 16 y 17 de febrero se montará La historia del señor Sommer, adaptación de la novela homónima del escritor alemán Patrick Süskind, que cuenta con la actuación de Pep Tosar. Con más de 1500 funciones, es considerada casi una obra de culto en España. Por otro lado, con más de 300 funciones a cuestas, que contaron con la asistencia de más de 45 mil espectadores, el 18 y 19 de febrero se pondrá en escena en el teatro de la Alianza Francesa Acorar, obra que ha recibido numerosos elogios y reconocimientos en España, entre los que cabe citar una nominación en la categoría Espectáculo Revelación en los prestigiosos Premios MAX y una mención especial el año pasado en el 30º Festival de Teatro y Danza de Huesca.

El festival se cerrará el 21 y 22 de febrero en la Sala de Cine de la Alianza Francesa con Escrito por una gallina, una obra escrita e interpretada por Jimena Lindo y dirigida por Guillermo Castrillón. En ella se explora la feminidad, a través de la búsqueda que realiza la protagonista hacía el centro de sí misma, confrontando una posición masculina que la cuestiona.  Además, se realizarán una serie de talleres y conversatorios, que propiciarán un enriquecedor intercambio de experiencias entre artistas nacionales y extranjeros.

La primera edición del Festival Temporada Alta en Perú se llevó a cabo el año pasado con el montaje de cinco obras de compañías España, México y Perú, y convirtió a nuestro país en el tercero de América Latina en el que Temporada Alta tiene presencia, después de Argentina (2012) y Uruguay (2015).  “El primer Festival Temporada Alta en el Perú fue un éxito y una prueba de que el público peruano tiene interés en apreciar nuevas propuestas teatrales. Invitamos a los peruanos, en especial a los jóvenes, a que se atrevan y experimenten con un teatro diferente”, finalizó Turbet Delof.  

Las entradas ya están a la venta en TuEntrada de Plaza Vea y Vivanda y por internet en tuentrada.com.pe. Para la obra Todavía no es medianoche los precios estarán desde S/.15 soles general y desde S/. 7.5 soles para estudiantes universitarios, adultos mayores, profesores de instituciones educativas públicas, personal CONADIS o que presta servicio militar voluntario. Para el resto de obras, los precios son:  S/.45 general y S/.25 estudiantes y un precio único de preventa hasta el 7 de febrero de S/. 30. Los abonos están S/.100 soles y permite adquirir cuatro entradas para cualquiera de las obras, con excepción de La noche justo antes de los bosques (en esta obra sólo ingresarán 35 espectadores por función) y Todavía no es medianoche.   

Estreno: RESPIRA

De Eduardo Adrianzén

Todos los sábados y domingos de febrero a las 8:oop.m. en el Teatro Mocha Graña

Sinopsis:
“Respira” es una tragicomedia que cuenta la vida de Mario, un hombre de 40 años que habiendo llegado a una situación límite en su vida se enfrenta con los fantasmas de su pasado. Él nos redacta su historia desde niño en Lima durante los años setenta, siendo criado en una familia disfuncional y en medio de una sociedad que a veces es represiva e incoherente. Allí encontrará las respuestas que le permitan lanzarse sin miedo a la piscina de la vida y poder creer, o vivir siempre un paso atrás y apartado de los demás. El elenco está conformado por: Joshua Chienda, Alexis García, Mayté Raymundo, Yordan Huamán y Elizabeth Buitrón.

Breve descripción del grupo:
Este es un grupo de jóvenes egresados de la carrera de actuación, entre 18 y 25 años de edad, los cuales se encuentran interesados en expandir la cultura teatral a nivel nacional, realizando varios trabajos juntos, en esta oportunidad desean interpretar la obra “Respira” de Eduardo Adrianzén, la cual trata de los problemas socioeconómicos, político-religioso del año 79’ aproximadamente.

Con mucho talento e iniciativa, ellos se presentarán en el teatro Mocha Graña.
Dirección: Colectiva

Datos de las funciones:
Día: Sábados y Domingos del 4 al 26 de Febrero 2017.
Hora: 8:00 p.m.
Lugar: Casa Cultural Mocha Graña
Dirección: Av. Sáenz Peña 107, Barranco
Costo: S/. 15.00

Contacto:
Giuliana Mendoza
E-mail: giulymmr_7 @hotmail.com

Cel. 959245306
@Mochacultural

miércoles, 25 de enero de 2017

Entrevista: RODRIGO FALLA BROUSSET

“No hay excusa para dejar de aprender”

De todo en día fue un espectáculo que consistió en cinco obras de corta duración, producto de los talleres de Plan 9, a cargo de David Carrillo. Uno de los cuadros más celebrados fue Dúo matrimonial de Lauren Wilson, con la participación de Rodrigo Falla Brousset, que resultó ganador del premio del jurado de Oficio Crítico como el mejor actor de reparto de comedia 2016. “Fue muy divertido trabajar con mi pareja de escena Sandra Barbosa (ganadora también por Love and chill)”, afirma el joven artista. “En el taller probaron varias parejas con la lectura, pero al leer con Sandra hubo tanta química que al final David nos dio los personajes. Con ella jugamos un montón, es increíble tener una compañera con la que tienes conexión y que nunca te dice que no… a las proposiciones teatrales, claro (ríe)”.

“Desde el colegio siempre he estado comprometido con las actuaciones”, recuerda Rodrigo. “Solo hasta después que estudié gastronomía, es que decidí que lo que más me gusta es la actuación”. Inició en talleres para adolescentes en el TUC (él salió del colegio a los 15 años), y a la par participó en talleres de improvisación en Pataclaun. “Posteriormente entro formalmente al TUC, dos años después paso al Conservatorio de Leonardo Torres Vilar y al terminarlo, finalmente, al Taller de Plan 9”. Rodrigo considera que un actor nunca termina de formarse. “La impro ayuda a la desinhibición y a mí me ayuda para poder jugar con los personajes que me dan, estar vivo en escena”. Por otro lado, asegura que con Torres Vilar y Carrillo creció tanto como actor y persona. “Con Leonardo, aparte de aprender la técnica Meisner de “reaccionar honestamente”,  leía un montón de obras de teatro y descubrí que no solo me gusta actuar, sino también leer teatro. Y de David me quedo con la sabiduría que tiene para enseñar, puedes conversar con él y ya te está enseñando algo; además, aprendí más sobre la construcción del personaje y mucho sobre dirección, en cómo ve el montaje y cómo lo desarrolla”.

La problemática del teatro

La inminente pérdida del Teatro Larco y el alto en las actividades de la Asociación Plan 9 han sido duros golpes para nuestro panorama teatral. “Admiro mucho a David, su productora nació por la necesidad de dos personas (Giovanni Ciccia y Carrillo) por hacer teatro”, afirma Rodrigo. “Pero pienso que esta situación no puede detenernos. Sepamos aprender de lo que salió mal, para que luego nos salga bien. Yo creo mucho en proyectos que a la mayoría le parecerán imposibles, pero para hacer buen teatro en nuestro medio y sin contar con una sala o actores mediáticos, hay que arriesgar”. La pregunta que ronda el ambiente es: ¿Qué hacer para llevar gente al teatro? “Creo que tenemos que detenernos a analizar qué es lo que el público quiere ver”, reflexiona Rodrigo. “Puedes pensar en hacer una obra porque sientes que es el momento de hacerlo, pero tienes poca gente. Es que acaso no es lo que el público quiere ver en ese momento. Tampoco digo que hay que hacer teatro superfluo o mediático. Pero debemos encontrar un equilibrio. Verás que el público que acostumbra pagar y el que no, irán a las salas”.

Para Rodrigo, las características que debe tener un buen actor de teatro son ser disciplinado, estar siempre dispuesto a aprender y recordar sus orígenes. “Como tratas debes ser tratado”, sentencia. “La disciplina conlleva la puntualidad, aprender el texto, la higiene, entre otros: el teatro es un arte grupal”. Si no hay presupuesto para llevar un taller o estudiar, Rodrigo asegura que leyendo, observando y escuchando puedes aprender mucho. “No hay que dormirse en los laureles. Yo no tengo un gran capital para estudiar en otro país, pero sí viajo para ver teatro y aprendo de esas obras, he visto montajes que me nutren como actor y director. No hay excusa para dejar de aprender”. La humildad también es una característica especial que considera Rodrigo. “Si en un momento dado, llegas a un nivel más reconocido, acuérdate con quienes empezaste. Hay que ser agradecido, conozco gente muy humilde que trabaja para grandes productoras y también gente que con solo un taller cree que ya lo sabe todo. Debemos dejar ese antiguo pensamiento del querer ser protagónico; así un personaje salga solo una vez en escena, sin él no hay función. Todos somos uno al momento de hacer teatro”.

Por otro lado, para Rodrigo existen varios tipos de directores de teatro. “Algunos te dejan total libertad y van construyendo con lo que les das; otros que llevan algo ya estudiado y predispuesto, pero a la par trabajan contigo; y finalmente, los que tienen toda su obra ya en la cabeza. Ninguno está mal. Pero creo que un buen director sabe escuchar a sus actores”. Importante también para Rodrigo es que formen parte activa del grupo. “Me ha pasado que hay directores ausentes, que van a dirigir, dicen un par de cosas y luego ya no los ves”. Finalmente, es necesario que un director sepa lo que está haciendo. “No que no haya estudiado dirección, me refiero a que llegue con un conocimiento previo, por ejemplo, que sepa las referencias específicas en el texto”. Rodrigo solo ha trabajado con directores que han sido actores y sí lo considera una ventaja. “Conoce cómo se desenvuelve un actor, se divierten contigo dependiendo del estilo de la obra”.

De todo en un día y proyectos

Para el mencionado proyecto de De todo en un día, Carrillo convocó a egresados de su Taller de Plan 9. “Es algo que otras escuelas también deberían hacer: Roberto Ángeles lo hace, Leonardo también en su última puesta, Escenas en casa de Vasili Beseménov. Demuestra que se confía en lo que se está formando”. Inicialmente, Rodrigo pensó en llevar la pieza Dúo matrimonial a microteatro, pero después de la agotadora temporada reconoció que fue mejor no hacerlo. “Acabamos agotados, fue una bonita experiencia (adicionalmente de la dirección de David), pero muy extenuante: en escena el personaje de Sandra me tiraba literalmente de un lugar a otro”.

Como lo mencionaba Rodrigo, el riesgo es muy importante en los proyectos que decide realizar. “Tengo varias cosas gestando: dos musicales y algunas obras de las que no puedo hablar mucho, entre ellas, un proyecto de obra teatral con 50 actores”. Leyó bien: ¡50 actores! “Como productor normalmente dirías: ¡Ni hablar! Pero todos los actores que hemos invitado se sienten muy motivados. No puedo adelantar mucho, pero es un proyecto que debió haberse hecho acá desde hace mucho tiempo. Dará que hablar de buena manera y será una experiencia teatral diferente”. Y es que para el montaje se han convocado actores de todas las edades, escuelas y estilos. “Solo produciré, la obra no necesita director”, concluye misterioso.

Sergio Velarde
25 de enero de 2017

martes, 24 de enero de 2017

Entrevista: CRISTHIAN PALOMINO

“Si crees que el personaje no es para ti, es mejor dejarlo pasar”

Una de las comedias más entretenidas del año pasado fue, sin duda, Love and chill. Escrita por Federico Abrill y David Carrillo, y dirigida por este último, la puesta en escena sirvió para el lucimiento de diez jóvenes actores egresados del taller de Plan 9. Uno de ellos llamó la atención por su desenvolvimiento escénico: Cristhian Palomino ganó el premio del jurado de Oficio Crítico como mejor actor de reparto. Y no es la primera vez que Cristhian gana un reconocimiento por su trabajo. “En tercero de secundaria el profesor de Historia nos animó a participar en un concurso municipal”, recuerda. “Escribí el libreto, animé a mis compañeros a participar y competimos contra colegios que sí tenían profesores de teatro. Ocupamos el primer lugar, gané los premios para el mejor actor y el mejor texto. Me dije: de repente esto es lo mío”.

Posteriormente, Cristhian entra a la facultad de Comunicaciones de la universidad San Martín. “Pensaba que el teatro era solo un hobby mientras estudiaba Comunicaciones. Pero después decidí hacerlo profesionalmente. También me incentivó mucho ganar la Presea Uchuraccay del Colegio de Periodistas por mi investigación y posterior dramaturgia de Muertos que aún respiran, obra basada en la época de conflicto interno”. Su profesor en la universidad fue nada menos que Jonathan Oliveros, actual director de Liberarte Talleres Especiales y responsable de algunas de las más simpáticas y exitosas comedias de la temporada. “Ahora yo tomé la posta, dirigiendo actualmente al elenco; y así como me enseñó Jonathan, motivo a mis alumnos (o compañeros, como me gusta llamaros) a que vayan a ver muchas obras de teatro al año. Estoy muy agradecido con la USMP porque ahora reconoce a nuestro grupo y  nos apoya. El decano Johan Leuridan se preocupa por los emprendimientos de sus alumnos”.

Talleres y maestros

“David (Carrillo) es mi maestro, confío mucho en él, siempre ha sido un gran apoyo”, afirma Cristhian. Consultado sobre el cese temporal de actividades de la Asociación Plan 9 por falta de público, entre otras cosas, él opina que los jóvenes son tercos y tienen ganas de hacer cosas nuevas. El propio David les inculcó el hecho de autogestionarse. “Es cuestión de ejecutar  estrategias de publicidad, de poner el hombro  para que el teatro siga reinventándose. Tener un buen producto, pero también difusión creativa”. Cristhian afirma ser sumamente detallista cuando debe promocionar alguno de sus montajes. “Cuidamos cada detalle, los afiches, los flyers, las campañas de intriga. Yo estoy seguro que Plan 9 solo se va a tomar un descanso y sé que va a encontrar la manera de volver por todo lo alto”.

Por otro lado, Cristhian también ingresó a la escuela Vodevil. “Existe en Vodevil, la agencia y la escuela de teatro; yo entro a trabajar en la agencia en redes sociales, pero estando allí me recomendaron entrar a la escuela. Así lo hice y fue una experiencia súper interesante, hice musicales, aprendí técnica de canto, de baile”. Cristhian reconoce que lo mejor de Vodevil es que es como una familia y además, destaca a sus compañeros, que desde muy lejos acuden a la escuela con muchas ganas de aprender y trabajar. “Tanto Plan 9 como Vodevil son escuelas muy lindas y diferentes entre sí a las que quiero mucho; para mí fueron muy complicados mis tiempos en el 2015: por las mañanas en Plan 9, por las tardes trabajaba y por las noches en Vodevil. Fueron experiencias enriquecedoras”.

Cristhian considera que un buen actor de teatro debe “saber escuchar, pues la experiencia no hace que lo sepamos todo”. Resalta también la constancia y la puntualidad, pues de lo contrario se pierde la disposición y el respeto a la hora de ensayar. “Es importante que el actor se enamore de las obras en las que está. A veces cuando uno empieza, acepta por emocionado pero ya aprendí la lección. Debemos ofrecer un trabajo con dedicación total, si crees que tal personaje no es para ti, entonces es mejor dejarlo pasar”. De otro lado, un buen director de teatro debe “aceptar que los actores tienen propuestas y que estas podrían ser interesantes para el montaje. En eso se basa también la exploración. Otra característica importante de un director, en mi opinión, es que debe saber tomar decisiones, tener  la facultad de escuchar pero también de decir: ‘Esto queda’.”

Los montajes y proyectos

Nuestro secreto (2015) de Rosabel Rojas fue el primer montaje profesional de Cristhian (como él mismo afirma), en donde conoció a dos experimentados actores, como lo son Lilian Nieto e Ismael Contreras. “Ellos son mis padres en el teatro”, manifiesta. “Tengo siempre comunicación con Lilian, especialmente cuando nos suceden cosas peculiares, nos llamamos de inmediato;  con Ismael es más complicado porque siempre está ocupado, pero cada vez que nos vemos encontramos un espacio para conversar”. Cristhian aspira a convertirse algún día en un artista como ellos. “Son muy profesionales, yo estaba con muchos nervios en la temporada, pero la comunicación entre todos fue muy fluida. Ellos buscan compartir sus experiencias con los jóvenes, hacen dinámicas, ojalá pueda tener algún día esa potencia y fuerza”.

Además, Cristhian participó en los montajes de Promoción (2015) de Aldo Miyashiro y en No vas a ganar (2015), escrita por él mismo; también considera que han sido procesos enriquecedores. “Kathy Serrano se ha convertido en una gran cómplice y amiga. Estos montajes no habrían sido un éxito sin su genialidad. Junto a Raúl Sánchez formamos un gran equipo para microteatro”.

“Luego de terminar el taller de Plan 9 (con el montaje de Una historia de cine a lo Hollywood), uno siempre tiene la ilusión que David nos convoque para estar en uno de sus montajes”, recuerda Cristhian. Es en marzo del año pasado que Carrillo convoca a 20 de sus egresados para realizar un taller laboratorio sobre el amor. “Hicimos las improvisaciones con gente a la que admiro mucho y luego David nos dijo que iba mandar correos a 10 de nosotros para hacer el montaje. Ese día revisé mi correo por la tarde y no había nada, pero después a las 8 de la noche me encuentro con Federico Abrill que me dice que revise mi correo y efectivamente había sido convocado”. Su personaje, un muchacho inmaduro que “gilea” a una mujer mayor (Sandra Barbosa, ganadora del premio del público), logró llamar la atención. “Como lo mencioné en la premiación, mis compañeros son como mis hermanos y hemos formado una verdadera familia”. Con dos exitosas temporadas en Lima y con funciones llenas en Arequipa, Love and chill fue un verdadero reto para su elenco. “Esa obra requiere demasiado un timing preciso, pero tenemos todos mucha química y cariño. Cada uno de mis compañeros tiene un gran futuro”.

Cristhian tiene múltiples proyectos para este 2017. “Estaré en microteatro con la obra De vuelta por Gino, con Natalia Torres y Manuel García. Estoy dirigiendo Azul Resplandor de Eduardo Adrianzén y Sombras nada más de David Carrillo, todo esto con el Elenco USMP; además, estoy organizando un festival de teatro para el mes de junio". También verá la luz en setiembre, una versión extendida de la microobra Todo por los 15 mil, escrita y actuada por Cristhian, quien interpretará nuevamente a Roxy. “Y en noviembre estaré actuando en la obra Nuestro hermano del español Alejandro Melero. Y por supuesto, estoy dispuesto a trabajar en lo que se me presente”, concluye.

Sergio Velarde
24 de enero de 2017