martes, 20 de junio de 2017

Crítica: LA TERQUEDAD

Más Terquedad, Menos Prudencia

Spregelburd, autor de La Terquedad, enfrenta a cada uno de sus personaje con su más oscura ambición, su deseo primario, aquel desenfreno silenciado por el otro que toma el cuerpo de un secreto o aquella lucha imperante que los atiborra de una pasión beligerante, por la cual son capaces de abandonar cualquier barrera moral, o inclusive, el vínculo humano más afín.

Una pieza terca y fluctuante, de dos horas y algo más, dirigida ahora por Sergio Llusera, acompañado de siete actores resonantes que trabajan sobre quince caracteres, en una puesta en escena vencida por la dificultad de la dramaturgia.

Llusera confía en el juego que pueda desprenderse del caos escénico, en medio de una coreografía de entradas y salidas que mantenga al espectador curioso e incandescente, atraído por cada nueva situación en que los personajes se desnuden frente a él. Sin embargo, la emoción inmersa dentro de las escenas se torna cerebral, tan solo esbozada por los diálogos y los comportamientos, sin ser apoyada por esa efervescencia de un actor vivo que transite por ellas. Los estímulos quedan en el aire, gaseosos entre los actores y por tanto, la obra concluye plana, opaca, sin conllevar aquel vaivén prometido por el texto.

El ejercicio de cambios de personaje es una prueba difícil; Claret Quea, el que más juega, propone matices drásticos y arriesgados, en una variante de soldado atolondrado y un ruso comunista amoral. El actor se despreocupa por el realismo y transforma el tono hacia una caricatura excéntrica, libre por el escenario, que contrasta duramente con el estatismo o los clichés de sus acompañantes.

Asimismo, Sofía Rocha resalta en su propuesta realista, aparece con un accionar transparente que permite descifrar esas contradicciones de Magda, aquella mujer que puede firmar la sentencia de muerte de su marido. Se presiente en ella una carga y una lucha, que al enfrentar con un Alberto Isola inmutable, no crece.

Por otro lado, Llusera trabaja con algunos recursos plásticos que caben mencionar. Por ejemplo el momento en que los cavernarios aparecen para brindar imagen a la teoría de Jaume Planc, que desata una composición atrayente, donde se mezclan una iluminación onírica, una voz en off, dos personajes bien dispuestos en el primer término y una secuencia al fondo que rompe con toda la convención pasada del montaje, dando énfasis al nacimiento de aquel lenguaje que tanto daño hará al protagonista. Además, el uso del multimedia para establecer espacialidad, aunque redunde y reste a la hora de reforzar el idioma kaplak, bien expuesto por la dramaturgia.

La Terquedad, una obra que nos retrata como seres convulsivos. Es una apuesta difícil, que requiere de un riesgo mayor para despertar sus emociones escondidas.

Bryan Urrunaga
20 de junio de 2017

Crítica: EUROTRASH

El primer vuelo de Alejandra Núñez

Es un gusto ver cómo durante los últimos años han surgido nuevas figuras en el mundo de las artes escénicas; actores, directores y dramaturgos que han apostado por ellos mismos. Este es el caso de Alejandra Nuñez, una joven dramaturga que nos ha presentado en temporada su primera obra como autora y directora: “Eurotrash”, una obra que con su solo título -eurotrash: basura europea- nos remite a un viaje, juventud desenfrenada, cuestionamientos personales.

Esta historia nos narra una serie de viajes paralelos, tanto espaciales como personales. Una familia privilegiada limeña. La hija mayor, Paola, ha aparecido muerta en una calle española con una libreta en la mano. En ella tres nombres escritos: Juliana (Ximena Arroyo), Nuria (Wendy Nishimazuruga) y Roen (Mario Gaviria). Rosario (Natalia Torres Vilar), madre de Paola, irá con aquella libreta a conocer realmente la vida de su hija en Europa. La historia nos permite acompañar a Rosario en el proceso de aceptación de la muerte de su hija, proceso para el cual va a ser de gran ayuda cada una de las personas que va a encontrar en España. La revelación de aspectos de su hija que no conocía va a llevarla a reconfigurar su contexto, a cuestionarse sobre si su vida está yendo en el camino correcto.

Esta obra ha englobado muchas connotaciones que me llevan a varias conclusiones. En primer lugar, se puede notar que efectivamente “Eurotrash” es una primera obra consolidada de una dramaturga en sus inicios. Hay una cierta inocencia en el modo de englobar el mundo de los personajes y sus dramas. Por otro lado, la personalidad de Rosario y su búsqueda de la verdad es una actitud propia de los jóvenes de hoy en día. El hecho de que el padre (Antonio Arrué) sea congresista le da un contexto muy común para presentar la disfunción familiar de una familia acomodada. Es fácil de conectar que en una familia como aquella es común la falta de comunicación entre sus miembros. La autora ha depositado en cada uno de los miembros de la familia posturas claramente contrarios: un padre congresista como defensor de las apariencias, un hijo hasta cierto punto heteronormativo que está en contra de la partida de Rosario a España, una hija que, al ser la menor, tiene una visión más abierta y consciente de su situación familiar y que notoriamente no tiene cosas en común con el resto de su familia. Los personajes que en la obra son españoles son inocentemente a propósito opuestos a Rosario: personajes, grandes, liberales, resueltos y, aunque Rosario no quiera aceptarlo, tienen más cosas que ella en común con Paola.

Me quedé con ganas de más. Es una historia grande, aborda contextos fáciles de reconocer. A nivel actoral me pareció impecable, dirigidos con mucho tino y con recursos escenográficos simples y precisos para la historia. Sin embargo, la obra fue muy corta, no me permitió cerrar una idea circular de la historia. Fue como un resumen de imaginarios, me llevaba una idea general de cada personaje en función de la obra pero no pude ahondar en el drama que la historia proponía. Sin embargo, me parece que al ser una primera obra está bien lograda, una buena elección de actores: cada personaje tuvo una característica peculiar, fresca, muy de nuestro tiempo. Una obra que me dejó con muchas preguntas, sobre todo con relación al desenlace de los personajes; todo esto bajo el brazo de una autora que promete ser una nueva figura de la dramaturgia peruana y que, después de ver este primer trabajo, se lleva mis felicitaciones, hacen falta cada vez más artistas escénicos que se atrevan a mostrar sus creaciones.

Stefany Milagros Olivos Saavedra
20 de junio de 2017

Temporada: MOONCHILDREN

De Michael Weller, versión en español de Gonzalo Rodríguez Risco dirigida por Paco Solís Fúster

La obra de teatro MOONCHILDREN, ópera prima del prolífico dramaturgo estadounidense Michael Weller, se encuentra actualmente en corta temporada bajo la dirección de Paco Solís Fúster. Este drama, adaptado al español por Gonzalo Rodríguez Risco, está protagonizado por un joven conjunto de talentosos actores, y se presenta todos los martes y miércoles hasta el 12 de julio en el Teatro de Lucía a las 8:00 p.m.

MOONCHILDREN (1971) nos regala la historia de un grupo de estudiantes universitarios que, en el contexto de la guerra de Vietnam y del movimiento hippie, deberán enfrentar sus más profundos miedos y vacíos. En medio de las tensiones propias de la convivencia, Bob Rettie (Giovanni Vidori) recibirá una invitación de alistamiento en el momento mismo que se entera de una inquietante noticia. Amor, desamor, humor, miedo, e incertidumbre. ¿Serán las circunstancias de sus vidas tan sombrías como el orden contra el que luchan vehementemente?

Los invitamos a compartir una historia que, mediante el humor, retrata las tensiones más humanas en un grupo de estudiantes donde los ideales, la amistad y el amor se confunden hasta entrar en conflicto. El joven y promisorio elenco está conformado por Jorge Black, Daniel Cano, Daniel Lanfranco, Mónica Ross, Pedro Sessarego, Eduardo Soldano, Mauricio Sotomayor, Tamara Padilla, Giovanni Vidori y Vanessa Zeuner.

Funciones: Martes y miércoles, 8:00 p.m.
General: S/. 30 soles. Estudiantes: S/. 20 soles. Estudiantes PUCP: S/. 15 soles.
Teatro de Lucía. Calle Bellavista 512, Miraflores
Entradas a la venta en la boletería del teatro una hora antes de la función.

Para mayor información comunicarse con Giovanni Vidori, gestor del proyecto, al correo giovanni_u5@gmail.com o al teléfono 993 393 748.

Con producción de la obra comunicarse con Mariana Baumann al 954 777 122 y al correo electrónico moonchildrenperu@gmail.com

Temporada: TODO POR LOS 15 MIL

SE QUEDA HASTA EL 1ERO DE JULIO EN MICROTEATRO

CRISTHIAN PALOMINO INTERPRETA AL DRAG QUEEN MÁS IMPORTANTE DEL BAR GAY “EL CÉNTRICO”

FECHAS: 23, 24, 30 de junio y 01 de julio 
HORA: Viernes y sábados (5 funciones cada díaa: 23:20   23:45   00:10   00:35   01:00)
DRAMATURGIA: Cristhian Palomino
DIRECCIÓN: Kathy Serrano
ELENCO: Cristhian Palomino y Malory Vargas
LUGAR: Jr. Batallón Ayacucho 271
ENTRADA GENERAL: 16 soles
ENTRADA ESTUDIANTE: 13 soles
Entradas a la venta en boletería y en:  https://tinyurl.com/yckfsg4x

La segunda versión de “Todo por los 15 mil” se estrenó el 26 de junio en Microteatro Lima – temporada Por orgullo

Roxy es un drag queen que, a pesar de ser nuevo en “El céntrico”, se ha convertido en la estrella del bar. Cientos de personas hacen cola para disfrutar de su show, especialmente los hombres adultos. Esta idea parece gustarle a la nueva diva quien, junto a su asistente Cinthia, disfruta gritando su éxito para envidia de las otras drags. Pero… ¿Quiénes se esconden detrás de estos pintorescos personajes? ¿Cuánto estamos dispuestos a perder por las personas que más amamos?

CRISTHIAN PALOMINO, actor y comunicador. Ha participado en montajes como “Nuestro Secreto” obra ganadora de Sala de Parto, “Promoción” de Aldo Miyashiro, y “Love and chill” dirigido por David Carrillo. Actual ganador del Oficio Crítico a Mejor actor de Reparto en comedia por Love and chill y reconocido por Lamula.pe como dramaturgo destacado del 2016 por “Todo por los 15 mil”. 

MALORY VARGAS, actriz y bailarina. Artista exclusiva de Mandrágora, ha participado en El gran show y actualmente se desenvuelve en uno de los roles principales de Solo una madre. Además es la figura del canal juvenil “Viva la danza”.

CONTACTO
Ana Rosa Ortiz 
Prensa y difusión de la obra
Correo: https://mail.google.com/mail/u/0/images/cleardot.gifanarosa.ortizch@gmail.com
Celular: 957 570 576

Cristhian Palomino 
Prensa y difusión de la obra
Correo: cristhianpalmar@gmail.com
Celular: 942 051 265

lunes, 19 de junio de 2017

Crítica: NN12

La memoria del olvido

¿Cuánto pesa el olvido? ¿Cuánto cuesta recordar? ¿A qué nos enfrentamos con la incomodidad de una verdad? Estas interrogantes y otras tantas se plantean en la obra NN12, escrita por la dramaturga española Gracia Morales, cuyo texto obtuvo el XVII Premio de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) de Teatro 2008 en España, presentándose en el Perú -bajo la acertada dirección de Martín Medina- en el teatro Racional.

En esta puesta se relata, con crudeza y realismo, una historia que ocurre en un lugar y momento inexacto; no obstante, alude a una época de opresión y absoluto irrespeto a los Derechos Humanos. Las desapariciones forzadas, crímenes de lesa humanidad, entre otros delitos que se han cometido a lo largo de la historia, atañen a cualquier país del mundo que haya padecido los desastres de la violencia que deriva de una dictadura política o el terrorismo. La trama gira alrededor de una mujer desaparecida hace 27 años, sin identidad y sin voz para contar qué sucedió, por qué y cómo terminó siendo una NN.

Con una contundente primera escena, engalanada con la aparición de Reynaldo Arenas (interpretando al teniente Ernesto N.), deja la intriga de aquello que irá develándose a través del propio relato de ese cuerpo, la NN12 interpretada con destreza y potencia por Patty Madueño; siendo pieza clave la investigación de una corajuda forense –interpretada finamente por Leticia Narvarte- quien busca darle un nombre y sobre todo un pasado a ese cuerpo que no puede hacerlo sin su ayuda. Por otro lado, un muchacho en la orfandad –interpretado por Miguel Agurto- quien sin saberlo está a punto de conocer su origen, a pesar que detrás del mismo se oculta una trágica realidad. Cuatro personajes cuyas vidas se entrelazan, interactuando en un mismo plano, los vivos y un alma que no tiene descanso.

Un perturbador pero necesario relato, para recordar que en nuestro país hubo un periodo de horror e injusticia, que inocentes o culpables (vidas humanas) se perdieron de una forma antinatural -si cabe el término- y esos hechos no pueden ser olvidados, que precisamente la memoria (encarnada en la Comisión de la Verdad y la Reconciliación y en cada uno de nosotros) hace posible que esto no se repita. NN12 comparte ese sentimiento de no callar, de no dejar historias a medias y vidas interrumpidas por actos radicalistas e ilógicos; logrando calar hondo en un espacio íntimo entre actores y público.

Una obra que en sus momentos culminantes, nos presenta a una NN (por fin con un nombre) quien refería que el olvido tomaba lugar por un trabajo constante, pues: “… al desaparecido hay que seguir desapareciéndolo día a día…”. Situación, que por un bienestar social y digno, no debe volver a suceder.

Maria Cristina Mory Cárdenas
19 de junio de 2017

Estreno: ¿QUIERES ESTAR CONMIGO?

Presenta Universidad de Lima

El elenco de la obra está integrado por alumnos del Taller Montaje del Taller de Teatro de la Universidad de Lima, dirigidos por su profesor, el actor y director Carlos Galiano.

La obra es de ingreso libre y se presentará el martes 27 y el miércoles 28 de junio a las 20.30 horas, en el Auditorio Central de la Universidad de Lima.

Los alumnos del Taller de Montaje del Taller de Teatro de la Universidad de Lima, dirigidos por Carlos Galiano, actor y docente Ulima, presentarán ¿Quieres estar conmigo?, obra escrita por Augusto Cabada y Roberto Ángeles.

Esta puesta en escena se remonta al año 1978, cuando en plena dictadura militar un grupo de adolescentes va en busca del amor y de la promesa de una participación activa en la sociedad. Sin embargo, con el pasar de los años, llega la adultez y también el desencanto. Así, en su camino hacia la madurez, estos jóvenes recorrerán un camino lleno de ilusiones y fracasos.

El elenco de ¿Quieres estar conmigo?, acompañado por el profesor Carlos Galiano, se ha sumergido durante más de un año en la exploración de sus capacidades y la asunción de las tareas que el oficio actoral requiere, entre las cuales destaca el análisis de la conducta humana y la valoración de los dramas de los personajes, para así empezar a ampliar su comprensión y su mirada hacia el otro.

¿Quieres estar conmigo? ha sido escrita por Roberto Ángeles, reconocido dramaturgo y director dedicado a la formación actoral, y por el cineasta y dramaturgo Augusto Cabada, quien ha escrito los guiones cinematográficos de los filmes La boca del lobo, Caídos del cielo y Bajo la piel, dirigidos por el cineasta Francisco Lombardi.

El elenco de la obra está integrado por Almendra de los Ríos, Claudia Murata, Chiara Passalacqua Zela, Yael Lama, Aníbal Lozano Herrera, Guillermo Delgado Acevedo, José Miguel Chuman, Luis Carlos Mantilla, Sebastián López y William Carrillo.

¿Quieres estar conmigo? se presentará de manera gratuita el martes 27 y el miércoles 28 de junio, a las 20.30 horas en el Auditorio Central de la Universidad de Lima (Av. Javier Prado Este 4600, Santiago de Surco).

Contacto de prensa
Sheila León
Celular 959075282
sleon@atik.com.pe

Estreno: ERMITAÑO

Obra teatral de Martín Pérez del Solar

Proyecto Final de la Especialidad de Artes Escénicas de la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la Pontificia Universidad Católica del Perú en conjunto con Kinesfera Danza

Dirigen: Anaité Caycho y Andrea Zárate

2 ÚNICAS FUNCIONES: 6 Y 7 de Julio 8:00 pm.
PRE-VENTA HASTA EL 5 DE JULIO S/.20
ENTRADA GENERAL S/. 30

“Construyendo una cultura de convivencia con la diversidad”

Alumnas de la Especialidad de Artes Escénicas de la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la PUCP, Anaité Caycho y Andrea Zárate, en conjunto con el colectivo Kinesfera Danza, llevan a escena: ERMITAÑO - Proyecto Escénico, obra de teatro que resulta de un proceso pedagógico de intercambio artístico en el que participan actores y bailarines, con y sin discapacidad física, de distintos contextos y experiencias escénicas.

Sobre el proyecto: 
Ermitaño - Proyecto Escénico surge como resultado de la segunda fase de un proceso pedagógico iniciado en setiembre del 2016, con un taller de teatro dirigido al colectivo de Kinesfera Danza, buscando crear una experiencia de intercambio artístico, a través de las herramientas del teatro, entre actores y bailarines en formación, de distintas condiciones y experiencias escénicas. A partir de la obra teatral “Ermitaño”, las gestoras del proyecto trabajan con el concepto del crecimiento personal y guían al elenco a través de los lenguajes del teatro y la danza, para contar la aventura de Bruno, un cangrejo ermitaño que quiere crecer a pesar de no tener las condiciones necesarias para hacerlo.

Una historia de búsqueda, amor y ruptura de límites, que nos cuestiona sobre el significado de crecer. La puesta en escena busca transportar al espectador a un mundo marino, aprovechando la diversidad de los personajes acuáticos, para mostrar las diferentes capacidades de los artistas, creando un lenguaje colectivo que vincula una obra de teatro de texto con elementos de la danza contemporánea. El elenco está conformado por miembros de Kinesfera Danza, miembros de Casa Hogar CEDRO y actores en formación.

Este es un Proyecto Final de la Especialidad de Artes Escénicas de la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la PUCP, realizado en conjunto con el colectivo Kinesfera Danza y gracias al Instituto Italiano de Cultura y el Programa Casas Hogares CEDRO. Además cuenta con la colaboración de la Asociación Interdisciplinaria de estudiantes sobre discapacidad e inclusión AIEDI y la empresa social Empanacombi.

Ficha Artística:
Gestión y Dirección:​ Anaité Caycho Verástegui y Andrea Zárate Gálvez.
Aliado: ​Kinesfera Danza
Dramaturgia y composición musical: ​Martín Pérez del Solar
Elenco: Claudia Benites, Leydi Layango, Lilia Layango, Erick Ríos, José Rojas, Bernardo Scerpella.

Ficha Técnica:
Asesoría en Arte del Montaje: ​Rodrigo Becerra
Diseño Gráfico:​ Rodrigo Becerra
Iluminación: ​Víctor Quintanilla
Realización de Vestuario y Escenografía: ​Aurora Ayala y Rosario Ponce.
Realización de Esculturas:​ Alonso Meza
Fotografía y Video: ​Rodrigo Bonilla y María Alejandra Inofuentes.
Producción Ejecutiva: ​Alejandra Baraybar
Asistencia de Producción: ​Rodrigo Bonilla, Daniela Plaza y Analucía Rodríguez.

Temporada:
Únicas funciones:​ 6 y 7 de julio a las 8:00 p.m.
Lugar:​ Auditorio ICPNA Lima Centro (Jr. Cuzco 446)
Promoción ​hasta el 21 de junio: 2 x s/. 30
PRE-VENTA​ hasta el 5 de julio: s/. 20
Precio en boletería días de función:
Entrada general:​ s/. 30
Estudiantes y jubilados:​ s/. 25
Entradas: vía formulario hasta el 5 de julio en: https://www.facebook.com/ermiteatro/

Contacto de prensa: 
Rodrigo Bonilla - Comunicaciones
M. 940 197 929
Daniela Plaza - Comunicaciones
M. 976 976 985
Anaité Caycho - Gestora de proyecto
M. 989 616 385 anaite.caycho@pucp.pe

Facebook:​ https://www.facebook.com/ermiteatro/

viernes, 16 de junio de 2017

Reestreno: CANCIÓN DE CUNA PARA UN ANARQUISTA

Dirigida por Roberto Vigo

Estreno: jueves 22 de junio a las 8:00 pm en la AAA
PREVENTA DE ENTRADAS HASTA EL 20 DE JUNIO
TEMPORADA: del 22 de junio al 30 de julio. De jueves a sábado 8:00 p.m./Domingo 7:00 p.m.
DRAMATURGIA: Jorge Díaz (Chile)
DIRECCIÓN: Roberto Vigo
ELENCO: Haydée Cáceres y Augusto Mazzarelli
LUGAR: Teatro de la Asociación de Artistas Aficionados (AAA)
DIRECCIÓN: Jr. Ica, Centro de Lima
Entrada General: S/.30.00 nuevos soles
Estudiantes y jubilados: S/.15.00 nuevos soles
Entradas a la venta en la boletería del teatro una hora antes de función. PREVENTA HASTA EL 20 DE JUNIO A 20 NUEVOS SOLES. Informes al correo reservascancion@gmail.com

Luego de su presentación en el III Festival Directores en acción 2016, se presentará una nueva temporada de la obra CANCIÓN DE CUNA PARA UN ANARQUISTA bajo la dramaturgia del chileno Jorge Díaz y la dirección de Roberto Vigo. El montaje se estrenará el día jueves 22 de junio a las 8:00 pm en el Teatro de la Asociación de Artistas Aficionados (AAA). La preventa de entradas va hasta el 20 de junio.

CANCIÓN DE CUNA PARA UN ANARQUISTA nos cuenta la historia del encuentro, aparentemente casual, de Balbuena y Rosaura. Él, un vagabundo anarquista que tiene la misión de acabar con Hitler; ella, una viuda sin lugar donde vivir que se culpa de la muerte de su esposo que la maltrataba. Ambos se encontrarán en un mausoleo, un cementerio, donde crearan un vínculo imposible. La obra es un laberinto de constantes sorpresas, donde el tiempo y la lógica parecen estar jugando. Riéndose, saboreando un amargo café, mientras lo ilógico se vuelve real, lo crudo en poético y lo imposible en una decisión. Un texto que emociona y reconforta. Una tierna historia para abrazar la vida.

Para el joven director, este montaje teatral tiene una razón de ser, “esta obra es un himno a la esperanza y la vida. Es una historia de amor que trasciende el amor de pareja y nos muestra ternura en seres humanos que se encuentran luego de difíciles caminos, donde a pesar de la soledad no pierden su humanidad ni su sentido del humor. Es desde ahí con lo poético que los personajes nos recuerdan la importancia de crecer, de cuestionar y de no conformarse. Que aunque estamos en una era donde prima la razón y la ciencia, es importante revalorar los mitos, esas historias donde la realidad y la fantasía se funden para explicarnos del origen de la vida o recordarnos el valor de la misma”.

Los invitamos a disfrutar de esta propuesta, ambientada en Chile de finales de los años 70, con un elenco de lujo: Haydée Cáceres y Augusto Mazzarelli. Una pieza teatral para creer en la vida y que sorprende en cada recoveco de su laberinto. Una vez más el lenguaje diáfano, humorístico y tiernamente poético de Díaz se impone logrando llegar a la emoción y la sonrisa del espectador.

CANCIÓN DE CUNA PARA UN ANARQUISTA
Entrada General: S/.30.00 nuevos soles
Estudiantes y jubilados: S/.15.00 nuevos soles
Entradas a la venta en la boletería del teatro una hora antes de función
PREVENTA HASTA EL 20 DE JUNIO A 20 NUEVOS SOLES
Informes al correo reservascancion@gmail.com

Para mayor información comunicarse con
PRENSA | Kitty Bejarano| 951710071(rpc)/ (#) 998934590 (RPM)

jueves, 15 de junio de 2017

Blog: COLABORADORES 2017

Oficio Crítico: rumbo a los 10 años

Gracias la convocatoria realizada, presentamos oficialmente a nuestros colaboradores de este año:

María Victoria Pilares

Es diseñadora gráfica publicitaria. Estudia actualmente Ciencias de la Comunicación en la Universidad Tecnológica del Perú. Ha llevado talleres de clown en la Asociación de Artistas Aficionados y ha sido responsable de las publicaciones en el MALI (Museo de Arte de Lima).








Maria Cristina Mory Cárdenas

Abogada, apasionada por el teatro y las artes escénicas. Con cursos cortos de teatro en Rayo en la Botella y La Plaza Talleres. Además tuvo la oportunidad de conducir un programa cultural de fin de semana: “Entrada Libre”, en su ciudad natal, Moquegua. Fue profesora voluntaria del taller de teatro en la Organización Crea+. Una frase recurrente en su vida es “La luz proviene de la más absoluta oscuridad”.






Stefany Milagros Olivos Saavedra

Actriz y dramaturga. Estudiante de Actuación en la Facultad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú, donde cursa el cuarto año de carrera. Ha participado en montajes como “Mentiras, el Musical”, “Jesucristo Superstar”, “El Gran Teatro del Mundo”, entre otros.  Ha sido parte de la organización internacional AIESEC, desempeñando talleres de teatro para no actores. Tuvo participación en la X Conferencia Regional Latinoamericana y la III Conferencia Panamericana de Educación Musical de la ISME (Sociedad Internacional de Educación Musical) en el año 2015, como parte del equipo de la Facultad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Ha sido profesora de talleres para niños en el Centro Cultural “Maguey”.  Ha tenido participación en diversos cortos, al igual que en encuentros y festivales de teatro a nivel local.

Bryan Urrunaga

Bachiller a Nombre de la Nación en Formación Artística, Especialidad Teatro, Mención Actuación,  por la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático (ENSAD), con experiencia en desenvolvimiento actoral. Estudiante del último año de Dirección de Cine y Otros Medios Audiovisuales, en la Escuela Peruana de la Industria Cinematográfica (EPIC). Participante de los talleres: Dirección de Actores por Francisco Lumerman; Producción Teatral por Myriam Reátegui; Actuación Frente a la Cámara por Carlos Tolentino; Entrenamiento Integral y Monólogo por Jorge Villanueva. Experiencia actoral en montajes de primer nivel organizados por la ENSAD, tales como “El juego del amor y del azar” de Pierre Mariveaux y “El preceptor” de Bertolt Brecht. Director realizador de los cortometrajes “Sed” (2015), ganador del Premio EPIC;  “Hereje alma nuestra” (2016) y “Emma” (2017).

Beto Romero

De formación arquitecto, se inicia en el mundo del teatro como diseñador escénico en el año 1986. Desde el año 1985 se dedica a la docencia en el campo del diseño en general y de diseño escénico en específico, en distintas instituciones, eventos y en la ENSAD. Además de ser actualmente el Director de Producción Artística de la ENSAD y Coordinador de la Escuela Profesional de Diseño Escenográfico de la misma. En el año 2002 funda el grupo de teatro Teatro De La Resistencia, del que es actualmente su Director, con el que ha participado de en muestras y festivales nacionales e internacionales. Desde hace unos años se dedica a la investigación teatral cuyos temas giran en torno al espacio en el teatro y a la investigación en diseño escénico. Ha publicado dos artículos en la revista Estudio Teatro de la ENSAD y el año pasado participó del II Congreso Internacional de Estudios Teatrales con la ponencia El Espacio Teatral, ¿marco o soporte de la acción?

Estreno: EL MONTE CALVO

Escrita por Jairo Anibal Niño

Dirección: Javier Guerrero
Estreno: Lunes 3 de julio a las 8 pm
Obra maestra colombiana es adaptada por jóvenes peruanos

EL MONTE CALVO, escrita en 1966 y considerada la obra maestra del fallecido dramaturgo colombiano Jairo Anibal Niño, estrena el lunes 3 de julio en el Teatro Mocha Graña de Barranco. El montaje será dirigido por Javier Guerrero, egresado y docente de la Pontificia Universidad Católica del Perú. La obra contará con las actuaciones de Carlos Arata, Micky Moreno y Alonso Romero, jóvenes talentos con amplia experiencia en la escena local. La temporada, que consta de tres únicas funciones, se llevará a cabo los días lunes 3, lunes 10 y lunes 17 del mes de julio, a las 8 de la noche.

“Tres actores y un director se reúnen para indagar en las mentes de Canuto y Sebastián, dos mendigos que esperan en un descampado al Coronel, quien según Sebastián les dará dinero para poder comer. El hambre y el frío por el que pasan los hará develar sus pasados, mientras Canuto intenta entender por qué Sebastián está orgulloso de haber perdido una pierna en una guerra que no le pertenecía a su país. La llegada del Coronel, sin embargo, resolverá esta cuestión... de forma definitiva.”

Este proyecto escénico se realizará como parte del curso Proyecto Final de Artes Escénicas de la PUCP, y su producción general estará a cargo de Carlos Arata, quien busca con este montaje participar activamente en la lucha por crear un mundo y una sociedad inclusivos y equitativos, y denunciar públicamente la discriminación y prejuicios que contribuyen a la perpetuación de la marginalidad.

“Este montaje nos da la oportunidad de enfrentarnos a un tema difícil de conversar como sociedad, a través de una historia que aparenta ser disparatada, pero que presenta similitudes con nuestra sociedad y con la que por ende podemos identificarnos de alguna u otra forma” afirma Javier Guerrero, director del montaje.

Temporada:
Obra: El Monte Calvo
Dirección: Javier Guerrero
Elenco: Carlos Arata, Micky Moreno y Alonso Romero
Funciones: Lunes 3, 10 y 17 de julio, a las 8.00 p.m.
Lugar: Teatro Mocha Graña (Saenz Peña 107, Barranco)

PRE-VENTA:
General: s/.20
Estudiantes PUCP: s/.15
TEMPORADA REGULAR
General: s/.30
Estudiantes y jubilados: s/.25
Estudiantes PUCP: s/20
Ventas al correo viejoclavo@gmail.com

Para más información comunicarse con:
Carlos Arata - Jefe de proyecto - 977188760
Alejandra Arévalo - Producción ejecutiva - 993563538

Estreno: EL AMOR DE LAS LUCIÉRNAGAS

Estreno: MARTES 27 DE JUNIO, 8:00PM

Temporada: Martes y miércoles del 27 de Junio al 12 de Julio
Horario: 8:00 p.m.
Teatro: Teatro Ricardo Roca Rey de la Asociación de Artistas Aficionados - Jr. Ica 323, Cercado de Lima

La Especialidad de Artes Escénicas de la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la Pontificia Universidad Católica del Perú presenta el Proyecto Final de Artes Escénicas “El amor de las luciérnagas”. Esta puesta en escena se estrenará el 27 de junio y se quedará por una corta temporada los martes y miércoles hasta el 12 de julio en el Teatro Roca Rey de la Asociación de Artistas Aficionados. Las entradas se encuentran disponibles en la boletería del teatro y en Atrápalo. 

“El amor de las luciérnagas”, del dramaturgo mexicano Alejandro Ricaño, cuenta la historia de María, una escritora en crisis que huye de sus problemas hasta el fin del mundo. Ahí una máquina de escribir embrujada da vida a su doble perfecta, que huye a usurpar la vida de María. A través de diversos lenguajes escénicos, como lo son la actuación, la música en vivo y la ilustración, tres actores sumergirán al público en una atmósfera fantástica en la que se desarrollará el viaje de María para descubrir si su versión perfecta es quien ella realmente quiere ser.

“Nuestro principal deseo era contar una historia con la que nos identificáramos y que nos removiera por dentro” indican Claudia Alecchi y Cecilia Cruz, gestoras del proyecto. Cecilia Cruz, directora general de ‘El amor de las luciérnagas’ profundiza en sus objetivos “quisimos jugar con distintos lenguajes que nos introdujeran en la mente de la protagonista para desde ahí proponer la reflexión sobre la búsqueda de la propia identidad”. “Me hace reconocer pequeños detalles de la vida que logran marcarte en diferentes proporciones; la importancia de ser fiel a ti mismo, de amar y dejarse amar” señala Claudia Alecchi, actriz protagónica y gestora del proyecto.

Esta obra se presenta como proyecto final de la especialidad de Artes Escénicas de la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la Pontificia Universidad Católica del Perú, institución que lleva décadas formando a las nuevas generaciones de artistas escénicos. El elenco y equipo de producción está conformado por destacados estudiantes y egresados de esta casa de estudios, los cuales tienen años de experiencia en las tablas tanto dentro como fuera de la universidad.

Ficha Artística
Dirección General: Cecilia Cruz
Dirección Adjunta: Nata Niño de Guzmán
Dirección Musical: Daniel Cano
Ilustración: Alessa Guerrero

En escena:
Claudia Alecchi
Alonzo Aguilar
Natalia Bonifaz

Sobre la temporada
“El Amor de Las Luciérnagas”
Martes y Miércoles del 27 de Junio al 12 de Julio|8:00 PM
Teatro Ricardo Roca Rey de la AAA – Jr. Ica 323, Cercado de Lima
Venta de entradas: en la boletería del teatro y en Atrápalo
Entrada General: S/. 30.00
Estudiantes y jubilados: S/. 20.00

Pre Venta General: S/. 20.00
Pre Venta Estudiantes: S/. 15.00
Pre Venta hasta el 26 de junio

Funciones:
ESTRENO Martes 27 de Junio, 8:00 PM
Miércoles 28 de Junio, 8:00 PM
Martes 4 de Julio, 8:00 PM
Miércoles 5 de Julio, 8:00 PM
Martes 11 de Julio, 8:00 PM
Miércoles 12 de Junio, 8:00 PM

Contacto
Chiara Rodríguez Marquina
Productora ejecutiva
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Crítica: ESPERANDO A GODOT

Godot o la esperanza de seguir esperando

Samuel Beckett (Dublin, 1906 – París, 1989) poeta, novelista, crítico y dramaturgo produjo uno de los más importantes textos del teatro contemporáneo estrenado en 1953, “Esperando a Godot” se ha convertido en un ícono, no solo del teatro del absurdo, también en la (anti) obra que refleja esa angustia del hombre por darle sentido a su existencia, aquella que como para Vladimir y Estragón únicamente da vueltas sobre la esperanza traducida en la (no)acción de esperar una promesa de la cual solo se tiene la imperiosa necesidad de que se cumpla, en un mundo donde las certezas absolutas no existen. Tal vez de ahí la imperiosa necesidad del director, Omar del Águila, para hacernos sentir que algo debe (o debería) pasar mientras pareciese que nada ocurre.

Esta obra apareció en un contexto en que el hombre europeo sentía ya la espera de los paraísos prometidos. Las claras alusiones en la obra a la religión o a las condiciones socio políticas como en las referencias a la Biblia, las clases de religión o en el binomio Pozzo-Lucky, no se pueden dejar de notar en ese humor trasgresor de la obra o en el nombre de Lucky, que traducido significa afortunado, con suerte.

Esta vez la Asociación de Artistas Aficionados, con ocasión de su 79 aniversario acomete la riesgosa tarea (¿cuándo no hay riesgo en la creación artística?) de poner en escena esta emblemática obra de dos actos totalmente circulares, donde los patrones se repiten, incluso la presencia de Pozzo, Lucky y el muchacho, contenidos en un espacio tiempo inasible donde Vladimir y Estragón hablan justamente para que el tiempo pase, hasta ese final contundente de hacer no haciendo.

Manuel Calderón construye un Vladimir eficiente y solvente que se convierte en el eje, dudando siempre de una manera lógica y vital, como en el momento en que cuestiona a los evangelistas sobre el pasaje bíblico de los ladrones, o del modo en que cuestiona a Pozzo sobre la manera en que trata a Lucky.

Estragón, interpretado por Ximena Arroyo, quien demuestra una vez más sus cualidades de artista del teatro, se constituye la contraparte de Didí con preocupaciones más inmediatas como el dolor, el hambre o el sueño, muchas veces poniendo en aprietos a Vladimir.

Percy Velarde y Juan José Oviedo encarnan la dupla Pozzo – Lucky, que irrumpen quebrando la monotonía de la situación, un Pozzo cuyo pensamiento se diferencia del de Estragón porque se construye ya no sobre la duda, sino sobre la necesidad de justificar su rol de “propietario” no solo del lugar también del ser humano, lo vemos así apropiándose del espacio y la situación a través de su accionar y de su discurso pretendidamente superior. Dupla no únicamente por la situación dramática, sino porque la existencia de cada uno se sustenta con solvencia en la del otro, como el irónicamente patético Lucky que ha renunciado a su condición de ser humano, a su derecho de libertad.

El muchacho, Omar Rosales, no por poca presencia es menos importante, pues se convierte en ese absurdo y necesario momento en el cual esperamos la señal que nos obligue a no tomar esa decisión lógica que acabaría con nuestras vagas esperanzas.

El espacio, escenografía e iluminación a cargo de José Luis Valles y Luis Godoy respectivamente, logran una interesante atmósfera de espacio sin principio ni fin, imagen de un tiempo discontinuo que constantemente se quiebra.

No es gratuito el manejo de una comicidad particular (deudora además de grandes cómicos) que devela una tragedia interna y que se convierte en la herramienta de la dirección para desarrollar una situación en una obra sin argumento en el sentido clásico y con la cual logra capturarnos durante dos horas en un mundo donde las cosas parecen sucederse sin ningún sentido.

El montaje tiene la virtud de habernos acercado a las interrogantes de Beckett de una manera lúdica y honesta, donde las miradas de Lucky hacia el espectador nos convierte en cómplices obligándonos a pensar si seguiremos esperando, ¿qué? esa será una pregunta que cada espectador tendrá que hacerse, ¿seguiremos sentados esperando o iremos al encuentro de la respuesta?

Beto Romero
15 de junio de 2017

martes, 13 de junio de 2017

Crítica: PEQUEÑAS CERTEZAS

Las tuyas, las mías, las nuestras

“Si no guardas al menos una fotografía del tránsito de tu vida, ¿cómo podrías tener la pequeña certeza de que todo fue un sueño?” es la pregunta que nos hace la dramaturga mexicana Bárbara Colio a través de “Pequeñas Certezas”, pieza  teatral que ha recibido el Premio Internacional María Teresa León.  En esta ocasión, tenemos la oportunidad de verla representada en Lima en el Teatro Mocha Graña bajo la dirección de Javier Merino.

La obra comienza con un conflicto ya desatado: Mario ha desaparecido. Natalia, su novia, un personaje notoriamente inseguro que indirectamente se apoya en la figura de su madre, una persona aparentemente sencilla que acaba demostrando sabiduría y comprensión del ser humano. Juntas emprenden un viaje a la ciudad natal de Mario: Tijuana. Ahí se encuentra con sus hermanos: Juan, el mayor de los hermanos, quien debe lidiar con sus propias inseguridades y miedos; y Sofía, quien aparenta durante toda la obra una fuerza y determinación inexistentes. Natalia llega y se da con la noticia de un fraude,  llegando a la conclusión con darse cuenta de que ninguno de los personajes conocía del todo a Mario. Con la llegada de Olga, la mejor amiga de Natalia, la situación se pone cada vez más álgida hacia el final.

“Pequeñas certezas”,  si bien nos lleva a un ambiente de cotidianidad, me parece que no ha sido explotada realmente. Una historia sencilla pero llena de intriga debería tener elementos que la ayuden a decir algo más allá de lo que dicen los textos de los personajes.  El montaje contó con una propuesta estética que nos llevaba a un ambiente cotidiano: muebles de una casa clasemediera, un paradero de autobús; no obstante, aquellos elementos tanto en la escenografía como en el vestuario no me transmitían algo más que un lugar funcional en escena, no me quedó claro eso, pues hay una delgada línea entre la representación de lo cotidiano en escena y lo cotidiano para fines funcionales en un montaje.

El personaje de la madre, representado por la experimentada actriz Tatiana Espinoza, ha sido una pieza clave para la historia, pues claramente ha sido un punto de apoyo tanto de la dramaturgia como del director para darnos a entender el propósito de la obra. Ella, con una personalidad sencilla y con respuestas asertivas brinda tanto a los personajes como a los espectadores una perspectiva diferente, una pista para poder encontrar esas pequeñas certezas de las que habla la obra. Natalia, representada por Romina López Barreda, estuvo en el justo medio del personaje; Olga, representada por la actriz Carmen Amelia Álvarez, uno de los personajes más logrados. Finalmente los hermanos, interpretados por Javier Merino y Gessika Galarreta, no tuvieron los matices necesarios para una obra como esta, sobre todo en el manejo del texto.

Si nos ponemos a pensar en el lugar de este montaje en nuestra ciudad actualmente, me quedo con la siguiente pregunta: ¿Qué tan atentos estamos a los pequeños detalles del día a día? Sí, suena contradictorio quizá, pero a veces es necesario parar, respirar y encontrar aquella prueba que nos confirme que estos somos nosotros, aquí y ahora. Esta no es una advertencia, pero de vez en cuando tomar una fotografía, grabar un video o un mensaje de voz no está mal, uno nunca sabe cuándo necesites una pequeña certeza.

Stefany Milagros Olivos Saavedra
13 de junio de 2017

Crítica: CURANDERO

Teatro con identidad

Somos testigos de una solvente plasticidad en “Curandero”; una transformación agresiva del escenario y un viaje dramático inusual, que nos posibilita el silencio de “La Parada”, sus dolores y enigmas entre el caos y el trabajo.

Angeldemonio Colectivo Escénico, a sus 16 años, es coherente en formas y conceptos. Además del carácter ontológico de la puesta, esta adquiere un poderío extra, al mostrarnos la esencia de una Lima nuestra, dispuesta allí para quienes la conocen y caminan. 

La metáfora se hace táctil en cada paso, nos llueve la suerte en forma de baraja, se nos da la maldición dentro de un huevo brujo o nos inunda el color vivo de un “tico tico”; y a pesar de la sutileza, la dirección de Ricardo Delgado y su conjunta dramaturgia con Daniel Dillon, han enfrentado al espectador con una parte fundamental, nuestras creencias populares, nuestro ritual casero, nuestra medicina ancestral.

“Curandero”, opta por una experiencia escasa en diálogo para dar paso a la imagen y el sonido, Augusto Montero, es el actor que sostiene y elabora en unión con Abel Castro (Composición Sonora) e Igor Moreno (Luces), esta serie de intervenciones espaciales, a las cuales se les suma una variante de objetos, brillantemente escogidos en utilidad y significado.

Montero, lleva consigo el ritmo de las escenas en una entrega física plausible y arriesga en cada momento de su performance, colocándose en situaciones de inestabilidad permanente, lo que invita al espectador entregado, a respirar junto con él, como quien observa a un trapecista soltarse del manubrio. Por otro lado, al ser “Curandero” una obra que casi no verbaliza, la contundencia de los pocos diálogos se disipa en la gestión del actor.

La expresividad lumínica y sonora, nos adentra en una historia que se oscurece. Iniciando con el tono tenue de una luz cenital sobre el personaje enmascarado, de ojos ennegrecidos, que se sostiene sobre una música popular y estrepitosa. Continuando con los fuertes contrastes de las luces laterales que denotan un ser humano dividido, tanto en su expresión como en sus sombras duras sobre  la pared. Y finalmente, mencionar la sensación de los colores que se mezclan en “Curandero”, la elección de ese amarillo que parece un sepia sobre el personaje o del rojo que trabaja en contraste.

El final es poderoso como lo merece la historia. “Curandero” aprovecha los recursos del teatro para generar significado y emoción, no se encasilla en la interacción interpersonal, sino que explora, es un trabajo sensible y artesanal, con el profesionalismo de teatristas con identidad.

Bryan Urrunaga
13 de junio de 2017

Crítica: LA PÍCARA SUERTE

La fortuna no es casualidad

Cuántos no hemos evocado a la fortuna, al azar o a los buenos augurios alguna vez (o casi siempre) para enfrentar distintas situaciones de la vida. Lo cierto es que la puesta en escena “La pícara suerte”, escrita por el recordado poeta, dramaturgo y periodista peruano Leonidas Yerovi en 1914 y dirigida con genial habilidad por Mateo Chiarella, nos presenta la historia de Felipe -interpretado con destreza y naturalidad por José Dammert- quien ha perdido todo, está a punto de ser desalojado y tiene fama de ser un Don Juan.

Es allí que interviene su inseparable amigo Ortiz –interpretado con  por el actor Pold Gastello- para ofrecerle una solución que remediará su ingrata situación: apostar lo poco que le queda en la ruleta; suscitando los líos más inesperados, que irán tejiendo una hilarante trama de principio a fin.

La obra, que se presenta en el teatro Ricardo Blume, nos conecta con esa parte expectante e ilusoria que todo ser humano ha experimentado en algún momento, dejándose llevar por el destino; muchas veces evadiendo la realidad y la responsabilidad de tomar decisiones que den solución a los problemas. Otro punto notable es la picardía y viveza con la que ciertas personas suelen conducirse, utilizando una serie de artimañas para salirse con la suya. Hechos que debe juzgar el propio espectador, sin perder la sonrisa garantizada con cada actuación.

Particularmente, queda la impresión de un elenco que calza perfectamente con lo que se está contando, como si los personajes hubieran sido pensados para ser interpretados solo por ellos; un armonioso engranaje completado por el experimentado Ramón García, Lilian Nieto, Mayella Lloclla, Anneliese Fiedler, Marco Miguel Ravines, Chipi Proaño, Danitza de Bona y Olga Acosta.

Una comedia que no tiene pierde si de reír se trata; cada movimiento, gestualidad e interacción permite captar la atención del público. Que a su vez, lleva un claro mensaje que invita a reflexionar sobre los vaivenes que esa pícara y a veces esquiva suerte desencadena en nuestras vidas, para bien o para mal. La misma que nos recuerda que así como se pierde, también se gana, y que a pesar de pretender que la casualidad nos ofrezca las respuestas, estas se encuentran en nuestro interior, solo hay que prestar atención y será fácil reconocerlas.

Y finalmente, más que pedirle a los astros que confabulen a nuestro favor para obtener cosas materiales… “La pícara  suerte” puede hacer un mejor trabajo, permitiéndonos conocer el amor verdadero.

Maria Cristina Mory Cárdenas
13 de junio de 2017