viernes, 29 de septiembre de 2017

Estreno: CONFUSIÓN DE COLORES

Teatro para niños

El sábado 7 de octubre a las 4 pm se estrena Confusión de colores en el Teatro de Lucía (Bellavista 512, Miraflores), una pieza de teatro para niños que habla sobre un problema que nos toca a todos, la contaminación del mar a causa del plástico.

La pieza, que nace a partir de un cuento de Francisco Izquierdo Ríos, El Bagrecico, nos cuenta la historia de Azul, una graciosa rana que viene viajando desde muy lejos para conocer el mar. En su camino conoce a Marrón, un inteligente perrito y Turquesa, una gatita muy traviesa, quienes le presentarán el mar y a Albaricoque, una juguetona delfina que lucha por conservar limpio su hogar de la contaminación plástica que la ataca. El grupo de amigos se unirá para ayudar a Albaricoque en su lucha contra la plaga plástica y descubrirán en el camino que cometer errores y saber reconocerlos es una de las cosas que hacen más fuerte cualquier amistad.

La obra se presentará del 7 al 29 de octubre, todos los sábados y domingos a las 4 pm en el Teatro de Lucía. Las entradas están a la venta en Teleticket y en la boletería del teatro.
Adultos: S/32.00
Niños: s/27.00

*Promociones para grupos o familias completas en la misma boletería del teatro o a través de malioumba.teatro@gmail.com

Elenco:
Jorge Bazalar: Marrón
Cinthia de la Cruz: Albaricoque
Óscar Olarte: Azul
Ángela Berenicce: Turquesa

Dramaturgia y dirección: Mirella Quispe Ramos
Asistencia de dirección: Mia Michelena.
Producción: Cristiano Jara
Asistencia de producción: Fabiola Céspedes

Producción general: Malioumba Teatro

miércoles, 27 de septiembre de 2017

Reestreno: EL AVARO


La obra cumbre de la comedia universal

“El Avaro”, de Moliére, vuelve a la Asociación de Artistas Aficionados

Se presentará viernes, sábados y domingos en una breve temporada. 

Harpagón es un hombre que quiere más al dinero que a su familia y criados hasta que una situación lo hace cambiar.

¡Imperdible! La obra cumbre de la comedia universal: “El Avaro”, de Moliére, vuelve a pedido del público a la Asociación de Artistas Aficionados (AAA) los viernes y sábados, a las 8 de la noche; y los domingos a las 7 de la noche.

La puesta en escena, dirigida por Ruth Escudero y producida por la AAA, es una crítica de la sociedad de su tiempo y que extiende su referencia a la actualidad. En sus trabajos, el autor se escarnecía a gusto con algunas de las clases dominantes de su época.

Harpagón es un hombre que quiere más al dinero que a su familia y criados. El día que decide dar en matrimonio a su hija, desaparece su fortuna y se entera que él y su hijo aman a la misma mujer. Tal es su ambición, que exige a los que se hallan bajo su mismo techo, tanto los sirvientes como sus propios vástagos, que vivan en condiciones miserables, a fin de no gastar ni una moneda de sus acaudalados ahorros.

El elenco está compuesto por Ariana Arroyo, Christian Orbegoso, Diego Mendoza, Dina Rocha, Estefanía Champa, Jair Mejía, Jorge Carrión, José Iturrizaga, Joseph Mío, Judith Ramírez, Melina Correa, Patricia Pachas, Ruth Torres y Sergio Ota.

“El Avaro” va desde el 06 hasta el 15 de octubre, viernes y sábados a las 8 de la noche; y domingos a las 7 de la noche, en el teatro de la AAA (Jirón Ica 323 – Centro de Lima).

Las entradas están a la venta en la misma boletería a 15 soles (general) y 10 soles (estudiantes y jubilados)

Estreno: ENCARCELADOS

SIENTE TODA LA EXPERIENCIA CARCELARIA EN EL TEATRO

“Encarcelados”, una obra llena de acción escrita por Renatto Argüelles, con toda la temática de la típica cárcel norteamericana compuesta por reos latinos se estrena el 02 de Octubre en una corta temporada en el Teatro Auditorio Miraflores a las 8:00pm. Transmite los momentos difíciles, desde como es el trato de los policías hasta el tipo de convivencias y traiciones que existen entre ellos, dando a conocer las diversas guerras sangrientas que habitan en esas frías celdas.

Juan, policía abandonado a su suerte en uno de los pabellones más peligrosos de una cárcel norteamericana, se verá obligado a ingeniárselas para sobrevivir en convivencia con todos los reclusos y ganarse la confianza de su líder carcelario, recibiendo una visita solidaria e inesperada. Encarcelados es la puesta en escena que refleja la cruda realidad de una prisión que combina casos criminales, negocios, conflictos sangrientos, traiciones y mucho más, llegando a un final inesperado. Una obra llena de acción e intriga que garantizará el agrado de todos.

La productora Abuelo Producciones, crea y gestiona proyectos culturales en vivo, especialista en obras teatrales bajo la dirección de Renato Arguelles y la producción de Italo Gomez, presentan una obra con un formato innovador no antes visto en Lima.
El fenomenal elenco de esta obra está conformado por Fernando Pasco, Jorge Luis Rivera, César Gabrielli, Renatto Argüelles, Franco Coloma, Christian Pacora, Alex Grajeda, Víctor Flores, Luis Cárdenas, César Chocano y Luis Torrejón. No pueden perderse esta obra llena de acción desde el Lunes 02 hasta el miércoles 11 de Octubre en una corta temporada las 8:00 pm en el Teatro Auditorio de Miraflores (Av. Larco 1150). Entradas a la venta en Atrápalo.pe, Boletería del Teatro y Delivery.

Lugar: Teatro Auditorio de Miraflores – Av. Larco 1150 – Miraflores.
Hora: 8:00 pm.
Entradas en Atrápalo.pe , Boletería del Teatro y Delivery.

Contacto: Italo Gómez - Marketing y RR. PP – italogomezj@gmail.com – cel/wsp 997966382.

ENLACE del reel SECUNDARIO: https://www.youtube.com/watch?v=EgByxnQiR-4

Crítica: ÑA CATITA

¡A Dios rogando y con el mazo dando!

Una entrometida y aprovechada señora, “devota” incansable, celestina de amores prohibidos, que hará lo imposible para conseguir los favores de una familia que atraviesa momentos de tensión, todo ello transcurriendo en la Lima de antaño.

La emblemática obra de Manuel Asencio Segura, Ña Catita, es repuesta en las tablas bajo la propuesta del director Neskhen Madueño. Una visión que refleja a la sociedad actual y a la de aquel momento; evidenciando que el chisme, los prejuicios, los obstáculos, el perdón y el amor siguen siendo los mismos, con la única diferencia en los contextos y sus matices.

Una apertura con música de jarana y jolgorio -detalle clave en el desarrollo de la puesta- invitaba al público a seguir las canciones con las palmas y susurros, las canciones criollas que marcaron una etapa. El buen manejo del lenguaje característico de la Lima que despertaba a la vida republicana fue contundente. El elenco trabajó con esmero el uso del sarcasmo y los dichos populares. Los intervalos a son de guitarra entre escena y escena le otorgaron un plus dinámico a la obra, que trascendía al argumento sencillo de la versión literaria.   

Actuaciones individuales bien construidas, llamando la atención la gracia y picardía del personaje de Don Alejo –interpretado por Alberto Vidarte- o la marcada pose inflexible de Doña Rufina –interpretada por Angélica Iturbe- y, por supuesto, la audacia e hipocresía de Ña Catita  –interpretada por Ella Sánchez-; completando el elenco Camino Aguirre, Gonzalo Núñez, Karla Lozano, Liz Roggero y Gabriel Cedrón.

Lo cierto es que esta pieza teatral nos recuerda que, al menos una vez, hemos tropezado con personas como esta señora, a quien las ansias de saber todo y crear enredos le jugaron finalmente una mala pasada. Ña Catita representa la imagen no solo de una persona, sino de una sociedad rebasada por la curiosidad y el ímpetu de algunos de sus miembros, en utilizar esa información para armar conflictos y malos entendidos. Una obra familiar y ligera, con elementos que conjugan los momentos jocosos, con un ejercicio de autocrítica a nuestro accionar en determinadas circunstancias de la vida.

Maria Cristina Mory Cárdenas
27 de septiembre de 2017

domingo, 24 de septiembre de 2017

Crítica: LA PIEDRA

La piedra de los cuestionamientos humanos

¿Se imaginan un momento de la historia de la humanidad donde las guerras hayan cesado por completo? Esta es la realidad ficticia que nos presenta La piedra, del dramaturgo Christian Saldívar, bajo la dirección de Fiorella Díaz, con las actuaciones de Rebeca Ráez y Liz Navarro. Esta pieza es el tercer montaje de los cuatro que la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático presentará en el 2017 como parte de su ciclo de temporadas profesionales.

La piedra nos transporta a un escenario desértico y rocoso, donde los personajes Uno y Dos entablan una conversación filosófica sobre sus sentimientos hasta cierto punto frustrados. Nunca se llega a saber si realmente los personajes son humanos, animales o algún tipo de ser mitológico; sin embargo, Uno y Dos son capaces dentro de la obra de transmitirnos aquellos cuestionamientos que el ser humano se ha hecho desde siempre. La obra nos muestra a estos personajes en un contexto antinatural para ellos mismos: mientras que Uno es un ser carroñero y es el único sobreviviente de su especie por la escasez de muertes, Dos es un ser que busca trascender y morir por una causa “heroica” en un mundo donde ya no hay conflictos ni lugar para héroes de guerra.  El montaje nos muestra a dos personajes que están viviendo en un contexto que va en contra de lo que su naturaleza exige. Uno, al ser un ave carroñera, come lo que encuentre muerto a su paso; esto, dentro de un contexto de paz donde la muerte escasea, lo obliga a pasar hambre, razón por la cual toda su especie se ha extinguido. En su naturaleza no está matar para comer, sino esperar a que haya muertes a su alrededor. Por otro lado, Dos es un ser que busca vivir un conflicto en medio de tanta paz, una prueba de que por naturaleza el hombre buscará el drama, buscará de alguna manera que el conflicto sea parte de su vida para sentirse útil, para poder retarse a sí mismo.

El montaje contaba con una estética con colores sepias y plomos, llena de códigos que nos transportaba a los espectadores a un ambiente desértico, donde parece que nada puede cambiar. La escenografía y los vestuarios fueron cruciales para que este montaje se entendiese en 360 grados, una buena decisión. Los personajes eran claramente diferenciados, se notó la posición de cada uno desde el inicio, por lo que la relación entre ambos se entabló naturalmente y en progresión a lo largo de la obra. Esto fue soportado por la interpretación de ambas actrices, cuyo manejo de texto estuvo rico en imágenes, muy bien logrado con una pieza llena de metáforas y demás usos de subtexto. Todos estos elementos estuvieron atinadamente explotados, sin caer en el riesgo de regodearse en un texto lleno de cuestionamientos filosóficos. La obra exigía habilidades físicas que manejaron muy bien. Sin embargo, tuve la ligera sensación de un cierto desborde de energía por parte de ambas actrices en algunos momentos, sobre todo al inicio de la obra. Esto suele pasar en varios inicios de obras teatrales, lo que yo llamaría el “síndrome del inicio teatralizado”, es decir, querer comenzar una obra “teatralizando” el teatro, lo que implica un sobreesfuerzo en el  inicio. En el caso de La piedra, solo se dio en los primeros instantes, pues después lograron calibrar el manejo de energía vocal y corporal. Un elemento que resalta en el montaje es el de una gran roca con la que Uno tiene una relación metafórica: solo come los insectos que encuentra muertos debajo de ella y la llama madre. Esto constituye una especie de cadena metafórica, que le impide tomar acción para conseguir la comida que necesita para sobrevivir: no lo deja tomar decisiones y que, de algún modo, siempre lo está vigilando. 

La piedra es una invitación a no dejar de lado aquellos cuestionamientos que la naturaleza humana no puede obviar: la reflexión sobre la vida, la muerte y la necesidad del conflicto en nuestra existencia. Sin embargo, no tomemos esta obra como una manifestación pesimista de la vida: que sea una invitación a que cada vez más personas tomen acción sobre los males que nos aquejan, una invitación a desligarnos de aquella piedra que nos pueda estar impidiendo tomar una decisión asertiva.

Stefany Olivos
24 de septiembre de 2017

Reestreno: VAMPI, LA HISTORIA DE UN CONDE

PRESENTAN MUSEO DE ARTE DE LIMA Y CIENTOS VOLANDO

Obra de teatro familiar escrita por Juan José Oviedo y dirigida por Grace Humire se presenta en Auditorio AFP Integra del MALI.

Cuenta con  las actuaciones de Juan José Oviedo, César Gabrielli y Andrea Díaz Ghiretti.
La temporada va del 23 de setiembre al 29 de octubre; con funciones los sábados y domingos a las 4:00 p.m.
Venta de entradas en Atrápalo y en la boletería del MALI.

El Museo de Arte de Lima – MALI  y Cientos volando – Teatro no convencional  presentan Vampi, la historia de un conde, una obra infantil que invita a descubrir el valor de la familia a través del respeto y el cariño entre sus integrantes. Esta puesta en escena va desde el 23 de setiembre hasta el 29 de octubre; los sábados y domingos a las 4:00 p.m., en el Auditorio AFP Integra del MALI.

Escrita por Juan José Oviedo y dirigida por Grace Humire, este espectáculo teatral narra la historia de un curioso conde, quien a pesar de llevar una capa, no es ningún villano como podría parecer, sino más bien, un personaje cómico y gracioso. Debido a la ausencia de su madre, Vampi tendrá como ayudante a una niña huérfana, quien realizará los quehaceres del castillo.

De esta manera, los habitantes  del castillo entablarán una amistad que se irá reforzando con el paso del tiempo y que mostrarán cómo se crea una familia sin importar su estructura, pues son los valores y el cariño los que le dan vida.

El elenco está integrado por César Gabrielli, Andrea Díaz Ghiretti y Juan José Oviedo, quien además es el director de la compañía de teatro Cientos Volando. Las entradas están a la venta en Atrápalo y en la boletería MALI.

VAMPI, LA HISTORIA DE UN CONDE
Dirección: Grace Humire
Dramaturgia: Juan José Oviedo

Lugar: Auditorio AFP Integra del MALI (Paseo Colón 125, Parque de la Exposición, Lima 1).
Temporada: del 23 de setiembre al 29 de octubre de 2017.
Funciones: sábados y domingos, 4:00 p.m.
Precio: S/20 General | S/10 Estudiantes, jubilados, miembros del Programa Amigos del MALI (PAM) y niños hasta los 12 años.

Venta de entradas: en Atrápalo y en la boletería del MALI.
Fanpage de Cientos volando: https://www.facebook.com/CientosVolando

Estreno: LAVAR, PEINAR Y ENTERRAR

Desde el 28 de setiembre, de jueves a lunes, en el Teatro de Lucía, de Miraflores

En una peluquería conviven unos singulares personajes: Dos frustrados aspirantes a policía; la orgullosa dueña del local y su neurótico empleado.

“Lavar, peinar y enterrar” es el nombre de la divertidísima obra teatral del dramaturgo español Juanma Pina que se presentará desde el jueves 28 en el Teatro de Lucía, de Miraflores, con la dirección de Javier Valdés, y las actuaciones de Stefano Tosso, Alonso Cano, Gina Yangali y Antonella Gallart.

La pieza cuenta los disparatados hechos que ocurren en una peluquería, en donde conviven unos singulares personajes: Lucas y Verónica, dos frustrados aspirantes a policía; Gabi, la orgullosa dueña del local; y Fer, su mejor pero neurótico empleado.

Todos se verán obligados a compartir el mismo espacio por toda una noche y aflorarán recuerdos ocultos y un macabro secreto escondido al que deberán enfrentarse. Es fácil enterrar el pasado pero muy complicado que este permanezca inmóvil y en silencio para siempre.

El texto escrito por Juanma Pina trata de una historia que mezcla lo mejor del género negro con lo más absurdo del surrealismo.

“La idea que la obra nos plantea es hasta qué punto somos capaces de hacer ciertas cosas por defender lo que creemos que es nuestro o por lo que hemos luchado y trabajado durante la vida”, comenta el director. “He entregado la vida por algo, por el ideal o por el futuro, por lo que anhelo, por lo que pienso y frente a las vicisitudes, a los problemas que se nos plantean, ¿somos capaces de hacer qué? ¿De defender eso hasta la muerte?”

“Lavar, peinar y enterrar” va de jueves a lunes a las 8 de la noche y domingos a las 7 de la noche, desde el 28 de setiembre hasta el 05 de noviembre del 2017 en el Teatro de Lucía (Calle Bellavista 512 – Miraflores).

Las entradas están a la venta en Teleticket y en la misma boletería a 54 soles (General – Incluye comisión), 27 soles (Estudiantes), 37 soles (Jubilados) y Lunes popular 32 soles. Hay preventa a 34 soles hasta el 27 de setiembre.

Estreno: YEROVI, VIDA Y MUERTE DE UN PÁJARO CANTOR

ESTRENO OBRA TEATRAL SOBRE EL POETA PERUANO

CERRANDO EL CICLO “LEONIDAS YEROVI - 100 AÑOS DESPUÉS”
Con la dramaturgia de Celeste Viale Yerovi y dirección de Jorge Chiarella Krüger

Sábado 23 de septiembre en el Teatro Ricardo Blume 7:00 pm
PREVENTA DE ENTRADAS HASTA EL 23 DE SEPTIEMBRE

Cerrando el ciclo LEONIDAS YEROVI – 100 AÑOS DESPUÉS, ciclo destinado a conmemorar durante todo el 2017 los cien años del fallecimiento del poeta, periodista y dramaturgo peruano, Aranwa Teatro presentará la obra YEROVI, Vida y muerte de un pájaro cantor escrita por la dramaturga y nieta del poeta, Celeste Viale y dirigida por Jorge Chiarella Krüger. La puesta en escena se estrenará el sábado 23 de septiembre a las 7:00 pm en el Teatro Ricardo Blume.

Después de Un país tan dulce, espectáculo basado en las letrillas políticas de Yerovi y dirigido por Alberto Isola; y La pícara suerte, comedia de enredos inédita del autor dirigida por Mateo Chiarella, se estrenará YEROVI, Vida y muerte de un pájaro cantor que narra los principales momentos de la vida del poeta, así como, el conflicto amoroso en el que se vio envuelto y que desencadenó su trágico final. La obra incluirá momentos verídicos del juicio librado por la madre del poeta contra el criminal, resaltando los textos de defensa y contra defensa generando una intriga que unida a la circularidad del espacio, hará que el espectador viva la emoción de estar en el lugar y el momento del juicio.
El elenco está conformado por Janncarlo Torrese (Historia de un soldado, Hamlet) que interpretará a Yerovi, Alfonso Dibos, Daniela Rodríguez, Paul Ramírez, Laly Guimarey, Neskhen Madueño y Fiorella Milla.

YEROVI, Vida y muerte de un pájaro cantor
TEMPORADA: del 23 de septiembre al 4 de diciembre
DÍAS: jueves, viernes y lunes a las 8:00 p.m. / sábado y domingo a las 7:00 p.m.
LUGAR: Teatro Ricardo Blume. Jr. Huiracocha 2160, Jesús María
Entrada General: S/.50.00 nuevos soles
Jubilados: S/.35.00 nuevos soles
Estudiantes: S/.25.00 nuevos soles
Entradas a la venta en Teleticket y en la boletería del teatro.

PREVENTA DE ENTRADAS HASTA EL 23 DE SEPTIEMBRE
PRECIOS DE PREVENTA
Entrada General: S/.35.00 nuevos soles
Jubilados: S/.30.00 nuevos soles
Estudiantes: S/.20.00 nuevos soles

PRENSA | Kitty Bejarano| 951710071(rpc)/ (#) 998934590 (RPM)

lunes, 18 de septiembre de 2017

Estreno: DRAMATIS PERSONAE

Escrita por Gonzalo Rodríguez Risco y dirigida por Ernesto Barraza Eléspuru

Estreno: jueves 21 de septiembre en el Teatro de Cámara del CC. El Olivar
PREVENTA A 20 SOLES HASTA EL 20 DE SEPTIEMBRE
TEMPORADA: del 21 de septiembre al 29 de octubre de jueves a domingo a las 8:00 p.m.

DRAMATURGIA: Gonzalo Rodríguez Risco
DIRECCIÓN: Ernesto Barraza Eléspuru
ELENCO: Francisco Cabrera, Malu Gil, Alexandra Graña, Juan José Espinoza y Stefano Salvini

LUGAR: Teatro de Cámara del Centro Cultural El Olivar
DIRECCIÓN: Calle La República 455, San Isidro
Entrada General: S/.40.00 nuevos soles
Estudiantes: S/.25.00 nuevos soles
Jueves populares: S/.25.00 nuevos soles
PREVENTA A 20 SOLES HASTA EL 20 DE SEPTIEMBRE
Entradas a la venta en Teleticket de Wong y Metro, y en la boletería del teatro una hora antes de función

Break Producciones presentará, por una corta temporada, la obra teatral DRAMATIS PERSONAE del dramaturgo Gonzalo Rodríguez Risco bajo la dirección de Ernesto Barraza Eléspuru. La puesta en escena se estrenará el jueves 21 de septiembre a las 8:00 p.m en el Teatro de Cámara del Centro Cultural El Olivar.

DRAMATIS PERSONAE nos presenta la historia de tres escritores que buscan inspiración en una ciudad que podría sería Lima a mediados de los 90, o cualquier ciudad de la actualidad, que atraviesa una situación de conflicto. Cuando la violencia del exterior irrumpe en el departamento donde se reúnen para encontrar el gatillo que dispare su creatividad, descubrirán las consecuencias de crear historias basadas en la vida real.

DRAMATIS PERSONAE es una recreación imaginaria y amalgamada de dos eventos reales en la historia de nuestro país: El atentado de Tarata (16 de Julio de 1992) y la crisis de los rehenes de la embajada de Japón (17 de Diciembre de 1996). La versión original de Dramatis Personae se presentó en el Langston Hughes Festival of New Plays en Yale School of Drama, dirigida por Becca Wolff (2007). La primera versión en castellano de la obra se estrenó en Lima en Casa Espacio Libre, dirigida por Diego La Hoz (2008). Una nueva versión en inglés de la obra se estrenó Off-Broadway en el Cherry Lane Theatre de Nueva York, dirigida por Erik Pearson (2010). Esta nueva versión es la que BREAK estrena en esta oportunidad, bajo la dirección de Ernesto Barraza Eléspuru.

La puesta en escena tiene como elenco a Francisco Cabrera, Malu Gil, Alexandra Graña, Juan José Espinoza y Stefano Salvini.

Con el estreno de esta obra, BREAK continúa su actividad teatral del 2017. A principios de año estrenó “Una relación Pornográfica” de Phillipe Blasband, dirigida por Pancho Tuesta y en noviembre estrenará “Taller de Reparaciones” del autor norteamericano John Pollono, que dirigirá Diego Lombardi en el Auditorio del Centro Cultural Ricardo Palma de Miraflores.

DRAMATIS PERSONAE
Entrada General: S/.40.00 nuevos soles
Estudiantes: S/.25.00 nuevos soles
Jueves populares: S/.25.00 nuevos soles
PREVENTA A 20 SOLES HASTA EL 20 DE SEPTIEMBRE
Entradas a la venta en Teleticket de Wong y Metro, y en la boletería del teatro una hora antes de función

Para mayor información comunicarse con

PRENSA | Kitty Bejarano| 951710071(rpc)/ (#) 998934590 (RPM)

Crítica: FRAGMENTOS

¿Y si se juntan los fragmentos?

Un cumpleaños, la excusa perfecta para que ocho amigos se reencuentren después de mucho tiempo, en una etapa que combina los cambios propios que trae la “madurez” de los 30, con los conflictos de una generación marcada por una especie de culto a la superficialidad, a la enajenación y a la hipocresía. “Fragmentos” es una original propuesta escrita y dirigida por el también actor Carlos Galiano. La obra narra con total franqueza y ciertos toques de crudeza y humor, una realidad que es evidente hoy por hoy en la llamada generación de los “millennials”, que parece dejarse llevar por sus deseos de reconocimiento, por un excesivo egocentrismo y, al mismo tiempo, por un incontrolable miedo al fracaso… ¿Te suena familiar?

En cuanto al espacio escénico, un elemento llamativo fue el hecho de permitir que el espectador visualice a través de la imaginación los artículos que complementaban la puesta (cuadros, copas, botellas, etc.): ello permitía enfocarse más en la acción y esencia de cada personaje; sin embargo, el manejo profesional de la utilería por parte de los actores le daba vida y realismo a cada elemento. Considero, en general, que la intención del director fue centrarse precisamente en el fondo más que en la forma. Los flashbacks (desplazamientos bruscos hacia el pasado en el eje temporal) engranaban y explicaban muy bien la narrativa de la historia.

Un elenco acertado y experimentado (Manuel Gold, Karina Jordán, Mayella Lloclla, Sebastián Monteghirfo, Mikhail Page, Gisela Ponce de León, Jely Reátegui y André Silva) con un plus importante: son amigos más allá de la ficción, lo cual se reflejó en la naturalidad y fluidez de la interacción entre ellos. Particularmente, sorprendieron en sus peculiares roles Mayella Lloclla (una joven superficial) y Mikhail Page (el chico cool).

Historias que se entrelazan, que reflejan la poca tolerancia y empatía con la que nos tratamos los unos a los otros; la careta que trata de ocultar las debilidades de cualquier ser humano; la envidia y la frustración que se mezclan para mostrar al espectador el quiebre de un grupo de muchachos que enfrenta de distinta forma la vida y, probablemente, el encuentro en esta reunión será el principio de un cambio o tal vez, una reafirmación de su identidad como seres individuales, pero también, como parte de una sociedad que necesita con urgencia encontrar coincidencias y unir aquellos fragmentos que la reconstruyan como un todo, diverso sí, y al mismo tiempo más humano.

En definitiva, una obra que permite sentir y ver más allá, para revalorar los lazos de amistad y reencontrarnos con la esencia de lo que realmente somos. Cabe destacar, que aunque parezca dirigida a un público joven, esta pieza de un solo acto no puede encasillarse, puesto que el público adulto también podría darle una lectura propia, permitiéndole conocer más a esta generación.

Maria Cristina Mory Cárdenas
18 de septiembre de 2017

Entrevista: CARLOS GALIANO, SEBASTIAN MONTEGHIRFO y JELY REÁTEGUI

DIRECTOR Y PARTE DEL ELENCO DE LA OBRA “FRAGMENTOS”

Oficio Crítico estuvo presente en la función previa al estreno de la obra "Fragmentos", la misma que se presenta en el teatro del Centro Cultural de la PUCP. Conversamos con Carlos Galiano, dramaturgo y director de la puesta; así también con los actores Sebastián Monteghirfo y Jely Reátegui, quienes nos contaron sus impresiones acerca del argumento y la experiencia de ser parte de este proyecto teatral.

¿Cuál fue tu primera idea para realizar esta puesta ("Fragmentos")?

C.G.: “La idea surge hace como seis años, cuando empecé a percibir que había algunas características comunes entre los jóvenes de mi generación que se distinguían claramente de la juventud de las generaciones anteriores, parece que había algún tipo de carencia particular, un tipo particular de careta que mostraba cierta especificidad y que podía tener elementos dramáticos para montarse en una obra de teatro, ese fue un primer impulso, y con ese impulso convoqué a mis actores a ver si les interesaría contar una historia de ese tipo y todos se sumaron inmediatamente.”

Fragmentos es una obra que nos enseña muchas cosas y la lectura que un espectador puede darle a un determinado argumento puede variar. Pero la coyuntura es un factor importante en esta puesta.

C.G: “En épocas anteriores y ahora, creo yo, desde la conformación de la República somos individuos sin núcleo, nuestra Nación no existe, no tenemos un referente digamos, patriarcal, que nos dé una identidad, y entonces andamos por el mundo dando tumbos y abrazando a la primera persona que nos muestra un poco de cariño y traicionando a esas personas; y eso lo podemos ver en el ámbito afectivo pero también en el ámbito social; los limeños, y eso lo sabemos todos, somos altamente hipócritas, jugamos mucho con las máscaras y sabemos jugar bastante bien con el deprecio hacia el otro camuflado por un falso interés ¿no?, y esas heridas que son las mismas que generaron el conflicto armado interno hace 25 años son las mismas que permanecen y que espero que podamos modificar a tiempo para que no nos lleven a otra crisis de ese tamaño en algún momento cercano de nuestra historia."

Por su parte, Jely Reátegui comenta: “Todos nosotros somos muy amigos hace tiempo, siempre hemos querido trabajar juntos y esta ha sido la oportunidad perfecta para hacer algo grupal y con corazón de grupo, entonces siento que ahora a los casi 30 años, que tenemos todos en elenco, en la vida real y en la ficción, siento que tenemos la suficiente experiencia de vida y laboral para contar las cosas que queremos contar y criticar las cosas que queremos criticar ahora ¿no? Sobre los jóvenes, sobre quiénes somos, sobre por qué somos así, sobre por qué nos comportamos de tal o cual manera… En esta obra es como que la gente no se encuentra, no se halla, es como quién soy, cómo me relaciono con el otro, las carencias infinitas y los vacíos emocionales enormes que tenemos porque tenemos mucha imposibilidad de relacionarnos con el otro, de verdad, de corazón, porque todo es muy egoísta, todo es para nosotros, hay mucha envidia, mucha hipocresía pero también, mucha sonrisa entonces es como asumir quiénes somos realmente".

De otro lado, Sebastián Monteghirfo nos dice: “Hay mucha gente que tiene en la cabeza que es difícil trabajar entre amigos, pero tener ese proceso para mí, es como eliminar todo eso, el director y el dramaturgo de la obra es Carlos Galiano, es un amigo mío de hace muchos años y todos los del elenco hemos trabajado y los conozco hace mucho tiempo, desde que prácticamente comenzamos todos, porque somos de la misma promoción, la misma generación y trabajar juntos para mí ha sido un regalo de la vida, poder hacer teatro que es lo que más nos gusta, entre amigos, con la disciplina, el rigor que plantea Carlos desde un principio… una historia espléndida, qué más se le puede pedir a la vida… quién no tiene un grupo de amigos que ha dejado de frecuentar, tus amigos del colegio, tus amigos del instituto, de la universidad, pero que han sido tus amigos, han sido un grupo y los dejas de ver, pasado el tiempo hay gente que cambia, hay gente que no cambia, hay gente que sigue teniendo la misma esencia pero ha cambiado algunas formas de pensar o tiene puntos de vista distintos de determinado planteamiento o tema pero, finalmente, son tus amigos… con esta obra te invitamos a fortalecer esos vínculos, que la gente valore la amistad real… Fragmentos es un granito de arena en eso, en no juzgar a la gente, en saber que tenemos dos puntos de vista distintos pero seguimos siendo amigos y que eso no nos va a alejar o no debería alejarnos porque la amistad es lo más importante”.

Finalmente, director y elenco invitaron al público a disfrutar de este drama juvenil en el Centro Cultural de la PUCP, de jueves a lunes a las 8:00 p.m.

Maria Cristina Mory Cárdenas
18 de septiembre de 2017

Crítica: EUTANASIA

La cultura del espectador

El teatro es un agente de cambio. Es un arte al que le toca hablar de temas que se suelen evitar socialmente. En esta ocasión, la obra Eutanasia, escrita y dirigida por Gianfranco Mejía, nos cuenta la historia de Valeria, una joven que sufre de esclerosis múltiple y desea someterse a la eutanasia y cómo es que su entorno se relaciona con esta decisión; todo esto dentro de un contexto peruano, donde la práctica de la eutanasia está prohibida.

Parte de la apreciación de una obra de teatro está en la experiencia del espectador y de cómo se va creando un ambiente adecuado para la representación. Me decepcionó mucho que, una vez iniciada la función, se haya dejado entrar gente mientras que los encargados de hacerlos pasar iluminaban las butacas con una linterna. Esto me pareció una total falta de respeto a los espectadores que llegamos a tiempo a la función, pues lo que menos esperamos es que la misma gente de la producción boicotee su propia obra. Eso provocó que durante toda la obra, cada vez que había un apagón o un cambio de escenografía a oscuras, la gente se dé la libertad de hablar o comentar la obra creando un barullo constante. Hay algo que yo llamo “la cultura del espectador”, la que se está cultivando poco a poco en nuestro país: acostumbrar a los consumidores de teatro a llegar a tiempo a las funciones, que apaguen sus celulares, que no hagan ruidos para no desconcentrar a los actores, y un largo etcétera.  Una producción que hace entrar al público incluso después de 20 minutos de iniciada la función, da una imagen poco profesional a todo el equipo implicado.

Pasemos a la misma representación.  Espacialmente le sacaron el jugo a los niveles que el teatro ofrecía, pues solucionaron bien los cambios de espacios que la obra propone. Por otro lado, mi sensación final de la obra es de haber visto una representación muy general de un tema polémico. En primer lugar, no vi realmente personajes construidos en la historia, sino posiciones o roles. Los personajes no tenían rasgos específicos, sus comportamientos resultaban predecibles, llegando en algunos momentos a ser casi inverosímiles. Sin embargo, debo excluir de esta afirmación al actor Reynaldo Arenas, cuyo trabajo resaltó notablemente.  El personaje del padre (Pedro Olórtegui) me distraía por una especie de “canto” o ritmo repetitivo que tenía cuando decía sus líneas. En el caso de Valeria (Milagros López Arias), fue un personaje que cayó en el cliché del enfermo terminal. Eso, ojo, no siempre se debe al trabajo actoral, sino también al texto que sostiene la representación; los suyos parecían muy impuestos para un personaje con las características que la obra proponía. La dramaturgia me resultaba a veces muy inocente para tratar el tema que quiso tratar.

Me parece que la obra podría haber funcionado mejor si se ajustaban algunas “tuercas” en la información que daban los personajes. Todo gira alrededor de la aplicación de la eutanasia y, cuando finalmente sucede, esta se da como si nada, en el mismo hospital donde supuestamente está prohibido aplicarse. Ese es un vacío de información que quizá no muchos lo noten, pero hay que tener ese nivel de detalle y cuidado cuando se escribe una obra, mucho más si se representa.

Un caso como el de Valeria podría estar pasando justo ahora. De esta obra, me quedo con algunas interrogantes. El problema no está en si la eutanasia es válida o no. Para preguntarnos eso, hay que ser capaces primero de ponernos en el lugar de la otra persona.

Stefany Olivos
18 de setiembre de 2017

domingo, 17 de septiembre de 2017

Taller: ELABORACIÓN DE MÁSCARA EN SAYNATA DE YUYACHKANI

Inicio de clases el 26 de setiembre y el 2 de octubre

Puedes aprender las técnicas de Gasa y el algodón, y de Cartapesta.

La sala de máscaras de la Casa Yuyachkani – Saynata – abre sus puertas con dos talleres de elaboración de máscaras con las técnicas de Gasa y algodón, y de Cartapesta, dictados por los maestros Lili Blas y Segundo Rojas. Los talleres están abiertos al público adulto, sin necesidad de tener experiencia previa. Podrán inscribirse u obtener mayor información en saynatamascara@gmail.com. Los cupos son limitados.

SOBRE EL TALLER DE ELABORACIÓN DE MÁSCARAS: GASA Y ALGODÓN

La técnica de gasa y algodón es una técnica antigua con la que se confeccionan las máscaras venecianas. La máscara realizada con este proceso es un elemento que  no afecta la salud de los usuarios. El taller se inicia con el reconocimiento y valoración del propio rostro a través de la elaboración del negativo y positivo.

Cada participante diseñará su propia máscara, modelando con arcilla sobre la base de su positivo. Culminado el modelado se procede a sacar moldes. Sobre el molde habilitado se aplica la técnica de gasa y algodón, se deja secar por varios días, se desmolda y pinta según el diseño.

PROFESORES: Lili Blas y Segundo Rojas
FECHAS: Del 26 de setiembre al 19 de octubre
LUGAR: SAYNATA Sala de Máscaras – Grupo Cultural YUYACHKANI
HORARIO: Martes y Jueves de 6:00 a 8:00 p.m

SOBRE EL TALLER DE ELABORACIÓN DE MÁSCARAS: CARTAPESTA

La Cartapesta es una técnica ecológica porque utiliza papel reciclado como insumo principal y consiste en la colocación de sucesivas capas de papel encoladas sobre una base.

El proceso se inicia con la elaboración del negativo y positivo del rostro, siguiendo el diseño de una máscara que se modela con arcilla, sobre el modelado se procede a ejecutar la técnica de cartapesta, dejando secar al ambiente, al culminar el proceso de secado se desmolda y pinta según el diseño.

PROFESORA: Lili Blas
FECHAS:  Del 2 al 18 de octubre
HORARIO: Lunes y Miércoles de 5:00 a 7:00 p.m.
LUGAR : SAYNATA Sala de Máscaras – Grupo Cultural YUYACHKANI

TALLERES DE ELABORACIÓN DE MÁSCARAS 
Lugar: SAYNATA - Sala de Máscaras de la Casa Yuyachkani
Dirección: Tacna 363. Magdalena del Mar
Talleres:
- Gasa y Algodón (Del 26 de setiembre al 19 de octubre. Martes y Jueves de 6:00 a 8:00 p.m)
- Cartapesta (Del 2 al 18 de octubre. Lunes y Miércoles de 5:00 a 7:00 p.m.)

Informes e inscripciones a: saynatamascara@gmail.com o al 999954141

Contacto de prensa:
Pamela Puglianini

999954141

Encuentro: ROPA ÍNTIMA

CAMINO AL ENCUENTRO DE LAS AMÉRICAS

ÉBANO TEATRO, compañía peruana formada por actores afrodescendientes lleva su puesta en escena: “ROPA ÍNTIMA” al Festiva de las Américas en Los Ángeles.

Es el único grupo de teatro peruano que estará presente en dicho Festival.

El Festival de las Américas reunirá a grupos de teatro de Colombia, México, Canadá, Cuba y compañías de USA. Se realizará del 2 al 19 de noviembre en Los Ángeles – USA.

“ROPA ÍNTIMA” es una puesta en escena que en su estreno de Lima fue muy bien recibida por el público y crítica.

MÁS INFORMACIÓN SOBRE EL ENCUENTRO DE LAS AMÉRICAS AQUÍ: https://www.encuentrodelasamericas.org

Estrenada en 2016, “ROPA ÍNTIMA” es la puesta en escena que ÉBANOTEATRO llevará al Encuentro de las Américas que se realizará en Los Ángeles, Estados Unidos, convirtiéndose de este modo en la primera compañía de teatro formada por actores afrodescendientes que lleva una puesta en escena de este nivel a un encuentro internacional.

Escrita por la dramaturga norteamericana Lynn Nottage – la única mujer que ha ganado dos veces el Premio Pulitzer de Teatro-  la puesta en escena de “ROPA ÍNTIMA” por actores afrodescendientes peruanos ha despertado interés en Los Ángeles, al punto que la misma Nottage ha prometido ir a verla.

Ganadora de XIII edición del Festival de Teatro Peruano Norteamericano del ICPNA "ROPA ÍNTIMA" es la gran a puesta de ÉBANO TEATRO, compañía que tiene como finalidad crear, producir y promover obras protagonizadas por actores y actrices afrodescendientes que rompan con los estereotipos raciales y sociales en nuestra sociedad.

Sin duda un gran esfuerzo realizado por la fundadora de ÉBANO TEATRO, Alicia Olivares por crear una plataforma para visibilizar a un grupo de profesionales del teatro que no encuentran fácilmente espacio en otras puestas en escena, el cine o la televisión, apostando por un teatro de calidad y que está oportunidad llega a Los Ángeles para mostrar el nivel de calidad que tiene el teatro peruano.

Ahora bien, si quieres apoyar a ÉBANO TEATRO a llegar a Los Ángeles, solo tienes que entrar a este enlace: http://bit.ly/2eTAevH y colaborar.

ROPA ÍNTIMA – FICHA TÉCNICA

Dirección: Miguel Pastor
Autora: Lynn Nottage
Actores: Alicia Olivares, Rosa Guzmán, Martha Muñoz, Ena Saavedra, Alejandro Villagómez, Gerardo García.
Fotografía: Morfi Jiménez
Producción: Marjorie Hernández
Producción General: Ébano Teatro

Sinopsis:
Una joven costurera afroamericana llega a la ciudad de Nueva York en 1905 con el deseo de abrir su propio salón de belleza para las mujeres de su comunidad. Mientras eso llega, va juntando el dinero que gana de coser glamorosa lencería para una clientela adinerada hasta que una carta de Panamá llega y descarrila todos sus sueños. 

Ketty Cadillo
kettycadillo@outlook.com
Teléfono: 991135684

jueves, 14 de septiembre de 2017

Crítica: EL ÚLTIMO VERANO

Lo que nos deja el último verano

El teatro Mocha Graña está presentando actualmente en temporada El último verano, pieza escrita por el dramaturgo peruano Cristhian Palomino y dirigida por Javier Merino. La obra nos cuenta la historia de dos colegialas y mejores amigas, Liz y Brisa, que en su último año de colegio recuerdan un hecho que las marcó unos años atrás: Emil, un muchacho con quien Brisa vivió la experiencia del primer amor. Él guardaba un secreto: sufría de esquizofrenia. A lo largo de la obra vemos la interacción de estos personajes y cómo es que a esa edad le hacen frente a problemas y situaciones cada vez más extremas.

El espectador, desde que ingresa a la sala, se da con una escenografía que pareciera que puede acomodarse para situarnos en diferentes lugares: paredes blancas, tres entradas y un piano en medio. Esta estructura fue la base para toda la obra, valiéndose de pequeños elementos y de las interpretaciones para llevarnos eficientemente de lugar en lugar. Como detalle, el uso de color blanco en la escenografía permitía que la iluminación envolviese completamente el espacio, creando la sensación de que la escena crecía en volumen en ciertos momentos de la obra.

La interpretación de los cuatro actores estuvo a la altura del montaje. En esta obra hubiese podido haber el peligro de llevar las características de la edad y de la enfermedad a un punto inverisímil o dibujado. Sin embargo, esta obra logró el justo medio, sobre todo en la relación de los tres personajes principales. El personaje de Emil, por ejemplo, llevó la interpretación de la esquizofrenia por el lado de un comportamiento acelerado, nunca se notó un esfuerzo extra en este tema. Los personajes de las chicas jóvenes, sobre todo el personaje de Brisa, lograron transmitir esa vivacidad de los 15 y 16 años que la obra requería. Me dio la impresión de que el personaje de Liz, sobre todo en el segundo acto, se volvió un poco plano, pues recurría a comportamientos un poco clichés hacia el final. Debo reconocer que quedé gratamente sorprendida por el personaje de Bianca y por cómo la actriz pudo interpretar a tres personajes, cada uno con características específicas, logrando un trabajo al que vale dar una mención honrosa.

La obra está estructurada en dos actos. Sin embargo, no noté que entre el primer y segundo acto se haya cuajado la obra completamente. Yo sospecho que en este caso el problema viene desde la dramaturgia: durante el segundo se da nueva información que, para la relevancia que termina teniendo dentro de la historia, no logra cuajar en el espectador porque hay muy poco tiempo para su desarrollo. Esto pasó en la aparición de Dianita, el último personaje que aparece en la obra que termina teniendo casi tanta relevancia como Emil.

El último verano es un montaje que toca temas de inclusión social y respeto, en un contexto de jóvenes que recién están aprendiendo a lidiar consigo mismos y a relacionarse. Si bien nos muestra una historia de mejores amigas y de jóvenes que se enamoran – algo que puede parecer típico –, la obra tiene mensajes que todo tipo de público podría ver. Se juega mucho con la relación entre un hecho traumático y la culpa que viene casi inmediatamente, la cual impide que uno mismo logre salir temporalmente de aquel hecho. Por ejemplo, Emil empieza el cuadro de esquizofrenia luego de la muerte de un familiar. Este juego se ve en el título: a pesar de que han pasado dos años desde que vivieron aquel verano, para Brisa y Liz aquel fue  “su último verano”.

Como ya mencioné, esta obra es sugerida para todo tipo de público. No nos dejemos llevar con la apariencia de que es una obra juvenil, a veces son precisamente esas obras las que terminan diciéndonos mucho más sobre cómo funciona una sociedad.

Stefany Olivos
14 de septiembre de 2017

Reestreno: EL SOPLADOR DE ESTRELLAS

Con Ximena Arroyo y Manuel Calderón

Obra dirigida a toda la familia busca crear conciencia de los efectos que nuestras acciones pueden causar en la naturaleza.

Los domingos 17 y 24 de setiembre a las 4 de la tarde en el teatro de la Asociación de Artistas Aficionados.

“El soplador de estrellas” es una obra dirigida a toda la familia que presenta la Asociación de Artistas Aficionados los domingos 17 y 24 de setiembre a las 4 de la tarde y que busca crear conciencia de los efectos que nuestras acciones pueden causar en la naturaleza.

La pieza, protagonizada por Ximena Arroyo y Manuel Calderón, invita a la reflexión con respecto a lo mucho que podemos hacer en nuestro entorno y por nuestros seres queridos para construir juntos un mundo mejor.

Maestro Bornolio es un científico excéntrico que vive en una azotea abandonada. Es creador del Estelaeróforo Retráctil, aparato con el que puede apagar estrellas. Cuando solicita una ayudante, conoce a la encantadora y alborotada, Cibelina, quien llena de color el mundo gris del inventor.

Sin embargo, la paz llega a su fin cuando se entera que su jefe apaga estrellas; pese al noble motivo por el cual lo hace, Cibelina tratará de impedir a como dé lugar que Maestro Bornolio continúe haciéndolo. Es así que se generará toda una aventura entre estos dos coloridos personajes.

“El soplador de estrellas” va los domingos 17 y 24 de setiembre del 2017 a las 4 de la noche en el teatro de la Asociación de Artistas Aficionados (Jirón Ica 323 - Centro Histórico de Lima) Entrada: General a 10 soles, y niños y niñas a 5 soles.


miércoles, 13 de septiembre de 2017

Conversatorio: TEATRO LGTBIQ: ESTÉTICA, TENDENCIAS Y TEMÁTICAS

Con la participación de: Dusan Fung, Carolina Silva Santisteban, Sergio Cano y Gabriel De la Cruz

Día: Martes 26 de setiembre.
Hora: 7:30pm (Hora exacta).
Lugar: ICPNA de Miraflores – Av. Angamos Oeste 120, Miraflores.

Los Dramaturgos (www.losdramaturgos.com), página web dedicada a la recopilación y la difusión de la dramaturgia nacional, gracias al apoyo de Teatro Club, organizará el “1er Ciclo de Conversatorios Teatrales”.

Esta iniciativa tiene como objetivo principal generar debates, cuestionamientos, diálogos de interés acerca del teatro y diferentes aspectos de él. Los conversatorios se realizarán mensualmente, en puntos descentralizados de nuestra capital, y serán de ingreso gratuito.

Para acceder a la programación anual de conversatorios, puede ingresar a la siguiente nota: http://teatroclub.pe/portal/noticlub/ingreso-libre/1er-ciclo-conversatorios-teatrales

Conversatorio Nº2: “Teatro LGTBIQ: Estética, Temáticas y Tendencias”

Se llevará a cabo en el ICPNA de Miraflores y contará con la presencia de los teatristas: Dusan Fung, Carolina Silva Santisteban y Sergio Cano; además de la moderación del director teatral y activista de derechos humanos, Gabriel De la Cruz. Ellos y ellas se reunirán en este espacio de diálogo para exponer sus ideas y debatir acerca de cómo se ha ido expresando la temática LGTBIQ dentro de diversas puestas en escena llevadas a cabo en los últimos años, ya sean o no de su propia autoría.

En Los Dramaturgos, dada la reciente coyuntura y su innegable presencia en nuestro panorama teatral, consideramos pertinente abrir una ventana de discusión alrededor de ésta.

Para mayor información, lo invitamos a visitar nuestro fanpage: https://www.facebook.com/losdramaturgos.peru/?ref=br_rs.

¡Los Dramaturgos agradece su gentil apoyo en la difusión!