martes, 29 de noviembre de 2016

Estreno: DESHUESADERO

OBRA GANADORA DE SALA DE PARTO 2014

DE CARLOS GONZALES VILLANUEVA Y DIRIGIDA POR FERNANDO CASTRO
Estreno: viernes 2 de diciembre a las 8:00 pm

La Compañía de Teatro Físico, en coproducción con Sala de Parto, presentarán la obra teatral ganadora del Festival Sala de Parto 2014: DESHUESADERO (obra para adultos) bajo la autoría de Carlos Gonzales Villanueva y dirigida por Fernando Castro con un notable elenco. Su corta temporada arranca el viernes 2 de diciembre a las 8:00 pm en el Teatro Ricardo Blume. La preventa de entradas ya está a la venta vía Papayapass hasta el día del estreno.

DESHUESADERO nos cuenta la historia de Esteban, un joven con evidentes problemas para incorporarse a un mundo que le resulta hostil. Se encuentra abrumado por su incompetencia para ejercer el más difícil de los oficios: el de ser humano, en medio de una sociedad pragmática y resultadista. Pero una entrevista de trabajo podría cambiar el rumbo de su vida.

SALA DE PARTO es el programa de nueva dramaturgia del Teatro La Plaza que busca estimular el nacimiento, edición y puesta en escena de nuevas obras teatrales peruanas. A través de una convocatoria abierta, selecciona obras de autores nacionales contemporáneos para que sean trabajadas con los más destacados directores y asesores del medio, acompañando a los dramaturgos hasta la última etapa del texto: su montaje profesional.

Para coordinaciones de prensa comunicarse con la productora ejecutiva Gina Guerrero Pflücker
Teléfono 991160415
Correo electrónico ggpflucker@hotmail.com

Reestreno: CRUZAR LA CALLE

Viernes, sábados y domingos desde las 20.00 horas

Del 2 al 18 de diciembre el Centro Cultural de la Universidad de Lima pondrá en escena, en el Teatro Central, la obra Cruzar la calle, escrita por Daniel Amaru Silva y dirigida por Carlos Tolentino. El montaje se presentará los viernes, sábados y domingos a las 20.00 horas y cuenta con las actuaciones de Stephanie Enríquez, Julián Legaspi, Elsa Olivero, Rolando Reaño y Alaín Salinas. El ingreso es libre, pero los interesados deben reservar sus entradas en la web del Centro Cultural: www.centroculturalulima.com.

Una cita con la voz de Lima
En esta creación teatral las historias de cinco personajes se entrelazan a partir de un hecho fortuito y desde entonces nada vuelve a ser lo mismo en la cabeza de Tito (Alaín Salinas), un sensible chico que no consigue olvidar el acontecimiento del que fue testigo. La sensación que este suceso le genera, la cual él mismo no sabe explicar, lo lleva a buscar a los implicados en el hecho. Un evento imprevisto pasa así a ser el detonante de acontecimientos que no solo van uniendo vidas inconexas, sino que las enfrenta unas a otras.

Daniel Amaru Silva, dramaturgo y autor de Cruzar la calle, ha escrito una profunda obra que incluye personajes únicos y a la vez icónicos de una urbe, y desarrolla una historia coral donde el peso argumental recae en la ciudad en la que habitan… o, mejor dicho, que los habita. Lima es la protagonista en la sombra, la fuerza que mueve los hilos de unos personajes que en el escenario son sus títeres involuntarios. A ellos les queda poco por hacer. Y casi tampoco tienen algo que decir, porque, usualmente, sus voces dejan de ser individuales para convertirse en una expresión colectiva, la voz de Lima. Lima habla en ellos, Lima habla por ellos.

Acceso a un espacio envolvente
La mano de Carlos Tolentino, director de la obra, se evidencia con una puesta en escena alejada del realismo tradicional, donde la escenografía se posiciona como un elemento más simbólico que funcional. El director opta por la deconstrucción de la obra y se decide por un montaje que “hace visible el lugar de la palabra y el acto de la enunciación”, según sus propias palabras, en contraste con el resto de elementos escénicos. Su propuesta crea, así, un espacio envolvente que sumerge al espectador en la historia de principio a fin.

Datos generales
Lugar: Teatro Central de la Universidad de Lima (Av. Javier Prado Este cuadra 4600, Santiago de Surco. Ingreso por avenida Cruz del Sur).
Temporada: del 2 al 18 de diciembre.
Días y hora: viernes, sábados y domingos a las 20.00 horas

sábado, 26 de noviembre de 2016

Crítica: ENTRE DOS PUERTAS

Nada nuevo en la sala de espera

Acaso uno de los tópicos más recurrentes en el teatro sea la exploración de lo que sucede más allá de la muerte. Uno de los textos más interesantes que abordaron este tema fue sin duda A puerta cerrada (Jean-Paul Sartre, 1944), un brillante drama de solo tres personas, cobardes y culpables, encerradas en una habitación después de morir, mientras una de ellos musita: “El infierno son los otros". Otras puestas en escena de estreno reciente mostraron características dramáticas similares, cada una con diferentes propuestas y resultados: en la excelente Un verso pasajero (Gonzalo Rodríguez Risco, 1996) y en la saturada Japón (Víctor Falcón, 2014), sus respectivas familias disfuncionales protagonistas, afectadas por el estado de coma de uno de sus miembros, se derrumban psicológicamente, revelando secretos y frustraciones; en la predecible El pórtico del cielo (Román Sarmentero, 2013) y en la surrealista y discreta Me toca ser el nene esta noche (Cristian Lévano, 2015), diversos personajes se encuentran en una especie de limbo celestial: algunos eternamente y otros, solo de pasada; y este año, la antológica Luz oscura (Gonzalo Rodríguez Risco y Julia Thays, 2015) también nos mostró a una antigua estrella de televisión debatiéndose entre la vida y la muerte en el hospital luego de un accidente.

Pues bien, siguiendo la misma temática, llegó al escenario de Asociación Cultural Campo Abierto de Miraflores la pieza Entre dos puertas de Anahís Beltrán, ganadora de Sala de Parto 2014 con el título Segunda oportunidad y curiosamente dirigida por Manuel Trujillo, el mismo de El pórtico del cielo. La trama de Entre dos puertas involucra a cuatro mujeres y dos hombres de diferentes edades y condiciones, que aparecen en una misteriosa sala de espera acondicionada con unas cuentas sillas y con dos puertas a cada extremo: una de ellas lleva a la eternidad y la otra, al mundo real. Como era de esperarse, cada personaje encierra varios secretos que poco a poco van revelando, incomodando al resto hasta encontrar su destino final, pero nunca generando aquel "infierno" entre ellos. El joven pero experimentado Trujillo busca mantener la tensión en escena, utilizando los pocos recursos con los que cuenta el espacio, a pesar de lo previsible que puede resultar el texto que trabaja.

A pesar de ser una producción de Sala de Parto, el diseño artístico luce demasiado sencillo, como por ejemplo, aquella tela algo transparente al fondo que no consigue darle la blancura total que debería tener el espacio. Por otro lado, el buen elenco de actores (que incluye a la veterana Delfina Paredes, la joven Brigitte Jouanette y los competentes Natalia Torres, Antonio Aguinaga, Michella Chale y Juan José Espinoza) saca adelante sus respectivos personajes lo mejor que puede, a pesar de notarse un irregular desarrollo dramático en algunos, especialmente en el de Chale. Entre dos puertas de Anahís Beltrán, a pesar de deparar alguna que otra sorpresa en su texto, no ofrece nada particularmente nuevo que logre mantener el interés de un tema visto hasta la saciedad y que puede parecer hasta trillado.

Sergio Velarde
26 de noviembre de 2016

viernes, 25 de noviembre de 2016

Estreno: CUENTOS DE AMOR Y DESAMOR

Un conjunto de micro obras acerca del amor y las relaciones

En esta oportunidad Teatro de Lima se complace en presentar el estreno de la obra: “Cuentos de Amor y Desamor”, un conjunto de micro obras acerca del amor y las relaciones. La obra será dirigida por el destacado y experimentado director Raúl Loayza-Espichán y contará con la participación de las actrices: Leslie Guillén y Airam Galliani.

Cuentos de Amor y Desamor son un conjunto de cinco obras cortas en las que sus particulares personajes se sumergirán en lo más profundo de sus emociones abriendo puertas, que, sin saber, generarán cambios en ellos y en los otros. Las obras tienen un hilo conector llamado amor, poniendo en escena obras como 'Te extraño' de David Auburn, 'El interrogatorio’ de Murphy Guyer, 'Sorpresa’ de Mark Harvey Levaine, ‘Conversa' de Mario Benedetti y 'Apuesta segura' de David Ives.

FICHA TÉCNICA
Dirección: Raúl Loayza-Espichán
Actúan: Airam Galliani, Leslie Guillen, Antonella Carvajal, Javier Collao, Henry Herrera, Andrea Jacobs, Helen Dominguez, Geraldine Navarro, Pedro García, Marilia Teixeira, Valeria Espinosa.

Temporada: Del 4 al 18 de diciembre.
Lugar: Teatro Mocha Graña, Av. Sáenz Peña 107 - Barranco
Horario: viernes, sábados y domingos a las 8:00 pm.
Entradas: En Teleticket de Wong y Metro y en la boletería del teatro - General: S/.30.00 nuevos soles.

miércoles, 23 de noviembre de 2016

Estreno: DIVORCIADAS, EVANGÉLICAS Y VEGETARIANAS

MONTAJE FINAL DE LA ESCUELA DE ARTES ESCÉNICAS DE LA UNIVERSIDAD CIENTÍFICA DEL SUR

Héctor Cabrera y Fabiana Herrera L., artistas  escénicos próximos a egresar de esta escuela fundan TUERCA teatro y presentan este proyecto

Director: Hector Cabrera
Dramaturgo: Gustavo Ott (Venezuela)
Elenco: Tracy Alcántara, Evelyn Cordero, Mehida Monzón.
Estreno: Domingo 04 de Diciembre del 2016
Funciones: Sábados y Domingos a las 4:00pm, del 4 al 18 de diciembre

Lugar / Direc.: Teatro Mocha Graña, Av. Saénz Peña 107 – Barranco
Venta y reserva de Entradas: tuercateatro.colectivo@gmail.com y/o en puerta del Teatro Mocha Graña el mismo día de Función, desde las  3:00pm
(General  S/. 20.00 ; Estudiante S/. 15.00 Pre venta S/. 15.00)

Divorciadas, Evangélicas y Vegetarianas, comedia escrita por el venezolano Gustavo Ott y ganadora del Premio Escenas a Mejor Obra en Panamá, ha sido un divertido éxito en distintos países de Latinoamérica y España. Hoy, es puesta en escena nuevamente en nuestro país bajo la producción de Tuerca Teatro, grupo teatral formado por  Héctor Cabrera y Fabiana Herrera, jóvenes artistas escénicos próximos a egresar de la Escuela de Artes Escénicas de la Universidad Científica del Sur.

Beatriz, divorciada y suicida en potencia. Gloria, vegetariana y dependiente emocional. Meche, evangélica y reprimida sexualmente.
Tres mujeres en estado delirante y catártico,que a través del humor y la complicidad femenina, entenderán que “La clave de la felicidad no se encuentra en Júpiter, ni tampoco en el demonio de lascivia, ni en Kim Bassinger sino en ellas mismas”.

Gustavo Ott (1963) nacido en Caracas, se ha desarrollado como Dramaturgo, Novelista, Traductor, Periodista y Director de sus propias obras teatrales. A día de hoy, ha escrito y traducido más de 40 piezas teatrales; ha recibido más de 20 reconocimientos a nivel nacional e internacional por su trabajo, entre los que destacan el Premio Isaac Chocrón 2015 (Venezuela), el VIII Premio de Textos Teatrales “Raúl Moreno” FATEX (España, 2012), 4ème Concours d’Écriture Théâtrale Contemporaine 2009/Prix Ville de Paris (Francia, 2009), Helen Hayes Award 2009/The Charles MacArthur Award for Outstanding New Play or Musical (EEUU, 2009) y siete premios Municipales César Rengifo de Teatro desde 1990 (Venezuela).

Para coordinaciones de prensa con el elenco o director comunicarse con los productores de la obra Tuerca Teatro al correo: tuercateatro.colectivo@gmail.com o al número de contacto Tlf: 943579386 con Fabiana Herrera Lévano, Productora ejecutiva.

Temporada: SOLTAR

ESTRENO DE CREACIÓN COLECTIVA EN LA CASA CULTURAL MOCHA GRAÑA

Un collage testimonial sobre nuestra dificultad para dejarte ir
Proyecto de Artes Escénicas de la PUCP de Creyser Donayre y Sergio Arias

SOLTAR: un collage testimonial sobre nuestra dificultad para dejarte ir. Cuatro actores, cuentan sus procesos de desapego amoroso, sus pérdidas, ganancias y, sobre todo, sus dudas. Soltar es una mirada hacia nosotros mismos en la que cuatro jóvenes actores llenarán al público de preguntas “¿por qué cuesta tanto?”, “¿por qué tenemos que?”, “¿hacia dónde tenemos que ir?”, “¿en dónde nos hemos quedado?”. Cada una de las historias pondrá en jaque a los personajes por ser hechos verosímiles: Entendemos menos de lo que creíamos entender. Este montaje desafía al espectador porque el desapego es un proceso que solo puede ejecutarse distanciándonos en el tiempo. Soltar es nuestro testimonio, es la bitácora de un viaje que inicia recién, el de entender la complejidad del otro.

La dramaturgia y asistencia de dirección están a cargo de Josué Castañeda, mientras que la asistencia de producción está a cargo de André Dávila, ambos estudiantes de la Facultad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú.

La temporada consta de  seis funciones, que se llevarán a cabo del 22 de noviembre al 8 de diciembre, martes y jueves a las 8 pm en el teatro de la Casa Cultural Mocha Graña.
Venta de entradas en la Boletería del teatro o al correo soltarproyectoaaee@gmail.com

SOLTAR: un collage testimonial sobre nuestra dificultad para dejarte ir
Dirección de Creyser Donayre
Producción de Sergio Arias
Dramaturgia de Josué Castañeda

TEMPORADA
General: S/. 25
Estudiantes y jubilados: S/. 20

Para más información comunicarse con:
Soltar - Producción Ejecutiva
Sergio Arias | 986 299 408 | sergio.arias@pucp.pe
André Dávila | 975 660 942| a20153476@pucp.pe

martes, 22 de noviembre de 2016

Crítica: EL ACTO

El suicidio como la rebelión del futuro

La obra “El acto” del dramaturgo mexicano Juan Carlos Valdez, nos coloca en un futuro (quizás no tan lejano) en dónde las prácticas democráticas han desaparecido y los hombres y mujeres viven en un estado de total control por parte del gobierno, control que incluye la vigilancia de conversaciones y actividades, llegando al punto de que, incluso, las profesiones y oficios son asignados desde el nacimiento y sin tener en cuenta deseos, sueños o talentos. Es decir, prácticamente el gobierno acabó con el libre albedrío del ser humano.

Ante esta situación extrema, los jóvenes de entre 15 y 25 años han encontrado una forma de rebelarse contra el sistema: el suicidio. Pero no es el simple acto de suicidarse lo que constituye la protesta, sino que lo han vuelto un fenómeno mediático, suicidándose masivamente en lugares públicos o volviendo suicidios individuales en virales en la red. De esta forma, suicidarse deja de tener como propósito el terminar con la vida para volverse, como dice el texto, “el acto con el que alguien deja su huella sobre la tierra y la humanidad, ante los ojos de todos para encontrar la trascendencia”.

Pues bien, en esta puesta producida por el Club de Teatro de Lima y dirigida por Jhosep “Josefo” Palomino (co-dirigió “Kapital” en el 2014), podemos llegar a sentir las sensaciones que una sociedad como la descrita provocaría en sus “víctimas”: hartazgo, rebeldía, miedo, y esto, gracias a una correcta puesta que optimiza sus recursos, y, como no, a la presencia de actores como Pold Gastello, Sheillah Gutiérrez y Omar del Águila, quienes dan el peso necesario a las escenas mejor acabadas de la obra.

Hay un par de escenas que son confusas y que no dejan del todo claro ni su mensaje ni su aporte a la trama. Lo malo es que una de ellas es la escena final, con lo que nos vamos con la sensación de habernos perdido de algo, o peor aún, que el montaje nos ocultó algo importante. Sin embargo, este problema surge del mismo texto, pero la dirección quizás pudo haber tomado alguna decisión para llenar dicho vacío.

De todas maneras, considero que “El acto” es una muy interesante oportunidad de ver a jóvenes actores, todos ellos talentosos, en su primer montaje profesional.

“El acto” va hasta el 11 de diciembre en el Teatro Auditorio Larco.

Daniel Fernández
22 de noviembre de 2016

Estreno: LA VIDA DEL EQUILIBRIO

Dirección y creación: Pachi Valle Riestra

ESTRENO: VIERNES 9 DE DICIEMBRE
TEATRO JUAN JULIO WICHT S.J. DE LA UNIVERSIDAD DEL PACÍFICO

EMPEZÓ LA PREVENTA

Pachi Valle Riestra regresa a los escenarios para dirigir, una vez más, una obra de su propia creación: La vida del equilibrio, la segunda de una trilogía que empezó a finales de 2015 en el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico. En esta oportunidad, Valle Riestra vuelve al mismo escenario acompañada de las bailarinas Ana Brito, Cory Cruz y Carola Robles.

En la puesta en escena antecesora, la autora recogió experiencias de mujeres que estaban cerca de cumplir los treinta años de edad, convocó a bailarinas coetáneas y plasmó con la danza situaciones que destacaban la energía intensa y polar propias de esa edad. A dicho espectáculo llamó Tita y Lola Lola y Tita.

En esta oportunidad, Valle Riestra trabaja de la mano con bailarinas una década mayores. El resultado de esta investigación y proceso ha generado situaciones de estabilidad, solidez, equilibrio, donde casi todo juega a favor de “echar raíces y cosechar frutos”. Sin embargo, salta una pregunta: ¿cuánto tiempo puede durar este estado, esta época?

Estos proyectos reafirman el interés de Valle Riestra por los temas relacionados a ser mujer en la sociedad actual. De una u otra manera, varias de sus obras han reflejado esa inquietud y han generado preguntas al respecto.

La obra se estrena el viernes 9 de diciembre a las 8:30 p.m. en el Teatro de la Universidad del Pacífico, ubicado en Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María. Las entradas se encuentran a la venta en Teleticket a partir del 11 de noviembre.

INFORMACIÓN IMPORTANTE
Estreno: viernes 9 de diciembre de 2016.
Funciones (solo cuatro funciones): viernes 9, sábado 10, domingo 11 y lunes 12 de diciembre a las 8:30 p. m.
Lugar: Teatro de la Universidad del Pacífico, ubicado en Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María.
Venta de entradas: Teleticket de Wong y Metro; y los días de función, en la boletería del teatro.
Inicio de preventa: viernes 11 de noviembre.

PRECIOS DE ENTRADAS Y PROMOCIONES:
Entrada general: S/. 35.00
Estudiantes / jubilados: S/. 15.00
Pre venta general: S/. 30.00

Para mayor información, contactarse con:
Carla Revilla | 971 448 388| carlarevilla@gmail.com
Rony López Mija | 947 158 956 | ronymija@gmail.com

lunes, 21 de noviembre de 2016

Estreno: LAS CRIADAS

Clásico del dramaturgo francés Jean Genet

Clara y Solange son dos hermanas que deben pasar sus días al servicio de una mujer a la que quieren y desprecian.

Cinco únicas funciones de lunes a miércoles, el 28, 29 y 30 de noviembre, y el 5 y 6 de diciembre a las 8 y 30 de la noche en la Asociación de Artistas Aficionados.

El clásico del dramaturgo francés Jean Genet: “Las Criadas”, llega al teatro de la Asociación de Artistas Aficionados (AAA), del centro de Lima, de lunes miércoles desde el 28 de noviembre a las 8 y 30 de la noche. El montaje aborda un texto clásico desde una propuesta no realista que nos invita a ver el mundo a través de los ojos de Clara y Solange, dos hermanas que deben pasar sus días al servicio de una mujer a la que desean y desprecian.

Cada noche que la patrona está ausente, ellas visten sus trajes e intercambian papeles en un juego en el que confunden realidad y fantasía. Sin embargo, un suceso inesperado amenaza con ponerlas en evidencia. “Las Criadas”, dirigida por Omar Del Águila y protagonizada por Mariapía Condorchua, Ximena de la Puente y Carolina Paullo, evidencia las dinámicas de opresión que se suelen ocultar en las relaciones de tipo servidor y servido. La puesta en escena habla de la desigualdad económica, social y laboral. La obra es resultado del curso de Proyecto Final de la Especialidad de Artes Escénicas de la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la PUCP.

“Las Criadas” va en cinco únicas funciones el 28, 29 y 30 de noviembre, y el 5 y 6 de diciembre a las 8 y 30 de la noche en el teatro de la AAA (Jirón Ica 323 – Centro de Lima). Las entradas están a la venta en la misma boletería a 20 soles (General) y 15 soles (Estudiantes).

Reestreno: EL DÍA EN QUE CARGUÉ A MI MADRE

CUATRO ÚNICAS FUNCIONES DE CREACIÓN ESCÉNICA MADRE - HIJA

DIRIGIDA POR PALOMA CARPIO VALDEAVELLANO
Del 24 al 27 de noviembre a las 8:00 pm en el CC. Ricardo Palma

Por solo cuatro funciones vuelve el espectáculo interdisciplinario EL DÍA EN QUE CARGUÉ A MI MADRE, proyecto que surgió por iniciativa y lleva a escena a Soledad Ortiz de Zevallos (hija) y Bernadette Brouyaux (madre). Bajo la dirección de Paloma Carpio Valdeavellano, se presentará en el Centro Cultural Ricardo Palma del 24 al 27 de noviembre a las 8:00 pm. Entradas a la venta por www.papayapass.com

EL DÍA EN QUE CARGUÉ A MI MADRE es una reflexión acerca de qué unió y continúa uniendo a una madre con su hija, ahora que son adultas: Una hija y su madre, cuentan su propia historia y ven en el reflejo de la otra la construcción de su propia identidad, remontando el hilo hasta la mujer anterior, la madre abuela que ya no está. El tiempo que transforma y deja marcas en el cuerpo las aleja pero también las acerca siendo sus habilidades y límites motivo de desafíos, retos y competencia. El tema de la identidad y del lugar de nacimiento de cada una, -Bruselas para la madre, Lima para la hija- está sutilmente presente, entrelazando los recuerdos y vivencias de Bélgica y Perú de cada una.

Debido a la expectativa que causó la temporada anterior, la directora Paloma Carpio Valdeavellano nos comenta: "tenemos muchos deseos de seguir compartiendo esta obra porque la respuesta del público ha sobrepasado nuestras expectativas. Recibir, al finalizar las funciones, el cariño de tantas personas que nos agradecen por recordarles lo necesario que es expresar lo que sentimos a las personas a las que le debemos la vida, es muy gratificante. Que el público se conmueva y sonría al conectarse con todo lo que moviliza la historia de madre e hija reales compartiendo el escenario, nos motiva a seguir impulsando este proyecto".

EL DÍA EN QUE CARGUÉ A MI MADRE – CUATRO ÚNICAS FUNCIONES
Horario: jueves a domingo a las 8:00 pm.
Dirección: Paloma Carpio Valdeavellano
LUGAR: Centro Cultural Ricardo Palma
DIRECCIÓN: Av. Larco 770, Miraflores
Elenco: Soledad Ortiz de Zevallos (hija) y Bernadette Brouyaux (madre)

Entrada general: S/.40.00 nuevos soles
Entrada estudiantes y jubilados: s/.20.00 nuevos soles
Preventa hasta el 23 de noviembre: S/. 30.00 nuevos soles

Entradas a la venta por Papayapass y en la boletería una hora antes de la función

domingo, 20 de noviembre de 2016

Crítica: CLAUSURA DEL AMOR

Se acabó el amor

El estreno en el Teatro Británico de Lima Laberinto XXI (2015) de Darío Facal, versión nacional de la original Madrid Laberinto XXI, fue un polémico espectáculo teatral, envuelto ciertamente con un virtuoso acabado visual y sonoro, pero que poco o nada contenía sobre la realidad limeña, dejando entrever que acaso las adaptaciones no eran el fuerte del dramaturgo y director español. Y es que en ese montaje, al inicio de la función, se podía apreciar un video sobre algunas de nuestras problemáticas capitalinas, pero que no eran tratadas ni por asomo en el escenario durante los esforzados monólogos de los seis talentosos actores. En todo caso, Facal admitió en su momento que para él “la incoherencia es liberadora”; es por ello que se podría justificar no solo algunos detalles menores, como la elección del “anti-afiche” para la obra, por ejemplo, sino el total despropósito que resultó su adaptación de la realidad madrileña a la nuestra. Pues bien, este año Facal arremete con una nueva propuesta ahora en el Teatro de la Alianza Francesa, pero esta vez con texto ajeno: Clausura del amor (Clôture de l’amour, 2011) del celebrado dramaturgo contemporáneo francés Pascal Rambert. Los resultados obtenidos, si bien es cierto comparten muchas características con los de Lima Laberinto XXI, ciertamente arrojan algunos aspectos positivos para celebrar.

Antecedida de algunos importantes premios, Clausura del amor nos anticipa desde el título lo que veremos: la deconstrucción final de la relación amorosa de una pareja ante nuestros ojos, sin posibilidad de redención. Entonces, si la puesta en escena no deparará ninguna sorpresa, sí lo debe hacer la “forma” en la que el espectador debe apreciarla, por supuesto, sin traicionar el “fondo” de la misma. Facal parece haberse ceñido parcialmente a la “forma” que Rambert pedía para su texto: dos actores, Audrey y Stan, padres de tres hijos, que dan por terminado su matrimonio de 10 años a través de dos monólogos seguidos de aproximadamente 45 minutos cada uno, primero el de él y luego el de ella, en medio de una sala de ensayos. Y si bien el autor exigía, en una suerte de metateatralidad adicional, que los intérpretes sean pareja en la vida real y que se llamen como sus personajes, Facal sí mantiene el amplio escenario prácticamente vacío y solo alumbrado con luces fluorescentes.

Clausura del amor está causando acaso la misma polémica que Lima Laberinto XXI, dividiendo a crítica y espectadores. Pero ni el detractor más acérrimo, como podría serlo el editor de Luces de El Comercio, puede negar la calidad interpretativa de Eduardo Camino y Lucia Caravedo. Él, demostrando una gran capacidad física para darle organicidad a sus palabras en la primera y extenuante embestida; y ella (actriz y productora en Lima Laberinto XXI), logrando matices y sutilezas en su desgarradora respuesta. Y si bien Facal consigue antológicas y veraces actuaciones de su elenco, falla radicalmente en el “intermedio” que Rambert exige, con la aparición (arbitraria e intrusiva) de un coro de tres niños (probablemente los hijos de la pareja, por más improbable que esto sea) que entran tan campantes por la puerta del teatro a cantarnos una canción en un inexplicable playback y sin ser aparentemente percatados por los actores. Facal no logra engranar esta escena dentro del montaje, luciendo abrupta  e “incoherente” (¿acaso fue adrede?), desdibujando lo logrado por Camino y obstaculizando de entrada el trabajo de Caravedo.

Finalmente, en la nota de prensa de Clausura del amor puede leerse lo siguiente: “La dirección de Darío Facal busca abordar este texto con una mirada muy purista a nivel de lenguaje escénico, persiguiendo la honestidad del propio texto y del acto escénico en sí.” No cabe duda que Facal ha procurado mantenerse fiel a la propuesta minimalista de Rambert. Sin embargo, tal como se mencionó anteriormente, el director afirma necesitar cierto grado de “incoherencia” en sus montajes, que lo logra acaso con la intrusión del coro infantil ya citado. Es por ello que podemos concluir que Clausura del amor nos regala dos actuaciones magistrales dentro de un atípico y curioso montaje, que si bien es cierto se ubica en las antípodas de Lima Laberinto XXI, resulta igual de irregular.

Sergio Velarde
20 de noviembre de 2016

sábado, 19 de noviembre de 2016

Crítica: ORQUESTA DE SEÑORITAS

Las estilizadas y delicadas muchachas de la banda

Este fue un año de grandes pérdidas para el escenario peruano: uno de esos artistas fue, sin duda, Ricky Tosso. Si bien es cierto siempre supo aprovechar su extraordinaria vena cómica desde sus inicios, fue acaso en sus últimos trabajos donde demostró una inusual versatilidad para interpretar una variada gama de personajes, como fueron los de En el parque, Chico encuentra chica, Hombre mirando al sudeste o ¡Ay amor!, por citar algunos. Justamente el citado artista tenía, entre sus varios compromisos teatrales para el 2016, el de dirigir una pieza que supiera conjugar drama y comedia por partes iguales; en ese sentido, Orquesta de señoritas (L'Orchestre, 1962) del dramaturgo francés Jean Anouilh resultaba ser a todas luces la mejor opción. Ricky no pudo concretar el mencionado estreno, pero sí lo hizo el director David Carrillo (con quien trabajó en La tiendita del horror) y el resultado es una deliciosa tragicomedia producida por Plan 9 en el Teatro Larco, en honor al recordado actor y con la participación de su hijo Stefano Tosso en el elenco.

La trama de Orquesta de señoritas involucra a un grupo de mujeres y un pianista, todos integrantes de una esperpéntica orquesta durante los difíciles tiempos de la postguerra, mientras hablan sobre sus problemas del día a día hasta que se avecina la tragedia sobre una de ellas. La obra se estrenó inicialmente a finales de la década del sesenta en el popular y distinguido Teatro Histrión, con la participación de primeros actores interpretando a las damas en cuestión: nada menos que Mario y Carlos Velásquez, Adolfo Chuiman, Jorge López Cano, Cesar Urueta y Willy Gutiérrez, con Rodolfo Carrión como el pianista. En los setentas con Edgar Guillén y en los noventas con Ricardo Fernández, la pieza regresó a los escenarios, e inclusive este año en un discreto montaje a cargo de Rafael Sánchez y su Teatro de Cámara.

Por su parte, la puesta de Carrillo luce sumamente estilizada: el diseño de producción y los vestuarios brillan en escena, como también las voces en vivo durante los números musicales. Se desdibujan los estragos de la crisis como consecuencia de la guerra, eso sí, pero se gana en picardía y vistosidad. Acaso el triste final de una de las muchachas no tiene todavía la contundencia necesaria para generar el descalabro en la última escena, pero la dirección sí se luce con un elenco que depara más de una sorpresa: el cómico Ernesto Pimentel, quien regresa a los escenarios luego de años haciendo televisión, ciertamente construye un sólido personaje como la directora de la orquesta, ganándole incluso a su colega Manolo Rojas en La sangre del presidente. Stefano Tosso también consigue un par de escenas conmovedoras, al igual que un inspirado Job Mansilla como el hilarante pianista. Y las señoritas de la banda, que interpretan los jóvenes Pedro Pablo Corpancho, Mauricio Lombardi, Alex Mori y Francisco Luna, resultan desternillantes en escena, cada una con una personalidad propia.

Orquesta de señoritas le hace justicia a uno de los actores más entrañables y completos de nuestra comunidad teatral, como lo es Ricky Tosso. El montaje contiene delirantes diálogos y un corrosivo humor, comandado por el experimentado Pimentel, quien se burla (sin caer demasiado en el abuso) de la ambigua apariencia de las señoritas y del romance entre una de ellas y el pianista. Más allá de ser un justo homenaje para un actor que nunca olvidaremos, los responsables de esta nueva versión de Orquesta de señoritas de Jean Anouilh logran uno de los espectáculos más interesantes y cuidados de la presente temporada.

Sergio Velarde
19 de noviembre de 2016

Crítica: GRIETAS

Una vuelta al incierto pasado

Algunas obras peruanas contemporáneas han buscado reflejar, cada una en su particular estilo, aquella época transitoria y oscura que nos tocó vivir en la capital a finales de los ochentas e inicios de los noventas: por ejemplo, en la excelente La eternidad en sus ojos (2013), su autor Eduardo Adrianzén consiguió trasladarnos a esos tiempos a través de una furtiva historia de amor entre una profesora y su alumno, en medio de migraciones forzadas, mucha incertidumbre y coches bomba. Pues bien, ganadora del Festival sala de Parto 2014, la pieza Grietas de Christian Saldívar nos introduce al interior de una familia limeña ciertamente resquebrajada en esos años, oportunamente estrenada en un espacio de apariencia tan urbana y desolada como es la que ofrece el Teatro Ensamble de Barranco.

Dirigida por la joven e incansable Jamil Luzuriaga, codirectora de Oleanna (2014) y actriz en En el jardín de Mónica (2015), Grietas funciona como un sólido drama familiar en dos tiempos y en el mismo espacio escénico, a través de los ojos del confundido hijo Javier (Joaquín Escobar) : su hermana Lorena (Moyra Silva, a quien vimos en Vida de miel…) huyó inexplicablemente de su casa y siete años después, su familia se prepara para recibirla en medio de una seria crisis económica. Una crisis reflejada no solo en la precaria estabilidad del hogar, sino también en el ánimo y en la conducta del resto de la familia: Carmen (la notable Sylvia Majo de Cómo crecen los árboles), una madre exasperante que encuentra una falsa serenidad en la devoción hacia un santo;  Alberto (Antonio Arrué, recuperado para la escena), un frustrado y machista padre; y Abel (Manuel Calderón), el tío dueño de la casa que antepone su propio beneficio a su propia familia.

Acaso el mayor mérito de la puesta en escena de Grietas sea el de retratar, con mucha fidelidad, la amargura y el desencanto de aquella oscura década. La escenografía, constituida por una enorme cantidad de cajas de cartón, suma a esta propuesta; así como la disposición de las butacas, que permite al espectador una mirada más íntima y a la vez, inquietante al drama. Tópicos tan reconocibles como la búsqueda de identidad, la soterrada violencia y la crisis de valores en general, son tratados con mucha contención. A destacar el trabajo de Majo, foco de maltrato y egoísmo sobre el que gira toda la acción. Grietas, acertado trabajo en conjunto de Saldívar y Luzuriaga, nos recuerda pertinentemente cuánto hemos avanzado como sociedad en las últimas dos décadas y si esta aparente estabilidad que gozamos hoy en día, no se encuentra seriamente resquebrajada.

Sergio Velarde
19 de noviembre de 2016

Estreno: SOBRE EL MAR

Proyecto final de la PUCP escrita por Federico Abril

Estreno: viernes 25 de noviembre a las 8:00 pm
Dirigida por Renato Fernández

Con la diversa oferta teatral en nuestra capital, también se suman nuevas figuras con sus propuestas en artes escénicas. En esta oportunidad, las integrantes del Proyecto Final de artes escénicas de la PUCP presentarán su prueba de fuego: la obra de teatro SOBRE EL MAR, obra escrita por Federico Abril y dirigida por Renato Fernández. Su corta temporada solo serán seis únicas funciones desde el viernes 25 de noviembre a las 8:00 pm en el Galpón espacio. Preventa de entradas hasta el 22 de noviembre.

SOBRE EL MAR cuenta la historia de Julia, una joven que se siente una sirena en la tierra: alejada de lo que es una adolescencia normal y más parecida a un personaje de un cuento de hadas. Sin embargo, para ella no existen príncipes en su vida hasta que conoce a Ariel, una chica que comparte su fantasía de convertirse en una sirena. Ambas descubrirán juntas sus sueños, pasiones y sexualidad sin saber que el mar debajo de ellas es profundo, confuso e hipnótico. Sobre el Mar es una obra fantástica que se basa en la realidad de estas dos chicas escolares y el mundo de Julia, plagado de la historia La Sirenita de H. Christian Andersen.

SOBRE EL MAR plantea al espectador distintas preguntas, una de ellas-quizás la más importante-está relacionada al tema del descubrimiento de la identidad sexual durante la adolescencia y el derecho que tiene todo ser humano de elegir a quién amar realmente.

SOBRE EL MAR – SEIS ÚNICAS FUNCIONES
Lugar: El galpón espacio
Dirección: Cipriano Dulanto (ex La Mar) 949 Pueblo Libre
Funciones: del 25 de noviembre al 4 de diciembre, de viernes a domingo
Hora: 8:00 p.m.

Entrada General: S/. 20 nuevos soles
Estudiantes y jubilados: S/. 25 nuevos soles
Venta de entradas en la boletería del teatro una hora antes de la función

PREVENTA DE ENTRADAS HASTA EL 22 DE NOVIEMBRE
Reservas y venta de entradas al correo sobreelmarteatro@gmail.com

Kitty Bejarano / Rpm #998934590 / 9517-10071 (RPC)
Pamela Puglianini / Rpm #999954141
Prensa y difusión de la Obra

Estreno: DESQUICIADOS

ALUMNOS DE ARTES ESCÉNICAS PUCP PRESENTAN OBRA DE TEATRO EN EL TEATRO DE LUCÍA

DESQUICIADOS es una comedia negra escrita por el dramaturgo argentino Claudio Gotbeter y dirigida por Javier Guerrero. La puesta en escena es el proyecto final de los alumnos de décimo ciclo de  la Facultad de Artes Escénicas de la PUCP.

SOBRE LA OBRA
Cuatro empleados públicos se encuentran en una oficina a la espera de una quinta persona, sin la cuál no pueden funcionar. Son las cinco de la tarde, el tiempo se ha detenido. ¿Y si le pasó algo? ¡Es verdad, si dejó su silla significa que está muerta! ¡Nadie deja su lugar si no esta muerto! ¿Por qué no hacemos algo? Si, yo quisiera hacer algo ¡Aunque sea escapar! Pero no puedo… ¿Quién realmente nos limita a actuar?

SOBRE EL DIRECTOR
L. Javier Guerrero E.  Egresado de la Especialidad de Artes Escénicas de la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Es director de teatro y cine, escritor, actor y docente universitario de teatro. Ha participado como asistente de dirección en El Mar y sus Misterios; Ofelia o la madre muerta; El juicio de Nuremberg, dirigida por Malcolm Malca; ¿Eres tú, Pequeño? dirigida por Gustavo López. Y ha sido Director de los cortometrajes Mena sin cura, Melies en borrador, Un guiño, Remolino; y de las obras Representando a... y El Zoo de Cristal. Actualmente trabaja como docente de actuación y dirección de teatro en la PUCP y en la UCSUR.

ELENCO
Alonso Romero
Maria del Carmen Castro
Milagros Chucos
Gabriela Salas

DETALLES DE EVENTO:
Lugar: Teatro de Lucía (Calle Bellavista 512, Miraflores)
Fechas:
Martes 22 de Noviembre a las 8pm
Miércoles 23 de Noviembre a las 8pm
Sábado 10 de Diciembre a las 8pm
Domingo 11 de Diciembre a las 8pm
Sábado 17 de Diciembre a las 4pm
Domingo 18 de Diciembre a las 4pm.

Venta de entradas: contactodesquiciados@gmail.com
Estudiante: S/. 25. 00 (Nuevos Soles)
General: S/. 40.00 (Nuevos Soles)

Contacto: Giordani Guerra (productor) al contactodesquiciados@gmail.com o al 999700180

miércoles, 16 de noviembre de 2016

Estreno: ENCUENTRO

Una historia de amor en tiempos del conflicto armado

Con la participación de Dante del Águila, Janncarlo Torrese, Yamile Caparó y Luis Yataco.

De jueves a sábado a las 8 de la noche, y domingos a las 7 de la noche, en el teatro de la Asociación de Artistas Aficionados, del Centro de Lima

“Encuentro” es el nombre de la obra que se presentará desde el jueves 24 a las 8 de la noche en el teatro de la Asociación de Artistas Aficionados (AAA), del centro de Lima, y cuenta una historia de amor en tiempos del conflicto armado interno que vivió nuestro país.

Él es un arquitecto y ella una fotógrafa. Gonzalo y Catalina tendrán diversos encuentros a lo largo del tiempo, que desencadenarán en un tierno romance. Sin embargo, algo complicará su relación: el pasado y un secreto que involucra a sus padres en graves hechos.

“Encuentro”, escrita y dirigida por Leo Cubas, es una creación del grupo teatral “Manada”, de la Universidad Científica del Sur, y cuenta con la participación de Dante del Águila, Janncarlo Torrese, Yamile Caparó y Luis Yataco.

“Encuentro” va de jueves a sábado a las 8 de la noche, y domingos a las 7 de la noche; del 24 de noviembre al 04 de diciembre del 2016, en el teatro de la AAA (Jirón Ica 323 – Centro de Lima). Las entradas están a la venta en la misma boletería a 20 soles (General) y 10 soles (Estudiantes).

martes, 15 de noviembre de 2016

Reestreno: LOS 15 MIL

“¿Serán estos los zapatos que cubrían esos pies?”

“Ya no sé a qué reino pertenezco, al de los vivos o al de los muertos”.
“Si veía un loco por la calle, pensaba que podías ser tú”.

Vuelve la obra que sacudió la sala de Microteatro Lima el 2015. ¿Reconocerías a un ser querido después de 30 años sin verlo? Es el caso de Clara, que ha buscado a su esposo año tras año y esta vez cree reconocerlo. O al menos, a lo que queda de él: su ropa. Pero su esposo no es el único que falta: una larga lista de personas esperan ser identificadas por Justo, un antropólogo forense que desentierra la verdad para que otros puedan cerrar su duelo.

Escrita y dirigida por Mavi Vásquez, y con las actuaciones de Flor Castillo y Juan Carlos Morón, Los 15 mil ha regresado renovada para remecer a más público. Una oportunidad de hacer memoria y que los más jóvenes conozcan parte de nuestra historia reciente.

Esta temporada también marca la llegada de la reconocida actriz Flor Castillo al formato de Microteatro, quien estuvo de gira por España con la obra “Tu país está feliz”, del grupo Cuatro Tablas, bajo la dirección del desaparecido actor y director Mario Delgado.  Flor es recordada a nivel nacional por sus papeles en las telenovelas Qué buena raza, Canela y Eva del Edén, y por su participación en películas como Flor de Retama, Madeinusa, Illary, Dioses, y El premio.

Comentarios
 “Vean cómo se puede hacer tanto en tan poco tiempo”, Paco Caparó, actor y director teatral.
“Importante aporte y propuesta de Mavi Vásquez sobre un tema medular”, Jorge Villanueva, director teatral.
“Un proyecto profesional, interesante y 100% artístico”, Sergio Velarde, crítico teatral.
“¿Qué tan potente puedes ser en 15 minutos? Esta obra recuerda de manera contundente un hecho que no tenemos en cuenta la mayoría de peruanos si no estás en esa situación”, Carlos Acosta, actor y director teatral.
“Obra fuerte y valiente de hacer, con un gran texto y una impecable dirección”, Alana la Madrid, actriz.
“Teatro que toca el alma. Estoy conmovida y fascinada”, Carolina Martín, periodista.

FICHA
Del 16 de noviembre al 18 de diciembre
Miércoles y viernes desde las 8:00 pm. y domingos desde las 7:00 p.m.
Sala 2, Microteatro Lima, Jr. Batallón Ayacucho 271, Barranco.

ENTRADAS
General: S/.16. Estudiantes S/.13. Solo en la boletería de Microteatro.

CONTACTO
Mavi Vásquez
Celular: 997472800 
Fan page de Los 15 mil: https://www.facebook.com/los15mil/

lunes, 14 de noviembre de 2016

Crítica: MIENTRAS ESCRIBES

Cuando todos tienen quién les escriba

¿De dónde les llega la inspiración a los escritores cuando están trabajando en un nuevo libro o una nueva obra? ¿Será de sus propias experiencias o de alguna investigación sobre un tema que les interesa? O ¿qué tal si la inspiración les llega desde la pura imaginación y sin información previa?... Y ¿qué pasaría si la inspiración les perteneciera a otros seres y estos sean los que les “dictan” las ideas a los escritores? En concreto, ¿cuál de esas opciones corresponde a la inspiración que tuvo Cinthia Delgado para crear “Mientras escribes”

Definitivamente no podremos dar una respuesta al respecto en estas líneas, pero lo que sí podemos decir es que “Mientras escribes”, reciente reestreno de dramaturgia peruana y dirigido por Marco Antonio Huachaca y Martín Martínez, de correcto trabajo, es una obra que se las trae: es divertida, ágil (dura un poco más de una hora y ni lo sientes), mantiene al espectador pegado a la historia y, lo mejor de todo, es una obra inteligente que no recurre a lo fácil para hacerte reír; al contrario, usa sus enredos para brindarnos sus mejores momentos.

Y es que “Mientras escribas” nos cuenta una historia que no tiene espacio para las certezas y en donde diversas dimensiones se mezclan entre sí, enfrentando, constantemente, a los cuatro personajes con la posibilidad de no existir (¿acaso habrá mayor temor que ese?), desatándose una verdadera lucha por sobrevivir, en este caso, por ser el “dedo que aprieta las teclas que escribe la vida”.

El trabajo de los actores es bueno y cada uno de ellos le da a su personaje lo necesario para que calen en nosotros y sintamos válidas sus acciones, e incluso, las apoyemos (todo sea por seguir vivo). Sin embargo, Maximiliano Benitez, actor que representa a Max, tuvo en ciertos momentos problemas de dicción, lo que nos hizo difícil entender algunos textos.

Para terminar, diré que “Mientras escribes”, gracias a su muy buena dramaturgia y a las correctas actuaciones y acertada dirección, logra ser una obra que supera lo limitante del espacio y de la utilería, la cual no se corresponde a la realidad de escritor exitoso del protagonista, de manera que permite al espectador dejar esos aspectos en un segundo plano y embarcarse de lleno en la historia.

Ahora, vuelvo a mi pregunta: ¿De dónde sacó la inspiración para escribir esta obra Cinthia Delgado?... ¿o es a ella a quien escriben?

No se la pierdan, va hasta el 27 de noviembre, de viernes a domingos a las 8.00 pm en el Teatro Mocha Graña de Barranco.

Daniel Fernández
14 de noviembre de 2016

Reestreno: TITO

Hasta el 27 de noviembre

Funciones de viernes a domingo a las 8:00pm.
Teatro Racional (Av. Balta 170. Barranco)
Boletería y por el fanpage de Punto de Fuga: S/. 35 y 25.
Atrápalo: S/28.00


Tamara di Paolo (Anahí de Cárdenas) ha trabajado toda su vida para llegar al poder. Quiere construir un país más justo para todos los ciudadanos y realmente cree que es posible lograrlo. Logrará la oportunidad que ha buscado siempre al ser convocada por Saturnino Vargas (Marco Miguel Ravines) a formar parte de una Asamblea Constituyente para gobernar al país. Sin embargo, tendrá que unir fuerzas con Tito Guzmán (Carlos Victoria), un militar a quien se acusa de ser responsable de torturas y asesinatos. ¿Cómo enfrentar la violencia cuando la tienes tan cerca? ¿Cómo creer en un país más justo cuando todo conspira en contra? ¿Es posible creer aún en la política o esta nos destruye cuando nos acercamos a ella?

Actúan: Carlos Victoria, Anahí de Cárdenas, Marco Miguel Ravines, Sebastián Rubio, Adriana Cuba y Javier Saavedra.

Dramaturgia y dirección: Sebastián Eddowes y Gean Pool Uceda
Producción: Punto de Fuga