sábado, 16 de diciembre de 2017

Convocatoria: CONCURSO NACIONAL DE DRAMATURGIA TEATRO LAB

Centro Cultural de la Universidad de Lima convoca a los dramaturgos peruanos a participar en el concurso Teatro Lab

El concurso premiará al ganador con 6.000 soles y la publicación y puesta en escena de su obra. Pueden participar todos los ciudadanos peruanos mayores de 18 años que residen en nuestro país.

El Concurso Nacional de Dramaturgia Teatro Lab anuncia su segunda edición, que buscará, al igual que en su versión de 2017, reconocer y poner en escena las obras de los mejores dramaturgos peruanos.

En la pasada edición, Teatro Lab premió, en el siguiente orden de mérito, las obras Zombi, de Daniel Dillon; Años luz, de Federico Abril; y Saturno, Arturo y Jazmín, de Bruno Espejo. La pieza teatral Saint Ex, de Rafael Anselmi, fue reconocida con una mención honrosa. Estos trabajos, evaluados por César De María, Giancarlo Cappello y Jorge Castro, destacaron entre más de sesenta obras presentadas.

En 2018, el Centro Cultural buscará incrementar el número de participantes. Para ello, premiará con 6.000 soles y pondrá en escena la obra que obtenga el primer lugar, y además publicará las piezas que ocupen los tres primeros puestos y ofrecerá servicios de asesoría a sus respectivos autores. Las obras presentadas podrán ser de cualquier género y temática, aunque el jurado prestará especial atención a aquellas que planteen nuevos lenguajes o propuestas de vanguardia.

Los concursantes deberán ser peruanos, mayores de 18 años y actuales residentes de nuestro país. La totalidad de las bases del concurso está publicada en la siguiente dirección web: www.centroculturalulima.com/wp/dramaturgia.

La recepción de las obras será del 12 al 16 de marzo de 2018, de 10.00 a 18.00 horas, en la oficina del Centro Cultural de la Universidad de Lima (Av. Javier Prado Este 4600, Surco). La relación de ganadores será publicada en la página web del Centro Cultural (www.centroculturalulima.com) en mayo del mismo año. Para mayor información, escribir a teatrolab@ulima.edu.pe.

viernes, 15 de diciembre de 2017

Crítica: TODAS TENEMOS LA MISMA HISTORIA

Que las historias no se repitan

Mediante la construcción de monólogos, tres mujeres narran las historias de violencia que han padecido en carne propia; aunque sus circunstancias, orígenes y contextos son distintos, comparten una realidad que, hoy por hoy es un tema recurrente y sensible en nuestra sociedad: la violencia de género.

Esta obra es una propuesta basada en los escritos de Dario Fo, Franca Rame, Hernando Cortés y Fortunato Ávila, como parte del Proyecto Final de Artes Escénicas de la Facultad de Ciencias y Artes de la PUCP, bajo la dirección de Arturo Huapaya y la producción de Gato Negro - Colectivo Teatral. La participación de las actrices María del Carmen Castro, Roxana Cavero y Airam Galliani, quienes con una profunda honestidad y contundencia prestaron su voz a estas vivencias –que pueden ser las de cualquier mujer- permitieron mostrar situaciones de maltrato que, lamentablemente, siguen arraigadas en nuestro entorno.

La idea de presentar la obra en un espacio tan íntimo como Casa Trenzar, hizo que la presentación de los monólogos –que se entrelazaban entre sí- tuviera una percepción mucho más real de lo que se quería contar. Un problema social, abordado desde el punto de vista de las víctimas; con el fin de concienciar a hombres y mujeres respecto al papel que desempeñan frente a esta realidad.

Un llamado de atención a todos, que implica un cambio de actitudes y cero tolerancia a la violencia de género. Para que las historias dejen de repetirse una y otra vez, construyendo una mejor sociedad en la cual, el respeto, la igualdad y preservación de la dignidad de los seres humanos sea una realidad tangible.

Maria Cristina Mory Cárdenas
15 de diciembre de 2017

jueves, 7 de diciembre de 2017

Temporada: TODAS TENEMOS LA MISMA HISTORIA

Tres historias sobre mujeres donde los protagonistas son los hombres

“Todas tenemos la misma historia” nos presenta a tres mujeres víctimas de violencia de género dando testimonio de lo que les ha pasado. Tres historias de mujeres con origenes y contextos muy diferentes. Historias a las que debemos prestar atención para cuestionar nuestro propio rol en esta coyuntura, y es que no se trata de simplemente buscar culpables, sino de asumir responsabilidades.

Cuando naces mujer en una ciudad como Lima estás automáticamente expuesta a una sociedad que ha normalizado y sistematizado la violencia. Nos hemos acostumbrado a que ellas sean mano de obra barata en nuestros propios hogares, una prenda decorativa en nuestras reuniones, o un simple objeto para el placer. Como hombres, nos toca poner en tela de juicio nuestras acciones diarias para descubrir qué podemos cambiar en nuestro entorno y hacer una sociedad un poco más justa con ellas.

“Todas tenemos la misma historia” es una creación escénica basada en textos de Dario Fo, Franca Rame, Hernando Cortés y Fortunato Ávila; desarrollada en el marco del curso Proyecto Final de Artes Escénicas de la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la Pontificia Universidad Católica del Perú.

FICHA ARTÍSTICA:
Dirección: Arturo Huapaya
Elenco: María del Carmen Castro, Roxana Cavero y Airam Galliani
Dirección de Arte: Aidualc Galliani y Manuel Flores
Fotografía: Sergio  Zúñiga
Producción General: Gato Negro - Colectivo Teatral

TEMPORADA
Fechas: 1, 2, 8 y 9 de diciembre.
Hora: 8:00 p.m.
Lugar: Casa Trenzar (Av. Lima 243, Barranco)
Precios: General S/.20.00 – Estudiante S/.15.00

Adquiere tus entradas en preventa a S/.15.00 hasta el jueves 30 de noviembre en nuestro fanpage o escribiendo al correo gatonegro.cote@gmail.com

martes, 5 de diciembre de 2017

Crítica: ASÍ DE SIMPLE

La obra sobre los planos de pensamiento

Una nueva propuesta de comedia romántica llega al Teatro de Lucía con Así de simple, escrita por Bresso y Sofía González Gil y dirigida por Yanira Dávila. Tenemos en escena la historia de una pareja joven, Joaquín y Clara, que empieza  a convivir. Entre decisiones apresuradas y choques idealistas entre ambos, se van dando a conocer verdaderos sentimientos y formas de pensar de cada uno de los personajes.

La obra no propone una representación de una pareja de manera “convencional”: tanto Joaquín como Clara son representados por tres actores y tres actrices respectivamente, de modo que cada personaje se ve representado en tres planos distintos: social,  racional y  emocional. Era muy interesante ver estas tres “realidades de pensamiento” de cada personaje, una noción muy real de cómo funciona nuestra mente. Ningún plano anulaba a otro: ver el lado emocional y el lado racional diciendo cosas totalmente opuestas generaba una empatía agradable, provocaba las ganas de querer ver más de estas contradicciones.

Para que esta propuesta funcione, las actrices que representaban a Clara y los actores que representaban a Joaquín estaban vestidos de la misma manera. El hecho de que las tres versiones de los personajes hagan las mismas acciones todo el tiempo como, por ejemplo, amarrarse y soltarse el cabello, o sacarse alguna prenda funcionó perfectamente para invitar al espectador a aceptar el código que la obra propone: los actores realizaban estas sutiles acciones limpiamente, de manera uniforme todo el tiempo sin dejar lugar a posibles confusiones. Por otro lado, la propuesta escenográfica, que consistió en el uso de un sofá y cajas que se podían convertir en lo que sea, le dio versatilidad a la obra. Fue una decisión que aportó al equilibrio en escena: si vamos a ver un personaje representado por tres actores a la vez, elegir una escenografía más acaparadora hubiese recargado la obra. Los seis actores destacaron de la misma manera con los planos de los personajes que representaban: hubo una noción colectiva del ritmo de la obra, los textos y los movimientos en el espacio parecían parte de una gran coreografía que nunca paraba, lo que permitió que el efecto cómico venga como consecuencia, y no de manera forzada por los actores. Sin embargo, en  algunos momentos álgidos, varios textos se perdían debido a que el volumen de las voces de los seis actores estaba muy alto o por falta de dicción.

Respecto a esta obra, yo dudaría en definirla como una historia de cómo funcionan las parejas jóvenes solamente. A pesar de que la historia sea la de una pareja joven efectivamente, tengo la impresión de que el recurso más explotado de esta obra es el desdoblamiento de pensamiento en los tres planos “dominantes”, llevándonos a pensar en que nuestra mente pasa por vértigos todo el tiempo, en cada decisión, con cada persona con la que interactuemos. Digo esto porque, si me concentro en la historia de la pareja en cuestión, siento que no se desarrolló tanto la historia en sí misma. Sí, se nos muestra momentos de su relación y la explicación de su desenlace como pareja, pero el recurso del desdoblamiento de planos de pensamiento estuvo tan explotado y bien logrado, que el desarrollo de la pareja pasó a segundo plano. Es más, la separación de la pareja no me causó demasiada sorpresa o pena realmente porque no hubo tiempo de desarrollar su historia.

¿Qué tantos planos podemos construir para mostrarnos ante otros? Es una pregunta que se me ha quedado en la mente desde que vi Así de simple. Agradezco a esta obra por mostrar sin filtro cómo funcionamos al procesar información, al sentir momento a momento, el poner tangible el hecho de que podemos pensar dos ideas completamente diferentes – plano emocional y plano racional- y no sentirnos mal por eso: así funcionamos, no nos avergoncemos de la naturaleza vertiginosa que poseemos, así de simple.

Stefany Olivos
5 de diciembre de 2017

Crítica: GALLINAZOS

Los gallinazos se hacen escuchar

Entre las nuevas propuestas para el teatro local tuvimos en la Casa Cultural Mocha Graña el estreno de Gallinazos, obra inspirada en el cuento “Los gallinazos sin plumas” de Julio Ramón Ribeyro, bajo la dirección de Daniel Flores y la dramaturgia de Federico Abrill. Gallinazos cuenta el sobrevivir de tres niños que viven en condiciones paupérrimas explotados por su abuelo, quien los obliga a recolectar comida en un basural para alimentar al cerdo que “los mantiene”. Esta obra es el Proyecto Final de un grupo de alumnos del último ciclo de la carrera de Artes Escénicas de la PUCP.

Gallinazos fue una propuesta escénica que contó con todos los medios para hacerse presente y denunciar una realidad que, a pesar de que el cuento es del año 1955, sigue vigente. En primer lugar, la división del espacio escénico entre el basural y la choza donde viven los personajes fue una solución práctica para el desarrollo de la historia. Los juegos de luces, en especial las que estaban ubicadas en los montones de basura, ayudaban a crear una atmósfera particularmente sórdida, donde el tiempo estaba detenido. Los actores utilizaron la convención de no salir del escenario durante la obra, recurriendo a colocarse en posición neutra cuando no participaban de la escena. Sin embargo, en algunos momentos noté a los actores dispersos fuera de escena: se movían, bamboleaban en sus lugares, robaban foco. El trabajo de los actores estuvo correcto en cuanto al manejo de texto por parte de los personajes infantiles: se notaba una diferencia de edades entre los personajes, un matiz difícil tratándose de niños. El personaje de Efraín (Manuel Baca) fue el más logrado de la representación, pues me pareció que era el niño más “adulto” de la obra; es decir, el que más se ha curtido de la realidad en la que vive, el menos inocente del grupo. Tanto el personaje de Helena (Ale Reyes) como el de Ernesto (Carlos Arata) eran el contrapunto de Efraín, pues eran los que aún conservaban cierta ingenuidad respecto a los problemas que se les presentaban; Helena era un personaje interesantemente construido, pues tenía matices de inocencia frente a un carácter valiente y enérgico propio del contexto en el que crecieron. Sin embargo, el personaje de Ernesto fue el menos logrado, tenía una forma predeterminada de hablar que distraía, por lo que se notó la diferencia frente al resto de niños. Un caso parecido fue el de don Santos (Emmanuel Caffo), el abuelo de los niños, un personaje que decía los textos de la misma manera todo el tiempo, lo que a veces resultaba agotador de ver.

El cuento de Julio Ramón Ribeyro describe una realidad que sigue vigente. En esta obra tenemos la oportunidad de ver ese mundo marginado, existente, donde aún existe explotación infantil y desigualdad de oportunidades. Sin embargo, el mensaje que actualmente podríamos rescatar de Gallinazos es acerca de la creencia en los sueños por encima de un sistema opresor. Estos niños no necesitan ser adultos para lograr escapar de su situación, reaccionaron gracias a sus propios medios. Una obra como esta es una forma de denunciar un aspecto de la sociedad que muchos ignoran, un paso en contra de la indiferencia frente a poblaciones oprimidas. Que vengan, pues, cada vez más obras que se atrevan a mostrar males sociales lamentablemente vigentes.

Stefany Olivos
5 de diciembre de 2017

Crítica: PAÍS DE OTROS

Nuestra herencia

La última promoción de la especialidad de Artes Escénicas de la Facultad de Comunicaciones de la PUCP presenta como proyecto final la puesta País de Otros, bajo la dirección de Mario Ballón. Con las actuaciones de Alonzo Aguilar, Darling Salazar, Mariapía Condorchúa y Andrea Valdivia G., quienes a través de sus experiencias participaron del proceso creativo del montaje.

Bajo un amplio escenario, los personajes –diversos de acuerdo a cada momento- plantean un recorrido por una época difícil en nuestro país (el terrorismo, la crisis económica, temas de coyuntura política) y cómo esas circunstancias han marcado sus vidas hasta el presente. A través de la expresión corporal y el uso de utilería (vestuario, cintas de VHS, álbumes, etc.) los actores iban incorporándose dentro de cada escena –las mismas que cambiaban abruptamente- con una dinámica bastante rápida, que daba pie a confundirse un poco. Interpretaciones sólidas, con descargas de energía llamativas –sobre todo los personajes interpretados por Alonzo Aguilar-; las actrices muy pertinentes en sus intervenciones –aunque en algunos pasajes se extremaba el histrionismo-.

Ahora bien, País de Otros es una propuesta distinta y arriesgada, donde la interacción con el público fue un elemento interesante –aunque desconcertante en principio-. Se entendía la transición histórica de la narrativa; sin embargo, ciertos momentos desbordaban la trama en sí, produciendo una sensación de desconexión con lo que se observaba. El abarcar distintos contextos con cambios drásticos en las escenas, hacían deslucir la puesta; además, no todos los elementos utilizados podían apreciarse por el público (quienes nos movimos en el escenario vimos algunos y nos perdimos de otros), algo previsible considerando la amplitud del espacio.

El mérito del montaje se encuentra precisamente en los riesgos tomados al momento de construir este proyecto. Una puesta que deja un mensaje importante, acerca de lo que fuimos y somos ahora como sociedad, la idiosincrasia que heredamos. Así como los aciertos y errores que cada generación trae consigo. País de otros está presentándose en el Teatro Ensamble, de jueves a domingo, hasta el 10 de diciembre.

Maria Cristina Mory Cárdenas
5 de diciembre de 2017

Conversatorio: EL CLOWN: UNA MIRADA MÁS ALLÁ DE LA NARIZ

Con la participación de Paloma Reyes de Sá, Alex Ticona y Fiorella Kollman

Día: Lunes 11 de diciembre.
Hora: 8:00pm (Hora exacta).
Lugar: Casa Mocha Cultural – Av. Saenz Peña 104, Barranco.

Los Dramaturgos (www.losdramaturgos.com), página web dedicada a la recopilación y la difusión de la dramaturgia nacional, gracias al apoyo de Teatro Club, viene organizando el “1er Ciclo de Conversatorios Teatrales”.

Esta iniciativa tiene como objetivo principal generar debates, cuestionamientos, diálogos de interés acerca del teatro y diferentes aspectos de él. Los conversatorios se realizarán mensualmente, en puntos descentralizados de nuestra capital, y serán de ingreso gratuito.

Para acceder a la programación anual de conversatorios, puede ingresar a la siguiente nota:

Conversatorio Nº5: “El Clown: Una mirada más allá de la nariz”
Se llevará gracias al apoyo de la Casa Mocha Cultural y contará con los reconocidos clowns, payasos y directores: Paloma Reyes de Sá, Alex Ticona y Fiorella Kollman; además de la moderación del Coordinador General de este ciclo de conversatorios, Mario Zanatta. Ellos se reunirán en este espacio de diálogo y reflexión para profundizar y debatir sobre el clown en nuestro país, sus ramas y las maneras y modos de abordarlo, proporcionando una mirada más honda de esta valiosa expresión artística.

Para mayor información, lo invitamos a visitar nuestro fanpage:

¡Los Dramaturgos agradece su gentil apoyo en la difusión!

domingo, 3 de diciembre de 2017

Estreno: GERMÁN BAUSCH Y LA CIUDAD DE UN PEQUEÑO CORAZÓN

Alumna de la Universidad Científica del Sur presenta obra de teatro rítmico

En el Teatro Auditorio Miraflores, con la participación de Julián Legaspi y Jean Pierre Magnet.

Alumna del último ciclo de la Carrera de Artes Escénicas de la Universidad Científica del Sur y Conejo Lunar Producciones presentan la obra de teatro rítmico “Germán Bausch y la Ciudad de un Pequeño Corazón”, que narra los inicios de la vida artística del galardonado escritor cuzqueño de ascendencia alemana Germán Bausch Bedoya, la lucha por su vocación literaria y su compromiso contra la centralización en el Perú. Atravesando por diversos hechos en los que se verá inmerso en conflictos familiares y laborales, Germán será puesto a prueba para cumplir su sueño.

Bajo la dirección de Frida María Tapia Laguna, con la actuación del reconocido actor Julián Legaspi, junto a Tomás Gutierrez, Natalia Bonifaz, Alberto Vidarte, Giancarla Saavedra, Ariana Espejo, Vanessa Hernández y Adriana Muñoz, con la participación del músico de alta trayectoria Jean Pierre Magnet, el maestro compositor-director Carlos Tapia y el pianista Adrián Briceño Gérard.

La obra se presentará en el Teatro Auditorio Miraflores los días 09 y 10 de diciembre a las 8:30 pm.

En Perú atravesamos una limitación de oportunidades laborales artísticas, el pensamiento centralista se mantiene aún en el siglo XXI y aparentemente estas oportunidades sólo se presentan en la capital. Esta obra basada en hechos reales muestra al escritor Germán Bausch en sus principios como literato y la perseverancia del artista para alcanzar sus metas con un pensamiento de descentralización y valoración totalitaria del Perú partiendo de la vocación. En tiempos actuales es una historia pertinente porque la vocación es un tema dejado de lado por muchos estudiantes o trabajadores, siendo un tema constante hasta el día de hoy, presentamos a Germán Bausch como ejemplo de lucha por los sueños y, finalmente, la llegada al éxito gracias al talento y perseverancia.

Conejo Lunar Producciones es una productora artística formada en el año 2017 que busca promover el arte nacional multicultural a través de costumbres y personajes que cultivaron el arte en Perú. Frida María Tapia, gestora del proyecto, se une a Sadhit Laguna y Carlos Tapia, motivados por la búsqueda de fusionar expresiones artísticas y por la innovación estética para encaminar esta productora que tiene como primera puesta en escena la obra de teatro rítmico “Germán Bausch y la Ciudad de un Pequeño Corazón”.

Entradas a la venta en la boletería del teatro y al correo electrónico: produccionesconejolunar@gmail.com
Entrada General…….. S/.35
Estudiantes………….. S/.30

Contacto: Conejo Lunar Producciones (984731773)

Crítica: 12 EN PUGNA

Condenar o no…he ahí el dilema

Un grupo de personas se alistan para decidir acerca de la culpabilidad o no de un joven acusado por el homicidio de su propio padre –un típico juicio norteamericano- sin embargo; no será tan sencillo que doce personas lleguen a un acuerdo unánime (debe ser así, de lo contrario el juicio tendría que ser anulado); surgiendo el entredicho, cuando uno de los jurados manifiesta su inconformidad frente a los demás -en apariencia decididos a condenar al muchacho a la silla eléctrica-  Este es el argumento del filme estadounidense  de los años cincuenta "12 Angry Men" (12 Hombres en pugna), el mismo que bajo la producción de la Asociación Cultural “Sinraztro” y la acertada dirección de Jhonatan Céspedes Roncalla, se presentó en el Teatro “Federico García Lorca” del Centro Español del Perú.

Esta propuesta tiene matices e ingredientes muy interesantes, que van desde un elenco bien afiatado y de distintas edades: Yamil Sacín, Mauricio Lombardi, Paco Solís Fúster, Andrés Luna, Iñigo Luna, Titi Plaza, Airam Galliani, Jesús Sasai, Eka Konysheva, Mariel Zúñiga, Marco Antonio Ñique y Jorge Luis Pérez; hasta la inclusión de cuatro mujeres en el jurado (en la versión original todos son hombres ya maduros). Detalle destacable, considerando que se retratan características (valores, creencias, rasgos de la personalidad, etc.) que bien podría tener cualquier ser humano independientemente del género; sin embargo, la presencia femenina refresca el argumento y narrativa de la obra.

De otro lado, considero que es la interpretación de cada una de estas doce personalidades –muy particulares todas- la esencia misma de la representación; que empiezan a enfrentarse unas con otras, desde que el jurado número 8 –interpretado con precisión por Mauricio Lombardi- inicia un debate entre el jurado restante, con el fin de justificar con argumentos válidos la decisión final (después de todo se trata de una vida). Personajes recalcitrantes como los interpretados por Yamil Sacín y Titi Plaza -jurado 3 y jurado 10, respectivamente- daban cuenta de los distintos modos de ver la vida, las creencias, los prejuicios, las relaciones familiares fragmentadas y violentas, entre otros factores, que llevan a los seres humanos a actuar de una forma u otra, tomando decisiones erradas, sin percatarse de los detalles que pueden hacer una gran diferencia. Sobre todo, en un contexto difícil y delicado como el que representa un juicio. En general, cada personaje supo llevar de forma clara su acción, por tanto, la dinámica se centraba en las estrategias de cada cual para sostener su posición.

A su vez, 12 en pugna, coloca en la palestra un tema controversial como es la pena de muerte, tanto en el ambiente jurídico como en la sociedad civil. Invitando a una reflexión seria y consciente acerca del tema, puesto que primero habría que revisar las falencias que nuestro sistema judicial adolece. Una buena obra, bien adaptada e interpretada; que lleva a cuestionarnos que no siempre tendremos la razón, por ende, no somos dueños de la verdad y debemos aprender a escucharnos unos a otros.

Maria Cristina Mory Cárdenas
3 de diciembre de 2017

Crítica: MORBO

Las apariencias engañan

“Considero más valiente al que conquista sus deseos que al que conquista a sus enemigos, ya que la victoria más dura es la victoria sobre uno mismo.” Aristóteles

Unipersonal testimonial de Beto Ortiz, dirigido por Gabriel de la Cruz Soler y presentado en el Centro Cultural Español del Perú los días 9, 10, 16 y 17 de noviembre.

Esta puesta en escena tocó temas de la vida privada del protagonista desde los inicios de su niñez hasta su etapa ya madura. Abordó dichos temas de una forma tragicómica para la diversión del espectador. Lo que llamó la atención de muchos fue la sencillez con la que contó cada una de sus anécdotas y de cómo aprendió a reírse de ellas, a pesar de que en un momento de su vida, por culpa de las mentiras de la prensa, desistió de volver a la TV. A pesar del dolor, de la pérdida de su querida madre, Beto aprendió a levantarse y continuar con su camino.

Los temas que tocó fueron el bullying que sufrió de niño, la leyenda del ¼ de pollo, cuando “salió del closet”, el primer beso con Magaly Medina que lo llevó a la fama, entre otros más. Debemos reconocer que no debió ser fácil para Beto parase delante del público y contar aspectos de su vida privada, pero lo hizo, cosa que rescato y admiro. A pesar de no ser una obra sólida, contó con varios espectáculos por parte  de otros actores que llevaron a otro nivel  este unipersonal: los bailes y la música estuvieron geniales e incluso la recreación que se mostró de una Lima antigua, que la mayoría de mi generación no conocía, encantó a más de uno. Sobre la escenografía, sencilla pero agradable; y sobre los implementos del actor, la peluca no le hacía ningún favor, pero sí hizo reír.

Se logró el cometido de conectar al público y ver al ser humano que hay en él. Todas las expectativas equivocadas que tenía respecto sobre quién era Beto Ortiz, fueron resueltas ese día. Gracias por tan bella función y por mostrarme una vez más que a pesar de que vivimos en una sociedad aún primitiva, existen personas tan extraordinarias que no tienen miedo de ser como son y que aprendieron a aceptarse y a vivir de la mejor manera. Una vez más, gracias por ser como eres y compartir con tu equipo tu historia.

Antes de cerrar esta crítica, quiero dejar esta frase que veo pertinente: “No mires al pasado, lo que cuenta es el presente. No hagas caso a la gente, haz lo que creas conveniente. Recuerda: no eres ni mejor ni peor... eres simplemente tú.”

María Victoria Pilares
3 de diciembre de 2017

Crítica: TALLER DE REPARACIONES

Hasta que la realidad te toca

“Existirá la justicia para quien lo necesita o uno tiene que tomarla con su propia mano”

Esta puesta en escena es muy fuerte para mi gusto, pero no por eso deja de ser interesante y realista. Obras como esta no solo buscan denunciar la violencia contra la mujer, pues buscan la reflexión de lo mal que va la sociedad y ayudan a tomar conciencia de las cosas que vemos o permitimos, para decir: ¡Basta ya! Es tiempo de actuar.

Historia tragicómica que inicia en el taller de Frank (Óscar López Arias), quien se encargará de reunir a sus dos amigos de la infancia, con el único fin de que lo ayuden a ponerle fin a un problema que lo atormenta. Pero todo se vuelve tenso con la visita inesperada de una cuarta persona, quien será el que traiga la manzana de la discordia en dicha reunión, una en la que a simple vista era una conversación de “patas”, en donde entre risas y bromas cuentan despectivamente sus hazañas de conquista y nos muestran cómo ven a la mujer: como un objeto sexual. Claro, ese tema entre hombres es de lo más gracioso, pero ¿qué pasa cuando uno de ellos se siente aludido por dicha conversación? ¿Será que siente culpa o solo intenta ser el más maduro del grupo?

La propuesta que presenta el director es muy compleja y a pesar de contar con un inicio lento, esta engancha. La conexión de los actores motiva a querer denunciar lo que pasa. Personalmente, quedé indignada y sentí impotencia por el dolor de un hombre de familia en dicha obra. El mensaje que rescato es el de tener cuidado con las cosas que podemos ver en internet y de qué cosas compartimos, ya que nadie está libre en esta vida.

Taller de reparaciones está escrita por John Pollono y dirigida por Diego Lombardi. La temporada se realiza en el Centro Cultural Ricardo Palma, hasta el 17 de diciembre 2017. La puesta en escena tiene como elenco a Oscar López Arias, Joaquín de Orbegoso, Daniel Neuman y Gabriel Gil. Los precios de las entradas: general S/40, estudiantes S/25; y jueves populares S/25. De venta en Teleticket y boletería del teatro.

María Victoria Pilares
3 de diciembre de 2017


viernes, 1 de diciembre de 2017

Evento: PREMIACIÓN "OFICIO CRÍTICO 2017"

"El ser se vuelve humano cuando descubre al teatro." (Augusto Boal)

Martes, 26 de diciembre 7:30 pm en el Teatro Auditorio Miraflores (Av. Larco 1150 Sótano). Entrada libre, capacidad limitada.

Por séptimo año consecutivo, OFICIO CRÍTICO propone un compartir para todos aquellos que se dedican a las artes escénicas en nuestra ciudad capital, con el único propósito de reconocer y celebrar aquellas obras y artistas que sobresalieron por su profesionalismo y calidad sobre el escenario limeño. Esa es y será siempre la principal razón para la realización de este evento.

Entraron en la clasificación los montajes que tanto OFICIO CRÍTICO como sus gentiles colaboradores consideraron pertinentes para hacerles una mención y que alcanzaron a ver desde finales de noviembre del año pasado hasta la quincena de noviembre (aproximadamente) del 2017.

Se entregarán distinciones especiales para cada terna: MEJOR MONTAJE, DIRECCIÓN, ACTOR, ACTOR DE REPARTO, ACTRIZ y ACTRIZ DE REPARTO, tanto para las categorías de Drama y de Comedia/Musical. El público podrá votar virtualmente a través de la encuesta publicada en el blog; como también OFICIO CRÍTICO dará su propio veredicto durante el evento. Además, se concederá el premio de Dramaturgia SARA JOFFRÉ para la MEJOR OBRA PERUANA ESTRENADA EN EL 2017. La encuesta se cierra el VIERNES 22 DE DICIEMBRE.

COMEDIA/MUSICAL

En esta categoría participan por el mejor montaje: “¿Qué tiene Miguel?” de César Vera; “El país de la canela” de Alonso La Hoz; “El primer caso de Black & Jack” de Manuel Gold, Jely Reátegui, Cesar García y Paloma Reyes de Sá; “Esperando a Godot” de Samuel Beckett; “La pícara suerte” de Leonidas Yerovi;  “Salvador” de Federico Abrill, Alexa Centurión y Eduardo Ramos; “Tu madre, la Concho” de Ángelo Condemarín; y “Un país tan dulce” de Celeste Viale Yerovi. Entre los trabajos de dirección destacaron Carol Hernández y Paloma Reyes de Sá por “Armando equipaje”; Cecilia Cruz por “Luciérnagas”; Diego La Hoz por “El país de la canela”; Fito Bustamante por “¿Qué tiene Miguel?”; Mateo Chiarella por “La pícara suerte”; Omar Del Águila por “Esperando a Godot”; Paola Vicente por “Tu madre, la Concho”; y Sergio Anchiraico “Penúltima comedia inglesa”.

Resaltaron entre los actores, los trabajos de César García por “Armando equipaje”; Emanuel Soriano por “El plebeyo”; José Dammert y Pold Gastello por “La pícara suerte”; Karlos López Rentería, Javier Quiroz y Ramón García por “El país de la canela”; Manchi Ramírez por “Sírvase un payaso 2”; Manuel Calderón, Juan José Oviedo y Percy Velarde por “Esperando a Godot”; Mario Velásquez y Juanjo Espinoza por “Parientes lejanos”; Alonso Cano por “Puente”; Lucho Ramírez por “Oda a la luna”; Marcello Rivera por “Ciudad cualquiera”; Mikhail Page por “Fragmentos”; y Renato Medina por “Un país tan dulce”.

Entre las damas, destacaron las interpretaciones de Andrea Aguirre y Angélica Iturbe por “El plebeyo”; Claudia Alecchi por “Luciérnagas”; Claudia Dammert por “Tu madre, la Concho”; Ella Sánchez por “Ña Catita”; Jely Reátegui por “El primer caso de Black & Jack”; Mayella Lloclla y Lilian Nieto por “La pícara suerte”; Ursula Kellenberger por “Penúltima comedia inglesa”; Ximena Arroyo por “Esperando a Godot”; Carolay Rodríguez por “¿Qué tiene Miguel?”; Eliana Fry García-Pacheco por “El país de la canela”; Laly Guimarey y Lorena Rodríguez por “Un país tan dulce”; Montserrat Brugué por “Oda a la luna”; Paola Vera por “Los macabros secretos de Maricastaña”; Sonia Seminario por “Tu madre, la Concho”; y Verony Centeno por “Parientes lejanos”.

DRAMA

Alcanzaron excelente resultados los montajes de “Casa de perros” de Juan Osorio; “Curandero” de Ricardo Delgado; “El arcoíris en las manos” de Daniel Fernández; “El vuelo de los olvidados” de Paris Pesantes; “Financiamiento desaprobado” de Tirso Causillas; “Pulmones” de Duncan Macmillan; “Recuerdos con el señor Cárdenas” de Patricia Romero; y “Yerovi, vida y muerte de un pájaro cantor” de Celeste Viale. Los directores destacados en esta categoría son Claudia Tangoa por “Ñaña”; Dusan Fung por “El arcoíris en las manos”; Jorge Chiarella por “Yerovi, vida y muerte de un pájaro cantor”; Jorge Villanueva por “Casa de perros”; Martín Medina por “NN12”; Nani Pease por “Financiamiento desaprobado”; Norma Martínez por “Pulmones”; y Ricardo Delgado “Curandero”.

Entre los caballeros, realizaron un extraordinario trabajo sobre las tablas Alaín Salinas por “Personas no humanas”; Augusto Montero por “Curandero”; Francisco Cabrera por “Dramatis Personae”; Janncarlo Torrese y Paul Ramírez por “Yerovi, vida y muerte de un pájaro cantor”; Miguel Dávalos, Eduardo Ramos y Miguel Álvarez por “El arcoíris en las manos”; Osvaldo Cattone por “El padre”; Renato Rueda por “Pulmones”; Sergio Armasgo por “Un chico de Bosnia”; Abel Enríquez por “Rastros”; Alberick García por “Pájaro en llamas”; Alfredo Carreño por “Casa de perros”; Beto Benites y Julián Vargas por “La hija de Marcial”; Carlos Victoria por “Financiamiento desaprobado”; y Lolo Balbin por “Recuerdos con el señor Cárdenas”.

Las actrices en esta categoría destacaron por sus logrados personajes: Daniela Rodríguez por “Vergüenzas: Cajamarca, 1953”; Ethel Requejo por “La alondra”; Fiorella Pennano por “Pulmones”; Haydeé Cáceres por “Canción de cuna para un anarquista”; Kelly Esquerre por “La hija de Marcial”, Natalia Bonifaz por “Rastros”; Rebeca Ráez por “La piedra”; Vanessa Vizcarra por “Una relación pornográfica”; Ana Lucía Pérez por “El último verano”; Andrea Chuiman por “Un chico de Bosnia”; Andrea Montenegro por “El vuelo de los olvidados”; Claudia Berninzon por “El proyecto Laramie”; Denise Arregui y MaCla Yamada por “Las mujeres de los nazis”; Leticia Narvarte por “NN12”; Mariajosé Vega y Tatiana Espinoza por “El arcoíris en las manos”; y Stephany Orúe por “Luz de gas”.

Reconocimientos especiales y colaboradores

Así como ESPACIO LIBRE, ÓPALO, CUER2, TEATRO DE LA RESISTENCIA, EUREKA TEATRO y PUESTA, este año recibirá un merecido homenaje por su trayectoria artística de casi ocho décadas, la ASOCIACIÓN DE ARTISTAS AFICIONADOS (AAA). También recordaremos a las personalidades del teatro que nos abandonaron este año.

Así como en años anteriores, me apoyan para la elaboración de las ternas y la elección final, colegas críticos a los cuales agradezco de corazón por sus sugerencias: MARÍA VICTORIA PILARES, STEFANY OLIVOS, MARÍA CRISTINA MORY, BRYAN URRUNAGA, EDER GUARDA, PEPE SANTANA, SUSANA ANAVITARTE, PERCY ENCINAS y los colegas de CRÍTICA TEATRAL SANMARQUINA.

La cita, repetimos, es el MARTES 26 DE DICIEMBRE A LAS 7:30 pm, en el acogedor TEATRO AUDITORIO MIRAFLORES.

¡Los esperamos a todos!

Sergio Velarde
1° de diciembre de 2017

Temporada: EL OTRO LADO

Del 11 de noviembre al 11 de diciembre

Se presenta en el Auditorio AFP INTEGRA del MALI hasta el 11 de diciembre.

Primer Acto. Asociación cultural y el Museo de Arte de Lima presentan El otro lado.
Escrita por Jimena Ortiz de Zevallos y dirigida por Carlos Mesta. Las entradas se pueden adquirir en Teleticket y en la boletería del MALI.

La obra nos introduce al mundo de los personajes de una obra teatral. El protagonista, Rodrigo, alienta a los demás personajes a dejar el Otro Lado donde habitan, para rebelarse contra Lucrecia, la autora, por haber cambiado el tema central de la obra, en su búsqueda de lograr la fama que tanto ansía. Los personajes, liderados por Rodrigo, harán todo lo posible para impedirlo. ¿Lo conseguirán?

A través de este planteamiento, la obra formula preguntas como ¿Es el autor el verdadero creador de su obra? ¿Qué es lo que impulsa a un artista a crear una obra, el reconocimiento o la búsqueda de la verdad? ¿Se escribe para o se escribe porque?

El elenco está conformado por Giselle Collao, José Dammert, Marinés Soria, José Antonio Buendía, Mauricio Pappi, Antonella Gallart, Luis Cárdenas Natteri y cuenta con la participación especial de Carlos Victoria. La obra se presentará en el Auditorio AFP Integra del MALI (Paseo Colón 125, Parque de la Exposición, Lima 1), con funciones los viernes, sábados y lunes a las 8:00 p.m. y domingos a las 7:00 p.m. Lunes populares. Entradas a la venta en Teleticket y en la boletería del MALI.

EL OTRO LADO

Lugar: Auditorio AFP Integra del MALI (Paseo Colón 125, Parque de la Exposición, Lima 1)
Temporada: del 11 de noviembre al 11 de diciembre de 2017
Funciones: viernes, sábados y lunes, 8:00 p.m.; domingos, 7:00 p.m.
Precio: General: S/ 30.00. Estudiantes, adultos mayores y miembros del  Programa Amigos del MALI (PAM): S/ 15.00 | Lunes populares: S/ 15.00
Preventa: S/ 15.00 hasta el 10 de noviembre.
Venta de entradas: en Teleticket y en la boletería del MALI
Web MALI: www.mali.pe
*Precio no incluye comisión de Teleticket (2 soles).

Crítica: VOLÁTIL

Lo que Volátil nos dejó

El renovado local del cine José Olaya de Chorrillos fue intervenido por un espectáculo que mezcla danza, teatro y elementos de circo contemporáneo: Volátil, una propuesta nueva y contundente en las tablas limeñas. Esta representación constituye la muestra de un proceso creativo a cargo de la Compañía “Sin Tiempo”, cinco artistas entre bailarines y actores, bajo la dirección de Ana Chung, quienes nos muestran una sincera respuesta a aquellas recurrentes preguntas y sensaciones que todos tenemos en algún momento de nuestra vida: la búsqueda del equilibrio, el miedo a perder la estabilidad, la necesidad de razones para seguir luchando, y un largo etcétera.

Volátil está compuesto por una serie de momentos conectados a través de la música, un elemento determinante dentro de este montaje, debido a que tomaba el papel de narrador e hilo conductor de toda la representación. La técnica de la danza contemporánea y la del teatro físico se fusionaron en esta ocasión, dando ejemplo – una vez más – de que no hay por qué separar ambas disciplinas para fines creativos. Los cinco artistas lograban funcionarse y segregarse atinadamente como un gran engranaje vivo, activo.  La elección de los vestuarios fue un elemento que particularmente me sirvió para crear empatía con el elenco: ropa simple, con estilo y cómoda que me llevaba directamente a una imagen de humildad y sinceridad del espectáculo. Definitivamente la elección del espacio fue crucial, pues Volátil hubiese podido ser una obra totalmente diferente en otro lugar. Fue agradable ver el nivel de compañerismo con el otro que cada artista mostraba: en una obra llena de momentos de alto riesgo, el cuidado entre los actores volvió incluso más “humano” el espectáculo, alejándose por completo de ser un montaje lleno de adornos y virtuosismo ensimismado. Los movimientos poseían una serie de matices y calidades de energía propias de una partitura corporal sensible y notoriamente trabajada a fondo: se notó una apropiación del espectáculo en ese sentido. A pesar de esto, en algunos momentos del espectáculo los matices desaparecían, ya sea en el movimiento o en la expresión de los rostros de los artistas: a veces notaba que sus cuerpos estaban en una sintonía distinta a la de sus expresiones; incluso la mirada de algunos de ellos se perdía en algunos momentos, un detalle que me desconectaba de la obra, pues provocaba que  el recurso de los desplazamientos por el espacio agote por momentos.

Este montaje no cuenta una historia como clásicamente se suele esperar. Volátil es una muestra de sensaciones como resultado de una búsqueda conjunta. Es una propuesta interesante de ver por el hecho de que se utilizan técnicas diferentes de representación al servicio de los artistas en escena. Rescato definitivamente el hecho de simplemente lanzarse a hacer un espectáculo de este tipo en un mercado teatral tan inocente como el limeño. Rescato y agradezco que Volátil sea una invitación a apreciar otros medios de expresión además de la palabra hablada, a poner a prueba nuestra sensibilidad.

Stefany Olivos
1° de diciembre de 2017

Reestreno: UN CHICO DE BOSNIA

ÚLTIMA TEMPORADA DE LA OBRA TEATRAL

Escrita por Ad de Bont y dirigida por Felien De Smedt
PRECIO A 15 SOLES HASTA EL 10 DE DICIEMBRE EN ATRÁPALO

TEMPORADA: del 7 al 17 de diciembre de jueves a domingo a las 8:00 p.m.
DRAMATURGIA: Ad de Bont
DIRECCIÓN: Felien De Smedt
ELENCO: Sergio Armasgo, Jorge Armas, Katya De los Heros y Andrea Chuiman
LUGAR: Teatro de Cámara del Centro Cultural El Olivar
DIRECCIÓN: Calle La República 455, San Isidro
Entrada General: S/.30.00 nuevos soles
Estudiantes y jubilados: S/.20.00 nuevos soles
Entradas a la venta en la boletería del teatro una hora antes de función

Luego de sus presentaciones en el Centro Cultural Ricardo Palma y el Lugar de la Memoria, la Tolerancia y la Inclusión social (LUM), vuelve a los escenarios, por última vez, la obra UN CHICO DE BOSNIA bajo la dramaturgia del holandés Ad de Bont y la dirección de Felien De Smedt. El montaje, bajo la producción de Idea Original, se estrenará el día jueves 7 de diciembre a las 8:00 pm en el Teatro de Cámara del Centro Cultural El Olivar.

En UN CHICO DE BOSNIA, Djuka y Fazila son refugiados bosnios y están aquí para contarte su historia; suya y la de su sobrino, Mirad, un joven de 13 años que encarna a las víctimas de la violencia de un país en guerra. Una historia penosamente actual y universal que, con una hermosa carga poética y una narrativa elocuente, nos muestra cómo los horrores de la guerra afectan a los inocentes. Si bien está enmarcada en la guerra interna de Bosnia de los años ‘90, las matanzas, las desapariciones, los campos de prisioneros, los refugiados entre otros son elementos comunes de las guerras de todos los tiempos y lugares. Mirad, el protagonista, representa a todas esas personas que, víctimas inocentes de una guerra, se ven obligadas a huir para garantizar su sobrevivencia.

Los invitamos a ser parte de esta obra, que nos invita a la reflexión y rechazar cualquier idea de conflicto armado y para entender cómo un ser humano, en su lucha por la vida, es capaz de adaptarse a condiciones crueles e inhumanas y recuperar su vulnerabilidad.

UN CHICO DE BOSNIA- CIERRE DE TEMPORADA 2017
Entrada General: S/.30.00 nuevos soles
Estudiantes y jubilados: S/.20.00 nuevos soles
PRECIO A 15 SOLES HASTA EL 10 DE DICIEMBRE EN ATRÁPALO
Entradas a la venta en la boletería del teatro una hora antes de función.

martes, 28 de noviembre de 2017

Estreno: PAREJA ABIERTA

De Dario Fo y Franca Rame

Lunes y martes de diciembre (04, 05, 11 y 12)

Cuando su estabilidad pende de un hilo, el esposo de un típico matrimonio propone tener una “relación abierta”, vendiéndola como la solución a todos sus problemas de convivencia. Sin embargo, no todo es color de rosa cuando él descubre que su mujer ya conoció a alguien especial.

PAREJA ABIERTA es una comedia negra en donde se exploran temas presentes desde el inicio en las relaciones de pareja. Como la estabilidad emocional, las apariencias y sobre todo los celos; y hasta donde estos aspectos pueden llegar a afectarnos de manera individual y colectiva.

Este montaje se da dentro del marco de la última promoción de la carrera de Artes de la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la PUCP. La alumna de 10mo ciclo, Marcela Arbulú encabeza el proyecto en la dirección general y la gestión, apoyada por la egresada Alessa Guerrero en la dirección adjunta y la producción ejecutiva. La propuesta de estas jóvenes invierte los roles de los personajes. Retando a sus actores; la recordada Úrsula Kellenberger (Estás Igual-2016) y el joven actor, Urías Santillán (Un mar de mieles-2017) a representar un rol opuesto que les da nuevos retos y nuevas herramientas para crear sus personajes. Con esto, las directoras proponen que se apoya a un discurso de igualdad, además de la cuota de humor que trae ver a un hombre pasando por los estereotípicos “dilemas” de una mujer y viceversa.

PAREJA ABIERTA se presentará de manera gratuita en la CAJA NEGRA del Campus PUCP y tendrá una corta temporada de cuatro funciones.

Ficha Técnica
Dirección general: Marcela Arbulú Curotto
Dirección Adjunta: Alessa Guerrero
Producción Ejecutiva: Alessa Guerrero
Elenco: Úrsula Kellenberger y Urías Santillán
Diseño Gráfico: Jenifer Jurupe
Fotografía: Alessa Guerrero

Funciones 04, 05, 11 12 de Diciembre
Lugar: Caja Negra PUCP (Av. Universitaria 1801)
Entrada Ingreso libre por puerta principal del campus (Av. Universitaria), indicar nombre del evento.

Contacto: Alessa Guerrero-productora
972702577

parejaabierta.proyecto@gmail.com

lunes, 27 de noviembre de 2017

Estreno: FIESTA DE PROMOCIÓN

Sala Ricardo Roca Rey de la Asociación de Artistas Aficionados

Jr. Ica 323, costado del Teatro Municipal - Lima.
Teatro: “Fiesta de Promoción” basado en el acto 1 de "Quieres estar conmigo" de Roberto Ángeles y Augusto Cabada y “Promoción” de Aldo Miyashiro, 18 actores en escena. Escrita y dirigida por Emilio Berrocal. Asistente de dirección: Rafael Mora.

Día: Miércoles 29 de noviembre
Hora: 8:00pm.
Entrada general: S/.20 - Estudiantes: S/.15 - Preventa: S/ 15

La gente joven está convencida de que posee la verdad. Desgraciadamente, cuando logran imponerla ya ni son jóvenes ni es verdad. “Jaume Perich”
Es la fiebre de la juventud lo que mantiene al resto del mundo a la temperatura normal. Georges Bernanos

¿Recuerdas tu vida en el colegio? “Fiesta de promoción“, obra de teatro escrita por Emilio Berrocal, te trasladará de nuevo a aquel último año en un salón de clases en donde un grupo de adolescentes, en plena dictadura militar en el Perú de 1978, desean fervientemente hacer cambios estructurales en una sociedad inmersa en un proceso de transición sociopolítica. La misma que no está ajena a los problemas de nuestra realidad actual.

En esta búsqueda de cumplir sus sueños, encontrarán el amor y la amistad; así como valores que los llenarán de ilusiones y alegrías, como fracasos, frustraciones y llanto en medio de una sociedad compleja en la que conocerán la realidad que no siempre es la que soñaron. Es en esta etapa de sus vidas donde se forman como personas exitosas o eternos fracasados, es la fase donde vivirán las experiencias que los marcarán de por vida.

Esta pieza teatral está basada el primer acto de “Quieres estar conmigo” obra que se ha convertido en un clásico del teatro peruano, escrita por Augusto Cabada (guionista de 'La boca del lobo' y 'Caídos del cielo') y por el destacado director teatral Roberto Ángeles, así como “Promoción” de Aldo Miyashiro, obra que trata las vivencias transcurridas en la época escolar, entre ellas el amor, las burlas, el bullying, la timidez, y la búsqueda de la identidad sexual y que pretende retratar con sutil realismo los conflictos propios de esta etapa de la vida.

Miércoles 29 de noviembre. Hora 8:00 pm. Teatro de la Triple A. Jr. Ica 323 Cercado de Lima. Entradas General 20 soles. Estudiantes y actores: 15 soles 

El elenco está conformado por un grupo diverso entre jóvenes actores del último año de la carrera de actuación de la Escuela Nacional de Arte Dramático, así como de jóvenes promesas que a pesar de su corta edad tienen ya una lograda experiencia en diversas obras y musicales puestos en escena en la ciudad de Lima.

Alioska Saldaña Guzmán, Álvaro Zubiaurr Yacsahuache, Fabián Moschietti Rodriguez, Fátima Romero Telenta, Francesca Berrocal Mazzi, Gabriela La Hoz Sánchez, Giacomo Ossio Rojas, Sebastián Berrocal Huamán, Stefano Amar Trujillo, Héctor Montoya Vargas, Osmar Orihuela Tacuri, Paloma de Abril Berrocal Mazzi, Paolo Muñoz Hernández, Sandra Demarini Valdiviezo, Mercedes Ortiz Mesta.

Ficha técnica:
Director: Emilio Berrocal Díaz
Asistente de dirección: Rafael Martín Mora
Escenografía: Andrea Valdez
Diseño de Luces: Jorge Luis Rodriguez
Coreografía: Daliz Acosta de la Borda
Música y coros: Luis Alberto Huallanca
Fotografía y diseño: Jorge Ñiquen
Edición de video: Javier Santivañez
Publicidad en redes: Lulú Santivañez

Estreno: PAÍS DE OTROS

Creación colectiva dirigida por Mario Ballón

Estreno: jueves 30 de noviembre a las 8:30 pm

La especialidad de Artes Escénicas de la Facultad de Comunicaciones de la PUCP, espacio de formación de muchos de los profesionales que hoy son referentes del quehacer teatral, cierra sus puertas este año para seguir su camino en la facultad del mismo nombre. Así, los miembros de la última promoción de dicha especialidad presentarán su proyecto final de carrera: PAÍS DE OTROS, creación colectiva bajo la dirección de Mario Ballón. Su corta temporada solo serán ocho únicas funciones desde el jueves 30 de noviembre a las 8:30 pm en el Teatro Ensamble en Barranco.

PAÍS DE OTROS nos presentará a cuatro jóvenes nacidos en la década de los noventa quienes resolverán qué hacer y cómo actuar en el país en el que les ha tocado vivir a partir del legado social y político que sus padres y abuelos les han heredado. El escenario se tornará un espacio de encuentro donde estos artistas encarnarán sus propias vivencias y memorias familiares. Así, el diálogo entre estas cuatro voces los llevará a la  reflexión sobre sus propios papeles como seres humanos y ciudadanos encargados de seguir construyendo este País de Otros.

Para los Jefes de proyecto final –Alonzo Aguilar, Darling Salazar, Mariapía Condorchúa y Andrea Valdivia G.- “decidimos realizar una creación colectiva porque queríamos investigar, a partir de cuatro voces diferentes, cómo es que hemos aprendido a entender a nuestro país y cómo ello nos condiciona a enfrentar al mismo desde una determinada posición. Queremos ver cómo aquello que sobreentendemos acerca del Perú se contradice, o no, con la realidad que observamos día a día. Nos planteamos que los rasgos heredados de la generación de nuestros padres, como la percepción hacia determinadas posturas políticas y la forma de relacionarnos con distintos grupos sociales, que evidentemente han condicionado nuestra percepción sobre cómo vivir en nuestra sociedad, resultan incongruentes cuando las enfrentamos con la realidad que vivimos ahora como jóvenes adultos: no calzan. Dichos rasgos se afianzaron en ellos, creemos nosotros, durante el convulsionado contexto social y político que vivieron ellos desde sus primeros años de madurez, el cual se inserta dentro de la peor crisis de nuestro país en el siglo XX (crisis económica y guerra interna). Así, hemos corroborado que esta herencia entra en conflicto con la realidad a través de nuestra experiencia personal; la cual también atraviesa a nuestra generación inmediata, es decir, a aquellos que han compartido nuestras características socioeconómicas y culturales durante su infancia y adolescencia. A ellos queremos hablarles”.

PAÍS DE OTROS - PROYECTO FINAL DE ARTES ESCÉNICAS
Lugar: Teatro Ensamble
Dirección: Av. Bolognesi 367, Barranco
Funciones: del 30 de noviembre al 10 de diciembre, de jueves a domingo
Hora: 8:30 p.m.

Entrada General: S/30 nuevos soles
Entrada Estudiantes y jubilados: S/20 nuevos soles
PREVENTA HASTA EL 29 DE NOVIEMBRE
Precios de Preventa
Entrada General: S/25 nuevos soles
Entrada Estudiantes y jubilados: S/15 nuevos soles
Venta de entradas en la boletería del teatro una hora antes de la función

Kitty Bejarano / Rpm #998934590 / 9517-10071 (RPC)
Prensa y difusión de la Obra