viernes, 30 de junio de 2017

Estreno: PERSONAS NO HUMANAS

Drama nacional escrito por el dramaturgo Daniel Amaru Silva

Dirigida por Rodrigo Chávez
Martes 4 de julio a las 8:00 pm en el Galpón Espacio
PREVENTA DE ENTRADAS HASTA EL 3 DE JULIO

Con la diversa oferta teatral en nuestra capital, también se suman nuevas figuras con sus propuestas en artes escénicas. En esta oportunidad se presentará la obra de teatro PERSONAS NO HUMANAS del dramaturgo Daniel Amaru Silva y bajo la dirección de Rodrigo Chávez. Su corta temporada iniciará el martes 4 de julio a las 8:00 pm en el Galpón Espacio en Pueblo Libre.

Esta propuesta es un texto inédito del dramaturgo peruano Daniel Amaru Silva. PERSONAS NO HUMANAS nos traslada a un lugar particular de la selva de nuestro país: Madre de Dios, una realidad desconocida y aislada en la que las autoridades y el Estado están aún ausentes. ¿Cuál es el verdadero impacto de la minería ilegal en las víctimas? En La Pampa, donde mineros y trabajadoras sexuales son parte de un sistema esclavista, dos víctimas de esta realidad se reencuentran luego de 20 años en un prostibar y se ven forzadas a tomar decisiones sobre su libertad.

Francesca Baxerías y Stephanie Vergara son las gestoras de este proyecto en coproducción con SOMA TEATRO. Para ellas, montar la obra es la oportunidad de visibilizar la explotación sexual y laboral que no se pone en debate. “como creadoras escénicas, reconocemos al teatro como una herramienta poderosa para acercarnos a una realidad poco conocida y atendida, y que tiene consecuencias sociales serias: la minería ilegal en Madre de Dios. Queremos a través de esta propuesta teatral invitar al público que reflexione sobre las víctimas de este círculo opresor. Trabajar con Soma ha sumado al proyecto una mirada sincera al mundo interior de los personajes y sus relaciones, viendo más allá de los estereotipos de víctima-victimario”.

PERSONAS NO HUMANAS- PROYECTO FINAL DE ARTES ESCÉNICAS
Lugar: El Galpón Espacio
Dirección: Cipriano Dulanto 949, Pueblo Libre
Funciones: del 4 al 19 de julio, martes y miércoles
Hora: 8:00 p.m.
Entrada General: S/. 30 nuevos soles
Entrada Estudiantes y jubilados: S/. 20 nuevos soles

PREVENTA DE ENTRADAS DESDE EL 19 DE JUNIO
Precios de preventa:
Entrada General: S/. 25 nuevos soles
Entrada Estudiantes y jubilados: S/. 15 nuevos soles
Venta de entradas en la boletería del teatro una hora antes de la función

Kitty Bejarano / Rpm #998934590 / 9517-10071 (RPC)

Prensa y difusión 

jueves, 29 de junio de 2017

Crítica: ROMEO Y JULIETA

La vida sobre la muerte

El mito de Romeo y Julieta se enfrenta ante el público más sincero y exigente de nuestra Lima, en el bello Teatro de Lucía. ¿Cómo se hace entonces para expresar aquel amor intransigente y trágico, aquel odio vengativo y sangriento o aquella grandilocuencia?

Roberto Boyle asume el desafío, partiendo la trama en dos zonas muy concretas. La historia de amor abrumadora, de atmósfera onírica y tono realista junto a la jocosidad y alegría de los personajes aledaños, que imparten movilidad y bufonada, rompiendo las convenciones y capturando esa atención tan preciada, la de los niños en platea.

Es justamente este el mayor acierto de la propuesta, el contraste y la armonía en que conviven los temas sensibles, como la muerte, con las escenas amables que satirizan nuestra esencia como humanos.

Gonzalo Iglesias, encargado de Teobaldo y Capuleto, plantea el momento más interesante y plástico de la puesta en escena. Juega a una doble personalidad, acompañado de un títere desmedido, en una confrontación entre sus dos personajes donde la acción/reacción es tan rápida e inteligente que aparecen dos mundos en coalición, grato para el público y útil dramáticamente, pues condiciona el salvajismo de Teobaldo al ver a Romeo, por la sumisión ante su tío.

Cabe destacar la picardía de Renato Pantigozo para tratar con el público; esos momentos de contraste de Alejandra Saba como el Ama de Julieta, es una transformación gradual desde una mujer proteccionista a una celestina encantadora; y Gianni Chichizola, asumiendo a Mercucio, que se apropia de esa frescura que le es inherente, su construcción le permite una libertad corporal que lo mantiene inestable e impredecible, además que arriesga a jugar entre la escena y el público, siendo un punto de contacto muy fuerte entre la obra y el que observa.

Por otro lado, la trama troncal aparece reducida, se percibe una desconexión entre los protagonistas, un Romeo apasionado, interpretado por Nahuel López, que trata de generar sus propios silencios para hacerse sentir y una Julieta distendida, Alicia Mercado, que interpreta una adolescente fresca, sin el peso de ese dilema por el que atraviesa. Este desequilibrio resta coherencia al sacrificio final que ambos realizan y deja la sensación de una llama que podría encenderse aún más.

Roberto Boyle propone finales alternativos, la tragedia se detiene y Romeo y Julieta podrían no morir, los niños participan en la decisión y se les induce a que la vida impere sobre todos. Interesante e intrigante. Muchas cosas se construyen alrededor para no desarrollarse. El odio no desaparece. El amor tampoco triunfa. ¿Y ahora qué ocurre? 

Bryan Urrunaga
29 de junio de 2017

Crítica: MOONCHILDREN

Moonchildren para crecer

Moonchildren, la ópera prima del dramaturgo estadounidense Michael Weller, está en temporada en nuestra ciudad bajo la dirección de Paco Solís Fúster en la versión en español de Gonzalo Rodríguez Risco. El Teatro de Lucía es donde se presenta esta obra: nos brinda la historia de un grupo de estudiantes universitarios que convive en un mismo departamento y que, dentro del contexto de la guerra de Vietnam y el movimiento hippie, deberán enfrentarse con sus propios miedos y preguntas sin respuesta. Bob Rittie, en medio de tensiones propias de la convivencia, recibe una invitación para enlistarse, a la vez que recibe una fuerte noticia familiar. Todo un mundo interno de la juventud de aquel contexto violento es traído a las tablas limeñas, esta vez representado por un elenco de jóvenes  que constituyen las nuevas generaciones de actores locales.

La historia nos cuenta cómo es posible que ocho jóvenes tan diferentes entre sí conviven bajo el mismo techo, una convivencia acompañada de miedos propios de aquella generación, preguntas existenciales sobre qué hacer después de acabar la universidad, sobre qué sentido darle a sus vidas. Hay mucho énfasis en una característica en común de todos los personajes: son jóvenes que no quieren pasar desapercibidos. Todos los personajes están en la edad de las pasiones, en la etapa en la que pueden extralimitarse por una causa a la que se aferran sinceramente. Me parece interesante cómo la obra nos muestra este mundo indeciso de jóvenes universitarios que están aprendiendo sobre cómo es la vida realmente. El hecho de que la obra transcurra en un contexto de guerra nos justifica más esas ganas de tomar acción sobre sus circunstancias; por otro lado, hay un grado de individualidad en cada uno de los personajes, una sensación de desconfianza en sí mismos y en sus compañeros, cada uno nos da una imagen de seres incomprendidos. Moonchildren es un claro ejemplo de obras que hablan de las huellas de la guerra: marca tu identidad, rompe tus parámetros y redefine tu identidad (o, en el caso de la obra, cambia el nombre de uno de los personajes de “Bob” a “Job”).

El montaje de Solís Fúster tuvo los elementos suficientes para evocarnos a esa atmósfera hippie que sugiere la obra: covers de Bob Dylan, escenografía con toques vintage, ropa estilo hippie en todos los personajes; prendas que curiosamente están de moda otra vez, un punto de empatía con la obra. La historia parecía ser una sucesión de escenas ordenadas temporalmente, los cambios de escenografía entre cada una fueron muy limpios, no distraía al espectador sobre la secuencia de hechos dentro de la obra. En general, la plástica del montaje estuvo muy acertada. A nivel actoral, los personajes se notaban claramente diferentes entre sí; aunque se vio que ha habido un trabajo de construcción en todos los personajes, me quedé con ganas de ver algo más particular en cada uno de ellos. Todos eran jóvenes, universitarios, algunos graciosos, otros más serios; sin embargo, no me pareció suficiente información para poder conectar como espectador con lo que cada personaje contaba dentro de la obra.

Moonchildren, un título que remite a una sensación medio infantil, como a un árbol de frutas que aún no están listas para salir de sus ramas. Las frutas son los personajes, los que vivieron la guerra de Vietnam o cualquier otro contexto violento siendo muy jóvenes. Esta es la generación que tiene más presión social. Sin embargo, la obra invita a que el espectador se detenga a ver lo que ocurre internamente, miedos, creencias: es necesario ser una fruta verde, entender que eso es parte de un proceso de crecimiento, aquí o en cualquier contexto.

Stefany Milagros Olivos
29 de junio de 2017

Evento: III FESTIVAL TEATRO EN PLAZA – II VERSIÓN ITINERANTE

INGRESO LIBRE

La Asociación Cultural Tallo, la Municipalidad de Santiago de Surco y la Asociación de Propietarios Los Próceres presentan el III FESTIVAL TEATRO EN PLAZA – II Versión itinerante, que se realizará el sábado 08 y domingo 09 de julio de 2017 de 04:00 a 08:00 pm en el Anfiteatro Los Próceres de la Asociación de Propietarios Los Próceres (Cruce Av. Francisco Javier Mariátegui con Manuel Perez Tudela, Santiago de Surco).

Con esta iniciativa queremos continuar con la labor de promover y difundir el arte escénico recuperando los espacios públicos. Para este año volvemos a contar con el apoyo de la Municipalidad de Santiago de Surco y tenemos a la Asociación de Propietarios Los Próceres como nuevo socio estratégico quienes nos brindan su apoyo para poder concretar este festival.

El III Festival Teatro en Plaza – II Versión Itinerante - Julio 2017 se realizará el sábado 08 y domingo 09 de julio de 2017 de 04:00 a 08:00 pm en el Anfiteatro Los Próceres de la Asociación de Propietarios Los Próceres (Cruce Av. Francisco Javier Mariátegui con Manuel Perez Tudela, Santiago de Surco).

El festival por su carácter de aficionado, no es una actividad con fines de lucro, por lo tanto no se cobrará, de ninguna forma, al público espectador. El ingreso es libre.

Punta Sal 630, dpto 302 – Santiago de Surco
Ubícanos: Asociación Cultural Tallo asociacionculturaltallo@gmail.com
956 138 171

Reestreno: PLEGARIAS PARA BOBBY

Basada en la novela del periodista, escritor y activista norteamericano Leroy Aarons

Bobby luchará por amarse a sí mismo y por vencer sus propios prejuicios, impuestos por una fe ciega frente a su homosexualidad. Los viernes, sábados y domingos desde el 15 de julio a las 8 de la noche en Teatro Esencia, en Barranco.

“Plegarias para Bobby”, basada en la novela del mismo nombre escrita por el periodista, escritor y activista norteamericano Leroy Aarons, será llevada a los escenarios desde el sábado 15 en una obra teatral adaptada y dirigida por Gerardo Fernández. La pieza se presentará en el nuevo Espacio Teatro Esencia, en Barranco.

La historia se basa en un hecho real ocurrido a fines de los años 70 e inicios de los 80. Bobby luchara por amarse a sí mismo y por vencer sus propios prejuicios, impuestos por una fe ciega frente a su homosexualidad. El montaje presentará dos puntos de vista, de la madre y del padre, quienes buscarán salvar a su hijo de un mundo que no conoce.

“Plegarias para Bobby” es un texto fuerte, agudo y sobre todo con una realidad que, hasta hoy, es palpable en nuestra sociedad. La puesta no busca juzgar sino mostrar las diferentes caras de una misma moneda. Tiene la única finalidad de sembrar y encontrar no solo la tolerancia sino el respeto por ser uno mismo.

El elenco está compuesto por Jorge Gestro, Juana Martínez, Eduardo Paredes, Luis Golding, Diego Swayne, Ángela Parra y Gessy Cochachi.

“Plegarias para Bobby” va desde el 15 de julio al 27 de agosto del 2017 los viernes, sábados y domingos a las 8 de la noche en Teatro Esencia (Avenida Miguel Grau 071 Barranco, a media cuadra de la Estación Unión del Metropolitano).

Las entradas están a la venta en el mismo teatro al correo: producción@espacioteatroesencia.com o a los teléfonos 2666414 o 963744769 a 35 soles (general). Hay preventa a 25 soles.

Estreno: UN BARCO SE HUNDE

El verdadero rostro de la sociedad

¿Hay forma de revertir la decadencia de la humanidad?

Con la dirección de Mateo Chiarella
Del martes 11 al lunes 17 de julio del 2017 en el LUM - Lugar de la Memoria, la Tolerancia y la Inclusión Social, de Miraflores.

Una ola de violencia forma parte del día a día de la sociedad actual mostrando un panorama sombrío en el que la decadencia humana parece estar cada vez más cerca. Es así que, a manera de reflexión para impulsar una toma de conciencia, surge “Un barco se hunde”, creación colectiva, dirigida por Mateo Chiarella, que se presentará del martes 11 al lunes 17 de julio del 2017 en el auditorio del LUM - Lugar de la Memoria, la Tolerancia y la Inclusión Social, de Miraflores.

La ocurrencia de asaltos, robos, accidentes de tránsito por consumo de alcohol y feminicidios demuestra que la humanidad ha pasado a un segundo plano perdiendo por completo la escala de valores y trasladándonos a un mundo primitivo que involuciona con la consiguiente preocupación de las nuevas generaciones; ahí radica la importancia de dirigirse a los jóvenes con el fin de enseñarles a crear, a través del arte, productos sensibles que permitan erradicar los aspectos negativos del corazón de la sociedad.

Durante el montaje, de los alumnos del sétimo ciclo de la Especialidad de Teatro de la Facultad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú, conocemos a trece personas que, atrapadas en un barco que está a punto de hundirse, intentan salvar sus vidas, mientras cuentan sus propias historias, las que revelan simbólicamente el padecer de una sociedad.

La obra desarrolla dichas experiencias en paralelo, como las vicisitudes de cuatro amigos que se enfrentan a la extraña aparición de una pared infinita que los separa; una pareja de amantes que discute sobre el fin de su relación; una reconocida pianista que recibe en brazos el cuerpo de su hijo muerto, cinco personas que buscan el cuerpo de un cura a lo largo de un río, y por último, un político que toma el control absoluto de una comunidad, llevándola a la exacerbación y sacando de ella sus instintos más salvajes.

El elenco está conformado por Deborah Baquerizo, Miguel Dávalos, Daniela Hudtwalcker, Micaela Mercado, Stefany Olivos, Álvaro Pajares, Omar Peralta, Alejandro Pérez, Ilda Polo, Andrea Rebaza, Rosella Roggera, Isis Rojas, Daniela Trucios.

“Un barco se hunde” se presenta del martes 11 al lunes 17 de julio del 2017 a las 8 de la noche. El domingo 16 de julio en dos funciones, a las 5 y 8 de la noche. Lugar: Auditorio del LUM - Lugar de la Memoria, la Tolerancia y la Inclusión Social (Bajada San Martín 151, Miraflores).

Agradecimiento especial al Lugar de la Memoria, la Tolerancia y la Inclusión Social, al Instituto de Democracia y Derechos Humanos, y la Dirección de Actividades Culturales de la Pontificia Universidad Católica del Perú.

Crítica: ESPERANDO A GODOT


La incertidumbre

¿Sufre más aquél que espera siempre que aquél que nunca esperó a nadie? (Pablo Neruda)

“Esperando a Godot” es una obra dramática escrita a finales de los años 40 por el dramaturgo, novelista y critico irlandés Samuel Beckett, perteneciente al teatro del absurdo. La  puesta en escena estuvo bajo la dirección de Omar Del Águila y fue presentada en la Asociación de Artistas Aficionados.

El espectáculo inicia con la llegada de Estragón (conocido como” Gogó”), interpretado por Ximena Arroyo; acto seguido aparece su amigo y defensor Vladimir (conocido como “Didí”), interpretado por Manuel Calderón. Estos vagabundos tendrán un aproximado de 40 a 50 años y a pesar de sus dolencias y necesidades, tienen un mismo fin, que es el de esperar cerca a un árbol la llegada de Godot. Ambos personajes buscan perder el tiempo: conversando, cuestionándose y jugando. Durante el tiempo de la espera serán interrumpidos por Pozzo (Percy Velarde), un hombre adinerado que tiene como su fiel sirviente a Lucky (Juan José Oviedo); estos personajes sorprenderán a Didí y Gogó y con sus elocuencias  harán que el tiempo de espera sea menos prolongado. Pero la pieza clave será el muchacho (Omar Rosales), que traerá un mensaje de Godot para Didí y Gogó.

El tema central de la obra es la espera de un personaje que nadie conoce; sin embargo, tanto los personajes como los espectadores esperamos que este se dé a conocer. La obra no cuenta con mucho argumento, las escenas son como círculos viciosos que se prolongan noches enteras, utilizando un lenguaje evasivo, cómico y sin sentido. Esperando a Godot representa la existencia de algo, la esperanza, la angustia y la desesperanza. La obra en sí no es muy clara, juega con la fantasía y la realidad, también con los silencios y crea en el espectador la angustia de saber qué se espera. La escenografía es minimalista y los elementos que se usaron (como el árbol o los residuos de escombros) reflejan el vacío de una vida miserable. La puesta en escena muestra la necesidad que tiene el ser humano por convivir con otros, el porqué no puede estar solo y se aferra a la fe para darle sentido a su existencia y así no morir en el intento. Me encantó poder ver  a grandes actores en esta puesta en escena. Gracias por la función.

María Victoria Pilares
29 de junio de 2017

Reestreno: TU MADRE, LA CONCHO

Gozó de un gran éxito en su primera temporada y fue disfrutada por 3500 espectadores

Desde el 03 de agosto en el Centro Cultural El Olivar de San Isidro.

Las consagradas actrices Claudia Dammert y Sonia Seminario vuelven para retratar con humor a la madre peruana en la comedia costumbrista “Tu madre, la Concho” que, a pedido del público, regresa por 24 funciones más en el Centro Cultural El Olivar, de San Isidro.

La puesta en escena, escrita por Ángelo Condemarín y dirigida por Paola Vicente, que gozó de un gran éxito en su primera temporada y fue disfrutada por 3500 espectadores, vuelve desde el jueves 03 de agosto de jueves a domingo a las 8 de la noche.

Una madre sobreprotectora al límite, una abuela que se las sabe todas, y una nieta que no quiere crecer, se unen en un matriarcado familiar para dominar la casa frente a una terrible amenaza: El engreído de la familia quiere independizarse. ¡A ti alguien te ha puesto en mi contra! ¡Volví a la vida de milagro para que tú nacieras! ¡Porque soy tu madre y punto! son expresiones que, con el paso de los años, han pasado de la intimidad del hogar a formar parte de nuestra cultura popular.

Esas mismas frases, llenas de la picardía peruana, son recogidas en el texto que sigue la tradición costumbrista de Manuel Ascencio Segura. El elenco es integrado además por Claudio Calmet y Masha Chávarri. Para llevar a escena esta pieza teatral, la productora MAUS realizó una campaña de recaudación de fondos en la plataforma de crowdfunding Indiegogo. Se recolectaron $1500 dólares gracias al apoyo de 70 patrocinadores amantes del teatro peruano.

“Tu madre, la Concho” va desde el 03 de agosto hasta el 10 de setiembre del 2017 en el Centro Cultural El Olivar (Calle La República 455, San Isidro). Las funciones son de jueves a domingo a las 8 de la noche. Entradas a la venta en Teleticket. General 50 soles, Jubilados 40 soles, Estudiantes 30 soles. Hay preventa hasta 02 de agosto.

Contacto de prensa: Arturo Paredes - 992825547​

Estreno: TE QUIERO HASTA LA LUNA

Obra argentina que recorre Latinoamérica llega a Perú

Te Quiero Hasta la Luna, obra argentina que recorre Latinoamérica llega a Perú en una versión dirigida por Mario Mendoza y con las actuaciones de Gabriel Gil y Katheryne Mendoza. 

Un cuento de amor que relata el reencuentro de Julia y Pablo en una nave espacial antes del gran despegue hacia la luna. Algunos inconvenientes técnicos convertirán este viaje en toda una aventura que los llevará a hacer un recuento de la historia que tuvieron juntos, poniendo a prueba el vínculo que los une.

Esta comedia romántica con canciones ya ha recorrido, desde su estreno en Argentina, México, Uruguay, España y Colombia. 

Las entradas se encuentran en preventa en Teleticket de Wong y Metro a solo S/.29.00 hasta el 30 de Junio. El estreno es este 31 de Junio en el Teatro Auditorio Miraflores y estará solo una breve temporada hasta el 23 de Julio, viernes, sábado y domingo.

Contacto: Pedro Iturria
990932733

lunes, 26 de junio de 2017

Crítica: HUELLA

Un juego de huellas

Esta semana tuvimos el estreno de “Huella”: ocho improvisadores presentarán sus historias en un espectáculo de improvisación testimonial dirigido por Carol Hernández. Por función, un  improvisador será elegido por el público para ser el protagonista y conoceremos su historia a través de juegos y dinámicas que mezclará su testimonio real con elementos de ficción, un viaje personal por etapas de su vida que todos los improvisadores irán proponiendo en el transcurso de la función. “Huella” es un espectáculo que habla de recuerdos, aquellos que quedan en nosotros inconscientemente a través de la historia del improvisador elegido.

El ambiente lúdico se siente desde inicio a fin, desde la persona que entrega las entradas hasta el final del espectáculo. Al ingresar a la sala se le pregunta a cada espectador sobre quién de todos los improvisadores quiere que protagonice la función del día. La elección es inmediata y tienes como único referente las caricaturas de cada improvisador. Me pareció un buen primer paso para que el público se vaya aclimatando al juego que propone la obra.

El escenario es neutro: todo de negro, vacío. Los improvisadores empiezan a interactuar con el público, preguntando ideas para poder ponerlas en práctica en la improvisación. Cada una de las ideas las van escribiendo en las paredes con tiza, como si estuviesen improvisando la escenografía con frases escritas en las paredes; esto se repite durante toda la obra, llegando a llenar a pared con la esencia de lo contado en la función. El vestuario de los improvisadores contaba con un “logo” personal: caricaturas de ellos mismos impresas en sus polos. Cada uno de estos elementos fueron claves que, sin que el público se dé cuenta, nos iban preparando para un viaje.

El espectáculo cuenta con una clara estructura secuencial que es fácilmente acomodable para cada una de las funciones. Esto permite que, sea quien sea el protagonista, se pueda seguir la estructura con diferente información. La musicalización la hacían ellos mismos para acompañar la historia a través de ritmos, palmoteos y tarareos improvisados. Toda esta improvisación musical era dirigida por uno de ellos, con una serie de códigos pertenecientes a una técnica llamada Soundlooping*; este recurso aportaba mucho a la atmósfera de la obra pues no habría habido mejor recurso, tratándose de un espectáculo de improvisación, que usar música improvisada. Incluso en la manera de incluir la musicalidad en la historia tenía mucho tino, una plasticidad que pareciera previamente concebida.  Existía un nivel de conexión muy fuerte entre todos los improvisadores; se nota un enorme trabajo de investigación tanto personal como grupal, una disposición para reconocerse a sí mismo, darse a conocer y conocer al otro. Este nivel de conexión ha sido el principal motor de esta obra: se notaba que cada improvisador contaba con toda la información real necesaria para poder jugar con ella y crear escenas que, si bien no son iguales a la realidad, tienen elementos de verdad y son estimulantes de ver.

A veces solo hace falta estar dispuesto a jugar. La mayoría de espectáculos teatrales no incluye al espectador como compañero en el viaje escénico. Son ramas como la Impro las que nos permite ser parte de lo que ocurre en escena. Como jugando, “Huella” nos deja una invitación a recordar, a poder ver aquellas huellas que están impregnadas en nosotros hasta ahora, a jugar con la imaginación, a revivir aquellas sensaciones que nos llevaron alguna vez a mil por hora.

*Soundlooping: lenguaje en señas para crear música improvisada en grupo.

Stefany Milagros Olivos
26 de junio de 2017

Crítica: CONFUSIÓN EN EL CUENTO

Reencontrándome con mi niña interior

Debo reconocer con absoluta franqueza que había olvidado la última vez que fui a ver teatro para niños; aunque con certeza debo haberlo pasado tan bien como en esta ocasión. La obra “Confusión en el cuento”, dirigida por Vivi Neves y producida por Renato Pantigozo, es una muestra para toda la familia que se presenta hasta fines de julio en el teatro de Cámara del C.C. “El Olivar”, con un elenco de jóvenes talentos que representan a Panda Teatro Impro.

Una buena estrategia fue el hecho de reunir a los niños asistentes antes de empezar la función y a través de un mini concurso, romper el hielo y darles las recomendaciones que debían seguir durante la misma. Ello, dirigido por un actor del elenco, quien con mucho tino e ingenio logró captar la atención de los chicos.

Dicho esto, en el transcurso de la obra, pensaba cuán difícil y delicado debe ser preparar y representar una obra dirigida a un público tan especial como son los niños. Hacer reír, de por sí, es tremendo trabajo para un artista en escena; pero, si hablamos de un público infantil, el esfuerzo debe ser aún mayor. Puede pensarse que este tipo de teatro es más relajado o “light” como dirían algunos y que es un trabajo sencillo. Particularmente, no lo creo, y es que este género tiene peculiaridades y matices que lo hacen único, no solo por la clásica presencia del clown sino por detalles que deben cuidarse (escenografía, luces, sonido, vestuario, entre otros) para enviar un mensaje positivo y utilizar las regulaciones necesarias para no caer en excesos.

Como su propio título lo dice, en la representación se pretende contarle un cuento al público; no obstante, cada actor ha ensayado un relato distinto y al no contar con un guion uniforme, entreveran las historias de la Caperucita Roja, Blancanieves y los tres chanchitos, construyendo así una divertida versión de los tres. Las actuaciones individuales fueron bastante acertadas, destacando la dulzura de la Caperucita y la candidez de un joven Lobo, que al final sorprende con su astucia. Lo cierto es que la atención de niños y adultos logró capturarse, las risas y murmullos eran la prueba de lo bien que se entendía la trama a pesar de la premeditada confusión. Con una escenografía sencilla pero adecuada, en donde los puntos notables fueron la agilidad, el dinamismo y la presencia constante de los actores, conjugándose con la música y coreografías –que evidentemente se requieren en este género para mantener el interés del público- así como la puntualización de los gestos y el lenguaje corporal –esencial para transmitir el mensaje- elementos que se lograron con éxito.  

Por otro lado, no tengo la certeza desde qué edad era permitido el ingreso (había niños muy pequeños) y que se inquietaran era algo previsible; pero, dejando de lado ese punto, se valora el trabajo realizado. Sin duda, reí mucho y me reencontré con esa niña que alguna vez fui.

Maria Cristina Mory Cárdenas
26 de junio de 2017

Estreno: DIME QUE TENEMOS TIEMPO

MONTAJE DE LA ESCUELA DE ARTES ESCÉNICAS DE LA UNIVERSIDAD CIENTÍFICA DEL SUR

Dramaturgia: César de María
Dirección: Mayra Barraza
En escena: Anaí Padilla, Tamara Padilla.
Estreno: 1 de julio de 2017

Funciones:
Sábado 1 de julio - 4 p.m. y 8 p.m.
Domingo 2 de julio -  4 p.m. y 8 p.m.
Sábado 8 de julio - 4 p.m.
Domingo 9 de julio- 4 p.m.
Lugar: Teatro Ensamble (Av. Bolognesi 397 - Barranco)

La Universidad Científica del Sur y Neón Producciones presentan la obra “Dime que tenemos tiempo” del dramaturgo peruano César de María dentro del marco del curso Montaje teatral I de la escuela de Artes Escénicas. La obra se presentará en el Teatro Ensamble el sábado 01 y domingo 02 de julio en doble función a las 4 p.m y 8 p.m., y el 08 y 09 de julio a las 4 p.m.

“Dime que tenemos tiempo” muestra a dos actrices que interpretan a Valentina y Mariví, el famoso dúo cómico que emocionó a la teleaudiencia en los años setenta como “Cachavacha y Pachuca”. Han pasado treinta y cinco años desde su última presentación juntas, tiempo donde la fama se ha diluido como su amistad.

Sin embargo, una gran suma de dinero las seduce a reencontrarse para volver a dar vida a este dúo que les trajo aplausos y reconocimiento pero a la vez resentimientos y decepciones. ¿Qué hay detrás de estos dos personajes? ¿Qué se esconde detrás de esta ficción? ¿Qué pasará cuando vuelvan  a juntarse, cara a cara Cachavacha y Pachuca, Valentina y Mariví?
“Dime que tenemos tiempo” de César de María es una comedia que se apoya en el recurso audiovisual, envolviendo al espectador en el sueño roto de un dúo de artistas, tan duro y contemporáneo como entretenido y dinámico.

Las entradas se pueden adquirir en el correo de Neón producciones: produccioneon@gmail.com o en el mismo teatro a partir de las 3 p.m. Universitarios y Jubilados: 15 soles. General: 30 soles. 

Para coordinaciones de prensa con el elenco o directora comunicarse con Angela Andrea Claros  (cel. 988690149) o al correo produccioneon@gmail.com

sábado, 24 de junio de 2017

Convocatoria: PROYECTO VENTANA 26

Iniciativa de Jorge Eines, en base a su libro Las 25 ventanas

FECHA DE CIERRE: 6 DE JULIO

El LABORATORIO DE CREACIÓN ESCÉNICA EINES y el Centro Cultural de España, con el apoyo de la Editorial Gedisa, abren la convocatoria para el PROYECTO VENTANA 26. Esta propuesta de investigación escénica es una iniciativa del maestro Jorge Eines y su fecha de cierre es el 6 de julio.

Para el proceso de investigación el libro de Las 25 ventanas de Eines servirá como impulso para la reflexión teórica y se pretende, a través de la convocatoria, reunir a ocho profesionales (2 directores, 4 actores/actrices y 2 dramaturgos) de Lima. Junto a ellos, se realizará un proceso de investigación teórico – práctico sobre la técnica que será posteriormente utilizado en la creación del libro “Ventana 26” futuro libro de Jorge Eines. Este mismo proceso busca desarrollarse en Argentina, Chile, México y Madrid también.

La Convocatoria está abierta hasta el 6 de julio del presente año. Las fechas para el proceso de investigación serán siete fechas de julio a diciembre del 2017. Tendrá una duración de 5 meses y medio y sus conclusiones formarán parte del próximo libro de Jorge Eines publicado con el sello de la Editorial Gedisa (España). Además,  se concluirá con una sesión práctica abierta al público. El laboratorio estará a cargo de la creadora escénica Rocío Limo y la asistencia del actor Walter Ramírez, ambos miembros del Laboratorio de creación escénica EINES – LIMA.

Dentro de los objetivos del Proceso, se encuentra el hacer visible, en doce encuentros, la existencia de un pensamiento teórico y técnico integrador así como producir un discurso transversal que postergue diferencias que, a su vez, establezcan vínculos entre actor, autores y directores alrededor de un acontecer profesional, habitualmente más preocupado por la subsistencia que por la excelencia. Se deberá romper con escenarios de simplificación y no asumir la simpleza como condición inevitable para reflexionar sobre el arte; la búsqueda de un pensamiento en común, creador de herramientas tanto teóricas como prácticas; profundizar en las relaciones de articulación del arte con la ciencia, buscando instancias de equilibrio tanto en los acuerdos teóricos como prácticos y, finalmente, el abordaje de lo artístico con cuatro focos: semiótica, antropológico, filosófico y sociológico.

Para temas de conocer la metodología de la propuesta puede comunicarse al correo electrónico info@laboratoriocreacionescenica.com.

Estreno: EL REFUGIO

Microteatro del 6 de julio al 13 de agosto

Sinopsis: Ani ha dejado a su familia e invade la casa de su amiga Ceci, pero esta, acostumbrada a su vida solitaria, hará lo imposible por hacerla reaccionar y sacarla de su casa. De pronto un evento inesperado las hará enfrentarse a una propuesta peligrosa pero muy tentadora.

Actores: Andrea Luna, Monserrat Gómez de la Torre y Jorge Black Tam.
Director: Jorge Robinet
Lugar: Microteatro Lima (Jr. Batallón Ayacucho 271, Barranco)

Temporada: del jueves 6 de julio al domingo 13 de agosto (20 días de función / 5 pasadas por día de función / 15 espectadores por pasada / total de 1500 asistentes durante la temporada / además de los 1500 asistentes por cada una de de las otras 10 obras que se presentan en paralelo durante la presente temporada de Microteatro - Por vanidad)

Horario: Horario estelar — Jueves, viernes y sábados de 8 a 10 p.m. y domingos de 7 a 9 p.m.

Contacto:
Monserrat Gómez de la Torre
paraoteatro@gmail.com
988 760 109

viernes, 23 de junio de 2017

Reestreno: LOS COSMONAUTAS Y LA GALAXIA ESPANTO

UNA AVENTURA ESPACIAL PARA DISFRUTAR EN FAMILIA

El Centro Cultural Ricardo Palma se prepara para viajar por el espacio desde el 01 de Julio hasta el 06 de agosto a las 4:00 pm con “Los Cosmonautas y La Galaxia Espanto”.

En su tercera temporada esta obra para toda la familia y en especial para los más pequeños de la casa regresa recargada. Aventura, juego, y música en medio del universo estarán en el escenario para vivir un viaje de otra galaxia. Esta propuesta original brinda un acercamiento y aprendizaje del espacio exterior para los niños desde experiencias lúdicas y creativas  sobre los planetas, estrellas y galaxias.

Esta divertida historia gira en torno a los años de oscuridad que atraviesa el planeta Tierra por la desaparición del sol. Es allí cuando dos viajantes estelares tendrán que vencer sus miedos rumbo a la galaxia Espanto para atrapar tres estrellas que logren devolve la luz a sus vidas y a la humanidad.

La dirección de la obra estará a cargo de Déborah Grández, Bachiller de la especialidad de Artes Escénicas de la PUCP,  con un "expertise" en dirección teatral, profesora y directora artística del colectivo Taripay Pacha, quien ha participado en diversos proyectos teatrales de la PUCP. El elenco está conformado por: Aura Guío, actriz, actualmente creativa de marca de Mad Science y Aldo Bonatto, actor con experiencia en teatro para niños.

“Los Cosmonautas y La Galaxia Espanto” está preparada para que los niños despierten su curiosidad por el conocimiento de todo lo que nos rodea en el espacio y desarrollar sus habilidades tanto intrapersonales e interpersonales relacionadas a la confianza personal y el vencimiento de los miedos. El costo de las entradas van desde S/.15 para niño y estudiantes y S/.25 entrada general. Pueden conseguirlas en la boletería del teatro CC RICARDO PALMA (Larco 770, Miraflores).

Estreno: “… EN TU VIBRAR MI QUEBRANTO”

Acercamiento sensible a los años de violencia ocurridos en el Perú

Estudiantes vibran y expresan con su voz y su cuerpo, fragmentos de la memoria social del país, con la dirección de Ana Correa. 
Del sábado 01 al sábado 08 de julio del 2017 en el Memorial “El Ojo que Llora”, en Jesús María.

Las difíciles experiencias vividas por jóvenes que fueron víctimas de la violencia, junto a memorias personales, sirven de base para “… en tu vibrar mi quebranto” una creación colectiva, dirigida por Ana Correa, que se presentará del sábado 01 al sábado 08 de julio del 2017 en el Memorial “El Ojo que Llora”, en Jesús María.

La puesta, de los alumnos del sétimo ciclo de la Especialidad de Teatro de la Facultad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú, busca construir, desde la ficción, un espectáculo testimonial de acción escénica que se encuentra en las fronteras de la narración, el accionismo, el teatro, la danza con objetos y la música.

El montaje está dirigido especialmente a espectadores jóvenes en vista de la importancia que tiene para las nuevas generaciones de actores y actrices sostener un acercamiento sensible a los años de extrema violencia ocurridos en el Perú entre 1980 y el 2000 a fin de crear, a través del arte, productos sensibles que permitan tener presente lo vivido para no repetir ni dejar repetir.

Los estudiantes vibran y expresan con su voz y su cuerpo, fragmentos de la memoria social del país simbolizados en el laberinto de "El Ojo que Llora". Así, entretejen fragmentos de su memoria personal, de la directora de la obra, de la creadora del memorial, Lika Mutal, y de los cientos de jóvenes peruanos a quienes la muerte arrebató de sus estudios y de la vida.
 El elenco está conformado por Silvana Astorne, Jano Baca, Jorge Grazid, Daniela Feijoó, Lorena Guillén, Muki Sabogal, Marjorie Roca, Andrea Rojas, Darill Silva, Emma Suito, Andy Valdivia, Juan Piero Vidal.

“… en tu vibrar mi quebranto” se presenta del sábado 01 al sábado 08 de julio del 2017 a las 12 del mediodía, a excepción del jueves 06 a la 1 de la tarde. Lugar: Memorial “El Ojo que Llora”, en la Avenida Salaverry 1° cuadra s/n, Jesús María (Altura del estacionamiento Club Lawn Tennis).

Agradecimiento muy especial a APRODEH a través del voluntariado Caminos de la Memoria, al Instituto de Democracia y Derechos Humanos, y la Dirección de Actividades Culturales de la Pontificia Universidad Católica del Perú.

Muestra: CURSO DE ESPECIALIZACIÓN DE DRAMATURGIA Y TEATRO POLÍTICO

Organizado por el Goethe-Institut y el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico

Este sábado 24, desde las 4pm hasta las 8 pm se llevará a cabo la muestra final del Curso de Especialización de Dramaturgia y Teatro Público, donde 20 participantes del curso presentarán sus proyectos a través de perfomances, puestas en escena y dramatizaciones que ahondarán en la memoria colectiva del país sobre sucesos como la guerra interna de los años 80 y 90.

Este curso de dramaturgia, que empezó en setiembre de 2016, tuvo como objetivo conocer y complejizar, desde el teatro, relatos que ahonden en la memoria colectiva del país, especialmente en conflictos como la guerra interna de los años 80 y 90.

Es una apuesta por un teatro creador de memoria que ponga en presente el pasado en toda su complejidad, donde se encuentren y confronten las distintas versiones; en definitiva donde se desarrollen discursos críticos y propicien una reflexión colectiva sobre nuestras maneras de vincularnos en el presente.

Entre los docentes se ha contado con artistas de la talla de Alberto Conejero (España), Luisa Pardo (México, grupo Lagartijas tiradas al sol), Fabio Rubiano (Colombia), Hans-Werner Kroesinger y Regina Dura (Alemania); el crítico Javier Ibacache (Chile), además de diversos participantes peruanos de altísimo nivel como Miguel Rubio (Yuyachkani), el psicoanalista Max Hernández, el crítico Victor Vich, la guionista Giovanna Pollarolo, la fotógrafa y curadora Mayu Mohanna, entre otros.

La muestra es el resultado de nueve meses de talleres intensivos, conferencias y asesorías, que incluyeron herramientas prácticas y espacios de discusión conceptuales. Ello ha derivado en la construcción de proyectos individuales de dramaturgia desde diferentes perspectivas y estilos narrativos. Esta muestra se realizará este sábado 24 en el Centro Cultural Cine Olaya, un antiguo cine recuperado para la creación y difusión de las artes (ubicado en la av. José Olaya 645, Chorrillos) a partir de las 4pm. 

Participan Liliana Albornoz / Abril Cárdenas / Héctor Gálvez / Eka Horna / Renzo García / Janet Gutarra / Maricarmen Gutiérrez / Lucero Medina / Rosela Millones / Sara Paredes / Mirella Quispe / Kevin Rodríguez / Pepe Santana / Claudia Tangoa / Miguel Ángel Vallejo / Mavi Vásquez / Fernando Verano / Paola Vílchez / Erick Weis / Gaby Yepes.

Crítica: INFORTUNIO

Entre Eros y Tánatos

Con Infortunio nos encontramos ante un dramaturgo (Gino Luque) y un director (Mikhail Page) que han venido generando controversias sobre sus trabajos, controversias muy saludables, porque permiten a doctos y legos confrontarnos ante experiencias estéticas no concesivas en las que se demanda una participación más activa y comprometida del espectador. El arte teatral es un acontecimiento vivo y presente, siempre en constante evolución y reflexión, donde la estética del acontecer nos sitúa en experiencias extra cotidianas, que no siempre buscan la complacencia pero sí una vinculación y la construcción compartida de un sentido, más allá de gustos y preferencias.

Del texto parte una exigencia hacia el espectador, cosa que Page ha asumido con todo el compromiso que el riesgo de la creación también exige; ética y moral no pueden estar al margen y si esto sucede es la negativa del espectador a querer ver(se en) el mundo que habita, pues sí, el mundo de hoy tan globalizado que ha modificado las fronteras de lo personal y de lo íntimo por el uso de las redes sociales también ha permitido que construyamos nuestros perfiles tal como queremos que nos vean y no siempre como en realidad somos, en un mundo donde la violencia nos invade y donde la pregunta parece ser si la pasión siempre nos conducirá a la tragedia. Así como con Tristán e Isolda, no se puede dejar de pensar en Romeo y Julieta o en el triángulo de Bodas de sangre, ¿es que tendremos que escoger entre lo que la sociedad demanda o lo que sentimos quemándonos internamente?

Page construye sobre el escenario una poética de la cual debemos ser cómplices para cerrar el momento, una poética que crea sus propias convenciones de teatralidad desde las cuales debemos compartir una pasión que se desborda en este mundo posmoderno, donde las circunstancias crean su propio marco y que parecen haber estado dispuestas a la manera de un oráculo griego, pero que en verdad son construidas por sus propios protagonistas. Eros y Tánatos nos atrapan sin escapatoria.

Evidentemente no es una obra que concede, su trasgresión nos obliga a responder si entramos, fisgoneamos mórbidamente o nos desprendemos totalmente, no hay puntos intermedios. Nada hay naif, ni siquiera las citas directas a determinadas películas y directores de cine que conectan una serie de referentes que pertenecen al imaginario colectivo y que hacen un guiño a los gustos estéticos del director.

Un montaje de atmósfera sórdida, construida por una acertada iluminación (Carmenrosa Vargas), donde el erotismo y la sexualidad discurren con una potencia avasalladora por este mundo perturbador cuyos personajes parecen ser sus únicos habitantes. Si bien se puede caer en la tentación de elogiar la dupla Iker (Eduardo Camino) y Amaia (Katerina D'Onofrio), los trágicos amantes, en realidad es el cuarteto que se sostiene a sí mismo, sumemos pues a Ainoa (Karina Jordán) y a Markel (Sebastián Monteghirfo), sus respectivas parejas; sin embargo, pareciese que la velocidad del director termina rebasando a todos. Lo que no desmerece el trabajo de sostener presencias con personajes que construyen diferentes planos que se abren hasta revelarnos mundos interiores de oscuras profundidades.

El espacio que busca ser funcional en los niveles y en su ausencia de color, se presta muy bien para el juego escénico de la presencia constante del otro, para la mirada del otro. La dirección de arte (Gisella Ramírez), sin dejar de lado su enfoque minimalista, necesita exploraciones que linden y acompañen los riesgos de la mirada del director. En este sentido, el espacio permite que el espectador todavía tenga el chance de refugiarse en el anonimato, algo que se construye en la relación de la escena con la sala; si el texto puede convertirse en el gran pretexto para que el director grite aquello que necesita gritar, el espacio debe convertirse en el adecuado soporte para una teatralidad que no termina en el espacio de la representación.

“Diferente” es la palabra que suele acompañar a dramaturgo y director cuando se refieren a la obra, algo innecesario pues la diferencia es inherente a la creación artística. Page cumple su rol con eficacia y audacia en un medio donde la búsqueda de la “buena puesta en escena” es la medida de la creatividad. Definitivamente, complacencia y comodidad no es algo que encontraremos en este montaje, pero sí casi dos horas de intensidad si aceptamos el reto de sumergirnos en estos mundos posibles que solo el teatro es capaz de darnos.

Beto Romero
23 de junio de 2017

Estreno: PLÁSTICA CARNE

“¿Qué es ser mujer?”

Proyecto Escénico dirigido por María Alejandra Ramírez

Estreno: Miércoles 28 de Junio a las 8:30 pm.
BREVE TEMPORADA: Los miércoles 28 de junio y 5-12-19 de julio 
(Pre-venta: del 04 al 27 de junio)

PLÁSTICA CARNE, obra ganadora del premio de Iberescena 2016 del dramaturgo peruano Pepe Santana, se estrena por primera vez el miércoles 28 de Junio en el Teatro Mocha Graña, en Barranco.

En la sociedad de consumo en la que vivimos es importante mostrar cómo la mirada del otro y su opinión sobre el cuerpo femenino puede llevar a definir la feminidad. “¿Qué es ser mujer: tetas, culos?, ¿Qué es lo que el otro quiere mirar?  Ya es más difícil aceptar tu cuerpo porque la opción está ahí, porque ya no hay gente fea, hay gente sin plata. ¿Y tú te lo harías? ¿Por qué no?”

Plástica Carne nos lleva al mundo de un grupo de mujeres que decide enfrentarse  a las siliconas y al bisturí en busca de la mujer perfecta. ¿Acaso existe? ¿Podrán encontrarla? ¿Cómo hacemos para acercarnos a ella? Son preguntas trataremos de hacernos junto a este grupo de mujeres que nos cuentan sus testimonios.

El montaje es un proyecto escénico dirigido por María Alejandra Ramírez, con las actuaciones de Rosalía Hernández y Ana Moloche, todas gestoras del proyecto y  estudiantes de último ciclo de Artes Escénicas de la PUCP; junto a Araceli Campos, actriz.  

Dentro del marco del curso Proyecto Final de la carrera de Artes Escénicas en la facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la Pontificia Universidad Católica del Perú; se llevará a cabo una breve temporada, que consta de  CUATRO ÚNICAS FUNCIONES, las cuales serán los días miércoles 28 de Junio, 5, 12 y 19 de Julio en el Teatro Mocha Graña (Barranco).

Venta de entradas:
En la boletería del teatro o mandando un mail a produccion.plastica.carne@gmail.com
Pre-venta: hasta el 27 de Junio.

PLÁSTICA CARNE
Escrita por Pepe Santana

Dirección General: María Alejandra Ramírez
Elenco: Araceli Campos, Rosalía Hernández y Ana María Moloche.
Temporada: Miércoles, del 28 de Junio al 19 de Julio.
Horario: 8:30 p. m.
Lugar: Casa Cultural Mocha Graña (Avenida Sáenz Peña 107 – Barranco)

Precio de entradas
Pre-venta:
Estudiantes: S/.15
General: S/.20

Temporada Regular:
Estudiantes: S/. 20
General: S/. 25

Plástica Carne - Producción Ejecutiva

Alejandra Rivera| 997 049 292 | produccion.plastica.carne@gmail.com