lunes, 31 de julio de 2017

Estreno: N.A. NINGUNA DE LAS ANTERIORES

Los conflictos de ser hombre y ser heterosexual u homosexual en un país como el Perú

Es la primera de las cuatro obras teatrales que la Asociación Cultural Panparamayo pondrá en escena en los próximos meses.

Todos los sábados de agosto a las 8 y 30 de la noche en el Teatro Ensamble, de Barranco.

“N.A. ninguna de las anteriores” es el nombre de la primera de las cuatro obras teatrales que la Asociación Cultural Panparamayo pondrá en escena en los próximos meses como parte de las celebraciones por su sétimo aniversario y que abordan problemáticas relacionadas a la identidad y a otros temas existencialistas contextualizados en un sistema político de terror. Felizmente, el humor es uno de los mecanismos de escape en sus propuestas escénicas.

“N.A. ninguna de las anteriores”, creada en el 2008 y que mantiene su vigencia nueve años después, nos habla de los conflictos de ser hombre y ser heterosexual u homosexual en un país como el Perú. Se presentará todos los sábados de agosto a las 8 y 30 de la noche en el Teatro Ensamble (Avenida Bolognesi 397 - Barranco).

El elenco está conformado por Verity Vélez de Villa, Sandro La Torre, César Gólac y Mario Ballón, quien además es el director del montaje. Las entradas están a la venta a 30 soles (general), 20 soles (estudiantes) en el mismo teatro. Reservas a panparamayo@gmail.com y a los teléfonos 997433635 / 951006841.

Estreno: EL VUELO DE LOS OLVIDADOS

Escrita y dirigida por Paris Pesantes

La obra nos muestra a Alba, una experiodista que llega a un pueblo tristemente conocido por poseer la tasa de suicidios infanto-juveniles más alta del mundo. Su motivación es encontrar la historia que le devuelva la gloria de los años perdidos. Sin embargo, se topará con una cruel realidad que el resto de las personas ignora, llegando a cuestionar su propio rol como mujer, madre y profesional.

La obra cuenta con las actuaciones de Carmela Tamayo, Andrea Montenegro, Willy Guerra, Claudia Ruíz y Ray Alvarez, se presentará los martes y miércoles del 15 de agosto al 13 de septiembre en el Teatro de Cámara del Centro Cultural El Olivar (Calle República 455 – San Isidro)

Las entradas están disponibles en atrapalo.pe y en la boletería del teatro.
Encuéntranos en Facebook como “El vuelo de los olvidados”.


sábado, 29 de julio de 2017

Crítica: COLÓN CONTRA COLÓN

Ir más allá

“Piérdete en el mundo y encuéntrate contigo mismo.” Nelson Mochilero

Primer montaje unipersonal de Johann Allpas, escrita por el chileno Sergio Arrau bajo la dirección de Jhon Arhuata, se presentó el 15 y el 22 de julio en la Sala Teatro Cuarta Maraña.

La puesta en escena empieza con el monólogo de Colón y la lucha interna con él mismo. A simple vista observamos a un hombre desaliñado y orate, que nos narra la travesía de su viaje para ir en búsqueda de nuevas tierras que conquistar. A estas alturas y por cultura general,   muchos ya han conocido y escuchado hablar de Cristóbal Colon, el navegante y descubridor de América. Y si nos preguntaran sobre el nombre de sus barcos o la fecha que la descubrió, la mayoría diría que tenía tres naves e incluso nos dirían que América se descubrió el 12 de octubre de 1492. Creo que hasta ahí, todos vamos bien. Pero si indagáramos un poco más, comprenderíamos por qué el afán que tiene para conquistar nuevas tierras y es eso justamente lo que nos trae esta gran puesta en escena.

“Colón contra Colón” nos muestra a un marinero que busca la oportunidad para hablar de su teoría hacia nuevas rutas y así poder mostrar lo que sabe. A medida que lo vayamos acompañando en su cruzada, nos iremos topando con sus vivencias, inquietudes, derrotas, frustraciones y aquellos deseos de reconocimiento, por lo que él comprenderá que tiene un llamado que seguir, pues escuchará una voz que le dirá: “Cristóbal, hijo del tejedor, Dios está contigo”. Es así que con Dios de testigo, él decidirá escuchar aquella voz que lo impulsará a seguir más allá.

Lo que gusta y llama la atención al espectador es la ambientación minimalista elaborada de papel ecológico e inclusive el vestuario, que fue hecho de tela. Fue simple pero elegante; y las naves hechas de papel e incluso la cruz, enriquecieron la obra. Esto nos muestra que a veces no se necesita grandeza para poder transmitir y compartir un buen arte. Sobre el trabajo corporal del actor, este se vio en cada momento. Soy consciente que hacer un monologo no es nada fácil e incluso mantener al espectador enganchado por casi una hora no es nada simple, pero me gustó el carisma y el trabajo bien armado del actor al conectarnos con su historia, de robarnos algunas sonrisas y sorprendernos con cada personaje que interpretaba.

La diferentes melodías de ambientación que usaron durante el desarrollo de las escenas fueron precisas, al igual que la iluminación. Me encantó el gesto que tuvieron el director y el actor, pues al término de la función, ambos se tomaron unos minutos para conversar con el público asistente y a la vez, resolver todas las curiosidades que teníamos con respecto a la obra. Sería genial que este tipo de propuesta se haga en la mayoría de teatros. Lo único que me queda por decir es muchas gracias por tan linda función.

María Victoria Pilares
29 de julio del 2017

Crítica: DIME QUE TENEMOS TIEMPO

Del odio al amor

“Cuando odias a una persona, odias algo de ella que forma parte de ti mismo. Lo que no forma parte de nosotros no nos molesta.” Hermann Hesse

“Dime que tenemos tiempo” es una comedia dramática del dramaturgo peruano César de María, bajo la dirección de Mayra Barraza. Esta obra fue un proyecto del curso de Montaje Teatral I de la Escuela de Artes Escénicas de La Universidad Científica del Sur y fue llevada a escena por Neón Producciones. Contó con las actuaciones de Anaí Padilla y Tamara Padilla en el Teatro Ensamble. La temporada fue del 1° al 9 de julio del 2017.

Esta puesta en escena nos narra la vida de Valentina y Maraví, dos grandes artistas cómicas de la década de los 70. Pese a su éxito televisivo, toman la decisión de ir por caminos separados, dejando así la amistad de lado y algunas cicatrices que hasta hoy han ido creciendo. A pesar de estar alejadas, siempre veían la forma de enterarse de la vida de la otra. Después de 25 años ambas recibirán una propuesta del canal televisivo donde antes trabajaban, con el fin de reunirlas otra vez en el escenario por el aniversario de dicho canal, y así presentar el show televisivo de Cachavacha y Pachuca, ese que las llevó a la fama y que cautivó a todos en aquellos años. Mariví (Pachuca) se tragará su orgullo y buscará la manera de convencer a Valentina (Cachavacha) solo con el fin de cobrar el dinero que les ofrece la televisora por la participación de ambas. Pero ella no se imagina lo que tendrá que enfrentar cuando la vuelva a ver.

El trasfondo de la obra es que ambas buscan culparse por lo que pasó hace 25 años y viven amargadas por lo que dejaron ir y lo que no hicieron. En sí, Mariví toma valor para buscar a su dupla y como pretexto está la invitación de por medio. Ambas guardan un secreto, pero dentro de su frustración ninguna de las dos supo escuchar lo que cada una quería, ambas se cegaron por su propio interés. Aunque una sea más culpable que la otra, ambas sentirán que ya es tiempo de limar asperezas y dejar que ese odio se vuelva amor. La obra abarca temas como la vida de un artista olvidado (mencionando al arte como negocio); el rencor y el aborrecimiento que se puede tener hacia alguien; los fracasos, las malas decisiones y la culpa que te va matando; el morbo que existe al sacar provecho de la desgracia ajena; y también, los deseos ocultos de tu corazón.

Lo rico de este montaje fue el empleo de acciones en paralelo, en tiempo y espacios diferentes. Esto creó en el espectador la ilusión de que el diálogo de ambas actrices se daba en un mismo lugar, pero realmente eran diferentes y a medida que la historia fue avanzando, fuimos encajando todo. La puesta en escena incluyó recursos de proyección audiovisual que ayudaron al soporte de la obra. Debo hacer mención, eso sí, que dieron un mal uso al plano detalle a la hora de la proyección, que en vez de sumar restó un poco a la obra. Me encantaron las actuaciones de ambas actrices y su desenvolvimiento en la puesta en escena. Sobre la escenografía, esta contó con la utilería adecuada para darle vida al espectáculo que ofrecieron, el cual agradó a más de uno.

Por otro lado, debo manifestar mi molestia al ser discriminada por el empleado del cafetín del Teatro Ensamble, el que ignoró mi pedido. ¿Acaso mi dinero no vale? o ¿es porque no tengo mi cabello rubio o mis ojos verdes como la señora a la que sí le dieron el pedido? A pesar de mis reclamos, nunca se hizo presente el administrador y espero que en el futuro la atención mejore y no discriminen a otra persona. Gracias.

María Victoria Pilares
29 de julio de 2017

viernes, 28 de julio de 2017

Convocatoria: TALLER DE FORMACIÓN ACTORAL DE DAVID CARRILLO

Convocatoria a la audición

XVIII TALLER DE FORMACIÓN ACTORAL DE DAVID CARRILLO

AGOSTO 2017 / JULIO 2018
·        Audición jueves 3 de agosto. Inicio de clases martes 8 de agosto.
·        Ahora en el Mocha Graña (Saenz Peña 107, Barranco)

David Carrillo, polifacético hombre de teatro, anuncia la convocatoria de la audición para su próximo taller de formación actoral que se realizará este jueves 3 de agosto a las 9:00 am. Todos aquellos interesados en obtener una formación seria en el arte y la técnica de la actuación deben mandar una solicitud de cupo a tfadavidcarrillo@gmail.com.

El taller tiene duración de doce meses, dividido en cuatro niveles, donde el alumno aprenderá todo sobre el quehacer actoral, desde el trabajo sobre uno mismo, análisis e interpretación de textos, entrenamiento actoral y construcción de personajes. El horario es de martes, jueves y viernes de 10am a 1pm.

El taller es dictado por el propio David Carrillo, director de 40 montaje, entre los más recientes “Demasiado poco tiempo” de David Yves, “La tiendita del horror” de Howard Ashman y Alan Menken, “Lo que nos faltaba” de su propia autoría, “Love & Chill” de su propia autoría al lado de Federico Abrill, “La casa limpia” de Sarah Ruhl; y actor en una treintena de obras, entre las más recientes “Cuerdas” de Bárbara Colio, “La sangre del presidente” de Aldo Miyashiro y “La terquedad” de Rafael Spregelburd.

Enlace de descarga 

DATOS IMPORTANTES:
REQUISITOS
Ser mayor de 18 años.
Tener una seria vocación teatral.
No importa el nivel de experiencia.
Pasar audición y entrevista personal (jueves 04 de agosto en el Teatro Mocha Graña a las 9:00 am por orden de llegada.)

DURACIÓN DEL TALLER
Del 08 de agosto del 2017 al 24 de julio del 2018
El taller tiene una duración total de doce meses, divido en cuatro niveles.

HORARIO
Tres veces por semana
Martes y jueves de 10:00 am a 1:00 pm y viernes de 10:00 am a 11:30 am (Este horario es para el nivel uno y el nivel dos).
Martes y jueves de 10:00 am a 1:00 pm y viernes de 11:30 am a 1:00 pm. (Este horario es para el nivel tres y el nivel cuatro.)

LOCAL
Teatro Mocha Graña
(Saenz Peña 107, Barranco)

SOLICITAR CUPO Y MONÓLOGO PARA LA AUDICIÓN A

Para mayor información comunicarse con:

Carla Revilla | 971448388 | carlarevilla@gmail.com

Estreno: UN CHICO DE BOSNIA

Escrita por Ad de Bont y dirigida por Felien De Smedt

Estreno: jueves 3 de agosto en el Centro Cultural Ricardo Palma
PREVENTA A 15 SOLES HASTA EL 31 DE JULIO EN ATRÁPALO

Luego de su presentación en el III Festival Directores en acción 2016, vuelve a los escenarios una nueva temporada de la obra UN CHICO DE BOSNIA bajo la dramaturgia del holandés Ad de Bont y la dirección de Felien De Smedt. El montaje, bajo la producción de Idea Original, se estrenará el día jueves 3 de agosto a las 8:00 pm en el Centro Cultural Ricardo Palma.

UN CHICO DE BOSNIA es un cuento, pero no de los alegres. Relatado por  Djuka y Fazila, refugiados bosnios en Holanda, nos cuentan la historia de Mirad quien es un chico alegre de 13 años que un día se despierta en un país lleno de odio, y se vuelve adulto. Una historia penosamente actual y universal que, con una hermosa carga poética y una narrativa elocuente, nos muestra cómo los horrores de la guerra afectan a los inocentes. Si bien está enmarcada en la guerra interna de Bosnia de los años ‘90, las matanzas, las desapariciones, los campos de prisioneros, los refugiados entre otros son elementos comunes de las guerras de todos los tiempos y lugares. Mirad, el protagonista, representa a todas esas personas que, víctimas inocentes de una guerra, se ven obligadas a huir para garantizar su sobrevivencia.

Sobre la obra, la directora Felien De Smedt nos dice: “El año pasado un niño sirio no mayor de 6 años, apareció en los noticieros del mundo mostrando un cartel que decía Sorry for Brussels (perdón por Bruselas) después de un ataque terrorista perpetrado en esa ciudad. Para entonces, el texto de Un chico de Bosnia ya había llegado a mis manos. Esta imagen me impactó siendo yo belga, pues que un niño refugiado de la guerra de Siria tuviera que disculparse por un ataque terrorista, era uno de los tantos colmos para mí. La necesidad de poner en escena este hermoso texto sólo crecía, compartir las palabras de Ad De Bont a través del personaje de Djuka y contar la difícil situación de las miles y miles de personas refugiadas en el mundo entero a través de una historia. Cuando pensamos en refugiados, nuestro primer reflejo es relacionarlos exclusivamente con Europa. Somos testigos de las impactantes imágenes de ellos en las costas italianas y griegas. Sin embargo, he aquí la necesidad de montar esta obra en Perú pues es importante ser conscientes que existen seres humanos que se ven obligados a dejar sus hogares en busca de paz, y además, es importante saber que no es un problema de un solo continente. En América también hay miles de personas refugiadas que están buscando una vida mejor y nuestro país, el Perú, es una de sus alternativas en esta búsqueda de paz. Las historias de Mirad, de Djuka y Fazila, y de Verica, son historias de Bosnia en los años ’90, pero al mismo tiempo son historias más cercanas, como las de colombianos/as, cubanos/as y venezolanos/as a las que no podemos ser indiferentes. Hay que conocer esta realidad, mirarla con ojos empáticos, y tomar consciencia de que la situación de estas personas es muy difícil y compleja, y que nosotros podemos aportar con apertura y comprensión”.

AD DE BONT (Ámsterdam, 1949) dramaturgo y director de teatro holandés. Ha trabajado en varios teatros en Holanda, dedicándose principalmente a escribir, adaptar y dirigir teatro para jóvenes. Entre 1993 y 1994 escribió la obra Un chico de Bosnia. El interés por culturas poco conocidas es un tema recurrente en sus obras. Muchos de sus textos han sido traducidos a varios idiomas. A lo largo de su carrera, de Bont ha recibido una variedad premios, tanto por su dramaturgia como por su dirección.

FELIEN DE SMEDT (Bélgica, 1985) es filóloga, actriz y directora de teatro. Radica en el Perú desde el año 2010. Es egresada del programa de actuación del Centro de Formación Teatral Aranwa. En el año 2013 tuvo su debut como actriz en el escenario limeño con La Ronda. En el año 2014 actuó en ¡Bryce, a mí con cuentos!; trabajó como asistenta de dirección en las obras Eclipsadas (Teatro A.A.A) y Crímenes del Corazón (ICPNA Miraflores). En el año 2016 se graduó como directora teatral en el Centro de Formación Teatral Aranwa, siendo Un chico de Bosnia la obra que presentó, para graduarse, en el Teatro Ricardo Blume. Antes de vivir en Perú, estudió actuación en la Academia Omer Van Puyvelde en Gante (Bélgica) y fue miembro del grupo de teatro Krakeel (Merelbeke, Bélgica).

IDEA ORIGINAL es una productora de teatro independiente que busca contribuir a la profesionalización y difusión de las artes escénicas en el país así como la revalorización del rol de las artes escénicas en nuestra cultura a través de propuestas novedosas y adaptadas a las necesidades del consumidor actual que busca entretenimiento de calidad. Gestionan proyectos atractivos que permitan atraer nuevos públicos y que al mismo tiempo sean una plataforma que capte y busque desarrollar talento joven de todas las ramas profesionales de nuestro medio. Entre sus montajes se encuentran la obra Penúltima Comedia Inglesa de Marco Antonio de la Parra, estrenada en el Teatro Ricardo Blume (2016) y en el Club de Teatro de Lima (2017); la obra Love Doll de Sergio Anchiraico, estrenada en enero del 2017 como parte de la temporada Por el Verano de Microteatro.

Los invitamos a ser parte de esta obra, que nos invita a la reflexión y rechazar cualquier idea de conflicto armado y para entender cómo un ser humano, en su lucha por la vida, es capaz de adaptarse a condiciones crueles e inhumanas y recuperar su vulnerabilidad.

UN CHICO DE BOSNIA
TEMPORADA: del 3 de agosto al 3 de septiembre de jueves a domingo a las 8:00 p.m.
DRAMATURGIA: Ad de Bont
DIRECCIÓN: Felien De Smedt
ELENCO: Sergio Armasgo, Jorge Armas, Katya De los Heros y Andrea Chuiman
LUGAR: Centro Cultural Ricardo Palma
DIRECCIÓN: Av. Larco 770, Miraflores

Entrada General: S/.25.00 nuevos soles
Estudiantes: S/.15.00 nuevos soles
PREVENTA A 15 SOLES HASTA EL 31 DE JULIO EN ATRÁPALO
Entradas a la venta en la boletería del teatro una hora antes de función
Entrada General: S/.25.00 nuevos soles
Estudiantes: S/.15.00 nuevos soles
PREVENTA A 15 SOLES HASTA EL 31 DE JULIO
Entradas a la venta en la boletería del teatro una hora antes de función

Informes al correo ideaoriginalteatro@gmail.com
Para mayor información comunicarse con
PRENSA | Kitty Bejarano| 951710071(rpc)/ (#) 998934590 (RPM)

Estreno: PROMETEO ENCADENADO

SOLO SEIS ÚNICAS FUNCIONES EN LA TRIPLE AAA

Prometeo encadenado, versión libre, se propone responder, desde nuestra perspectiva, algunas preguntas que se  presentaron en el proceso de leer el guión original: ¿Qué tiene que decirnos hoy por hoy este antiguo mito griego?, ¿Cómo nos identificamos con este héroe nacido en los orígenes de la dramaturgia universal?, ¿Hemos perdido acaso toda esperanza de un mundo mejor?

Hoy, como ayer, los hombres sufren, padecen, rezan y no encuentran mejoras. Las tinieblas envuelven el mundo. Los dioses poseen la luz, el fuego y lo guardan celosamente. Prometeo, nuestro héroe, mitad dios, mitad hombre, baja al mundo de los hombres y comprueba su Sufrimiento.  Vive con ellos, trabaja con ellos y conmovido les ofrece la esperanza de una vida mejor. Decidido, en medio de una fiesta a la que asiste en el Olimpo, no desaprovecha la oportunidad y roba el fuego en un descuido de los dioses para entregárselo a los hombres.
Zeus, enfurecido, envía a Cratos y a Bia a capturarlo y lo condena, amarrándolo a una roca, de por vida.

En la forma artística, integramos algunas de las artes escénicas contemporáneas para organizar un todo vivo, dinámico y vital. Poesía, música, danza, imagen y un trabajo actoral riguroso se entretejen para contarnos esta hermosa historia que nos habla de la primera hazaña humana. La estructura dramática no es convencional y está sostenida por una recopilación de diversos poemas de diversos autores.

Sobre LA DRAMATURGIA
RECOPILACIÓN DE TEXTOS:
PROMETEO ENCADENADO de Esquilo (Extractos de la Tragedia Griega. Poemas)
EL QUE EXTRAE EL FUEGO de Endre Ady
LO OCULTO de Konstantino Kavafis
AMERICA, NO PUEDO ESCRIBIR TU NOMBRE SIN MORIRME de Manuel Scorza (Extracto)
LOS DESGRACIADOS de César Vallejo (Extracto)
¡LA LIBERTAD! de Khail Gibran
ORFEO de Margaret Atwood (Extracto)
SONETOS de William Shakespeare (Extracto)

Acerca de la música:
Zorba El Griego (Autor Mikis Theodorakis)
Theme from Serpico   (Autor: Mikis Theodorakis)
To yelasto pedi (Autor: Mikis Theodorakis)
Kuntur (Autor: Lucho Quequezana)
Ena to chelidoni (Autor: Mikis Theodorakis)
Al quantara (bulería) (Autor: The bridge)

Dirección: Fabiola Alcázar Moreau
Asistente de dirección: Diana Veliz.
Actuación: Miguel Blásica (Prometeo), Martin Medina (Hefesto), Kaliman Vasquez (Cratos), Diana Véliz (Coro – pueblo – Bia), Edith Ramos (coro – esclava), María del Carmen Castro (coro – mujer del pueblo), Mariela Mamani (coro – esclava) y Lucía Meza (coro- mujer del pueblo) Edith Palomino (coro- mujer del pueblo)
Dramaturgia: Aroma de Octubre Teatro
Diseño de Vestuario: Aroma de Octubre Teatro

SEIS FUNCIONES:
Agosto: 18,19,20, 25,26,27
Hora: 8pm y domingos las 7pm
Lugar: Asociación de Artistas Aficionados (Triple AAA) Jr. Ica 323 Cercado de Lima
Telfs. 972 269 954 / 999 714 342 (01) 676 2883

Entradas:
General: S/. 25.00
Promocional: 2 x 40.00
Estudiantes: S/. 15.00
Precios especiales para grupos institucionales (previa coordinación)
Público: adultos, jóvenes, niños (a partir de 9 años)

Teaser:

Informes y coordinaciones:
Aroma de Octubre teatro

Telf: 676 2883 / Cel: 972 269 954

miércoles, 26 de julio de 2017

Crítica: PERSONAS NO HUMANAS

Realidades no humanas que todos debemos saber

Desde hace unas semanas en El Galpón de Pueblo Libre se está representando “Personas no humanas”, escrita por el dramaturgo Daniel Amaru Silva y dirigida por Rodrigo Chávez. Este montaje es parte de la serie de proyectos finales de los alumnos de la carrera de Artes Escénicas de la PUCP. “Personas no humanas” es una obra que nos habla de la explotación del hombre por el hombre y la indiferencia que hay por consecuencia. Traída a un contexto nacional, toma el caso de la minería ilegal en la selva peruana para guiarnos por una narración cargada de miedo y opresión condensados la historia de un trabajador de minería informal y una prostituta clandestina: Irwing (Alain Salinas) y María (Stephanie Vergara).

La obra se lleva a cabo en un espacio pequeño, cercano al público. La escenografía constaba con lo mínimo indispensable: una cama pequeña con ruedas que permitían un libre desplazamiento en el transcurrir de la obra y unas bancas. El primer escenario que se sugiere es el de un cuarto de prostíbulo, y el ambiente de clandestinidad se vio concretado por el uso de una colcha ploma, la cual inmediatamente me llevó a una imagen sórdida, triste.

Los personajes estaban llenos de particularidades, desde una manera de hablar propia de la selva hasta una corporalidad que revelaba al espectador unos personajes cansados, con una vida muy dura. Rescato la particularidad porque debo decir que a los actores parece no habérsele escapado ningún detalle en la construcción de los personajes. Se vio en escena un lado humano único que a la vez permitía conectar inmediatamente con lo que los personajes sentían y con lo que iban contando. En el caso de Irwing, interpretado por Alain Salinas, su corporalidad hablaba por sí sola: una persona joven que ha sido carcomida por las malas condiciones de su trabajo. Tenía el “dejo” particular definido, una voz potente y desgastada, movimientos que denotaban una historia detrás del personaje. En el caso de María, interpretada por Stephanie Vergara, no fue la excepción. Había algo pesado en su voz que, a mi parecer, redondeaba el personaje. Su corporalidad denotaba fragilidad y dureza a lo largo de la obra. La actriz tenía algunos cambios de rol donde se convertía por momentos en la madre de los personajes de la historia; sin embargo, me parece que aquellos cambios no trascendieron,  no se hicieron notar  lo suficiente, creo yo porque no hubo suficientes elementos diferenciadores además de la voz. Durante la obra se utilizaron proyecciones de imágenes que oscilaban entre figuras políticas peruanas e imágenes alegóricas. Hubo más de una ocasión en la que estas proyecciones pasaron desapercibidas, pues no hacía gran diferencia el que estén en escena, además de que las actuaciones eran tan bien hechas que bastaban para lograr la escena. Usaron frases y cantos en quechua cuya traducción al español no fue incluida en el montaje: no había necesidad de decir en español aquellas frases para sentir lo que querían decir.

Debo felicitar a los dos actores de este montaje especialmente por el manejo del texto durante toda la obra, hicieron un trabajo impecable en todo sentido. Usaron referentes del imaginario selvático para mostrar sus anhelos de felicidad, sus ganas por salir de aquella realidad; este recurso fue apropiado por los actores con el fin de contar, a través de las leyendas, cómo es que ellos luchan contra las adversidades en las que viven: una tarea muy difícil a nivel actoral que manejaron a la perfección. Felicito nuevamente la realización de este montaje, pues supo usar sus recursos al máximo.

Esta obra constituye una oportunidad para llegar a sensibilizarnos sobre una realidad: la trata de personas y la explotación de aquellas tanto sexual como laboral, en condiciones que atentan no solo contra la salud sino contra su integridad. Es sabido que hay una zona crítica en Madre de Dios, entre otros puntos del país, donde hay población víctima de este contexto. En este caso, la obra se permite, mediante el lenguaje teatral, denunciar esta verdad, hacer que el público pueda conocer la sensibilidad de estas víctimas a partir de la historia de Irwing y María. Como sociedad estamos en el deber de saber que estas cosas suceden y, lejos de ocultar la realidad, hacer algo desde nuestras perspectivas.

Stefany Olivos
26 de julio de 2017

Estreno: EUTANASIA

¿Pecado, delito o compasión?

Con los primeros actores Flor Castillo y Reynaldo Arenas.

La obra teatral, escrita y dirigida por Gianfranco Mejía, nos cuenta la historia de Valeria, una joven que sufre de esclerosis múltiple y pierde las ganas de vivir.

Va todos los jueves de agosto y setiembre en el Teatro Auditorio Miraflores.

Un polémico tema como la eutanasia, cuyas distintas perspectivas la definen como un acto de compasión, un delito o incluso un pecado, será puesto en escena en la obra que lleva por título precisamente “Eutanasia” y que será estrenada este jueves en el Teatro Auditorio Miraflores.

La pieza, escrita y dirigida por Gianfranco Mejía, nos cuenta la historia de Valeria, una joven de 24 años que sufre de esclerosis múltiple, enfermedad que va minando su vida paulatinamente. Desesperada, toma la decisión de solicitar la eutanasia, provocando un profundo pesar entre los miembros de su familia.

El elenco está conformado por la primera actriz Flor Castillo y el primer actor Reynaldo Arenas, junto a Milagros López Arias, Pedro Olórtegui, Cheli Gonzales, Ena Luna y Gianfranco Mejía.

“Siempre me gusta escribir y llevar a escena historias o temas que la gente no se atreve a hablar, temas que no se escuchen así nomás a la vuelta de la esquina”, comenta el director Gianfranco Mejía.

“Si a mí me preguntaran si estoy o no a favor de eutanasia, posiblemente diría que sí, pero ya no tendría que haber solución, es decir, que la persona no solo esté extremadamente enferma, sino que ya haya cumplido su ciclo de vida”, agrega.

“Eutanasia” se presentará todos los jueves, desde el 10 de agosto hasta el 28 de setiembre, a las 8 y 30 de la noche en el Teatro Auditorio Miraflores (Avenida Larco 1150 – Miraflores). Costo: 35 soles. Entradas a la venta en Cuponatic y en Atrapalo.pe o en la boletería del teatro.

lunes, 24 de julio de 2017

Evento: PROYECTO TRIPALIUM

EL GRUPO DE TEATRO ESPACIOLIBRE CELEBRA SUS DIECIOCHO AÑOS EN EL AUDITORIO DEL ICPNA DE MIRAFLORES ESTE 3, 4 y 5 DE AGOSTO

Este 2017, el grupo EspacioLibre celebra 18 años de actividad ininterrumpida en la escena peruana y recibe la invitación del ICPNA quien se suma al programa de festejo del reconocido grupo teatral alojando en su sede de Miraflores esta propuesta que planea exhibir, no solo experiencias escénicas contemporáneas, sino también un vínculo entre la atemporalidad de la historia del grupo, su vigencia y proyección en sus nuevas generaciones. Este conjunto de actividades se realizarán los días jueves 3, viernes 4 y sábado 5 de agosto.
“Proyecto Tripalium” está conformado por lecturas dramatizadas, proyección de obras emblemáticas de EspacioLibre, encuentros pedagógicos y funciones de su última obra “Café Inútil Orquesta (Y Coros)”. Este es un experimento escénico, rediseñado e intervenido solo para estas tres únicas funciones. Dirigido por Diego La Hoz y escrito por Karlos López Rentería. En escena veremos a Jhuliana Acuña, Diana Hurtado, Alexandra Jiménez, Karlos López Rentería, Nilton Minaya y Javier Quiroz.

La obra habla de tres personas que aprovechan los trabajos de construcción de la calle en la que viven para cumplir una tarea pendiente: hacer música. Sin vecinos y en silencio, la noche será esa orquesta inútil en la que ensayan lo que no escuchan, lo que no dicen, lo que no saben si vale la pena. Tres actores intervienen la escena fracturando la temporalidad y la delgada línea entre lo íntimo y lo público que solo los sentidos pueden reconciliar.

DATOS GENERALES
CAFÉ INÚTIL OQUESTA (Y COROS)
HORARIO: Jueves, viernes y sábado / 8pm (Entradas en boletería).

EL ACTOR COMO TERRITORIO
Seminario con Diego La Hoz y EspacioLibre.
HORARIO: Viernes de 10am a 1pm (Ingreso libre / previa inscripción).

DRAMATURGIA Y PROCESOS
Lectura de la obra "Mal-Criadas" (versión libérrima de Gonzalo Rodríguez Risco y Diego la Hoz de la obra “Las criadas” de J. Genet) a cargo de Omar Del Águila, Jonathan Oliveros y Jhosep Palomino.
Proyección del vídeo de la obra "Especies" (de Sara Joffré en colaboración con EspacioLibre).
Conversatorio abierto con los creadores.
HORARIO: Sábado de 10am a 1pm (Ingreso libre).

CONTACTO: Diana Hurtado: espaciolibreteatro@gmail.com / diana.hurtadov7@gmail.com CEL: 962347528. FB: Espacio Libre Teatro – Página Oficial

viernes, 21 de julio de 2017

Temporada: PERSONAS NO HUMANAS

SE EXTIENDE LA TEMPORADA DE LA OBRA TEATRAL

Drama nacional escrito por el dramaturgo Daniel Amaru Silva
Dirigida por Rodrigo Chávez
Del 18 al 23 de julio a las 8:00 pm en el Galpón Espacio

Debido a la acogida del público la temporada de la obra teatral PERSONAS NO HUMANAS, del dramaturgo Daniel Amaru Silva y bajo la dirección de Rodrigo Chávez, extiende su temporada desde el martes 18 al domingo 23 de julio a las 8:00 pm en el Galpón Espacio en Pueblo Libre.

Esta propuesta es un texto inédito del dramaturgo peruano Daniel Amaru Silva. PERSONAS NO HUMANAS nos traslada a un lugar particular de la selva de nuestro país: Madre de Dios, una realidad desconocida y aislada en la que las autoridades y el Estado están aún ausentes. ¿Cuál es el verdadero impacto de la minería ilegal en las víctimas? En La Pampa, donde mineros y trabajadoras sexuales son parte de un sistema esclavista, dos víctimas de esta realidad se reencuentran luego de 20 años en un prostibar y se ven forzadas a tomar decisiones sobre su libertad.

Francesca Baxerías y Stephanie Vergara son las gestoras de este proyecto en coproducción con SOMA TEATRO. Para ellas, montar la obra es la oportunidad de visibilizar la explotación sexual y laboral que no se pone en debate. “como creadoras escénicas, reconocemos al teatro como una herramienta poderosa para acercarnos a una realidad poco conocida y atendida, y que tiene consecuencias sociales serias: la minería ilegal en Madre de Dios. Queremos a través de esta propuesta teatral invitar al público que reflexione sobre las víctimas de este círculo opresor. Trabajar con Soma ha sumado al proyecto una mirada sincera al mundo interior de los personajes y sus relaciones, viendo más allá de los estereotipos de víctima-victimario”.

SOMA es un grupo de teatro que nace por la necesidad de generar espectáculos escénicos que exploren lenguajes alternativos. A través de la investigación y exploración de una teatralidad propia, se prioriza a la historia y a los actores como piezas fundamentales de la creación. Sus montajes buscan generar contenidos que provoquen la reflexión y el pensamiento crítico desde la visión de una generación joven. Entre sus trabajos destacan Metamorfosis (ganadora del premio del público del Festival Saliendo de la Caja 2015), Presunto Culpable (nominada a dramaturgia del año en los Premios El oficio crítico 2014), Salir (obra premiada por el Festival Sala de Parto 2013, nominada a obra del año en los Premios El oficio crítico 2015), y Los Justos (con nominaciones a los Premios Aibal 2017).

PERSONAS NO HUMANAS- PROYECTO FINAL DE ARTES ESCÉNICAS
Lugar: El Galpón Espacio
Dirección: Cipriano Dulanto 949, Pueblo Libre
Funciones: hasta el 23 de julio, martes a domingo
Hora: 8:00 p.m.
Entrada General: S/. 30 nuevos soles
Entrada Estudiantes y jubilados: S/. 20 nuevos soles
Venta de entradas en la boletería del teatro una hora antes de la función

Kitty Bejarano / Rpm #998934590 / 9517-10071 (RPC)
Prensa y difusión de la Obra

Estreno: JUNTOS Y REVUELTOS

COMEDIA DE ENREDOS EN EL TEATRO AUDITORIO MIRAFLORES

Divertida comedia familiar llega en agosto a Miraflores

“JUNTOS Y REVUELTOS”
Llega al Teatro Auditorio Miraflores (Av. Larco 1150 - sótano Miraflores), todos los Viernes, sábados y domingos del mes de agosto con JUNTOS Y REVUELTOS, un montaje que D’Arcanus Producciones lleva a las tablas para acercar esta comedia moderna al público limeño. La pieza tiene una trama viva, ágil y entretenida que conquistará a todos lo que quieran divertirse con las situaciones de esta singular familia.

Una comedia fresca y divertida, que nos presenta a Simón el cual vive con su familia junto con su hermano enfermo y su sobrina y el abuelo.  A esto se les suma diversos y jocosos personajes que se van sumando al poco espacio familiar de manera espontánea, esto genera en Simón desesperación por no tener espacio para alojar a tantas personas, pero por amor a su familia termina cediendo. Esta comedia  brinda por medio de la comedia una pequeña critica a algunos aspectos de la nueva sociedad moderna peruana, el poco acceso a una vivienda libre y de calidad bajo las posibilidades del trabajo y salario.

D’Arcanus Producciones presentará en el mes de agosto, su nuevo estreno en el Teatro Auditorio Miraflores: JUNTOS Y REVUELTOS, la cual nos muestra las desventuras de una familia de clase media limeña que por las dificultades de conseguir casa, los integrantes siguen sumándose de manera inesperada haciendo mas difícil la convivencia.

El elenco de “JUNTOS Y REVUELTOS” lo conforma Jenny Hurtado, David Huamán, Pedro Olortegui, Lorena Vásquez, Cristhian Palomino, Claudia Trucios, Ricardo Morante y Antonio López, bajo la dirección de Victor Barco. La temporada se llevará a cabo todos los viernes, sábados y domingos a las 8:30 pm del mes de agosto, en el Teatro Auditorio Miraflores, ubicado en Av. Larco 1150 Miraflores. Las entradas podrán adquirirse en la boletería del mismo teatro y en Atrapalo.pe 

Temporada:
TEATRO AUDITORIO MIRAFLORES
Av. Larco 1150 – sótano Miraflores
Viernes, sábados y domingos a las 8:30 pm.
Del 4 al 27 de agosto
Entradas: Boletería del teatro, Por mensaje a la fan page, o por la web de atrapalo.pe

Promoción para estudiantes de escuelas de teatro o talleres

Venta de entradas a estudiantes: 20 soles

Contactos: Victor Barco - 944273179

domingo, 16 de julio de 2017

Estreno: EL PLEBEYO, EL MUSICAL

UNA CO-PRODUCCIÓN CON LA MUNICIPALIDAD DE LIMA

Historia de amor ficcionada entre Felipe Pinglo y Giannina Zuccarello, bella joven limeña, quien, según historiadores, inspiró el popular vals.

En sus últimos días de vida, una bella y elegante dama escucha, mientras descansa en su mecedora, su acostumbrado programa radial de música criolla. Se trata de Giannina Zuccarello, quien conmovida por las bellas letras y melodías recuerda su breve, pero apasionada historia de amor con Felipe Pinglo, cuando ella tenía dieciséis  años y el compositor veintiuno.  En sus furtivos encuentros, ella participa también de la vida bohemia criolla, muy propia de la época (los años 20). No obstante, cuando  los padres de Giannina se enteran de este enamoramiento optan por enviarla a la fuerza a Italia. En los jóvenes amantes queda impregnada para siempre una dolorosa  añoranza de ese primer gran amor. Giannina muere  con ese recuerdo; y, al compás del vals “El Plebeyo”, camina al encuentro del joven Pinglo para bailar juntos, en el centro del escenario, este último vals. 

“El Plebeyo” es un homenaje a Felipe Pinglo Alva, un tributo a su  inmensa creación musical, plagada de canciones poéticas y de protesta social, obra que fue declarada Patrimonio Cultural de la Nación en el 2016.  El musical cuenta la historia de amor más popular del Perú, que se sintetiza en la frase: “Amar no es un delito”. Es la clásica relación del amor incomprendido de dos seres de mundos sociales diferentes, a quienes no se les permite ser felices.

DE LA PUESTA EN ESCENA:
“El Plebeyo”, cuya producción está a cargo de La Banda SAC, no es otra cosa que la conjunción de talento peruano, reunido para sacar adelante un montaje teatral para el cual se han cuidado todos los detalles. La música ha sido especialmente creada por Diego Rivera, peruano que ha escrito música para diferentes películas en Los Ángeles. Para deleitarnos con música en vivo, tendremos la presencia de Willy Terry, considerado hoy la Primera Guitarra del Perú. La dirección vocal está a cargo de Julie Freundt y la escuela Acordes y la dirección coreográfica a cargo de Lucia Meléndez. La dirección adjunta es de Norma Berrade, argentina de larga trayectoria en la realización de montajes en el Perú. La creación de audiovisuales es de Yitzak Fowks, quien tiene una amplia experiencia en teatro, ballet  y espectáculos en vivo.

DE LOS PROTAGONISTAS
La pareja protagónica es interpretada por dos jóvenes talentos: Emanuel Soriano, como Felipe Pinglo, actor de sólida trayectoria, quien está en el mejor momento de su carrera; y Andrea Aguirre, como Giannina Zuccarello,  talentosa actriz y cantante, poseedora de una gran voz. Ella viene del canto lirico, pero ha incursionado en la canción popular.

GUION ORIGINAL:
Attilia Boschetti, actriz de temperamento, se estrena como guionista con esta realización, en la que además actúa. Ella relata la historia que, en sus años de juventud, protagoniza su personaje: Giannina, la mujer por cuyo amor Pinglo escribió “El Plebeyo”.

DIRECCION GENERAL:
A cargo de Carlos Tolentino, reconocido director de teatro que nos tiene acostumbrados a obras con delicada puesta.

EL LUGAR: Teatro Municipal de Lima. 
TEMPORADA: Del 5 al 31 de agosto. (15 funciones, de jueves a domingo)
ENTRADAS: A la venta en Teleticket. Desde S/:11.50

VESTUARIO Y STYLING:
A cargo de Norma Tolentino, quien ha creado un vestuario de época, marcando cada detalle de los personajes.

Crítica: EL AMOR DE LAS LUCIÉRNAGAS

La intermitencia de las luciérnagas como la vida misma

Obra escrita por el dramaturgo mexicano Alejandro Ricaño, bajo la dirección de Cecilia Cruz, la representación El amor de las luciérnagas es un viaje personal que nos lleva a revisar los más pasajes importantes de nuestra vida, tales como las relaciones familiares, el primer amor, la amistad verdadera, los conflictos existenciales, la ruptura y la autocrítica permanente en la búsqueda de la perfección.

El argumento de la obra gira en torno a María (interpretada por Claudia Alecchi), una escritora de teatro para niños, quien emprende un viaje para reencontrarse consigo misma, siendo una máquina de escribir embrujada, la responsable de crear a su doble, la misma que usurpará su identidad y relaciones personales; situación que hace a la protagonista enfrentarse con su mejor versión y, de esta forma, cambiar la perspectiva de su vida.

El elenco se completa con la participación de Lola (Natalia Bonifaz) y Ramón (Alonzo Aguilar), cuyas intervenciones camaleónicas son por demás aplaudibles, pues debido a la naturaleza de la puesta, interactúan con la protagonista como la mejor amiga y el muchacho del que se enamora respectivamente; sin embargo, el dinamismo de la narrativa hace que desempeñen múltiples roles para relatar las anécdotas de María, ejecutando la acción de sus personajes en distintos escenarios y con elementos básicos de vestuario que los distinguían. Interesante propuesta de la directora, que supo conjugar los monólogos explicativos y las escenas con música interpretada por los propios actores, sin duda, un acierto que sumó al desarrollo ágil de la historia.

Particularmente, al inicio sentí una desconexión con lo que observaba y escuchaba; no obstante, mientras la obra iba tomando forma, mi atención y percepción cedieron e involucrarme con cada detalle fue inevitable y natural. Otro punto destacable fue que al ser en esencia un relato mexicano, los acentos y modismos al hablar fueron pertinentes; pero, ciertos detalles como introducir jergas peruanas en partes del texto deslucieron un poco a los personajes.

En general, una representación elocuente, con momentos hilarantes, pero sobre todo con un final preciso y cargado de verdad; acerca de la intermitencia de la vida, de la felicidad, del amor, de los aciertos y fracasos personales, que nos llevan a ser quienes somos. La reflexión es clara: aprender a soltar y reinventarnos es un proceso que afrontaremos hasta que dejemos este mundo, habrán momentos buenos y malos que no durarán eternamente; lo importante es aprender a lidiar con ellos sin juzgarnos tan duramente, sin pretender agradar a todos y, por el contrario, aceptarnos y querernos nosotros mismos lo más que podamos; tal como la luz cambiante de las luciérnagas que, finalmente, reflejan la vida misma.

Maria Cristina Mory Cárdenas
16 de julio de 2017

Crítica: TE QUIERO HASTA LA LUNA

Viajes turbulentos

La luna es el pretexto para el reencuentro de una pareja malherida y el viaje genera el nuevo comienzo para ambos. Mario Mendoza, director de Te quiero hasta la luna, se asegura de nunca poner en riesgo esta reconciliación y esconde las intenciones de sus protagonistas detrás de mentiras elementales que los espectadores atentos desciframos sin esfuerzo, haciendo que el conflicto sea pasivo y la tensión minimizada.

La dramaturgia se concentra en repasar las circunstancias que separan y unen a esta joven pareja, a través de flashbacks que saltan desde el presente donde tienen veinticinco años, hacia una niñez de siete o su adolescencia de doce. En esos recuerdos se apela a la nostalgia o la ternura de los primeros encuentros y además, se remarca algunos eventos, frases, gestos y bromas que los han forjado como personas y los predestinan a estar juntos.

Los protagonistas Katheryne Mendoza y Gabriel Gil construyen dos personajes complementarios. La actriz interpreta a una mujer desaforada que intenta resolver cualquier situación a base de su personalidad explosiva y carácter enérgico; en tanto que el actor elabora un hombre retraído, con la energía tenue y sostenida, indeciso para revelar sus ansias de pasión. Ambos concuerdan en tratar las situaciones en tono realista, añadiendo en cada escena chispazos de farsa que quiebran cualquier vínculo emocional real, reemplazado por gags complacientes e irrisorios.

Los mejores momentos de interrelación están en cómo ambos resuelven la intervención de las melodías, parten de una conversación cotidiana y progresivamente se va gestando el dueto. Además, resaltar los instantes lúcidos de Gabriel Gil para matizar el texto con verosimilitud, así como su manejo preciso del silencio y la pausa, que aterriza la energía desbordante de su compañera.

En cuanto a la plástica, tanto la dirección de arte y de luz se torna explicativa y no aporta en transmitir una atmósfera determinada o alguna metáfora extendida a un nivel sensorial. Pareciera que se alumbrase en lugar de iluminar; asimismo, la espacialidad no está determinada, pues por momentos pareciera que se intenta develar la luna o la nave espacial a partir del acting, pero este no consigue generarlas porque no las visualiza y los actores tampoco juegan a ser afectados físicamente por el entorno. Es ambigua la dualidad entre mostrar lo invisible y proponer el minimalismo, como cuando se colocan dos cráteres en el suelo para pretender dar la dimensión del satélite. En todo caso, no se ve ni se siente.

El montaje de Mario Mendoza apunta a endulzarnos con una historia de amor idealista, sin enfrentamientos y en constante búsqueda de la carcajada. Hay un público que lo recibe bien, hay otro que exige mayor profundidad.

Bryan Urrunaga
16 de julio de 2017

martes, 11 de julio de 2017

Temporada: LA PÍCARA SUERTE

SE EXTIENDA POR UNA SEMANA LA TEMPORADA DE LA OBRA TEATRAL

Con la dramaturgia de Leonidas N. Yerovi y dirección de Mateo Chiarella Viale.
De jueves a lunes en el Teatro Ricardo Blume.

Debido a la acogida del público, se extiende por una semana las funciones de la divertida comedia LA PÍCARA SUERTE dirigida por Mateo Chiarella Viale. Los días de función serán de jueves a lunes en el Teatro Ricardo Blume, del 13 al 17 de julio. Las entradas están a la venta en Teleticket.

LA PÍCARA SUERTE, divertida comedia escrita por Leonidas N. Yerovi en 1914, narra las vicisitudes de Felipe quien ha perdido ya toda su fortuna y está a punto de ser desalojado de su domicilio. Por consejo de su amigo Ortiz, quien dice tener un plan infalible y buscando revertir su situación, decide apostar sus últimos centavos en la ruleta, disparando así los enredos de esta inteligente pieza.

LA PÍCARA SUERTE estará de temporada hasta el 17 de julio con la participación de Jose Dammert, Pold Gastello, Ramón García, Lilian Nieto, Mayella Lloclla, Anneliese Fiedler, Marco Miguel Ravines, Chipi Proaño, Danitza de Bona y Olga Acosta.

LEONIDAS YEROVI – 100 AÑOS DESPUÉS, es el ciclo destinado a conmemorar los cien años del fallecimiento del poeta y dramaturgo más representativo de la cultura popular criolla de inicios del siglo XX, desde Aranwa Teatro.

TEMPORADA: del 13 al 17 de julio
DÍAS: jueves, viernes y lunes a las 8:00 p.m. / sábado y domingo a las 7:00 p.m.
DRAMATURGIA: Leonidas N. Yerovi
DIRECCIÓN: Mateo Chiarella
ACTÚAN: Jose Dammert, Pold Gastello, Ramón García, Lilian Nieto, Mayella Lloclla, Anneliese Fiedler, Marco Miguel Ravines, Chipi Proaño, Cecilia Rechkemmer y Olga Acosta
LUGAR: Teatro Ricardo Blume
DIRECCIÓN: Jr. Huiracocha 2160, Jesús María
Entrada General: S/.50.00 nuevos soles
Jubilados: S/.40.00 nuevos soles
Estudiantes: S/.25.00 nuevos soles
Entradas a la venta en Teleticket y en la boletería del teatro una hora antes de la función.