miércoles, 31 de agosto de 2016

Estreno: MARIANA Y EL SEÑOR VERDE

ESCRITA POR LUIS EDUARDO PÉREZ-ALBELA Y DIRIGIDA POR CLAUDIA RUA   

Estreno: sábado 3 de septiembre a las 4:00 pm

Bajo la producción de ÁMBAR ASOCIACIÓN CULTURAL se estrenará, en el Teatro de Cámara del Centro Cultural El Olivar, la obra teatral para niños MARIANA Y EL SEÑOR VERDE escrita por Luis Eduardo Pérez-Albela y dirigida por Claudia Rua el día sábado 3 de septiembre a las 4:00 pm. La preventa de entradas ya está a la venta en Teleticket hasta el 2 de septiembre.

MARIANA Y EL SEÑOR VERDE nos cuenta la historia de Mariana, una niña que tiene miedo a su primer día de clases. Con la ayuda de su amigo imaginario, el Señor Verde, viaja al ´Mundo debajo de la cama´ para salvarlo de la temible Mafia de Bacterias, que quiere apoderarse de él. Con él y sus nuevos amigos Tiga, la hormiga filósofa, el Barón del Aire y el Señor Girasol Mariana logra salvar este mundo y descubre que tiene el valor suficiente para enfrentar su primer día de clases. La obra habla sobre la importancia de la imaginación y cómo ésta ayuda a los niños a enfrentar sus miedos.

ÁMBAR ASOCIACIÓN CULTURAL (2013) es una organización sin fines de lucro dedicada a promover y difundir la cultura mediante la puesta en escena de espectáculos teatrales, que se caractericen por su innovación y calidad artística. Para esta propuesta en escena, ya no se ofrece solamente una obra teatral sino una experiencia cultural. El público podrá sentir que ha viajado con Mariana al ‘Mundo debajo de la cama’, un lugar lleno de fantasía y color en el que toda la familia se divertirá.

Esta vez, además, Ámbar ha decidido darle un lado social a su propuesta artística con la campaña COMPARTE TEATRO que busca acercar el arte y la cultura a los niños y niñas de Kantaya en Ventanilla. Se trata de donar libros ilustrados de MARIANA Y EL SEÑOR VERDE a estos niños por un monto de 70.00 soles. Cada persona que dona un libro recibe de agradecimiento de parte de Ámbar, dos entradas para la obra. De esta forma, Ámbar busca hacer llegar el teatro, el arte y la cultura a todos los niños posible.

MARIANA Y EL SEÑOR VERDE
Funciones: del 3 de septiembre al  de octubre
Horario: sábados y domingos a las 4:00 pm.
Dramaturgia: Luis Eduardo Pérez-Albela
Dirección: Claudia Rua

LUGAR: Teatro de Cámara del Centro Cultural El Olivar
DIRECCIÓN: Calle La República 455 San Isidro
Elenco: Vera Pérez Luna, Juan Gerardo Delgado, Jackie Vásquez, Mateo Gamarra, Mijail Garvich, Jeshua Fall, Lucía Rua y Sergio Armasgo

Entrada general: S/.40.00 nuevos soles
Entrada estudiantes: s/.20.00 nuevos soles
Entrada jubilados: s/.25.00 nuevos soles
Entradas a la venta en Teleticket y en la boletería una hora antes de la función
PREVENTA con 20% de descuento hasta el 2 de septiembre

Para coordinaciones de prensa comunicarse con:
Kitty Bejarano: 951710071 (RPC)/ (#) 99893-4590 (RPM)

Temporada: ¡OH POR DIOS!

Hilarante obra basada en pasajes bíblicos en el Centro Cultural Ricardo Palma de Miraflores   

Manuel Gold, Franco Cabrera y Guillermo Castañeda presentan una vez más, fiel a su estilo, los pasajes del libro más popular de la humanidad: la Biblia. Bajo la dirección de Rocío Tovar, esta creación colectiva vuelve para seguir deleitando al público. 

¡Oh por Dios! narra las vivencias de tres nóveles actores que son escogidos por Dios para poder llevar su mensaje a todos los hombres y mujeres de la tierra. Así empiezan una gran prueba de fe, al mismo tiempo que resuelven sus dudas existenciales, sus posturas frente a la vida y a la religión sin perder esa gran dosis de humor que los caracteriza.

Los jóvenes sólo tendrán 90 minutos para cumplir semejante reto celestial. En el camino, sus diferentes puntos de vista sobre la religión los confrontará ocasionando más de un problema para llegar a tiempo a contar el libro más leído de la historia. 

Tras una exitosa temporada entre los meses de abril y junio del 2015, algunas presentaciones al interior del país a finales del mismo año y en el primer semestre del 2016, ¡Oh por Dios! se presenta en una corta temporada hasta el 21 de setiembre en el Centro Cultural Ricardo Palma, Av. Larco 770 Miraflores, los martes y miércoles.

Teatro del CC Ricardo Palma – Av. Larco 770 Miraflores
Martes y miércoles 8:00 p.m.
Entradas en Teleticket

Entrada General: S/. 49.00
Entrada Estudiante y Jubilado: S/. 27.00

martes, 30 de agosto de 2016

Estreno: AL FILO DE LA VEREDA

Del dramaturgo peruano Carlos Gonzáles Villanueva   

Dirigida por Manuel Trujillo
Estreno: viernes 2 de septiembre a las 8:00 pm

Para el mes de septiembre CASIOPEA ARTS presentará la obra AL FILO DE LA VEREDA del dramaturgo peruano Carlos Gonzáles Villanueva y dirigida por Manuel Trujillo. Esta propuesta se estrenará el día viernes 2 de septiembre a las 8:00 p.m. en el Teatro Mocha Graña de Barranco. Las entradas ya están a la venta en Teleticket.

AL FILO DE LA VEREDA nos cuenta tres historias que se entrelazan en la sincronía, a veces cruel, del universo. El fortuito reencuentro de una ex pareja de enamorados, la retorcida venganza contra un locutor de programas románticos y la debacle sentimental de una relación a la luz de una infidelidad extrañamente descubierta, entrelaza el drama de seis personajes quienes interpelan sus afectos en busca de urgentes respuestas, de su identidad, de nuevas formas de amar y de cómo enfrentar a sus demonios: es el reflejo de las relaciones humanas con las que convivimos y nos identificamos.

Conforman el elenco de la obra Franz Azañero, Andrea Chuiman, Irvin Meza, Virginia Olano, Brayan Vilchez y Marisela Romero quienes son artistas formados en el Conservatorio de Formación Actoral del C.C. Británico, Aranwa y el TUC. Ellos le dan vida a Marco, Luna, Alonso, Margie, Daniel y Camila, personajes llenos de misterios, secretos y pasiones tan reales que podrían ser como nosotros.

Al Filo de la Vereda, una comedia negra donde el pasado se proyecta constantemente en el presente que los invita a descubrir como los juegos del amor y el desamor se entrecruzan en el escenario. Esta obra está producida por CASIOPEA ARTS, empresa dedicada a la creación y la realización de producciones artísticas y audiovisuales.

AL FILO DE LA VEREDA
Temporada: del 2 al 25 de septiembre, viernes, sábado a las 8:00 pm /domingos a las 7:00 pm
Dramaturgia: Carlos Gonzáles Villanueva
Dirección: Manuel Trujillo
Lugar: Teatro Mocha Graña
DIRECCIÓN: Saenz Peña 107, Barranco

Entrada General: S/. 30.00 nuevos soles
Estudiantes y jubilados: S/.25.00 nuevos soles
Entradas a la venta en Teleticket la boletería del teatro una hora antes de la función

Kitty Bejarano Huertas / 9517-10071 (RPC)/ (#) 99893-4590 (RPM)
Pamela Puglianini/ (#) 999-954141 (RPM)
Prensa y difusión del espectáculo

lunes, 29 de agosto de 2016

Crítica #399: ZORROS A LA VISTA

El gallinero alborotado   

Actor y educador egresado del Teatro de la Universidad Católica (TUC), Miguel Pastor es especialista en el dictado de talleres que permiten la libre expresión de los más pequeños. Actualmente trabaja como docente de Artes Creativas en el Centro Educativo Privado Hiram Bingham, pero como director viene estrenando obras de variada temática para toda la familia: en 2007, Lucero de Belén de Juan Rivera Saavedra y la primera temporada de Zorros a la vista, escrita por el propio Pastor; en 2008, Dos viejas van por la calle de Sebastián Salazar Bondy; en 2009, de Mario Vargas Llosa, Día Domingo y especialmente, la excelente adaptación para la escena de Los cachorros; y en 2010, una irregular versión de Bodas de sangre de Federico García Lorca. Este año, Pastor vuelve con el reestreno de Zorros a la vista en el Centro Cultural El Olivar, una simpática comedia en la que el papel de Pastor como director, y que además interpreta al Juglar, cobra importante protagonismo.

Pastor busca reivindicar el juego como instrumento educativo, tomándose su tiempo para aplicarlo en la presente puesta en escena, a través de algunas dinámicas con los más pequeños antes de iniciar la historia propiamente dicha. Resulta interesante como los niños entran al escenario y de manera lúdica el Juglar les enseña no solo a respetarlo, sino que les explica que la historia que verán es ficción. Justamente, una vez iniciada, esta resulta sumamente sencilla: los torpes zorros Casimiro (Juan Carlos Pastor) y Clodomiro (Esteban Phillips) no logran capturar a las delicadas y alegres gallinitas Teodora (Eileen Céspedes), Leonora (Carmela Izurieta) y Doradora (Paola Chacaltana), a pesar de sus constantes esfuerzos. Pero el interés del espectáculo no parece radicar en estos fallidos intentos (a los pocos minutos las aves son capturadas), sino en la posibilidad que tienen los niños, con la ayuda del Juglar, de terminar la historia como ellos decidan.

Zorros a la vista tiene a su favor un elenco carismático y una cuidada producción, que se luce especialmente en el vestuario; sin embargo, las coreografías con música peruana se podrían aprovechar mucho más, reemplazando además con las voces del elenco al innecesario playback. Pastor y El Juglar Asociación Cultural consiguen una puesta en escena lúdica y vivencial, acaso potenciando demasiado las virtudes de Pastor como profesor-animador por encima de la historia principal en sí, pero transmitiendo con claridad el mensaje principal, que consiste en optar siempre por la pacífica convivencia entre especies diferentes, temática muy pertinente en estos tiempos violentos tan difíciles que atraviesa la sociedad y la humanidad en general. Zorros a la vista, a pesar de tener una duración algo dilatada, es una interesante y didáctica puesta en escena, realizada con mucho oficio ganado por Pastor a lo largo de los años.

Sergio Velarde
29 de agosto de 2016

Evento: TALLER DE DANZA CONTEMPORÁNEA DE LA UNIVERSIDAD DE LIMA

Presenta “El Libro de las Máscaras”   

La danza es un medio expresivo que también sirve para generar reflexión y contar historias, y eso es lo que hace El Libro de las Máscaras, montaje del Taller de Danza Contemporánea de la Universidad de Lima que se presentará el 1 y 2 de septiembre de 2016 a las 20.00 horas en el Auditorio Central de dicha Casa de Estudios.

Las coreografías, dirigidas por la profesora Úrsula Cazorla, están diseñadas para narrar la obsesión contemporánea con las redes sociales y la construcción de nuestra imagen personal. Esta fijación, cuando se desborda, genera aislamiento, ansiedad y falta de control. De allí la necesidad de presentar esta mirada crítica, planteada desde la danza, que busca fomentar un uso adecuado de la tecnología y convencernos de la importancia de encontrarnos con la versión más auténtica de nosotros mismos.

Los miembros del elenco de Danza Contemporánea de la Universidad de Lima que participarán en el montaje, entre estudiantes y graduados, son Danna Murillo, Fabiana Rojas, Federico Cisneros, Katy Rodríguez, Lucía Salas, Pía Galiano y Sandra Paz. Asimismo, los alumnos que forman parte de los elencos de otros niveles del Taller de Danza Contemporánea brindarán apoyo logístico. 

domingo, 28 de agosto de 2016

Evento: MINI FESTIVAL TEATRO ACCIÓN – JÓVENES Y VIOLENCIA

Organización: Club de Teatro de Lima

Duración: Del 03 de septiembre al 25 de septiembre
Días: Sábados  y domingos
Lugar: Club de teatro de Lima
Dirección: Av. 28 de julio 183, en el sótano, Miraflores
Entrada: S/ 15 soles

El Mini Festival Teatro Acción – Jóvenes y violencia tiene como objetivo brindar un espacio para que los grupos independientes de teatro puedan compartir y mostrar sus proyectos. Este año, el primero hemos escogido un tema de actualidad, jóvenes y la violencia. Si bien este es un tema que no distingue edades, creemos que son los jóvenes los llamados a despertarnos, a tomar las calles como bien lo han estado haciendo y hacernos entender que este es el momento de actuar, porque tal vez más adelante sea demasiado tarde. Este festival, el primero organizado por el Club de Teatro de Lima y por nuestros propios alumnos precisamente, tendrá una duración de cuatro semanas, del 03 de septiembre al 25 de septiembre todos los sábados y domingos en nuestro local de 28 de Julio 183 en Miraflores,  cada fin de semana tendremos una obra distinta, las obras seleccionadas son: “La ola”, “Ratsodia”, “Abuse usted de las cholas” y “El acto”.

LA  OLA: Rainer, un  profesor  de  instituto  fue  drásticamente  asaltado  y  golpeado por  unos  delincuentes,  él  se  queda  con  esa  sensación  de  resentimiento  hacia  la inseguridad  ciudadana,  se  deprime  y  la  mala  racha  lo  siguen tanto  en  el  trabajo como en su casa. En su clase de sociología y política, abatido por la rebeldía de sus alumnos e indiferencia de las autoridades del instituto decide realizar un proyecto llamado La  Ola,  de  dos  meses  cuyo  objetivo  es  la  unión  y  la  lucha  contra  la injusticia. Sin  medir  las  consecuencias  de  trabajar  con  jóvenes  con problemas emocionales,   todo   sale   de   control,   se   distorsiona   el   objetivo y   se genera   la violencia.

ABUSE USTED DE LAS CHOLAS: Esta performance es un camino abierto y libre de exploración a la complejidad de ser peruano en una sociedad fuertemente discriminadora. Se buscara a través de la escena, apelar a una reflexión que pase por lo sensible para luego llevarnos a cuestionar y cuestionarnos la realidad de una manera más racional. La obra, un unipersonal, fue escrita en la década de los 60 y aun ahora, sigue siendo de palpitante actualidad.  Discriminación, abuso hacia las mujeres, inmigrantes y trabajadoras del hogar es el tema que toca. Actúa Daisy Sánchez Bravo bajo la dirección Paul Ruiz Atoche.

RATSODIA es la historia de un grupo de ratas que decide hacer frente a siglos de humillación. El comienzo de una revolución minúscula que los hombres harán frente del modo más humano posible. Dos especies en pugna. Con más semejanzas que diferencias. Una historia sin rumbo. Quizá con el mismo objetivo. El problema es que no sabemos quién la cuenta. Ratsodia es una creación e interpretación de Karlos López Rentería y Javier Quiroz bajo la dirección de Diego La Hoz y el grupo Espacio Libre.

EL ACTO, en un futuro reinado por un régimen opresor y en el que cada individuo, desde el momento de su nacimiento, es asignado a una labor específica: un grupo de amigos se incorpora a un movimiento mundial de jóvenes rebeldes que busca protestar contra este sistema y darle valor a su vida a través del suicidio. Este Acto de muerte se convierte en la única esperanza que les queda para cambiar la realidad y alcanzar la trascendencia.

El Club de Teatro de Lima, desde el año 1953, cumple el rol de la formación profesional en el arte dramático y tuvo como fundador al actor, director y pedagogo teatral Reynaldo D’Amore, en su local ubicado en Miraflores. Actualmente las actividades de la Escuela Dramática se mantienen de manera ininterrumpidas de la mano de un equipo que busca seguir con el legado de su Maestro, porque el Club de Teatro de Lima, ¡¡sigue adelante!!.

Contacto:
Maggie Suárez  ( RPC) 993491304.

Jannina Vargas  (RPM) # 980272413.

miércoles, 24 de agosto de 2016

Crítica #398: PADRES DE LA PATRIA

La paternidad responsable y democrática   

Explorando las posibilidades para integrar sus dos profesiones, el actor y psicólogo Javier Echevarría viene presentando un tercer unipersonal con su particular estilo reflexivo, luego del singular éxito que obtuvieron Sin pecado original (2012), en donde se propiciaba el abandono de la victimización para tomar las riendas de nuestras propias vidas; y Se busca emprendedor (2014), en donde se fomentaba el seguir la verdadera vocación para encontrar el éxito. Pues bien, en Padres de la Patria, Echevarría acierta ingeniosamente al destacar en el espectador el paralelo existente entre la política y la vida en familia, siendo la democracia el objetivo final para convertirnos en ciudadanos de bien para la sociedad. Se trata pues, de un intachable espectáculo con las mejores intenciones y que no descuida el plano teatral, conjugando toda una serie de formatos para enriquecer la puesta en escena.

Presentada por la Biblioteca Nacional del Perú (BNP), estrenada en el Teatro Mario Vargas Llosa de San Borja y con la dirección de Armando Machuca (responsable de Forever Young), Padres de la Patria mezcla sin tropiezos stand up comedy, charla motivacional, sketches cómicos y narración oral: inicia Echevarría interpretando al nuevo presidente en medio de un mitin, burlándose así de la clase política en general, pero destacando la analogía existente entre el poder que implica ser un líder político y el de ser un padre de familia. Teniendo entonces el espectador el concepto claro del espectáculo, el actor (interpretando a un bebé) nos muestra los diferentes escenarios en los que un niño puede nacer: en medio de familias tipificadas como autoritarias, permisivas o anárquicas; alternando también con la narración de cuentos (recordando su experiencia de la mano de Francois Vallaeys); para finalizar con una charla interactiva con el público para redondear la puesta.

A destacar el buen desempeño de Echevarría, tanto como actor y como terapista de grupo según lo requerido por la puesta, mostrando carisma y oficio en el escenario. Buen trabajo también del divertido elenco de apoyo, conformado por Mario Soldevilla, Cary Rodriguez Vera, Marina Gutiérrez y Saussure Figueroa, que interpreta a los diversos personajes que aparecen durante el montaje. Padres de la Patria maneja muy bien sus recursos escénicos, siendo pertinente en estos tiempos post-electorales. Machuca, Echevarría y elenco cuestionan de una manera divertida y reflexiva la justicia, las leyes y las libertades, concluyendo que cada papá y mamá son los verdaderos Padres de la Patria.

Sergio Velarde
24 de agosto de 2016

martes, 23 de agosto de 2016

Evento: I FESTIVAL DE LAS ARTES “ATICO CULTURA VIVA”

Nace por iniciativa de jóvenes atiqueños   

El primer Festival de las Artes “Atico Cultura Viva” nace por iniciativa de jóvenes atiqueños comprometidos con la cultura, arte y educación directores de sus propios grupos culturales: por el teatro la “Agrupación Cultural Misti-K Teatral” dirigida por Kevin Neyra (20 años) y la “Confraternidad Folclórica Ritmo, Fuerza y Tradición” dirigida por Eveldy Zúñiga (27 años); de la unión de estos dos agrupación nace la FRATERNIDAD ARTISTICA AMARTE.

En el primer festival de las Artes se podrán apreciar diversos números artísticos en las cuales los protagonistas son los jóvenes talentos que se rescatan de Atico, muchachos con habilidades para el canto, el baile, la poesía, la actuación; personas con habilidades en la artesanía, la escultura; exposición fotográfica de Atico de antaño, artistas invitados de toda la provincia de Caravelí y de la región Arequipa.

El objetivo de este mega proyecto es que la Fraternidad Artística se consolide como una empresa, como una entidad legalmente constituida dedicada al fomento de la cultura, ya sea en el plano local, provincial, regional y porque no, nacional, llegando así a los niños, jóvenes y adultos de nuestros distritos y ofrecerles una alternativa de entretenimiento sano, que contribuye al desarrollo integral y permitir explorar el lado artístico que llevan oculto por dentro.

El evento se estará llevando a cabo el día 22 de octubre por Aniversario de la localidad de Atico, en el moderno auditorio Bicentenario de Mariano Melgar…(se inauguró el 20 de Septiembre con la Obra Remembranzas en Atico, obra escrita por Kevin Neyra), el evento estará durando aproximadamente 4 horas, presenciando diversas disciplinas artísticas.

ARTISTAS INVITADOS
- Juan Manuel Ochoa – El Jaguar de La Ciudad y los Perros
- Ballet Folclórico de Arequipa
- Lucero Ortega del Carpio – Acarí
- Erika Carrillo Espinoza - Chala 

Reestreno: DÉMETER Y LAS CUATRO ESTACIONES

REGRESA LA VERSIÓN TEATRAL DEL MITO GRIEGO DE CELESTE VIALE Y DIRIGIDA POR ALBERTO ÍSOLA   

Estreno: sábado 27 de agosto a las 4:00 pm

Con una exitosa temporada el año 2015, la Asociación Cultural COLADECOMETA presentará nuevamente, en el Teatro Ricardo Blume, la versión teatral del mito griego DÉMETER Y LAS CUATRO ESTACIONES escrita por Celeste Viale y dirigida por Alberto Isola el día sábado 27 de agosto a las 4:00 pm. La preventa de entradas ya está a la venta en Teleticket hasta el 26 de agosto.

La mitología griega ha ejercido enorme influencia en la literatura, la cultura y el arte de la civilización occidental. De ella surgen dioses que gobiernan los cielos, los mares, las fuerzas de la naturaleza, que habitan el Olimpo al lado de seres mágicos y fantásticos como las ninfas o los elfos que son los encargados de preservar los ríos y los bosques. El fondo de la tierra está reservado para Hades, el Dios del Inframundo. Pero entre todos los dioses del Olimpo, Démeter, es la más querida, porque ella es la Diosa de la agricultura, la que cuida la tierra y la hace florecer. Es el símbolo de la germinación y la vida.

Alberto Isola, director de la puesta en escena ha querido revalorar la importancia que tiene la transmisión de las leyendas y mitos populares en la conservación de la cultura para presentarnos a un grupo de campesinos griegos que toman un escenario para representar, la historia de Démeter y su hija Perséfone. Con música especialmente compuesta por Mateo Chiarella, así como cantos y coreografía, dos Elfos traviesos nos conducirán hasta el Olimpo para acompañar la travesía de Démeter en busca de su hija y revivir así este apasionante mito griego sobre el amor, el florecimiento de la tierra y la creación de las cuatro estaciones.

DÉMETER Y LAS CUATRO ESTACIONES
Funciones: del 27 de agosto al 16 de octubre
Horario: sábados y domingos a las 4:00 pm.
Versión de la obra teatral: Celeste Viale
Dirección: Alberto Isola

LUGAR: Teatro Ricardo Blume
DIRECCIÓN: Huiracocha 2160, Jesús María
Entrada adultos: S/.30.00 nuevos soles
Entrada estudiantes y jubilados: s/.25.00 nuevos soles
Entrada niños menores de 12 años: s/.20.00 nuevos soles
Entradas a la venta en Teleticket y en la boletería una hora antes de la función

PREVENTA hasta el 26 de agosto
Para coordinaciones de prensa comunicarse con:
Kitty Bejarano: 951710071 (RPC)/ (#) 99893-4590 (RPM)
Pamela Puglianini (#)999954141

domingo, 21 de agosto de 2016

Crítica #397: EL TIEMPO Y LOS CONWAY

El tiempo les juega una mala pasada   

Del ingenioso autor británico J.B. Priestley hemos visto repetidas veces Esquina peligrosa (1932), en discretos montajes dirigidos por Oswaldo Bravo y Joaquín Vargas a lo largo de los años; así como Ha llegado un inspector (1946), acaso la pieza más popular del autor, que fuera dirigida con toda la pomposidad posible por Oswaldo Cattone y con suma discreción por Willy Gutiérrez. Justamente Gutiérrez elige una tercera obra de Priestley, que junta a la primera mencionada y Yo estuve aquí antes (1937) conforman sus “Tres piezas sobre el tiempo”, para inaugurar un nuevo espacio llamado Teatro Aforo XI en Pueblo Libre. El tiempo y los Conway (1937) es un drama de largo aliento, que juega con un necesario quiebre temporal para el desarrollo de su trama en tres actos, que pudo esta vez  llegar a escena acaso de manera más satisfactoria.

La acción se sitúa en la ciudad de Newlingham, Inglaterra en 1919, específicamente en casa de la familia Conway, en donde se celebra el cumpleaños de una de las hijas, Kay (Andrea Brissolese), quien convenientemente es aspirante a novelista, como sí lo es la Maud Mockridge de Esquina peligrosa. En este primer acto, conocemos a la acomodada familia que celebra el final de la guerra y además, sus sueños que se cumplirán en el futuro, para luego terminar con Kay sumida en un profundo sueño. En el segundo, nos encontramos en la misma habitación, pero dieciocho años más tarde, y nos enteramos que todos los miembros de los Conway han fracasado en sus vidas. Y en el último acto volvemos al inicio, exactamente donde terminó el primero, con la confusa Kay despertando y dándose cuenta acaso del irremediable destino que le espera a su familia y amigos.

Gutiérrez afirma que fue un gran riesgo elegir esta pieza en especial para llevarla a buen puerto, contando además con un joven elenco y (con contadas excepciones) poca experiencia sobre las tablas, para interpretar a diez personajes con una fuerte carga dramática y de diferentes edades. En ese sentido, algunos conflictos puntuales resultan rescatables e interesantes, gracias a los oportunos gestos y silencios que manejan los actores, como el triángulo amoroso formado entre Joan (Cynthia Bravo), Robin (Johan Escalante) y Alan (Narayana Campos); así como la infructuosa relación entre Madge (Andrea Valdivia) y el abogado Gerald (Emma García). El tiempo y los Conway, estrenada en el nuevo Teatro Aforo XI, cumple con ser un discreto homenaje a un autor tan interesante con Priestley.

Sergio Velarde
21 de agosto de 2016

jueves, 18 de agosto de 2016

Crítica: FIESTA DE PROMOCIÓN

Porque recordar es volver a vivir   

Director y autor: Gianfranco Mejía
Elenco: Carolina Álvarez, Gianfranco Mejia, Renzo Del Carpio, Fabiola Benavente, Andrea Reta, Antonio Lopez, Jimena Venturo, Jair Águila, Darío Gálvez, Wendy Rodriguez, Rod Diaz Sanchez, Roxana Chávez, Hernán Sotomayor y Brunela Cano.
Lugar: Teatro Julieta (Pasaje Porta 132, Miraflores)

Llega esta comedia refrescante y juvenil donde más de uno estará en aprietos. Esta puesta en escena busca que los espectadores se identifiquen con los personajes. Debo recalcar que es una obra teatral de peso, no solo por la gran actuación, si no por la edad que reflejan los actores. A pesar de su buen trabajo, muchos de ellos no cumplen con el prototipo juvenil que requiere la puesta en escena; pero por lo demás, te robarán más de una sonrisa con sus ocurrencias, cantarás con los soundtracks que ponen en cada escena.

Es fascinante volver a revivir esta etapa estudiantil, donde la atmósfera del último día de clases es cada vez más intensa. ¡Cómo no recordar a aquellos compañeros de clases que en todo el año se la pasaron sin hacer nada! ¡Al grupito de los más populares, a los palomillas que buscan sacar de sus casillas a los profes, a los aplicados o como diríamos nosotros: a los más lornas  del salón! Pero cuando llega la hora de decir adiós, tocan fondo, porque saben que hoy culmina una etapa de sus vidas. Se llevan con ellos los buenos deseos por parte de sus maestros y amigos, se enteran a última hora que algunos de sus compañeros ingresaron a la universidad. Además, que la otra parte no sabe qué hacer o qué estudiar.

Como si fuera poco, está la duda de la mayoría del salón: si irá a la Fiesta de Promoción, como habían quedado. También está la preocupación por parte de la chicas de cómo irán vestidas, los chicos si anotarán o no después de la fiesta de promo. También nos enteramos de las confesiones de amor de última hora, las roturas amorosas, la convivencia de los ex, las inesperadas reacciones de los más lornas del salón en la fiesta que termina en pelea. Como también las decisiones que se toman a última hora, además del gran mensaje que nos dejan.
Si aún no tienes planes este fin de semana, te invito a ver la obra “porque se dice que uno siempre vuelve a recordar los sitios en los que fue feliz”.

María Victoria Pilares
18 de agosto de 2016  

miércoles, 17 de agosto de 2016

Crítica #396: LA CASA LIMPIA

Los trapos sucios en casa   

Sarah Ruhl es una joven y prestigiosa dramaturga norteamericana, a quien conocimos en nuestro medio gracias a Plan 9: tanto El celular de un hombre muerto (2007) como En la otra habitación (o la obra del vibrador) (2010) se estrenaron exitosamente con la dirección de David Carrillo y la actuación protagónica de Vanessa Saba. Es el turno ahora de la mencionada productora para cerrar por el momento esta trilogía, esta vez con una pieza escrita con anterioridad por Ruhl: La casa limpia (2004), finalista del premio Pulitzer. Se trata de una comedia dramática que explora, en primer lugar, la disfuncional relación entre dos hermanas muy diferentes entre sí: la imperturbable doctora Lane y la nerviosa ama de casa Virginia; para luego terminar presenciando los últimos días de una enferma terminal llamada Ana, nada menos que la amante del esposo de Lane; y en medio de estas historias, la joven brasileña Matilde, una aprendiz de comediante huérfana que detesta la limpieza, pero que trabaja inexplicablemente limpiando la casa de la doctora.

El director Carrillo, especialista en comedias de este calibre, maneja con sabiduría los recursos artísticos que dispone para el presente montaje en el Teatro Larco. Si bien es cierto el primer acto demora un poco en arrancar al presentarnos la dinámica de las hermanas y lo absurdo de la presencia de Matilde como empleada doméstica, la posterior aparición de Charles (el esposo de Lane) con su amante en casa de la doctora, en el segundo acto, dispara la coartada dramática en la que Ruhl acierta con creces: el cáncer terminal que aqueja a Ana no solo le servirá a Lane para comprender el verdadero significado del perdón, sino que también Matilde terminará descubriendo su verdadero potencial como comediante. Un emotivo conflicto que funciona adecuadamente en medio de una escenografía aséptica, que privilegia los colores blancos como el marco de esta historia de risas, llanto, dolor y compasión.

Si bien Carrillo vuelve a contar con la presencia de la eficiente Vanessa Saba, interpretando a la doctora Lane, es Vania Accinelli quien asume con sobriedad y carisma el rol protagónico como la divertida Matilde; se nota el esmero con el que ha construido su personaje, demostrando su enorme versatilidad, la misma que notamos desde su debut en ¿Qué tortura? Por otra parte, Natalia Torres como Ana y Omar García como Charles, el esposo de Lane, acompañan apropiadamente; pero es Claudia Bérninzon la que sorprende con el personaje de Virginia, hilarante y conmovedora a la vez. La casa limpia entretiene con el sarcasmo de las situaciones extremas que atraviesan sus personajes, pero también conmueve con la titánica lucha que deben enfrentar los pacientes con cáncer. Sarah Ruhl es una interesante dramaturga a quien se le debe seguir la pista.

Sergio Velarde
17 de agosto de 2016

Crítica: MI NOMBRE ES 23

La aceptación del payaso   

Quizá son pocas las veces en que uno decide, por voluntad propia, cuestionar su vida: ¿Quién soy? ¿Hacia dónde estoy yendo? ¿Qué quiero de la vida? Sea como sea, estoy seguro de que no tendremos respuestas absolutas ni definitivas a esas preguntas, pero lo que sí obtendremos serán las sensaciones que nuestras propias respuestas nos dejarán: tranquilidad, alegría, preocupación… o tal vez arrepentimiento. Habiendo dicho esto, ¿se animarían a hacer la prueba?

Bueno, el pasado viernes 12 de agosto, en la Casa Paya de Barranco, alguien sí se atrevió: un payaso, y a la fuerza nos hizo a todos hacerlo con él. Este payaso llamado 23, interpretado por César García (Los Fabulatas, Casi Don Quijote) y dirigido por Paloma Reyes de Sá, hizo que sea posible encontrar en su vida de intentos (sí, de intentos, porque intentó enamorar, intentó trabajar, intentó ser alguien), una realidad que nos toca a todos, ¿o es que acaso hay alguno de nosotros que no intente ser alguien en la vida?

Es así que la gran riqueza de este unipersonal hecho por un payaso no está en la constante interacción con el público (ni los que bajaron al escenario ni el espectador que es tomado como “punto” durante toda la función), ni en los chistes, ni en la “joda”, que nos hicieron casi reventar el pecho de tanta risa. No, eso no es lo mejor porque eso es lo que todos esperamos de un payaso. Lo mejor de Mi nombre es 23 no reside en lo que este payaso nos dijo con risas sino en lo que nos dijo con lágrimas, y es que nadie espera que un payaso te enfrente a tus propias decisiones y a la reflexión sobre éstas.

Para mí, el momento clave de la obra es cuando 23 se dice a sí mismo “soy un payaso” y lo hace despectivamente, llorando, sintiendo que no tiene ni futuro ni espacio en el mundo de hoy, pero después se da cuenta de que esa es su naturaleza y no hay nada de malo ni equivocado en ella. 23 se conoce, se asume y se acepta, y sabe que si algo podrá lograr en su vida, debe de ser partiendo de su verdad: él es un payaso y ese es su camino. Esa transformación me parece valiosísima.

Cuando terminó la función no pude dejar de preguntarme cuál es el lugar de la vocación hoy en día cuando nuestras decisiones de vida están más ligadas al éxito económico. Si alguien siente que su vocación es ser payaso, ¿debajo de cuánto maquillaje de seriedad lo ocultaría para ser productivo y exitoso en otra cosa? Esta obra me hizo ver que no importa si mi nombre es 23 o Daniel o María o José. Lo que importa es encontrar nuestro camino y seguirlo.

Tuve la suerte de ver esta obra en su último día pero viene reposición, así que no se lo pierdan.

Daniel Fernández
17 de agosto de 2016

martes, 16 de agosto de 2016

Estreno: TODOS MIS MIEDOS

MIEDO ESCÉNICO   

Fiorella Rodríguez, Sergio Paris, Mayella Lloclla y Jorge Armas nos sumergirán en un torbellino de emociones en obra teatral argentina que llega al Perú dirigida por Jimena Del Sante.

Aunque la ficción nos atrapa con personajes irresistibles, giros de trama inesperados y la posibilidad de sumergirnos en fascinantes historias que por regla general nos resultan esquivas en nuestro día a día, hemos aprendido también que existe una gran dosis de verdad en aquella frase que dice: “la realidad supera la ficción”. ¿Pero qué ocurre cuando los límites entre realidad y ficción se desdibujan?,  cuando nos vemos envueltos  en medio de una crisis y de pronto la realidad empieza a imitar a nuestras emociones y  todo se confunde. Este es el punto de partida de “Todos mis miedos” impactante  obra teatral que bajo la dirección de Jimena Del Sante reúne a un excelente elenco, y que será puesta en escena, por sólo 19 funciones,  desde el 1 al 25 de setiembre en el ICPNA de Miraflores.

La obra nos presenta a Bruno, quien a sus 45 años es un escritor en crisis, producto de un divorcio complicado, el romance con una alumna y la escritura de su nueva novela. Para él la realidad se ha convertido en una pesadilla donde todo se confunde: Lo real con la ficción, lo cotidiano con lo teatral. En este espacio crudo los personajes circulan sin saber bien qué hacer con lo que les pasa. Están perdidos en  un torbellino de emociones, lo que nos llevará como espectadores a preguntarnos si efectivamente lo que acontece es real o el peor de los sueños posibles.

Escrita por Nahuel Cano junto a Esteban Bieda, la obra fue ganadora de la Bienal Arte Joven Buenos Aires 2013. 

La temporada correrá del 1ro al  25 de setiembre, sólo 19 funciones, de jueves a lunes a las 8:00pm en el auditorio del ICPNA de Miraflores (Av. Angamos Oeste 120). “Todos mis miedos” llega a nuestro país en lo que se presenta como una oportunidad que no se puede pasar por alto. Las entradas se venderán en Teleticket y en la boletería del teatro. 

Temporada: MI NOMBRE ES 23

Nuevas fechas del unipersonal   

“Mi Nombre es 23”, el unipersonal del actor Cesar García contará con 3 nuevas fechas (sábado 27, domingo 28 de agosto y vienes 02 de setiembre). Este espectáculo se llevará a cabo bajo la  dirección de Paloma Reyes de Sá y se realizará en la Paya Casa – Barranco.
El unipersonal habla sobre la curiosa vida del personaje “23”, un payaso de barrio que vive solo en su pequeño cuarto y nos invita a conocer sobre sus experiencias en divertidos fracasos que se involucra día a día después de una desilusión amorosa y en su búsqueda de algún trabajo que lo haga sentir completo y vencedor.

“Mi Nombre es 23” es un espectáculo de clown para adultos, un trabajo desarrollado a partir de números diversos que crean una línea dramática contemporánea, donde cada momento es contado a partir del absurdo y el humor, rompiendo con el paradigma de que un payaso solo puede ser tierno y adorable.

“23” es un payaso transgresor que  nos lleva a reírnos de su sexualidad, el abandono, el amor, la ira, la hipocresía y de sus dificultades para salir adelante en la vida. “Mi nombre es 23”, dentro de su universo, lleno de verdades humanas, le quita las máscaras a este payaso, que es nada más, que el mismo, en exceso de juego.

Gestus invita a todo el público a que conozcan su casa, sus pensamientos, su trabajo corporal, sus verdades y mentiras y que de la mano con este payaso atrevido, seas parte de su historia.

Fechas: 27, 28 de agosto y 02 de setiembre.
Sábados: 8pm y Domingo: 7pm Viernes: 8pm
Lugar: Paya Casa (Av. Bolognesi 920 – Barranco)

Entradas: Teleticket y en lapayacasa@gmail.com

Edad mínima: 14 años

lunes, 15 de agosto de 2016

Evento: TALLER VOZ Y PRESENCIA

CON REBECA RALLI DE YUYACHKANI   

Inscripciones abiertas
Inicio: martes 6 de setiembre

Rebeca Ralli, actriz e integrante del Grupo Yuyachkani, abre la convocatoria para su “Taller Voz y Presencia” dirigido al público general con o sin experiencia previa. El taller se dictará todos los martes y jueves de 7:00 a 10:00 pm. desde el martes 6 de setiembre en la Casa Yuyachkani en Magdalena.

El “Taller Voz y Presencia” propone maneras de comunicar mejor tus ideas tanto en el ámbito profesional como en el personal, permitiéndote así  conocer y manejar tu comunicación no verbal, desarrollar una presencia escénica, saber relajar tu cuerpo para evitar que las tensiones interfieran con lo que quieres decir, entre otras cosas.

De este modo, se propondrán pautas de trabajo  sobre  la voz, su conexión indesligable con el cuerpo y la persona. Por esto, se trabajará en forma colectiva e individual, a través de ejercicios  y técnicas teatrales sobre los siguientes temas: La respiración, articulación, vocalización, dirección de la voz, fonación, aproximación al acto del habla y del canto, memoria vocal y corporal, la voz y el cuerpo en el espacio, la melodía de la palabra, auto-observación, la improvisación y la  exposición del discurso.

Rebeca Ralli Mejía. Actriz, pedagoga y miembro fundador del  Grupo Cultural Yuyachkani.  Ha seguido estudios de Sicología en la Universidad Femenina del Sagrado Corazón, es Bachiller en Ciencias Sociales de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, se inició en el Tai-Chi hace 25 años y se ha formado con maestros como Richard Amstrong del Roy Hart Theatre de Francia y la Maestra de voz Margarita Ponce (Perú).

“TALLER VOZ Y PRESENCIA” con Rebeca Ralli
Inicio: martes 6 de setiembre al jueves 6 de octubre
Horario de clases: martes y jueves de 7:00 a 10:00 pm.
Lugar: Casa Yuyachkani (Calle Tacna, 363, Magdalena del Mar)
Requisito: Ser mayor de 16 años, con o sin experiencia previa.

Informes e inscripciones: talleresrebecaralli@gmail.com / 999954141
CUPOS LIMITADOS

lunes, 8 de agosto de 2016

Estreno: CREOENUNSOLODIOS

Escrita por Stefano Massini y dirigida por Nishme Súmar   

ESTRENO: SÁBADO 3 DE SETIEMBRE
TEATRO JUAN JULIO WICHT S.J. DE LA UNIVERSIDAD DEL PACÍFICO
EMPEZÓ LA PREVENTA – S/. 35.00

Tres historias entrelazadas, tres identidades, tres maneras de ver el mundo. Tres mujeres en guerra. Tres mujeres lejanas entre sí por edad, fe, cultura, condición social. Tres mujeres a las que el destino impedirá conocerse, aún si las pone frente a frente en el momento de su muerte. Una profesora de historia judía, una militar del ejército de los Estados Unidos y una joven estudiante palestina.

El Centro Cultural de la Universidad del Pacífico, presentan la obra Creoenunsolodios, de Stefano Massini y dirigida por Nishme Súmar; con las actuaciones de Urpi Gibbons, Jely Reátegui y Kareen Spano.

Esta obra es un retrato de tres mujeres en un laberinto, en medio de Tierra Santa, donde sus ideales y creencias se verán contrastados y llevados al límite. Eden es una mujer israelí. Enseña Historia en la Universidad de Jerusalén, “desde el punto de vista judío”, tiene una posición acomodada, está por encima de la “obsesión por la Seguridad” que domina a sus compatriotas, hasta el momento en que un juego del destino la confronta con sus propios ideales.

Shirin es una muchacha palestina de veinte años. Estudia Historia de Palestina en la Universidad Islámica de Gaza. Su experiencia de vida bajo la ocupación militar israelí y su necesidad de reivindicar a su pueblo la llevan a convertirse en “aspirante a mártir”.
Mina es una MILITAR norteamericana, oriunda de Minneapolis. Cristiana no practicante, para ella, el mandamiento es siempre “hacer lo que conviene, la felicidad es el final de un partido con la victoria de su equipo de baseball favorito.

El autor, Stefano Massini las mira – a las tres – y nos invita a pensar en situaciones donde se muere por error o más bien por hacer “lo que conviene”, donde se muere mientras se espera para “dar una conferencia sobre el tema: nuestra identidad” justamente allí donde “identidad no quiere decir “quiénes somos” sino “quiénes no son ellos”, donde se muere como víctimas casuales y no como mártires oficiales.

La obra se estrena el sábado 3 de setiembre a las 8:30 p.m. en el Teatro de la Universidad del Pacífico, ubicado en Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María. Las entradas se encuentran a la venta en Teleticket a partir del 22 de julio.

INFORMACIÓN IMPORTANTE
Estreno: sábado 3 de setiembre de 2016.
Días de función: jueves, viernes, sábados y lunes a las 8:30 p. m. Domingos a las 7:00 p. m.
Lugar: Teatro de la Universidad del Pacífico ubicado en Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María.
Venta de entradas: Teleticket de Wong y Metro y los días de función en la boletería del teatro.
Inicio de preventa: viernes 22 de julio.

PRECIOS DE ENTRADAS Y PROMOCIONES:

Entrada general: S/. 50.00
Niños / estudiantes / jubilados: S/. 25.00
Lunes populares: S/.35.00

Pre venta general: S/. 35.00
Para mayor información contactarse con:

Carla Revilla | 971 448 388| carlarevilla@gmail.com
Rony López Mija | 947 158 956 | ronymija@gmail.com

domingo, 7 de agosto de 2016

Estreno: ESCENAS EN CASA DE VASILI BESEMÉNOV

De Máximo Gorki, dirige Leonardo Torres Vilar   

El Estudio de Actuación de Leonardo Torres Vilar y la Asociación Cultural Camisa de Fuerza presentan desde este jueves 11 de agosto en el Teatro Racional de Barranco la obra Escenas en Casa de Vasili Beseménov, del dramaturgo ruso Máximo Gorki.

Escenas en Casa de Vasili Beseménov ha recibido diversos títulos a lo largo de los años, como “Los Pequeños Burgueses” o “Los Filisteos.” Estrenada en Moscú en 1902, narra la historia de una familia en la que el padre, propietario además de una casa de huéspedes, trata tiránicamente de defender su posición social y su tradicional modelo familiar frente a su esposa e hijos, e incluso frente a sus propios pensionistas, en el marco de una Rusia agresiva y cambiante.

Esta puesta, sin embargo, pretende poner el acento en la comedia familiar, los enredos amorosos, el enfrentamiento generacional (más que social), la pasión por la vida y una mirada que no le da la razón ni a unos ni a otros.

Torres Vilar ha convocado un elenco de jóvenes actores, todos ex alumnos suyos, para llevar a escena este clásico de la dramaturgia rusa, en que algunos personajes serán capaces de forjar su propio destino, y otros no tendrán más remedio que repetir los errores del pasado.

Actúan Carmen Álvarez, Rubén Bardales, Bernadette Brouyaux, Antonella Gallart, Mijaíl Garvich, Diana Moscoso, Luis Cárdenas Natteri, Miriam Oria, Bianca Pinto, Carlos Reynafarje, Adrián Rivadeneyra y Raúl Sánchez McMillan.

Escenas en Casa de Vasili Beseménov, de Máximo Gorki, se presentará de jueves a domingos a partir del 11 de Agosto hasta el 18 de Septiembre de 2016, de jueves a sábado a las 8:00 pm y domingos a las 7:00pm en el Teatro Racional: Av. Balta 170, Barranco. 

Venta de entradas en:
La boletería del Teatro y Teleticket de Wong y Metro
Entrada General: s/:30.00
Entrada Estudiantes y Jubilados: s/:25.00

Carla Revilla | 942155642 | carlarevilla@gmail.com
Rony López Mija | 947 158 956 | ronymija@gmail.com

sábado, 6 de agosto de 2016

Crítica: EL MONTAPLATOS, TRAMPA PARA DOS ACTORES Y UNA AUDIENCIA

No olvides que preguntar es peligroso   

Un cuadrado blanco a modo de escenario delimita el espacio que será utilizado. Dos sillas blancas están dentro del cuadrado blanco y tienen un revólver debajo de cada una de ellas. Hay dos actores frente a nosotros, uno calentando la voz y el otro con los ojos vendados, esperando el momento de empezar (¿o es que ya empezaron?). De pronto, un hombre se levanta de entre el público, lanza una señal y ahora tenemos rock en la sala. Una canción rock suena fuerte mientras que en escena, el actor que calentaba nos observa, reconoce su espacio y algo empieza a entender, pero ni su compañero ni nosotros lo hacemos.

Así se inicia El Montaplatos, obra de Harold Pinter y dirigida por Joaquín Vargas, el mismo director que con Piaf nos mostró, paso a paso y por tres horas, la vida de la cantante en un montaje detallista para poder conocerla y entenderla, esta vez, y por menos de cincuenta minutos, ahora nos pone frente a un montaje en donde nada está claro y lo certero es lo último que se nos ofrece. Estamos en una trampa, los actores y nosotros.

Es así que El Montaplatos resulta una prueba para el espectador, quien sin lugar a dudas estará intentando entender lo que está pasando: ¿Qué hacen Ben (Juanjo Espinoza) y Gus (Fernando Luque) en esa especie de sótano y a quién esperan?, ¿por qué les empiezan a mandar mensajes a través de un montaplatos?, ¿quiénes son los que les mandan los mensajes?, ¿por qué les pide comida griega y paella?, ¿por qué los hombres deciden solucionar los pedidos enviando las pocas cosas que Gus tiene en su maletín?, ¿por qué los extraños se queda con las papas fritas de Gus? Muchas preguntas surgen en el público, pero también en Gus, quien a diferencia de Ben, no lidiará con lo desconocido por medio del silencio. No, Gus no se calla, pregunta y el querer saber casi siempre incomoda, especialmente al poder y al sistema.

Por eso, quizás la línea más reveladora de la obra es una que le corresponde a Ben: “No pienses y haz tu trabajo”. Es probable que esa sola línea nos sea suficiente para reconocer en Ben a una sociedad cada vez más preocupada en hacer que la gente se dedique a producir y no a pensar (haciendo posible que surjan líderes políticos que, por ejemplo, al despreciar la cultura llegan al colmo de esconder murales artísticos tras pintura amarilla), una sociedad en donde los pasatiempos ya no tienen un límite claro entre su objetivo de brindar relax y el peligro de hacer que se deje de pensar.

Viendo el color blanco que resalta en escena, pienso en Gus como la oveja que un día abandonó el rebaño y aunque no sepa bien por qué lo hizo, sí sabe que hay algo que ya no es igual. No se la pierdan.

Daniel Fernández
6 de agosto de 2016