martes, 31 de octubre de 2017

Conversatorio: ENFOQUES TEATRALES EN GESTIÓN CULTURAL

Con la participación de Carlos Tolentino, Kitty Bejarano y Ximena Arroyo.

Día: Miércoles 22 de noviembre.
Hora: 8:00pm (Hora exacta).
Lugar: Sala de Usos Múltiples de la Biblioteca Nacional del Perú – Av. De la Poesía 160, San Borja.

Los Dramaturgos (www.losdramaturgos.com), página web dedicada a la recopilación y la difusión de la dramaturgia nacional, gracias al apoyo de Teatro Club, organizará el “1er Ciclo de Conversatorios Teatrales”.

Esta iniciativa tiene como objetivo principal generar debates, cuestionamientos, diálogos de interés acerca del teatro y diferentes aspectos de él. Los conversatorios se realizarán mensualmente, en puntos descentralizados de nuestra capital, y serán de ingreso gratuito.

Para acceder a la programación anual de conversatorios, puede ingresar a la siguiente nota:

Conversatorio Nº4: “Enfoques Teatrales en Gestión Cultural”
Se llevará gracias al apoyo de la Biblioteca Nacional del Perú y contará con la presencia de los gestores culturales: Carlos Tolentino, Kitty Bejarano y Ximena Arroyo; además del Director General de Los Dramaturgos Daniel Zárate. Ellos se reunirán en este espacio de diálogo y reflexión para profundizar acerca de la situación de la gestión cultural, específicamente de proyectos teatrales en nuestro país.

Para mayor información, lo invitamos a visitar nuestro fanpage:

¡Los Dramaturgos agradece su gentil apoyo en la difusión!

Crítica: CIUDAD CUALQUIERA

El caos dentro

Personas que se buscan para aliviarse o verbalizar su crisis a raíz de una depresión activa, movilizadora, urgida de desahogo. Ciudad cualquiera habla de la liberación y evidencia los intentos desesperados por conseguirla.

A pesar de la temática, el tratamiento no repara en una historia fúnebre, sino una puesta encendida y lúdica, con chispazos melancólicos. Ante un hilo dramático denso aparece otro cargado de gags que generan contraste y rompen la emoción precedente. En ese vaivén el desarrollo pierde equilibrio, debido a que algunos personajes se convierten en elementos distractores y se apartan de ser entendidos como personas con un conflicto.

En este sentido, la interpretación es irregular. Por su parte, Marcello Rivera y Vanessa Vizcarra se encargan de construir personajes tangibles, que nacen a partir de detalles significativos como un ligero cambio de voz o energía, particularidades muy concretas que les permiten atravesar el ejercicio del cambio circunstancial en forma fluida.

Por otro lado, Giovanni Arce y Andrea Luna se encasillan en la construcción de caricaturas que uno identifica fácilmente, pero en este caso, dificultan la conexión e identificación con la línea dramática de sus caracteres.  Finalmente, Oscar Meza practica ambas construcciones. Esta combinación de tonos impide la armonía global de la puesta y acalla sensaciones que podrían liberarse sinceramente, incluso dentro de aquellos personajes que se consideran cómicos, o con mayor histrionismo.

La escenografía plantea lo indefinido, la generalidad, lo cualquiera y su presencia enmarca con fuerza este mundo imaginario. Adquiere mayor protagonismo en cuanto se juega con la altura, el riesgo, la espacialidad entre los personajes y el imaginario que estos construyen a partir de la nada. Los actores le dan valoración al vacío que tienen alrededor y abren campo a nuevas convenciones que parten del puro imaginario. La utilería, por su parte, funciona como pequeños puntos de color y forma que definen a la diversidad de caracteres que pisan el escenario y adquiere mayor complejidad cuando entre el elenco intercambian personajes.

Ciudad cualquiera tiene en su final la virtud de conmover, demuestra que cuando se carga el escenario de sinceridad las escenas crecen, el caos libera y el lenguaje se expande. Por otra parte, cuando no, el escenario se aparta y las sensaciones quedan truncas.

Bryan Urrunaga
31 de octubre de 2017

lunes, 30 de octubre de 2017

Crítica: LAS MUJERES DE LOS NAZIS

Las damas en el Tercer Reich

En 2006, el dramaturgo argentino Héctor Levy-Daniel decide realizar una investigación sobre el nazismo, pero centrándose en el papel que jugaron las mujeres en dicho periodo; el resultado: Las mujeres de los nazis (2008), puesta en escena que fue estrenada como una trilogía, con historias diferentes protagonizadas por elencos independientes, a cargo de tres directores distintos, uno de ellos, el mismo autor. Actualmente, la pieza viene presentándose en el Teatro El Olivar, con la única dirección de la novel Daniela Lanzara y la participación de tres actores para todos los cuadros. Así, nos internamos en un misterioso tren, en donde Magda Goebbels (Denise Arregui), la esposa del ministro de propaganda nazi, se encuentra con su ex amante judío (Roberto Ruiz), ambos sin saber hacia dónde se dirigen. Luego, conoceremos a Irma Grese (MaCla Yamada), joven mujer alemana que torturó y ejecutó a judíos en los campos de concentración, así como también los puntos de vista de su verdugo (Ruiz) y de una doctora prisionera (Arregui). Finalmente, escucharemos a la sobrina del mismísimo Hitler, Geli Raubal (Yamada), que a su vez fuera su gran amor.

Si bien es cierto que los tres cuadros que conforman la puesta poseen estructuras dramáticas distintas, sí que comparten el hecho de nunca juzgar a estas mujeres, siendo algunas de ellas responsables de actos aberrantes y otras, víctimas de atroces circunstancias. En "La inquietud de la señora Goebbels", la dinámica entre la dama y el amante es poética y surreal; en "La convicción de Irma Grese", pesan las impactantes declaraciones de los personajes más que sus acciones en el escenario; y en "El dilema de Geli Raubal", se percibe la genuina confusión de la muchacha entre los diferentes tipos de amor que siente por un lado, hacia su tío y por el otro, hacia su chofer. En las tres historias, las mujeres nunca son juzgadas pero son también víctimas del horror y la perversión que los mismos nazis ejercieron en el Tercer Reich. A destacar, en todo caso, el papel y la actuación de la madre de Geli en manos de una notable Arregui.

Resulta un mérito evidente el de la directora Lanzara, el darle una sobria unidad a la trilogía original de Levy-Daniel, con contados elementos escenográficos y un buen diseño de luces, apoyada en un trío de actores de lujo, quienes interpretaron sin tacha a este puñado de controvertidos personajes pero sin excesos de ningún tipo. Acaso el mensaje proyectado al final, haciendo evidente el paralelo entre aquella época y la actual, tan llenas de discriminación e injusticia, pueda lucir algo explicativo e incluso innecesario; sin embargo, aquel detalle no le resta méritos a una obra de fina escritura, brillante interpretación y estilizado montaje, muy a pesar de su chocante contexto, como lo es Las mujeres de los nazis. De visión obligatoria.

Sergio Velarde
30 de octubre de 2017

Festival: FLAMENCO PERÚ 2017

¡Celebremos juntos el Día Internacional del Flamenco!

El FESTIVAL FLAMENCO PERÚ 2017 es un nuevo encuentro escénico en la ciudad de Lima, un encuentro donde los artistas flamencos junto a su público, celebrarán el Día Internacional del Flamenco. Fue un 16 de noviembre del 2010 que la UNESCO declarara al flamenco “Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad” y a partir de ese año, celebramos este reconocimiento.

El FESTIVAL FLAMENCO PERÚ 2017-La fiesta del flamenco, se realizará en el Centro Cultural Ricardo Palma a las 8 pm, los días 7, 8 y 14 de noviembre próximos. Serán tres días inolvidables con el toque, cante y baile de artistas consagrados junto a jóvenes promesas. Y este cartel de lujo se completará con  invitados de Venezuela, Cuba y Rusia.

Inauguraremos el festival con GARBO Y DUENDE, una función con el arte flamenco de artistas latinoamericanos. Compartirán tablas la bailaora Lisbeth Buzzi, de elegante y provocador estilo. Además, el talento y originalidad de Diana Rizopatrón, junto a Antonio Vilchez, nos mostrarán su forma de vivir el flamenco con sabor peruano. Y será una ocasión especial para presentar por primera vez en el Perú, al joven bailaor venezolano Edmundo Ríos-Vásquez, ganador del Premio Torbellino Flamenco 2011 y gran promesa del baile. Este cartel de lujo se completa con las guitarras del maestro Víctor Meléndez y Adolfo Cancho, el cante de Augusto Gil El Galleta y la percusión de Kevin Pacora.

El 8 de noviembre, tendremos FLAMENQUEANDO, una función con tangos, guajiras y alegrías. Tres estilos de baile y una nueva generación de artistas cuyo talento y pasión marcarán el compás del arte flamenco peruano. Con la participación de los elencos y jóvenes talentos de Flamenco y Fusión dirigido por Mariana Olaechea; Pasión Flamenca, dirigido por Diana Cuéllar y Jimena Cuéllar y Fuego Andaluz dirigido por Jasmín Pozzo, también nos acompañarán los alumnos del Taller de Danzas Españolas y Flamenco del MALI. Estos nuevos talentos estarán acompañados por experimentados músicos. Juan de la Vega y Adolfo Cancho en la guitarra, Larissa Sánchez y Daria Semenova (Rusia) en el cante y el cajón de Hann Meléndez.

Y en la clausura, ofreceremos una verdadera fiesta en SERENATA FLAMENCA. Artistas de gran calibre y talla internacional nos acompañarán en este fin de fiesta. Una función con el encanto y embrujo andaluz de Diana y Jimena Cuéllar de Pasión Flamenca-Perú. También tendremos la participación de la joven bailaora Estefanía Vásquez, importante promesa peruana del baile flamenco, en una de sus últimas presentaciones en nuestra ciudad. Y por primera vez en los escenarios peruanos, el bailaor, coreógrafo e investigador argentino, Gabriel Arango, quien nos acompañará con soleá, martinete y mucho más.

En la guitarra tendremos al maestro Ernesto Hermoza y al talentoso Moisés Oblitas, guitarras flamencas de exportación. En la percusión, al talentosísimo Cristian Castañeda. Y una artista invitada.

Es cierto, tres días inolvidables y tres generaciones en un mismo escenario. Un encuentro con tangos, bulerías, guarijas, fandangos, alegrías y fin de fiesta con sabor latinoamericano.
¡¡Esta fiesta está por comenzar, los esperamos!!

Fechas: 7,8 y 14 de noviembre
Lugar: Centro Cultural Ricardo Palma- Av. Larco 770, Miraflores

Precios:
General: 50 soles
Estudiantes y jubilados: 40 soles

Informes y venta de entradas:
946 000 342 (whatsapp)
Facebook: @FestivalFlamencoPeru
Twitter: @flamenco_peru
Y en el mismo Centro Cultural Ricardo Palma el día de la función desde las 7 pm.

PRODUCCIÓN GENERAL
RUTH ZEA LOAIZA

Crítica: EL PRIMER CASO DE BLACK & JACK

Starsky y Hutch con la chica de los años 20

Comedia del absurdo que rompe muchos esquemas pero divierte, pues juega con el estilo de las antiguas series de detectives de los años 80. Es el resultado de la creación colectiva entre la directora Paloma Reyes de Sá, Carol Hernández y los actores Manuel Gold, César García y Jely Reategui. Bajo la producción de Gestus, la puesta en escena va los martes y miércoles en el Teatro Julieta y refleja nuestra sociedad peruana, exponiendo lo ridículo que podemos ser, muchas veces, al tratar de ser quienes no somos. Otros temas que aborda son el machismo, el feminismo y una burla a la doble moral. Black (Gold) y Jack (García) son dos hombres desempleados y con nada en común, pero terminan involucrados en un caso de mafia, al lado de la sexy bailarina Yesica (Reátegui), pues por cosas del destino encuentran una misteriosa maleta.

El montaje consta de tres ambientes sencillos, adornados con colores primarios, oscuridad y luces de neón, caricaturizando las escenas con sumo cuidado en los detalles. Hay un atinado uso del narrador, quien además de describir las acciones en sus pensamientos, las compartía con el público (los testigos), que no paraba de reír al visualizar las acciones descritas. Los jocosos gags integran hechos de la realidad y del contexto social actual. Y curiosamente, los momentos en los que los actores permanecen en silencio, sin realizar otra acción que la de fijar la mirada al público, logran que este estalle de risa.

En cuanto a las actuaciones, resalta la participación de Reátegui, pues si bien es un personaje secundario, este logra ensamblar la historia con fuerza, astucia y personalidad calculadora, manteniendo sensualidad y energía de principio a fin, a pesar de los zapatos altos; el maquillaje fuerte y sus maniobras en el pole dance hicieron que su disfrute en la actuación fuera notorio. Por su parte, Gold destacó por su energía y carisma a las que nos tiene acostumbrados, corporalmente muy humorístico; y García, dotando a su personaje de características precisas para lograr convencer al público.

El primer caso de Black & Jack cumple su objetivo al considerarse una “comedia prohibida”, ya que se suman escenas sexuales, desnudos y términos soeces, siendo adecuada para un público juvenil y adulto. El mensaje que rescato de la obra es el de apreciar la amistad y la lealtad; así como el arriesgarlo todo por ellas. Gracias por la función.

María Victoria Pilares
30 de octubre de 2017

sábado, 28 de octubre de 2017

Crítica: EL ARCOÍRIS EN LAS MANOS

Después de toda tempestad, sale el arcoíris

“¿Sabes por qué esa bandera está llena de colores? Es por ese arcoíris que siempre perseguimos y siempre se nos escapa”, mencionó una mujer transgénero llamada Vandrea (un inmejorable Miguel Álvarez), mientras señalaba la bandera gay que colgaba en el escenario, dentro de uno de los montajes más sorprendentes, atinados y logrados del año: El arcoíris en las manos, escrito por Daniel Fernández y dirigido por Dusan Fung, cosechó numerosos comentarios positivos de público y crítica durante su temporada setiembre-octubre en el Centro Cultural Ricardo Palma de Miraflores. Es por ello que queda ya poco por agregar a las diversas reseñas que ha generado esta obra, premiada con el tercer puesto en el Concurso Nacional “Nueva Dramaturgia Peruana 2015” del Ministerio de Cultura y producida por Imaginario Colectivo.

Por ejemplo, para Pepe Santana, como anota en su Advenedizo Digital, las fortalezas de El arcoíris en las manos se debilitan con los monólogos explicativos que acompañan la sentida historia de una joven mujer transgénero, que responde al nombre de Marita (un sorprendente Miguel Dávalos), que desea estudiar contabilidad en un instituto, luego de haberse dedicado a la prostitución. Sin embargo, este detalle particularmente no desmereció el ritmo de la puesta, en gran parte por el notable desempeño actoral, que aprovechó dichos momentos para dirigirse al público y mantenerlo a la expectativa de la historia. Así, los espectadores comprendimos un poco más a los personajes que rodean a Marita, como su madre (una excelente Tatiana Espinoza), quien con total naturalidad le recriminaba por su conducta a la vez que le exigía dinero; o como su amante (un convincente Eduardo Ramos), quien luego de verla siempre a escondidas se muestra ante los demás como el “macho” empedernido, además de pedirle dinero también; o como su hermana (una delicada Mariajosé Vega), una auténtica buena para nada, pero noble muy en el fondo a su manera.

Así también, como lo mencionó nuestra colaboradora Stefany Olivos, El arcoíris en las manos representó en realidad, la lucha de cualquier persona, cuando es afectada por una de las sociedades más intolerantes y pacatas, como lo es la limeña. Mérito de Fung el de llevar a buen puerto el valiente texto de Fernández, contando solo con cinco actores de excepción, tres tarimas, un catre y un micrófono. El arcoíris en las manos no solo fue una pertinente y necesaria puesta en escena en tiempos actuales, sino que se convirtió, por derecho propio, en uno de aquellos bienvenidos espectáculos teatrales que aparecen luego de la feliz convergencia de escritura, dirección, producción y actuación de primer nivel. Entre lo mejor del año.

Sergio Velarde
28 de octubre de 2017

jueves, 26 de octubre de 2017

Crítica: ENCARCELADOS

Esos trajes naranjas

Desde que su foto promocional apareció, con todos los presos posando encadenados con los trajes naranjas, la puesta en escena de Encarcelados parecía de manera consciente alejarse por completo de retratar la atroz situación de los presos en nuestro país como teatro testimonial, para convertirse acaso en la versión más “americanizada” de un drama carcelario. Ese dichoso color naranja podía transformar la obra ya sea en una versión teatral masculina de la serie de culto Orange Is the New Black, o simplemente ser un detalle superficial que no le aporte nada al montaje final. Pues ni lo uno ni lo otro: Encarcelados, estrenado en el Teatro Auditorio Miraflores por solo tres fechas, fue un tímido e irregular producto teatral que se queda en el camino al tratar de mostrar el horror de estar privado de libertad.

Presentada por Abuelo Producciones y con la dirección de Renatto Argüelles, Encarcelados sí que fue la versión encubierta de la premiada cinta española Celda 211 (2009), con líneas argumentales prácticamente idénticas, como la presencia de un policía encubierto (Jorge Luis Rivera) que debe intentar sobrevivir dentro de un peligroso pabellón sin levantar sospechas; hasta detalles triviales, como el aspecto del líder carcelario (César Gabrielli), muy similar al personaje que interpretó el actor Luis Tosar en la película mencionada. Pero lo que la cinta de Daniel Monzón logró en emoción y suspenso, no se percibe en el montaje de Argüelles, ni con un policía de rehén (apenas mostrado o siquiera mencionado), ni con la inexorable toma del pabellón por las fuerzas del orden, ni con la presencia de una pareja “moderna” (Franco Coloma y Christian Pacora), ni con la aparición del hermano del policía (el mismo Argüelles) que le revelará un terrible secreto al protagonista.

La nula tensión que se desprendió del montaje, con interminables conversaciones que dilataron con muchos tropiezos la trama, delató por igual la débil dirección y el irregular rendimiento actoral. Para los que vieron la primera escena (ya que varios espectadores entraron inexplicablemente ya iniciada la función), el final se adivinaba fácilmente. De continuar presentándose en el futuro, los responsables de Encarcelados deben replantear varios aspectos esenciales de forma y fondo en su puesta en escena, para lograr así fluidez y ritmo, al igual que prescindir de personajes y acciones que no sumen al drama. Pero especialmente, Encarcelados debe esforzarse por ganar una personalidad propia, más allá de aquellos uniformes naranjas.

Sergio Velarde
26 de octubre de 2017

Crítica: YEROVI, VIDA Y MUERTE DE UN PÁJARO CANTOR

El lado humano de Yerovi en escena

Como cierre del ciclo “Leonidas Yerovi – 100 años después”, Aranwa presenta “Yerovi, vida y muerte de un pájaro cantor”, con la dramaturgia de Celeste Viale, nieta del poeta, y dirigida por Jorge Chiarella. La obra nos trae a escena momentos importantes de la vida adulta de Yerovi, mostrándonos también aquellos asuntos amorosos que fueron la principal causa de su asesinato.

La pieza ha logrado tejer  la ideología de la época, la situación de las mujeres, y sobre todo, la de los poetas como Yerovi en el Perú de la post guerra. Desde la vestimenta hasta los argumentos que se usaban en el juicio al asesino nos daban un contexto claro, una forma de pensar específica de aquella época: mujeres subyugadas, pensamiento machista predominante, la idea de que el éxito estará fuera de país... lo que lleva a preguntarme ¿hasta qué punto ha cambiado la sociedad peruana?  Por otro lado, la dramaturgia cuenta con la perspectiva de Yerovi tanto como personaje como una figura omnipresente que comenta hechos sucedidos luego de su muerte, lo que le daba pequeños giros al ritmo de la obra, convirtiéndose en una obra impregnada con la personalidad que el poeta refleja en todos sus escritos.  Es admirable cómo es que a nivel dramatúrgico se ha logrado construir una pieza que logra saltar entre las perspectivas de los personajes tan atinadamente, sin saturar al público con la información que cada uno va dando.

Cada personaje era interesante de ver en escena. Hubo un cuidado exquisito en su construcción, tanto en apariencia física como en el mundo interno y en el modo de pensar. Es en casos como este, que vemos personajes realmente bien construidos, en los que podemos ver y disfrutar de  acciones orgánicas en escena que nos conectan inmediatamente a la obra. Vimos a un Yerovi (Janncarlo Torrese) ilusionado y ambicioso, una madre (Daniela Rodríguez) – y padre – conservadora que hace todo por que se haga justicia por la muerte de su hijo, un juez y amigo de Yerovi (Neskhen Manueño) que con un alto grado de ética profesional apoya a su madre en el proceso del juicio, un Sánchez (Alfonso Dibós) apasionado e incontrolable, y un agradable y variado etcétera.  Incluso los personajes con pocas apariciones en escena tenían un “no sé qué” pintoresco, una particularidad placentera de ver. Sin embargo, el acento del personaje  asesino de Yerovi,  Sánchez,  tuvo momentos frágiles en los que la propuesta de acento chileno se perdía, o incluso a veces por el acento no se lograba entender lo que decía. En estos casos, el uso de acentos debe estar al servicio del actor, no ser un obstáculo para la representación.

El escenario circular permitió una multiplicidad de desplazamientos en el espacio que se logró explotar al máximo. Hubo una consciencia fina del espacio reflejada no solo en la posición de los personajes, sino en su corporalidad: incluso de espaldas podíamos notar lo que le pasaba a cada uno de ellos. Hubo una precisión técnica en el manejo de las luces, la música y los cambios tanto de vestuarios como de utilería que aportaban al ritmo de la obra. Definitivamente la dirección fue atinada y cuidadosa en cada detalle, incluso en el saludo final de la obra se encargaron de respetar la misma limpieza en el manejo del espacio.
Un detalle importante dentro del desarrollo de la imagen de Yerovi que se muestra en la obra es la figura del padre, un hecho clave que parece ser el gatillo de todas las decisiones que Yerovi va a tomar, luego de enterarse de que no lo va a reconocer como hijo. La obra comienza con Yerovi regresando de ir a visitarlo, siendo a la larga un impulso para lograr el éxito. Sin embargo, la figura del padre ausente se traducirá en el vacío que Yerovi intenta llenar: ya sea viajando a Argentina, ya sea en sus aventuras amorosas. Es interesante una de las conclusiones a las que la obra llega: se juega con la figura del padre y el asesino como causas principales de su muerte.

Esta obra no es un elogio a Yerovi, como alguno podría pensar. A través de los saltos temporales entre hechos de la vida del autor y escenas del juicio luego del asesinato, tenemos la presentación de una visión cercana al Yerovi humano, con errores, ilusiones, cargas y traumas que cualquier persona, famosa o no, podría tener.

Stefany Olivos
26 de octubre de 2017

martes, 24 de octubre de 2017

Reestreno: ASÍ DE SIMPLE

Dirigida por Yanira Dávila

Estreno: martes 7 de noviembre a las 8:00 pm
Temporada: 7 de noviembre al 6 de diciembre
(martes y miércoles 8:00 pm)

La exitosa obra “Así de Simple”, ópera prima de Ignacio Bresso y Sofía González Gil, dirigida por Yanira Dávila, se presentará en una corta temporada de diez únicas funciones desde el martes 7 de noviembre a las 8:00 pm en el Teatro de Lucía de Miraflores. Esta obra fue ganadora del Premio del Público del XV Festival Saliendo de la Caja organizado por el Centro Cultural de la PUCP.

Clara y Joaquín se conocen, se enamoran y se mudan a vivir juntos rápidamente. Ambos se encuentran y desencuentran en distintas etapas de sus vidas, recordando con mucho humor distintos momentos de su relación.

La obra es una divertida comedia romántica que cuenta la historia de Clara y Joaquín, una pareja joven que se muda a convivir rápidamente. Todo aparenta ir bien, sin embargo,  son sus voces interiores quienes manifiestan sus verdaderos sentimientos evidenciando así los conflictos y dudas que existen en las relaciones de pareja. Estas voces son escuchadas en escena todo el tiempo e interpretadas por diferentes actores.

ASÍ DE SIMPLE es una propuesta que juega con diferentes dimensiones y realidades. Clara y Joaquín son dos personajes, pero son seis a la vez. El personaje de Clara es interpretado por tres actrices y el personaje de Joaquín por tres actores. Cada uno corresponde a un aspecto diferente de ambos: Joaquín 1 y Clara 1 son las partes sociales y las que interactúan entre sí. Clara 2 y 3 y Joaquín 2 y 3 son el aspecto racional y emocional, respectivamente, que están dentro de las cabezas de los protagonistas.

ASÍ DE SIMPLE – DIEZ ÚNICAS FUNCIONES
Lugar: Teatro de Lucía
Dirección: Calle Bellavista 512, Miraflores
Funciones: del 7 de noviembre al 06 de diciembre, martes y miércoles
Hora: 8:00 p.m.
Entrada General: S/. 40 nuevos soles
Estudiantes y jubilados: S/. 20 nuevos soles

Pre-venta hasta el 07 de noviembre a S/.30 y S/. 20 nuevos soles
Venta de entradas en la boletería del teatro, a través del fanpage de la obra @asidesimpleobra y en la plataforma web de Atrápalo.

Reservas y venta de entradas al correo asidesimpleproduccion@gmail.com

domingo, 22 de octubre de 2017

Crítica: CORIOLANO

Pertinente adaptación en épocas incaicas

Coriolano, una de las tres tragedias romanas de William Shakespeare y además, de las últimas piezas que escribió y acaso, una de las menos conocidas, fue llevada a escena por el incansable colectivo Aqualuna Teatro, siempre de la mano de su director Ricardo Morante, quien ya se había aproximado al universo del Bardo Inglés con la estimable Todos somos Julieta (2015). ¿Por qué montar ahora Coriolano? Basta solo con conocer su argumento: basada en las Vidas paralelas de Plutarco (una colección de biografías de personalidades griegas y romanas), la trama se centra en Cayo Marcio Coriolano, un soberbio general romano, que debe ceder a las truculencias políticas de turno para conseguir así la aceptación de la voluble población y así hacerse del poder. Aplicada la historia a nuestro contexto político y social actual, las explicaciones salen sobrando.

Coriolano, que ya había sido adaptada para televisión y para cine (debut como director del notable actor Ralph Fiennes en el 2011), fue presentada en escena por Morante con formato de drama histórico pero adaptado nada menos que a nuestra etapa incaica; su mayor acierto entonces, fue que su puesta no lució forzada en ningún momento. Es así como el enfrentamiento de este militar inca Cayo Mayta Coriolano contra los chancas; las intrigas de los curacas para acusarlo de traidor, amparados en la actitud despectiva del guerrero hacia el pueblo; la ambición de la madre, quien le aconseja a su altanero hijo disimular y fingir para así conseguir el voto favorable de gente que no le importa; y el triste final, con Coriolano vencido por la traición, la doblez y especialmente, por su propia soberbia, lucen en escena coherentes y fácilmente identificables con nuestra realidad actual. En tiempos de conflicto, sí vale la falsedad con tal de ganar.

El montaje de Morante, con todos los actores dentro de la caja negra y vestidos del mismo color, jugó con los vestuarios y accesorios andinos, como ponchos y chullos, para diferenciar a los múltiples personajes que encarnó el elenco. En los roles principales, Daniel Zarauz, Cecilia Tosso y especialmente Paco Varela, asumieron con dignidad sus personajes, bien secundados por Pedro Olórtegui, Paul D´Arrigo, Víctor Barco, Patricia Moncada y Caroll Chiara. La temporada de Coriolano, en el Teatro Auditorio Miraflores en co-producción con La X Productora, no solo reafirmó el magisterio de Shakespeare en la actualidad, sino que resultó absolutamente pertinente para demostrar que la clase política (la nuestra y en general) no ha cambiado demasiado, así pasen los siglos.

Sergio Velarde
22 de octubre de 2017

sábado, 21 de octubre de 2017

Reestreno: EN EL JARDÍN DE MÓNICA

Obra de Sara Joffré se reestrena en la AAA

Mónica es una niña sin edad que juega, denuncia y nos invita a reflexionar sobre la fragilidad de la infancia y el medio ambiente. Protagonizada por Ximena Arroyo, Jamil Luzuriaga y Sergio Ota, con la dirección de Omar del Águila. Se presenta en una corta temporada, los sábados y domingos a las 4 de la tarde, del 28 de octubre al 05 de noviembre.

“En el jardín de Mónica”, la obra teatral basada en el texto escrito por la recordada dramaturga Sara Joffré, se reestrena en la Asociación de Artistas Aficionados, en una corta temporada, los sábados y domingos a las 4 de la tarde, del 28 de octubre al 05 de noviembre del 2017.

La pieza, que alterna diversas disciplinas sobre el escenario como teatro de títeres, nos cuenta la historia de una pequeña sin edad que nos introduce en su mundo particular, en el que se defiende de una realidad hostil. Ella inventa su jardín, para creer que este mundo puede ser diferente. Mónica juega y denuncia. Ha sido muy golpeada por la vida y, en consecuencia, tiene profundas carencias afectivas. Una niña y un niño serán sus cómplices, disfrutarán del lugar. Juntos nos invitarán a reflexionar sobre la fragilidad de la infancia y su vulnerabilidad en un mundo que prácticamente la aniquila.

El montaje consigue que el espectador perciba emociones encontradas, como alegría y tristeza, sorpresa y resignación, o indignación y ternura. También es un pretexto, en este universo mágico que se crea, para reflexionar sutilmente sobre la importancia del reciclaje en la sociedad actual. La puesta en escena es protagonizada por Ximena Arroyo, Jamil Luzuriaga y Sergio Ota; y cuenta con la dirección de Omar del Águila. Fue presentada en el 2015, en el 2016 y ahora vuelve, a pedido del público.

“En el jardín de Mónica” va del sábado 28 de octubre al domingo 05 de noviembre del 2017, los sábados y domingos, a las 4 de la tarde en el teatro de la Asociación de Artistas Aficionados (AAA), ubicado en el jirón Ica 323 - Lima. Las entradas están a la venta en la misma boletería a 10 soles (general) y 5 soles (niños).

Crítica: ¿DE QUIÉN ES EL MARIDO?

El difícil arte de hacer comedias

Una comedia suele ser una primera opción para el público cuando se trata de ir al cine o al teatro. En este caso, tenemos en la cartelera limeña la recién estrenada obra ¿De quién es el marido?, bajo la dirección de Jonathan Oliveros. Esta comedia de enredos se está presentando en el Teatro Auditorio Miraflores.

Cada obra exige un ritmo particular y único para que funcione. En el caso de las comedias, es el ritmo el elemento que, si no funciona o se cae, la convierte en un drama, incluso en algunos casos puede provocar cualquier cosa menos risa. En este caso, la puesta comenzó con una buena viada: la música y la presentación de los personajes requerida para un buen inicio de obra. Sin embargo, esta empezó a dilatarse progresivamente, en lugar de coger un ritmo dramático propio de una comedia de enredos. Empezó a resultar predecible desde que se dio a conocer el conflicto. Cada vez que aparecía nueva información para enredar la situación, no había una progresión en la urgencia de los personajes. Los actores no manejaron el hecho de que cada punto de tensión que se revelaba tenía que constituir un escalón más cerca del clímax. No había sorpresa en la recepción de cada nueva información por parte de los actores, lo que provocó que la obra se vuelva repetitiva, incluso se hacía pesada de ver, pues la reacción de los personajes era la misma, por lo que resultó abrumador hasta cierto punto. Debió haber una noción de progresión, una acumulación en los personajes que mantuviera al público a la expectativa, al punto de dejarnos con la sensación de un “Uy, y ahora ¿qué más viene?”. Por otro lado, el final de la obra fue un giro de la historia que, si bien funciona como buen remate de comedia, en el caso de este montaje no se pudo apreciar al cien por ciento por la falta de ritmo que ya mencioné.

Si hablamos de la construcción de personajes, cada uno funcionó correctamente para la obra: a pesar de que varios eran claramente estereotipos, no abusaron negativamente de ello. Sin embargo, el personaje de Juana (Paola Vera) me pareció el menos definido de todos: ella trabajó cierto modo de hablar en el que proponía un “dejo” en el que las vocales cerradas (i, u) las reemplazaba por las vocales abiertas (a, e, incluso o). Esta característica no era constante, a veces se olvidaba de este detalle y el personaje – incluyendo la forma de hablar-, se desdibujaba en situaciones álgidas donde desbordaba energía. Por otro lado, rescato el personaje de Gonzalo (Elihu Leyva), quien funcionó como buen contrapunto en la obra: él era quien levantaba el ritmo de las escenas. Hubo un cierto grado de “conformismo” en la construcción de los personajes. Si bien no abusaron de los clichés, tampoco aprovecharon para darles detalles particulares. No por el hecho de que sea una comedia se debe quitar la oportunidad de dar detalles reales incluso al personaje que menos aparezca en escena.

He podido reconocer que hay una tendencia a “vender” las comedias teatrales por el elenco que lo conforma, dándole importancia a la fama que los actores puedan tener, o dando a entender que los actores  son el mayor atractivo de la obra, en lugar de promocionar la puesta en escena en sí misma. Es como una invitación a ver actores, dejando en segundo plano la creación escénica. En el caso de ¿De quién es el marido?, me hubiese gustado ver a los actores más comprometidos con lo que sucede en escena y con el ritmo que una obra como esta requería.

Stefany Olivos
21 de octubre de 2017

jueves, 19 de octubre de 2017

Crítica: LA DAMA DEL LABERINTO

El otro misterio

La dama del laberinto, en temporada en el Centro Cultural Ricardo Palma, no persigue la seriedad de una investigación periodística, ni trata de dar luz a la ensombrecida muerte de un hombre obsesionado, sino que se mueve por el terreno de la comedia de situaciones, combinando en las escenas personajes realistas con caricaturas gruesas y optando porque la interrelación entre ambos, sea entretenida.

En este sentido la obra es irregular, los constructos clichés en algunos personajes nos distancian del hilo dramático fundamental, que es la resolución de un misterio, y vuelven el escenario incómodo, vacío o hasta grosero. Hacia el final, cuando los cabos se unen y la periodista nos induce al descubrimiento, se genera la sorpresa,  como si de repente se escuchara un sonido estridente o se sintiera un susto, no como parte de un proceso sostenido.

A pesar de que algunos actores se esfuerzan por darle a las escenas nuevos matices desde lo interpretativo, la distancia entre ellos es muy grande y no conllevan juntos las escenas con fluidez, son tan solo empresas individuales que no pueden progresar, porque hace falta la escucha y la reacción.

Por otra parte, el vestuario es ágil y dinámico, se encarga de adentrarnos en las diferentes épocas y contextos con verosimilitud. A pesar de que en los momentos de ruptura temporal se evidencie su presencia, este adquiere un poder expresivo, pues nos recuerda que estamos dentro de un caso periodístico. Con la iluminación no ocurre lo mismo, no tiene función discursiva ni estética, es incluso perjudicial. Una luz dura, cenital, que oculta los ojos del actor y no nos permite conectar con lo que le está ocurriendo.  

La musicalización está desperdiciada, un piano sobre el escenario que sirve de mesa para la utilería y que no añade atmósfera significativa cuando suena, porque no se tejen las sensaciones a su alrededor.

La dama del laberinto es formalmente enredada y difícil de desentrañar.

Bryan Urrunaga
19 de octubre de 2017

Crítica: RECUERDOS CON EL SEÑOR CÁRDENAS

La vida continúa

Tengamos presente una cosa: las heridas sanan con el tiempo, pero hay cicatrices que siempre nos acompañarán; dependerá de nosotros si avanzamos o decidimos quedarnos.

“Recuerdos con el señor Cárdenas” es una obra ganadora del VI Concurso de Dramaturgia, escrita y dirigida por Patricia Romero Figueroa, que viene presentándose en el Centro Cultural de la Universidad de Lima. La trama hace mención a los hechos reales que sucedieron en el Perú en la década de los 80 y de cómo estos marcaron la historia de muchos peruanos. La historia del señor Cárdenas es una pieza autobiográfica que parte de los recuerdos de la misma autora, que nos muestra distintos pasajes en la vida de Laura, la niña (Luciana Monteverde, Zoe Arévalo cuando corresponde) y la adulta (María del Carmen Sirvas). En el transcurrir de la historia nos conectaremos con el lado paternal y cómico del señor Cárdenas(Alberto Herrera) y de la dulzura e inocencia de Laura niña, además de todos los personajes que conforman esta gran obra, como la esposa del señor Cárdenas (Martha Figueroa), la encargada de velar por el bienestar de su familia; el criado Cirilo (Lolo Balbín), el encargado de la casa; Veneno y Gastón (ambos interpretados por Víctor Prada), el amigo y el  hermano de la familia, respectivamente. Cada personaje  se hará presente para revivir sucesos que marcaron la vida de Laura, haciéndonos entender el porqué aún ellos no se han ido y porque ella los puede ver.

El drama de la puesta se concentra en la crisis emocional que Laura padece desde niña, debido al atentado en Tarata que lastimosamente ella y su familia presenciaron. A pesar del tiempo transcurrido, y ya con 30 años de edad, ella siente que no puede renunciar a muchas de las vivencias que le ocurrieron en aquella época. Es así que su “papapa” y las personas que ella quiere, aparecerán de la nada a conversar y cuestionarla para que entienda de una vez que debe hacer algo por su vida. Laura, al final, entenderá que es tiempo de dejar a los suyos para que descansen y empezar a emprender un nuevo camino sin miedo.

Lo que gusta de la obra es el mensaje reflexivo y conmovedor que nos deja la autora, el de aprender a desprenderse no solo de lo material y lo más importante: perdonar para seguir avanzando y así ser mejores. Sobre los recursos que se usaron, como el canto a capela, las canciones antiguas o los poemas, estos estuvieron acordes con la obra. Cuentan con un gran y talentoso elenco, hay mucha química en el escenario, ya que supieron sumergirnos en aquella época. Ante todo, mi admiración por la pequeña actriz que le da vida a la Laura niña, por su gran trabajo y naturalidad; pero en especial al señor Cárdenas, que supo reflejar el amor paternal  y las ocurrencias con las que más de un espectador rió. También a destacar a Lolo Balbín, quien además representó el papel de un provinciano arrepentido del daño que hizo. Muchas gracias por tan bella función.

María Victoria Pilares
19 de octubre de 2017

lunes, 16 de octubre de 2017

Reestreno: FINANCIAMIENTO DESAPROBADO

EN FUNCIONES GRATUITAS EN EL LUM

El LUM y /Otro/Colectivo Teatro presentan la obra Financiamiento desaprobado, ganadora del Festival Sala de Parto 2014, escrita por Tirso Causillas y dirigida por Nani Pease, en una breve temporada en el LUM, del 19 al 29 de octubre. Funciones de jueves a domingo a las 8:00 p.m. en el Auditorio LUM (Bajada San Martín 151, Miraflores). Ingreso libre.

Financiamiento desaprobado trata sobre el Alzheimer, pero trata también, y sobre todo, de lo que supone perder la memoria y la identidad, de lo que nos hace perderla y de lo que nos hace como sociedad permitir que la memoria se vaya o nos abandone.

Julián no encuentra a su papá. El alzheimer se apoderó de él y lo transformó del padre héroe y ordenador de su mundo, en una persona a la que tiene que cuidar. Un día su padre salió de casa y no regresó más. Mientras Julián lo busca, su padre, animado por sus delirio, cree haber partido a un viaje épico en busca de financiamiento para un proyecto que a sus ojos le traerá bienestar y paz.

La obra nos presenta un universo oscuro, en medio de complicadas relaciones, y una propuesta escénica que busca representar la mente de un acumulador; pero al mismo tiempo nos contiene con destellos de humor presentados por los delirios de los personajes en su lucha por no perderse en el olvido.

El elenco de Financiamiento desaprobado está conformado por Carlos Victoria, Tirso Causillas, Lilian Nieto, Sylvia Majo, Sammy Zamalloa y Emmanuel Caffo. 

Producción: /Otro/colectivo teatro
Dramaturgia: Tirso Causillas
Dirección: Nani Pease

Contactos:
Jose Japa (996126829)

jueves, 12 de octubre de 2017

Festival: MAGUEY 35º ANIVERSARIO

Un espacio para la identidad
Octubre – noviembre – diciembre

Espectáculos del grupo e invitados: Maguey - Túsoq (Amiel Cayo) - Angeldemonio - Yuyachkani (Ana Correa) - Ikaro Teatro (Cusco)

Participan espectáculos cuya excelencia artística está sustentada en la investigación permanente, el riesgo y el compromiso total. Ellos  representan una importante selección de hitos del teatro peruano contemporáneo.
Los procesos sociales, la memoria, la identidad y el diálogo intercultural son explorados con diferentes ángulos en cada una de las obras.

Todas las funciones se realizarán en el Centro cultural Maguey: Jr. San Martín 600 – San Miguel / Telf.: 263-5118 informes@magueyteatro.org
* Venta de entradas en Maguey.

PROGRAMACIÓN OCTUBRE

PASOS Y LATIDOS (ESPECTÁCULO - DEMOSTRACIÓN) – MAGUEY
Viernes 13 / sábado 14
Hora: 8:00 p.m.    
Acción: Graziapaz Enciso
Dirección y dramaturgia: Wili Pinto
Iluminación: Gume Escobar
Producción: Maguey Teatro
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

KUSILLOS – COMPAÑÍA DE ARTE TÚSOQ
Espectáculo unipersonal de Amiel Cayo
Sábado 21
Hora: 8:00 p.m.    
Creación e interpretación: Amiel Cayo
Producción: Túsoq – Compañía de arte
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

CURANDERO. LIMPIA ESCÉNICA - COLECTIVO ANGELDEMONIO
Sábado 28
Hora: 8:00 p.m.    
Dirección general: Ricardo Delgado.
Performance y danza: Augusto Montero.
Iluminación: Igor Moreno.
Creación sonora: Abel Castro.
Realización de máscara y esculturas: Pol Colino.
Colaboradores: Luis Alexander Clemente y Jhordan Rivas.
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

SEMINARIO DE FORMACIÓN ACTORAL:
DEL ENTRENAMIENTO A LA CREACIÓN: TAN GRAM
Dirigido a artistas y estudiantes de artes escénicas, danza, artes plásticas.
Modalidad: 2 días de duración.
Fechas: Viernes 13 y 20 de octubre
Horario: 9:30 a.m. a 1:00 p.m.
Lugar: Centro cultural Maguey
Dirigen: Wili Pinto – María Luisa De Zela – Graziapaz Enciso
Costo: S/. 180.00 por los dos días.

PROGRAMACIÓN NOVIEMBRE

DÚIK MUUN, CUENTOS Y SONIDOS DE LA SELVA – MAGUEY TEATRO
Espectáculo interdisciplinario: teatro, tradición oral, música en vivo, imágenes en sombras
Sábado 4
Hora: 8:00 p.m.   
Actuación: María Luisa De Zela – Wili Pinto
Imágenes en sombras. Graziapaz Enciso
Iluminación: Gume Escobar
Dirección y dramaturgia: Wili Pinto
Producción: Maguey Teatro
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

CONFESIONES – GRUPO YUYACHKANI
Acción escénica unipersonal de Ana Correa
Sábado 11
Hora: 8:00 p.m.   
Actriz creadora: Ana Correa
Dirección: Miguel Rubio Zapata
Producción: Socorro Naveda
Grupo Yuyachkani
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

MICAELA – MAGUEY TEATRO
Viernes 17 / Sábado 18
Hora: 8:00 p.m.   
Actuación: María Luisa De Zela
Música en vivo: Graziapaz Enciso
Dirección y dramaturgia: Wili Pinto Cárdenas.
Con textos de Alfonsina Barrionuevo.
Iluminación: Gume Escobar
Música y cánticos de la comunidad Q’ero – Cusco
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

PROGRAMACIÓN DICIEMBRE 

HIROSHIMA – CREACIÓN EN PROCESO – MAGUEY TEATRO
Viernes 1 / Sábado 2
Hora: 8:00 p.m.   
Acción: María Luisa De Zela – Graziapaz Enciso – Wili Pinto
Dirección y dramaturgia: Wili Pinto Cárdenas.
Iluminación: Gume Escobar
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

FRIDA KHALO, VIVA LA VIDA - IKARO TEATRO - CUSCO
Jueves 7
Hora: 8:00 p.m.   
Actuación: Carmita Pinedo – Oriana Flórez
Dirección: Julio César Flórez
Autor. Humberto Robles - México
Producción: Ikaro Teatro
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

AMARU, UNA Y MIL VOCES – IKARO TEATRO DE CUSCO
Viernes 8
Hora: 8:00 p.m.   
Actuación - creación: Julio César Flórez
Dirección: Wili Pinto Cárdenas
Texto fuente: Luis Castro
Iluminación: Gume Escobar
Producción: Ikaro Teatro – Maguey Teatro
Entradas:
General: S/.25.00
Estudiante: S/.15.00
SALA MAGUEY

CONTACTO
Wili Pinto: 996-835683
Centro cultural Maguey
Jr. San Martín 600 – San Miguel / Telf.: 263-5118
Fb: Maguey Grupo de Teatro – Centro cultural