jueves, 31 de agosto de 2017

Crítica: ME TOCA SER EL NENE ESTA NOCHE

El sótano de las realidades sociales

Cuando escuché por primera vez el título “Me toca ser el nene esta noche” vinieron a mí ideas de todo tipo de posibilidades que la obra podría desarrollar. Estoy segura de que es el primer efecto de los espectadores antes de conocer de la obra escrita y dirigida por Cristian Lévano y puesta en escena hasta la semana pasada en el teatro Mocha Graña. Este montaje constituye una propuesta que aborda problemas sociales como la discriminación y el abuso a poblaciones vulnerables; todo esto a través del lazo de amistad creado entre los personajes irreverentes que vemos a lo largo de la obra.

La obra ocurre en un sótano, un espacio desordenado y decadente donde dos personajes, Furi (Alaín Salinas) y Bundo (Juan Gerardo Delgado), conviven y pasan el tiempo a través de actividades, juegos y demás. De hecho, el nombre de la obra es el nombre de uno de los juegos que Furi y Bundo juegan para pasar el tiempo dentro de aquel espacio. La escenografía, en contraposición a estos personajes lúdicos,  ayudaba a que la impresión que causaban los personajes sea la de víctimas de algo desconocido hasta ese momento. Hay juguetes viejos, muebles sucios, pelotas, elementos característicos de un sótano: representaciones del olvido, el descuido, la soledad.  Empiezan a aparecer características dentro del lugar que nos llevan a la existencia de mundos paralelos dentro del mismo espacio; por ejemplo, uno de los personajes no pueden salir de aquel espacio y otro sí pero siempre regresa; una mujer, Rosita (Marina Gutiérrez) entra recurrentemente a dejar agua y pan; una pequeña  verdugo que suele aparecer sin previo aviso por un lado de la habitación con un carrito con cuerpos envueltos en plástico negro; estos plásticos, con el transcurso de la obra, podemos verlos como las “matrices” con las que cada uno de los personajes ha llegado al sótano.  Es precisamente la aparición de esta verdugo con el cuerpo de una prostituta llamada Esther (Carmela Tamayo) lo que nos revela la primera verdad de la historia: todos están muertos. Todo esto nos va contextualizando en un espacio alegórico que representa una especie de sede del mundo de los muertos.  Ojo, no mencionan nunca referencias de un cielo, infierno o purgatorio; el dramaturgo y director ha tomado distancia de términos tan categóricos, lo que da una libertad de interpretación al espectador sobre qué podría ser aquel sótano representado.  A través de este contexto es que se nos da a conocer que hay un personaje que nunca aparece y que ha sido el que ha abusado y matado a cada uno de los personajes que están en el sótano.

Cuando se tienen personajes alegóricos dentro de una obra como esta se corre el peligro de caer en la sobreactuación. Sin embargo, este montaje no cayó en eso; además de que el manejo de la comicidad estuvo en su justo medio: la obra no cayó en excesos o excentricidades. La obra toca el mundo de las víctimas de abusos que no son realmente indemnizadas; nos invita a imaginar el después de aquellas personas que mueren en situaciones violentas. ¿Qué pasaría si todas las víctimas de un mismo abusador terminen en el sótano de este, como trofeos olvidados? Es una imagen fuerte de ver, pues los personajes, una vez muertos, no pueden hacer justicia: es precisamente eso lo que sucede hoy en día con las víctimas de abusos, no se le suele dar importancia cuando sucede, ni al hecho de que cada día crecen las víctimas de abusos sexuales y feminicidios a nivel nacional. 

Rescato de esta obra el hecho de que nos dice una verdad universal  sin necesidad de ser agresivos en el montaje. Me dio la sensación de ver un cuento en el que se daba al espectador la oportunidad de poder pensar  poco en la realidad que constituye el asesinato creciente de mujeres y niños. Pensar en que cada vez hay una mayor indiferencia al respecto. Pensar en que una persona muerta también merece justicia.

Stefany Olivos
31 de agosto de 2017

Estreno: DON JUAN VUELVE DE LA GUERRA

Escrita por Odön von Horväth y dirigida por Manuel Calderón

En el teatro de la Asociación de Artistas Aficionados, del centro de Lima. Entrada única general a 10 soles.
Va en una corta temporada de viernes a domingo del 01 al 10 de setiembre

“Don Juan vuelve de la guerra”, escrita por Odön von Horväth y dirigida por Manuel Calderón, se presentará en una corta temporada de viernes a domingo del 01 al 10 de setiembre en el teatro de la Asociación de Artistas Aficionados, del centro de Lima.

Don Juan siempre fue un personaje polémico en la historia de la dramaturgia universal, muchos grandes autores nos hablan de él y lo convierten en un ícono referencial del hombre que burla a las mujeres y que luego enfrenta el castigo de la muerte.

En la pieza, el escritor nos habla de un Don Juan que no quiere ser quien es, que rechaza su rol, que huye de su pasado e intenta resarcirse. La guerra lo ha cambiado, pero las mujeres no se lo permiten. Su única salvación es una exnovia a quién busca para pedirle perdón y salvar su alma. ¿Podrá hacerlo? Don Juan vuelve de la guerra para ser otro, pero la pregunta es: ¿se puede dejar de ser lo que se debe ser o sólo podemos terminar el camino con lo vivido?

La puesta está a cargo de los alumnos del Taller del tercer nivel de teatro de la AAA: Angélica Beltrán, Arveit Peralta, Claudia Felix, Elizabeth Corzo, Karen Rojas, Midori Granara, Miguel Machaca, María Gonzáles, Rousmery Huanca, Nicolás Velásquez, Gary Sánchez, Rose Lázaro, Yaneth Salazar y Victoria González.

“Don Juan vuelve de la guerra” va el 01, 02, 03, 08, 09 y 10 de setiembre del 2017, los viernes y sábados a las 8 de la noche, y los domingos a las 7 de la noche en el teatro de la Asociación de Artistas Aficionados (Jirón Ica 323 - Centro Histórico de Lima) Entrada general única a 10 soles.

domingo, 27 de agosto de 2017

Estreno: EL ÚLTIMO VERANO

Una historia sobre la compresión e inclusión social

El último verano, una conmovedora historia que tiene como protagonistas a la sensibilidad, la comprensión y la inclusión social. Es una obra de teatro inspirada en el best-seller estadounidense Él entre nosotras (Ethan between us), de la escritora Anna Myers y se presentará desde este 02 de septiembre en el teatro Mocha Graña de barranco en una corta temporada.

Brisa y Liz son mejores amigas desde que comenzaron juntas el colegio. Ahora, que están en el último año de secundaria, a Brisa le toca dar el discurso de cierre de año.  Sin embargo, antes de darlo, recuerda un episodio que marca su vida escolar al conocer a Emil, un chico nuevo que ingresa a cuarto de secundaria teniendo 17 años de edad y que tiene un secreto: padece de esquizofrenia.

El tiempo que Brisa comparte con Emil hace que surja el amor entre ambos, sim embargo eso ocasiona que la amistad con Liz entre en conflicto generando situaciones incómodas y hasta mal intencionadas producto de los celos entre amigas.

El último verano es una obra de teatro escrita por el actor y dramaturgo peruano Cristhian Palomino y dirigida por Javier Merino. Es un montaje que toca el tema de la inclusión y del respeto en nuestra sociedad. Si bien es cierto la obra está ambientada en un colegio, va dirigida para todo público. Es una historia de chicos que están en el último año de secundaria y la forma cómo enfrentan los problemas propios y de quienes los rodea.

RONY López Mija
Prensa & difusión
947158956

Información importante

Fechas: Desde el sábado 2 de setiembre al domingo 24 de setiembre (viernes y sábados a las 8 pm. y domingos a las 7 pm).

Dramaturgia: Cristhian Palomino.
Dirección: Javier Merino.
Producción: Asociación Cultural May Neim Presenta.

Elenco: DANIELA NUNES, CRISTHIAN PALOMINO, ANA LUCÍA PÉREZ Y MALORY VARGAS.
Lugar: Teatro Mocha Graña (avenida Sáenz Peña 107, Barranco).
Venta de entradas en: Teleticket de Wong y Metro, y en boletería del teatro.

viernes, 25 de agosto de 2017

Estreno: MEJOR DECIRLO AHORA

Es la segunda de las cuatro obras teatrales que la Asociación Cultural Panparamayo está presentando en estos meses

Partitura escénica con la dirección de Michella Chale y las actuaciones de Moyra Silva, Sandro La Torre, Sheillah Gutiérrez y Mario Ballón

Todos los sábados de setiembre a las 10 de la noche en distintos escenarios no habituales

“Mejor decirlo ahora”, dirigida por Michella Chale, es la segunda de las cuatro obras teatrales que la Asociación Cultural Panparamayo viene poniendo en escena como parte de las celebraciones por su sétimo aniversario.

La pieza, creada en el 2014, habla de los conflictos de aceptar la madurez y explora las inquietudes, responsabilidades y certezas que llegan en la adultez. También plantea la necesidad de hacer un viaje interior para poder asumir esta etapa de la vida.

A través de las situaciones que se generan, podemos ver cómo los personajes recrean un mundo sensorial y de recuerdos insistentes, que llevan al espectador a sus propias vivencias, y a hacer una revisión de su historia y de cómo la vida se transforma de un momento a otro.

El elenco está conformado por Moyra Silva, Sandro La Torre, Sheillah Gutiérrez y Mario Ballón. Las entradas están a la venta a 30 soles. Las reservas se hacen al teléfono 951006841 o al correo electrónico: panparamayo@gmail.com.

El lugar es privado, solamente se da la dirección al momento de hacer su reserva. Cada sábado se realizará en un espacio distinto. La Asociación Cultural Panparamayo considera importante hacer espectáculos en escenarios no habituales. De este modo, se crea la atmósfera adecuada para que público y actores se sientan conectados con lo que sucede. La experiencia es como ir al teatro, pero en la comodidad de una terraza en esta oportunidad. Con “Mejor decirlo ahora”, el público no va a ver una obra solamente, sino a pasar una velada diferente. El colectivo propicia un ambiente cálido, invitando a los asistentes a tomar un trago y comer algo antes, durante y después de la función.

Estreno: FRAGMENTOS

ESCRITA Y DIRIGIDA POR CARLOS GALIANO

ESTRENO: JUEVES 14 DE SETIEMBRE
Aprovecha los precios de pre venta

El Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú junto a la Fundación BBVA Continental presenta FRAGMENTOS, un inquietante drama juvenil en un acto escrito y dirigido por Carlos Galiano, y representado por un joven y talentoso elenco desde el 14 de setiembre a las 8:00 p.m. Pueden encontrar las entradas en un precio especial de pre venta en Teleticket y en la boletería del Centro Cultural.

Sobre la obra

FRAGMENTOS es una obra que expone el drama de ocho jóvenes limeños, que pesar de sus diferencias, convergen para celebrar el cumpleaños número treinta de uno de ellos. Todo comienza como una divertida reunión juvenil, pero poco a poco la intolerancia, las ansias de reconocimiento, el miedo a perderlo todo, convertirá esta reunión en un momento decisivo en la vida de cada uno de ellos.

FRAGMENTOS es un drama psicológico crudo y cercano, que retrata las miserias y carencias de una generación de jóvenes encandilada consigo misma, y que encuentra muy difícil pensar en el otro, y mucho más aún aceptarlo.
“Esperamos que el recorrido por esta obra pueda despejar un poco el horizonte de quienes la atraviesen y, en estos tiempos de tanta enajenación, acercarnos a la posibilidad de mirarnos de verdad y asumir quiénes somos”, comenta Galiano, quien dirige por primera vez una obra de su autoría. 

FRAGMENTOS
Dramaturgia y dirección: Carlos Galiano
Elenco: Manuel Gold, Karina Jordán, Mayella Lloclla, Sebastián Monteghirfo, Mikhail Page, Gisela Ponce de León, Jely Reátegui, André Silva
Estreno: 14 de setiembre
Horario: De jueves a lunes a las 8:00 p.m.
Lugar: Centro Cultural PUCP (Av. Camino Real 1075. San Isidro)

PRECIOS EN PRE VENTA
Hasta el 14 de setiembre
General: S/. 35.00
PRECIOS REGULARES
General: S/. 55.00
Estudiantes: S/. 25.00
Jubilados: S/. 30.00
Lunes populares: S/. 40.00
Estudiante PUCP: S/. 15.00
Comunidad PUCP: S/. 30.00

CONTACTOS DE PRENSA

Gabriela Zenteno
Coordinadora del Área de Comunicaciones
6161616 Anexo 6733

Pamela Puglianini
Asistente del Área de Comunicaciones
6161616 Anexo 6794

jueves, 24 de agosto de 2017

Crítica: NEVA

Una crítica sobre el teatro y sus limitaciones

Desde hace unas semanas se está representando en “La Casa Recurso” el montaje Neva, del dramaturgo chileno Guillermo Calderón. Es una creación colectiva de los actores Carla Valdivia (Olga Knipper), Vanessa Vega (Masha) y  Walter Ramírez (Aleko). La acción transcurre en una tarde de invierno de 1905 en San Petersburgo,  donde las tropas están reprimiendo violentamente a obreros que salieron a las calles para reclamar pacíficamente unas mejores condiciones de trabajo. En medio de todo este caos, hay dos actrices y un actor en un teatro frente al río Neva queriendo ensayar El jardín de los cerezos, obra del recién fallecido Anton Chéjov.

El espectador entra en “fila india” al espacio de la representación: los actores se encuentran ya caracterizados, calentando y desplazándose por el espacio. Sus voces, la luz tenue y sus movimientos ya nos dan indicios de la crudeza que la obra va a mostrarnos. Un canto coral que mezcla la melodía de una canción de cuna con una letra sórdida da inicio a la obra. Lo primero que me llamó la atención fue la caracterización de los personajes: todos los actores con maquillaje básico blanco en la cara y vestuarios que nos llevaban inmediatamente a los primeros años del siglo XX; gracias a la iluminación, que venía desde el suelo, los personajes causaban el efecto de ser personajes tétricos, la imagen de ser payasos muertos a punto de dar una función.  La escenografía contaba con lo necesario, una buena solución y distribución del espacio. Como presentación de personajes, me pareció una propuesta interesante.

La obra constituye una reflexión crítica acerca del teatro y sus limitaciones para poder hacer frente a los hechos que están sucediendo en su contexto, pues no puede dar cuenta del drama público de violencia política de aquel entonces. Neva está llena de sarcasmos y escenas aparentemente absurdas, como un intento de representar la muerte de Chéjov para que su viuda vuelva a tener “inspiración actoral”. Se entendió que esta era la premisa de la obra en sí misma; sin embargo, el montaje no llegó a explotar del todo los recursos que tenían.

Para representar una obra, sea de la naturaleza que sea, hay que buscarle una contradicción para que funcione. Si se tiene una obra absurda, no se puede actuar absurdamente, pues de esa manera no se puede encontrar una profundidad –hasta las obras absurdas tienen profundidad-  en lo que se representa. Es por eso que si se tiene una obra como “Esperando a Godot”, por ejemplo, no puede ser que los actores lo actúen absurdamente. Dado este ejemplo, digo que en el caso de Neva fue una obra oscura y sarcástica actuada de manera oscura y muy sarcástica. Los personajes de la obra son grandes, sí, pero si en la interpretación se actúa la característica, solo estás dando la información al espectador de que eres un personaje grande. En general, durante la obra los tres personajes oscilaron en lo que acabo de explicar, actuaban una característica y no un personaje completo. Incluso vocalmente, debido al desborde de energía que implicaba la grandilocuencia de la propuesta actoral, los textos se perdían, eran más gritados que interpretados; sin embargo, rescato que el personaje de Masha fue el que menos reincidió en ello. Como montaje, le faltó tino en medir la energía y la información que, con los elementos que tuvo, dio al espectador.

El montaje, a pesar de todo lo mencionado, hizo entender el mensaje desolado del contexto que nos representa. Rescato la crítica hacia el teatro como un arte que debería ser un agente que muestre y haga frente a los contextos con los que convive. Me quedo con esta idea: el teatro es y deberá ser siempre un agente político de cambio; habrá que seguir trabajando por ello.

Stefany Olivos
24 de agosto de 2017

Conversatorio: NUEVA DRAMATURGIA PERUANA

Con la participación de César Vera La Torre, Diana Gómez Muñoz y Tirso Causillas.

Día: Martes 29 de agosto.
Hora: 8:00pm (Hora exacta).
Lugar: Escena Libre, C.C. PUCP, Av. Camino Real 1075, San Isidro.

Los Dramaturgos (www.losdramaturgos.com), página web dedicada a la recopilación y la difusión de la dramaturgia nacional, gracias al apoyo de Teatro Club, organizará el “1er Ciclo de Conversatorios Teatrales”.

Esta iniciativa tiene como objetivo principal generar debates, cuestionamientos, diálogos de interés acerca del teatro y diferentes aspectos de él. Los conversatorios se realizarán mensualmente, en puntos descentralizados de nuestra capital, y serán de ingreso gratuito.

Para acceder a la programación anual de conversatorios, puede ingresar a la siguiente nota: http://teatroclub.pe/portal/noticlub/ingreso-libre/1er-ciclo-conversatorios-teatrales

Conversatorio Nº1: “NUEVA DRAMATURGIA PERUANA”
Se llevará a cabo en la Pontificia Universidad Católica del Perú y contará con la presencia de los dramaturgos(as): César Vera La Torre, Tirso Causillas y Diana Gómez; además de la moderación del Coordinador General de Los Dramaturgos, Daniel Zárate Muñoz.

Para mayor información, lo invitamos a visitar nuestro fanpage: https://www.facebook.com/losdramaturgos.peru/?ref=br_rs.

DE LOS PONENTES

César Vera La Torre
Escritor, actor y músico. Estudió Comunicación en la Universidad de Lima, donde fue parte del Taller de Teatro dirigido por Pilar Núñez. En 2008, estudió en la facultad de Literatura Creativa de la Universidad Diego Portales en Santiago de Chile. Su primera obra teatral, “Conversaciones sobre la felicidad” (2010), fue publicada en “Muestra, la revista de los autores de teatro peruanos”. Escribió y actuó en “Cuaresma” (2015) y “¿Qué tiene Miguel?” (2017, Ganadora del Concurso Nacional Nueva Dramaturgia Peruana), dirigidas por Fito Bustamante. Actualmente labora como docente en su alma mater y cursa la Maestría en Escritura Creativa en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos.

Diana Gómez Muñoz
Socióloga de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP). Cursó estudios de escritura teatral en el Centro de Formación Teatral (CFT) Aranwa teatro y llevó talleres de dramaturgia con César de María. En el 2014 escribió “José, ¡hazte cargo!”, su primera obra, y en el 2015 escribió “24 horas para morir”. Ambas presentadas en el Centro Cultural CAFAE-SE y repuestas en el Museo de Arte de Lima (MALI).

Tirso Causillas
Ganador en el festival Sala de Parto, ganador del premio al mejor actor de comedia de EL OFICIO CRÍTICO y miembro del elenco de “Nunca estaremos en Broadway” obra finalista del Festival de teatro del ICPNA 2012. Workshop “Dramaturgia en acción” dictado por el director y dramaturgo argentino Claudio Tolcachir, agosto 2014. Workshop “Narración sonora” dictado por Trinidad Piriz y Daniel Marabolí, agosto 2014. Actualmente continúa su formación en la Facultad de Artes Escénicas de la PUCP, en la especialidad de Creación y producción escénica. Asimismo, desde el 2017 desempeña labores como investigador y promotor de la investigación para la especialidad de danza de la Pontificia Universidad Católica del Perú.

¡Los Dramaturgos agradece su gentil apoyo en la difusión!

Estreno: EL ARCOÍRIS EN LAS MANOS

Con las actuaciones de Tatiana Espinoza, Miguel Álvarez, Miguel Dávalos, Mariajosé Vega y Eduardo Ramos

Desde el jueves 07 de setiembre a las 8 de la noche en el Centro Cultural Ricardo Palma, de Miraflores

La obra “El arcoíris en las manos”, reconocida por el Ministerio de Cultura con el tercer puesto en el Concurso Nacional “Nueva Dramaturgia Peruana” en el 2015, será puesta en escena desde el jueves 07 de setiembre a las 8 de la noche en el Centro Cultural Ricardo Palma, de Miraflores.

El montaje, escrito por Daniel Fernández y dirigido por Dusan Fung, cuenta con las actuaciones de Tatiana Espinoza, Miguel Álvarez, Miguel Dávalos, Mariajosé Vega y Eduardo Ramos. La producción es de Imaginario Colectivo, Guillermo Guerra y Mónica Risi.

Esta obra de teatro cuenta la historia de Marita una mujer trans que busca forjar su camino a una vida digna en el contexto de Lima actual. A través de su historia el Arcoiris viene a pintar el paisaje peruano, a romper el blanco y negro de nuestras creencias, a confrontarnos. A retarnos con la pregunta ¿Puede el amor transformarlo todo?

El montaje es parte de la temporada 2017 de Imaginario Colectivo, una compañía artística multidisciplinaria e independiente, dedicada a la gestión cultural de proyectos de investigación, de activismo social e innovación.

A través del riesgo, la pasión y la calidad de sus propuestas, busca incidir en la transformación de la realidad social– política y cultural mediante el contacto con el público y el medio artístico.   

“El arcoíris en las manos” va de jueves a domingo a las 8 de la noche desde el 07 de setiembre hasta el 8 de octubre del 2017, en el Centro Cultural Ricardo Palma, ubicado en la Avenida José Larco 770 - Miraflores.

Las entradas están a la venta a 35 soles (general), 20 soles (estudiantes y personas mayores de 60 años) a través de la plataforma de joinnus (con tarjeta de débito, crédito o efectivo) o en la boletería del teatro. La preventa va hasta el 1ero de setiembre y 28.00 soles en preventa, a través de reservas hechas al correo elarcoirisenlasmanos2017@gmail.com

miércoles, 23 de agosto de 2017

Estreno: GNOSSIENNE

Dirección de Fernando Castro

Teatro de la Alianza Francesa.
Av. Arequipa 4595, Miraflores. 8:00 p.m.
Venta de boletos en Tu Entrada.

Irá hasta el 29 de octubre los sábados y domingos a las 8:00 p.m.
Se estrena espectáculo de teatro físico “Gnossienne” en la Alianza Francesa

Coproducción de la Alianza Francesa y la Compañía de Teatro Física presenta una reflexión sobre la muerte y, por extensión, del valor de la vida, con sus alegrías y tristezas.
Se trata de una propuesta de artes escénicas audaz, sin texto y en el que la historia se construye a través del cuerpo de los actores y la manipulación del papel.

La Alianza Francesa de Lima y la Compañía de Teatro Físico estrenarán este sábado 26 de agosto el espectáculo de teatro físico “Gnossienne”, una reflexión sobre la existencia de la muerte y, por ende, de la vida. Las funciones se llevarán a cabo hasta el 29 de octubre los días sábados y domingos a las 8:00 p.m. en el Teatro de la Alianza Francesa (Av. Arequipa 4595). 

La creación de la obra toma como punto de partida el cuento “El joven príncipe y la verdad”, del escritor francés Jean Claude Carrière (Colombières-sur-Orb, Francia, 1935). Es la historia de un joven príncipe que se enamora de una chica, donde el padre de ella le exige que, para merecer su amor, parta en un viaje en busca de la verdad. 

Una propuesta diferente. Lo que más llama la atención de Gnossienne es que presenta una puesta en escena disruptiva para nuestro medio. Es un espectáculo de teatro físico. No tiene texto. La historia se construye a partir de la performance corporal de los actores y, por primera vez, de la manipulación de objetos, en este caso el papel. El público entenderá la obra no a partir de las palabras sino de las sensaciones, de la experiencia. Se les da la oportunidad a los espectadores de tener un mayor margen para apropiarse de la historia y sacar sus propias conclusiones.

Actúan en Gnossienne: Diego Cabello, Eduardo Cardozo, Ana Chung, Miquel de la Rocha, Leonor Estrada y Ximena Riveros quienes, junto a Fernando Castro, director de la obra, formaron parte del proceso creativo del espectáculo.

Las entradas se encuentran a la venta en Tu Entrada o en la boletería de la Alianza Francesa. Los precios son: 40 soles general, 25 soles para estudiantes y 15 soles para estudiantes de la Alianza Francesa y de Artes Escénicas. Hasta el 26 de agosto, habrá precios de preventa: 30 soles general y 15 estudiantes.
Contactos:

Prensa
Roberto Ramírez. telf. 6108000 anexo 133 RPC 997585085
r.ramirez@alianzafrancesa.org.pe

Dirección de Asuntos Culturales: dac@alianzafrancesa.org.pe

lunes, 21 de agosto de 2017

Estreno: LA HIJA DE MARCIAL

Escrita y dirigida por Héctor Gálvez

Dirección adjunta: Maricarmen Gutiérrez
La obra se estrenará el sábado 02 de setiembre en el Teatro de la Universidad del Pacífico.
Las entradas se encuentran en preventa hasta el 1 de setiembre en Teleticket.

El destacado cineasta Héctor Gálvez incursiona en el teatro como dramaturgo y director con su ópera prima La hija de Marcial, la cual fue seleccionada como una de las ganadoras del concurso de dramaturgia Sala de parto 2015.  “El teatro es más íntimo y los actores lo son todo. En el cine se busca una toma de un momento de actuación y esa queda en la película.  En el teatro tienes que lograr que esa buena toma, esa buena actuación sea constante”, comenta el Héctor Gálvez sobre esta nueva experiencia, en la cual está acompañado de Maricarmen Gutiérrez, directora adjunta.

La obra narra la historia de Juana, una joven que nunca conoció a su padre Marcial; era muy niña cuando desapareció. Veinte años después, es encontrado enterrado en el patio de un colegio olvidado. Para darle una cristiana sepultura, se tiene que realizar un proceso de exhumación. Pero a medida que pasan los días, Juana descubre que ese desentierro está removiendo rencores pasados que se relacionan directamente con su padre.

¿Qué sentimientos puede tener una hija hacia un padre al cual nunca conoció?  Un padre cuyos únicos recuerdos han sido relatados por la madre ¿Qué huellas de esa orfandad y ausencia quedan marcados? ¿Cómo afronta toda una comunidad el retorno de un desaparecido? Son algunas de las interrogantes que plantea La hija de Marcial.

El elenco se encuentra conformado por dos grandes actores peruanos: Beto Benites, quien vuelve a las tablas luego de una larga estadía en Venezuela, y Julián Vargas, del reconocido grupo Yuyachkani. Asimismo, los acompañan Gerald Espinoza, joven actor nacional que desarrolló su carrera en Chile, y Kelly Esquerre, en su debut como la hija de Marcial.

La obra se estrena el sábado 02 de setiembre a las 8:30 p.m. en el Teatro de la Universidad del Pacífico, ubicado en Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María. Las entradas están a la venta en Teleticket.

INFORMACIÓN IMPORTANTE
Estreno: sábado 02 de setiembre de 2017.
Temporada: del sábado 02 de setiembre al lunes 02 de octubre de 2017.
Días de función: jueves, viernes, sábados y lunes a las 8:30 p. m. / domingos a las 7:00 p. m.
Lugar: Teatro de la Universidad del Pacífico, ubicado en Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María.
Venta de entradas: Teleticket de Wong y Metro, y los días de función en la boletería del teatro.

PRECIOS DE ENTRADAS Y PROMOCIONES:
Entrada general: S/. 50.00
Estudiantes y jubilados: S/. 25.00
Lunes populares: S/. 35.00

Preventa general: S/. 35.00

Para mayor información, contactarse con:
Carla Revilla | 971 448 388| carlarevilla@gmail.com

Rony López Mija | 947 158 956 | ronymija@gmail.com

domingo, 20 de agosto de 2017

Reestreno: EL CARMELO

Regresa a  MICROTEATRO LIMA en la temporada POR AMOR AL ARTE la Comedia Teatral EL CARMELO.

Dirigida por Diego Lombardi y protagonizada por Sergio Paris junto a los actores Sergio García- Blásquez López y Martín Martinez.

Es el estreno de la primera obra que dirigirá Gino, un joven director de Teatro que ha dado todo por el montaje que lo lanzará a la fama pero el actor principal, el gran Robert King (Sergio Paris), se niega a salir a escena si no aparece su Máscara de Gallo, esto ocasionara una serie de situaciones que tendrán al público entre la risa y la desesperación.

La gran iniciativa de MICROTEATRO LIMA une mes tras mes a una cantidad de Dramaturgos, Directores, Productores y Actores que obtienen un espacio único para presentar Teatro y en esta oportunidad lo vuelve a hacer con temporada llamada POR AMOR AL ARTE con una variada cartelera de Obras.

EL CARMELO, obra escrita por el joven dramaturgo Martín Martínez es una pieza única que, dirigida por DIEGO LOMBARDI y protagonizada por SERGIO PARIS, brinda una interesante visión sobre todo lo que estamos dispuestos a hacer por amor a nuestros sueños. Esta comedia que carga a su vez momentos únicos de tensión y ternura estará durante toda la temporada hasta el 17 de Setiembre los días Viernes y Sábados desde las 11:00 pm. La obra dura 15 minutos y hay 5 funciones por noche. El costo es de S/.16.

Para más información visitar:

Venta de Entradas en la Boletería de Microteatro y Vía Web: www.atrapalo.pe

Para material adicional contactar a
Martín Martínez
cel: 992683049

Crítica: LA PEOR OBRA DEL AÑO

No somos dueños de la verdad

“Quien se enfada por las críticas, reconoce que las tenía merecidas.” (Tácito)

“La peor obra del año”, obra fresca y divertida escrita por el estadounidense Joseph Scrimshaw, bajo la dirección de Alonso Chiri en el Club de Teatro de Lima, es una comedia realista que nos muestra el rol que cumplen los críticos y los actores en el medio artístico. La puesta en escena tuvo un inicio débil, pero a medida que va avanzando el relato, con la presencia de los tres actores en escena se vuelve sólida. Todo inicia en el departamento de la exesposa del actor-director-dramaturgo Tomás Sánchez (Jhosep Palomino), quien en un arrebato de locura y frustración, secuestra al soberbio crítico Natalio Manchego (Gerardo Cárdenas), con el fin de darle una lección y obligarlo a rectificarse por la mala y destructiva crítica que hizo a la más reciente obra de Sánchez titulada “Mis e-mails con Shakespeare”, la misma que el crítico tituló “La peor obra del año”. En medio de esta disputa, llega inesperadamente Phillipe (Sergio Velarde), el chico torpe de la mudanza, quien será la persona neutral que tratará de hacerlos entrar en razón, pero al ver que se siente ignorados por el artista y el crítico, sacará lo peor de cada uno de ellos. Al final, ¿quién tendrá la razón?

Este montaje tiene escenas divertidas, con algunas bien logradas. Con respecto a los personajes, estos cuentan con un perfil claro. El tema central es el egocentrismo de un crítico que se cree un sabelotodo, pero además, el de un actor que se cree un Dios. Me gusta el estilo elegante y sutil que tiene el crítico Natalio Manchego cuando hace mención que su trabajo es dar su punto de vista personal respecto a la obra y que no tiene nada personal con el trabajo del actor, es decir, solo hace mención de lo que le pareció. La obra, en lo personal, me tocó, ya que no paré de reír con estos personajes que tiene una verdad agridulce del mundo artístico. El mensaje que rescato es que de alguna manera debemos entender que las críticas muchas veces no serán agradables, pero son necesarias.

Antes de terminar, quiero compartir este fragmento de Anton Ego (de la cinta Ratatouille) que me pareció pertinente mencionar: “La vida de un crítico es sencilla en muchos aspectos, arriesgamos poco, y tenemos poder sobre aquellos que ofrecen su trabajo y su servicio a nuestro juicio. Esperamos con las críticas negativas – divertidas de escribir y leer- pero la triste verdad que debemos afrontar es que, en el gran orden de las cosas, cualquier basura tiene más significado que lo que deja ver nuestra crítica. Pero en ocasiones el crítico sí se arriesga cada vez que descubre y defiende algo nuevo… el mundo suele ser cruel con el nuevo talento, las nuevas creaciones… lo nuevo, necesita amigos”. Gracias por la función.

María Victoria Pilares
20 de agosto de 2017

jueves, 17 de agosto de 2017

Crítica: EL VUELO DE LOS OLVIDADOS

Indiferencia que duele

Compartimos un mismo territorio; sin embargo, no siempre tenemos idea de lo que sucede en cada rincón del mismo. Las costumbres y formas de vida, los problemas, las carencias, etc. Pues bien, la historia de Ninapanqari es un fiel reflejo de esta realidad. Bajo la dirección y dramaturgia de Paris Pesantes, se presenta en el Teatro de Cámara del Centro Cultural El Olivar la obra “El Vuelo de los Olvidados”.

Un detalle destacado fue, que al ingresar el público a tomar sus lugares, los actores ya se encontraban interpretando sus roles, creando una atmósfera de complicidad y curiosidad por saber qué venía más adelante. La trama desvela el misterio de un pueblo conocido por tener la tasa de suicidios infanto-juveniles más alta del mundo, hasta allí llegará Alba -interpretada por Carmela Tamayo- una ex-periodista, quien pretende retomar su carrera contando esta triste historia, para muchos desconocida, pero que al mismo tiempo la enfrentará con penosas situaciones que la harán reflexionar acerca de su propia vida.

El elenco se completa con Mirtha -interpretada por Andrea Montenegro- desarrollando un papel bastante humano, con cargas no resueltas, que la mantienen ajena a los afectos y al apego por los chicos de Ninapanqari: Samin, Unay y Urpi –interpretados por Willy Guerra, Ray Alvarez y Claudia Ruíz- cuyas participaciones fueron conmovedoras y de gran calidad. Particularmente, sorprendió el carisma y ternura de Urpi, quien finalmente genera un cambio en todos los personajes de la obra.

Los elementos de la escenografía fueron bastante básicos, lo cual no estuvo mal debido a que el relato era el protagonista en este caso, los pétalos rojos simulando a las hojas de los Carmelos (árboles); la iluminación roja emulando el cielo cubierto de polen; la música (grata sorpresa que fuera ejecutada en vivo) se complementaban con la narrativa. La misma que fue muy precisa, es decir, se narraron los hechos relevantes que estructuraban la obra; no obstante, la intriga queda respecto de algunas situaciones (qué pasa con los chicos del pueblo, la situación de Alba y su hijo, por ejemplo), que se resolverían a futuro según se vio.

Más allá del mensaje que pueda rescatarse, está el hecho de reaccionar frente a situaciones que muchas veces desconocemos, lo que no quiere decir que no deban importarnos; por el contrario, esta pieza teatral invita a dejar la indiferencia e involucrarnos más como país, sin ir muy lejos, identificarnos como sociedad, como humanos. La atención se mantuvo alerta durante toda la obra, no solo por los roles muy bien desempeñados de cada actor, sino por lo que significaba desprenderse de la comodidad de la vida como seres individuales y empezar a identificarnos como una colectividad, que necesita crecer, apoyarse; para que no duela la indiferencia, o peor aún, la crueldad de los que atacan a los olvidados, como contundentemente nos muestra el final de la puesta. Termino recomendando a quienes lean, no se pierdan la oportunidad de verla.

Maria Cristina Mory Cárdenas
17 de agosto de 2017

miércoles, 16 de agosto de 2017

Estreno: OTELO

A cargo de la Compañía de Teatro Viajeinmóvil (Chile)

Viernes 18 y sábado 19 de agosto a las 8:00 p.m.
Auditorio ICPNA Miraflores (Av. Angamos Oeste 120)
Boletería: S/30 y S/.20
Trailer Otelo

Viajeinmóvil, compañía chilena, presenta una adaptación de la tragedia Otelo, utilizando un elaborado juego de manipulación de objetos, con un actor y una actriz que representan a los personajes principales. Serán dos funciones el viernes 18 y sábado 19 de agosto a las 8 p.m. en el Auditorio ICPNA Miraflores. Costo de las entradas: S/30 y S/20.

Esta historia de envidia, odio, racismo, celos y traiciones, parte de la relación con el melodrama de las telenovelas y las relaciones personales. En esta adaptación, el tema principal de la obra no son los celos sino el feminicidio. Es así que la pieza se aproxima hacia el duro drama de la violencia a las mujeres tan común en América Latina. Las escenas mezclan momentos de gran precisión técnica, humor y tragedia para escenificar uno de los más importantes textos del autor inglés.

Viajeinmóvil, nace en el 2006 con la creación de Gulliver, siguiendo la especialidad del teatro de objetos y marionetas a través de giras nacionales y en el extranjero. Además, dirige y administra el Anfiteatro Bellas Artes y realiza, anualmente, “La Rebelión de los Muñecos” Festival internacional de Teatro de objetos y marionetas.

La obra
Otelo, escrita por W. Shakespeare en 1604, trata sobre la relación amorosa entre Otelo y Desdémona que es puesta en jaque cuando Yago decide vengarse de su Almirante y amigo Otelo, después de no haber sido ascendido a Teniente

Ficha artística
Basada en Otelo, el moro de Venecia de William Shakespeare
Adaptación y dirección: Teresita Iacobelli, Christian Ortega y Jaime Lorca
Intérpretes: Nicole Espinoza y Jaime Lorca
Asesoría de diseño integral: Eduardo Jiménez
Música original: Juan Salinas
Vestuario: Loreto Monsalve
Diseño de iluminación y sonido: Tito Velásquez
Fotografía: Rafael Arenas
Afiche: Hugo Covarrubias
Producción: Karla Sandoval

Nancy Valdivia
ANALISTA DE PRENSA Y COMUNICACIONES
GERENCIA COMERCIAL Y MARKETING
Av. Angamos Oeste 120, Lima 18, Perú
Tel.: (511) 706-7000 anexo 99621
www.icpna.edu.pe

domingo, 13 de agosto de 2017

Restreno: CANCIÓN DE CUNA PARA UN ANARQUISTA

VUELVE POR UNA CORTA TEMPORADA DE LA OBRA

Protagonizada por Haydée Cáceres y Augusto Mazzarelli
Nuevo estreno: martes 15 de agosto a las 8:00 pm en la AAA

TEMPORADA: del 15 de agosto al 6 de septiembre. Martes y miércoles 8:00 p.m.
DRAMATURGIA: Jorge Díaz (Chile)
DIRECCIÓN: Roberto Vigo
ELENCO: Haydée Cáceres y Augusto Mazzarelli
LUGAR: Teatro de Lucía
DIRECCIÓN: Bellavista 530 Miraflores

Por solo ocho funciones se presentará una nueva temporada de la obra CANCIÓN DE CUNA PARA UN ANARQUISTA bajo la dramaturgia del chileno Jorge Díaz y la dirección de Roberto Vigo. El montaje se estrenará el día martes 15 de agosto a las 8:00 pm en el Teatro de Lucía.

CANCIÓN DE CUNA PARA UN ANARQUISTA nos cuenta la historia del encuentro, aparentemente casual, de Balbuena y Rosaura. Él, un vagabundo anarquista que tiene la misión de acabar con Hitler; ella, una viuda sin lugar donde vivir que se culpa de la muerte de su esposo que la maltrataba. Ambos se encontrarán en un mausoleo, un cementerio, donde crearan un vínculo imposible. La obra es un laberinto de constantes sorpresas, donde el tiempo y la lógica parecen estar jugando. Riéndose, saboreando un amargo café, mientras lo ilógico se vuelve real, lo crudo en poético y lo imposible en una decisión. Un texto que emociona y reconforta. Una tierna historia para abrazar la vida.

Para el joven director, la respuesta del público fue vital para montar nuevamente la obra: “volvemos con Canción de cuna para una anarquista porque, inspirados en los personajes de la obra, el equipo ha decidido luchar para mantenerla en escena y compartir esta historia llena de esperanza. La puesta nos recuerda la importancia de sentirnos vivos, de no conformarnos, pero sobre todo de renacer”.

Los invitamos a disfrutar de esta propuesta, ambientada en Chile de finales de los años 70, con un elenco de lujo: Haydée Cáceres y Augusto Mazzarelli. Una pieza teatral para creer en la vida y que sorprende en cada recoveco de su laberinto. Una vez más el lenguaje diáfano, humorístico y tiernamente poético de Díaz se impone logrando llegar a la emoción y la sonrisa del espectador.

CANCIÓN DE CUNA PARA UN ANARQUISTA- CORTA TEMPORADA
Entrada General: S/.50.00 nuevos soles
Jubilados: S/.35.00 nuevos soles
Estudiantes: S/.25.00 nuevos soles
Entradas a la venta en Teleticket y en la boletería del teatro una hora antes de función.

Informes al correo reservascancion@gmail.com/ 989067587
Para mayor información comunicarse con
PRENSA | Kitty Bejarano| 951710071(rpc)/ (#) 998934590 (RPM)

jueves, 10 de agosto de 2017

Evento: INAUGURACIÓN DE TEATRO DE LA UPAO

Inversión en nuevo centro cultural del Perú supera los 70 millones de soles

Juan Diego Flórez inaugurará el teatro de la Universidad Privada Antenor Orrego (UPAO) de Trujillo.

En conferencia de prensa se dio a conocer la fecha oficial de la inauguración del teatro Víctor Raúl Lozano Ibáñez de la Universidad Privada Antenor Orrego (UPAO) de Trujillo. Este recinto, que se convertirá en el más moderno del país, se inaugurará el próximo sábado 12 de agosto con la presentación por primera vez en Trujillo del tenor peruano Juan Diego Flórez.

“Estamos muy orgullosos de iniciar la etapa de reconstrucción de la región ofreciendo este teatro que transformará una vez más a Trujillo en sede de la cultura nacional. Nuestra universidad se caracteriza desde su fundación por enseñar a través del arte y la cultura. La región albergará dentro de poco a los mejores espectáculos del país y de América Latina”, precisó la doctora Yolanda Peralta Chávez, rectora de la UPAO.

La obra, realizada con una inversión que supera los 70 millones de soles, es solo comparable con los grandes teatros de Lima, como el Gran Teatro Nacional. Esta infraestructura se levanta sobre un área de 13 mil metros cuadrados.

El teatro Víctor Raúl Lozano Ibáñez está ubicado en la intersección de las avenidas América Sur y prolongación César Vallejo. Tendrá capacidad para albergar 1,107 espectadores, distribuidos en una platea principal con 745 butacas, seis palcos con ocho butacas cada uno y dos mezzanines con 314 asientos, además de espacios preferenciales para personas con discapacidad. Todas las butacas han sido importadas desde España.

El concierto inaugural estará a cargo del reconocido tenor nacional Juan Diego Flórez, quien estará acompañado del también famoso pianista italoamericano Vincenzo Scalera. Esta será la primera vez que Juan Diego Flórez se presente en el Perú en un teatro fuera de Lima. Para esta función inaugural estarán como invitados las más importantes autoridades nacionales, entre ellos el presidente de la República, los ministros de Cultura y Educación, embajadores, agregados culturales y autoridades regionales y locales.

Para mayor información contactarse con:
Giancarlo Mendoza C: 992767998 M: gmendoza@piar.pe
Arturo Ferrari C: 997848478 M: aferrari@piar.pe
Arturo Collahuazo C: 991080518 M: acollahuazo@piar.pe
PIAR Comunicaciones www.piar.pe                       

martes, 8 de agosto de 2017

Temporada: PINOCHO EN EL CIRCO

El personaje aprenderá sobre la importancia de estudiar con el fin de cumplir sus metas

Basado en el cuento de Carlo Collodi.

Todos los domingos de agosto a las 4 de la tarde en la Asociación de Artistas Aficionados, del centro de Lima.

Uno de los cuentos infantiles más conocidos en todo el mundo llega al teatro: “Pinocho en el circo”, esta vez contando la historia que el entrañable personaje vivió en el circo del gran Stromboly.

Después de grandes aventuras y situaciones enredadas, el divertido títere aprenderá sobre la importancia de estudiar con el fin de cumplir sus metas en una adaptación de Ángel Morante, basada en el cuento de Carlo Collodi.

Va todos los domingos de agosto a las 4 de la tarde en la Asociación de Artistas Aficionados, del centro de Lima. Es dirigida por Miguel Vergara y actúan: Ernesto Ayala, Katya Castro, José Antonio Curotto, Luis García y Karen Martínez.

“Pinocho” va los domingos 06, 13, 20 y 27 de agosto del 2017 a las 4 de la tarde en el teatro de la Asociación de Artistas Aficionados (Jirón Ica 323 - Centro Histórico de Lima) Entrada general 15 soles y niños 10 soles.

sábado, 5 de agosto de 2017

Taller: REBECA RALLI

Ya iniciaron las inscripciones

TALLER DE VOZ Y PRESENCIA
Del 22 de agosto al 21 de setiembre

Talleres Rebeca Ralli, de la actriz e integrante del Grupo Yuyachkani, abre la convocatoria para su “Taller Voz y Presencia” dirigido a jóvenes y adultos desde los 16 años con o sin experiencia previa. El taller se dictará todos los martes y jueves de 7:00 a 10:00 pm. desde el martes 22 de agosto hasta el jueves 21 de setiembre en la Casa Yuyachkani en Magdalena. Los cupos son limitados.

El “Taller Voz y Presencia” propone maneras de comunicar mejor tus ideas tanto en el ámbito profesional como en el personal, permitiéndote así conocer y manejar tu comunicación no verbal, desarrollar una presencia escénica, saber relajar tu cuerpo para evitar que las tensiones interfieran con lo que quieres decir, entre otras cosas.

De este modo, se propondrán pautas de trabajo sobre la voz, su conexión indesligable con el cuerpo y la persona. Por esto, se trabajará en forma colectiva e individual, a través de ejercicios y técnicas teatrales sobre los siguientes temas: La respiración, articulación, vocalización, dirección de la voz, fonación, aproximación al acto del habla y del canto, memoria vocal y corporal, la voz y el cuerpo en el espacio, la melodía de la palabra, auto-observación, la improvisación y la exposición del discurso.

“TALLER VOZ Y PRESENCIA” con Rebeca Ralli
Inicio: Martes 22 de agosto
Horario de clases: Martes y jueves de 7:00 a 10:00 pm.
Lugar: Casa Yuyachkani (Calle Tacna, 363, Magdalena del Mar)
Requisito: Ser mayor de 16 años, con o sin experiencia previa.
Informes e inscripciones: talleresrebecaralli@gmail.com / 999954141
CUPOS LIMITADOS

Contacto de prensa:
Pamela Puglianini
Productora del Taller
999954141