domingo, 31 de julio de 2016

Crítica #394: TODO POR LOS 15 MIL

Los riesgos de estar a la moda   

“Creo que la gente joven ha olvidado lo delicioso que es comer, por ejemplo, una sabrosa parihuela de trabajosa preparación; ahora prefiere solo los fast food”, le escuché alguna vez decir simbólicamente a un reconocido teatrista mayor. Y no puedo dejar de recordar esta frase, cuando me embarco en la empresa de reseñar un espectáculo de microteatro. Y es que la moda de esta clase, género, subgénero, especie, especialidad, concepto, formato o lo que fuera, y además teatral, se encuentra en un indudable apogeo, en el que artistas cómplices de todo calibre se prestan para llevar a cabo esta suerte de ritual consecutivo, luego de haber sido concebido en 2009 por el director de teatro y televisión español Miguel Alcantud, en las instalaciones de un prostíbulo. Y a propósito de moda, se me vienen otras frases a la mente: “La moda muere joven”, dijo alguna vez Jean Cocteau; “Moda es todo lo que puede pasar de moda”, dijo Coco Chanel.

Por Dinero, Por Delante y por Detrás, Por Ellas, Por tus Sueños, Por tus Muertos, Por el Pavo, Por lo que más quieras, Por Amor, Por la Familia, Por tus Elecciones, Por Sexo y hasta Por ChéjOff (un homenaje al maestro del relato corto, pero imprescindible dramaturgo de bellísimos textos de largo aliento) son los nombres de algunas de las ingeniosas convocatorias que ha realizado la gran maquinaria de Microteatro, macrorresponsable ahora del macroauge de microdramaturgos peruanos, que deben escribir prestos un microlibreto de 15 minutos antes que culmine la microconvocatoria. Y cómo dejar de mencionar también al Microlounge, en donde se puede disfrutar de ricos piqueos y deliciosas bebidas (para consumir dentro de la microsala), algunas de ellas más caras que la misma entrada para ver la microobra. Pero la Micromaquinaria no se detiene ahí: ya están cocinándose micromusicales, micromagias, microcircos, microinfantiles y hasta microdanzas. Y todos con artífices de comprobado oficio, felizmente empleados e imbuidos en microlaboratorios de microexperimentación escénica, que ofrecen ciertamente espectáculos de calidad garantizada… de 15 minutos cada uno.

Pues bien, luego de la impresión que me dejó la interesante Los 15 mil de Mavi Vásquez (olvidando por un momento el espacio que eligió para su estreno), no puedo dejar de reconocer la calidad de un microespectáculo dentro de la actual temporada Por Orgullo de Microteatro Lima: Todo por los 15 mil, escrito por Cristhian Palomino, interpretado por Valquiria Huerta y el mismo autor (ambos haciendo teatro de más una hora de duración en Love and Chill) y dirigido por Kathy Serrano, pone en el tapete de manera intachable en 15 minutos hasta dónde podemos llegar por ayudar a las personas que más amamos. Una impecable propuesta que legitima a su manera este formato de moda. “Después de todo, ¿qué es la moda? Desde el punto de vista artístico, una forma de fealdad tan intolerable que nos vemos obligados a cambiarla cada seis meses”, decía Oscar Wilde. Y ojalá y la gente, especialmente la más joven, no olvide que existe la parihuela y sepa apreciarla aunque sea de vez en cuando.

Sergio Velarde
31 de julio de 2016

sábado, 30 de julio de 2016

Crítica #393: JOSÉ AURELIO RUMBO A FRANCIA

Fiebre mundialista noventera   

José Aurelio rumbo a Francia de Esteban Philipps, última pieza seleccionada del primer Festival de Nueva Dramaturgia Peruana Sala de Parto del 2013, se estrenó (por fin) en el Teatro Racional de Barranco, con la producción de Pegasito Teatro. Se trata de una interesante propuesta dramatúrgica, que recoge los últimos años de la década de los noventa en nuestro país, mientras asistimos a dos eventos muy diferentes pero igualmente importantes: la tan ansiada clasificación de Perú al Mundial Francia 98 y el final de la guerra contra el terrorismo durante la dictadura fujimorista. Philips, quien se encarga también de dirigir su propio texto, consigue engranar estos dos aspectos hábilmente en escena, a través de un excelente montaje con una fuerte carga brechtiana.

José Aurelio es un niño de 10 años, que representa al peruano promedio: fanático de un deporte que vio mejores épocas en décadas pasadas, pero que siempre deja un resquicio para la esperanza. Con una familia disfuncional (padre periodista ausente por la guerra interna y madre en constante crisis nerviosa), el muchacho le pide ayuda al mismísimo Jesús para que Perú clasifique. Y este efectivamente aparece, para sorpresa del muchacho, quien no dudará en hacer lo que le pida con tal de ver triunfar a su selección. Se trata pues, de una notable amalgama de temas tan nuestros como el deporte rey, la religión católica y la coyuntura política de los años noventa, en una trama que deslumbra por lo sencilla que es y además, por la manera tan práctica en la que es ejecutada. Sin los artificios de puestas en escena como la inolvidable Vladimir, el montaje de Philipps transmite indudablemente el estilo de vida noventero, valiéndose del dinámico trabajo actoral.

Los competentes Martín Martínez (de Bolognesi en Arica), María del Carmen Sirvas (de Jardín de colores) y Paris Pesantes se turnan los seis personajes que intervienen en la pieza con mucha soltura, utilizando para cada uno contados accesorios (un chal, una gorra, unos lentes); si bien es cierto, no parece haber un especial cuidado por la caracterización gestual y vocal por parte de los intérpretes, este detalle no constituye obstáculo alguno para que su director desarrolle la trama fluidamente. José Aurelio rumbo a Francia es un destacable trabajo artístico de Esteban Philipps; no supera a lo mejor de la primera edición de Sala de Parto (acaso La cautiva de Luis Alberto León y Salir de Daniel Amaru Silva lo sean), pero sí se alza como una de las puestas en escena más sentidas y logradas en lo que va del año.

Sergio Velarde
30 de julio de 2016

jueves, 28 de julio de 2016

Crítica #392: VAMPI: LA HISTORIA DE UN CONDE

Los valores atípicamente familiares   

¿Pueden un simpático vampiro atolondrado, un monstruoso súbdito y una niña huérfana reunir las condiciones para conformar una típica familia? Esa es la interrogante que nos propone la compañía teatral Cientos Volando y el dramaturgo y actor Juan José Oviedo (responsable de algunos montajes de interés como Tú no entiendes nada y Árido) con la puesta en escena de Vampi: La historia de un Conde. Ciertamente, el teatro dirigido a los más pequeños es el que cuenta con el público más sincero de todos, pero es igualmente cierto que este ha sido maltratado sistemáticamente a lo largo de los años por inescrupulosos productores teatrales, capaces de darle literalmente “cualquier cosa” con el único afán de lucrar. Sin embargo, en la presente obra, estrenada en el Centro Cultural Ricardo Palma, se aprecia un particular énfasis por darle a la familia un producto cuidado y novedoso, que logra en gran parte.

En estas épocas, en las que la sociedad en general se enfrenta a un cambio necesario y radical de algunos de sus valores ya preestablecidos, Vampi: La historia de un Conde  resulta a todas luces pertinente. Ambientada en un castillo gótico, la obra nos presenta al divertido chupasangre en cuestión, inspirado en un conocido relato de Bram Stoker, y su tierna relación con un enorme criado, inspirado a su vez en otro de Mary Shelley. Las cosas se complican cuando la sobreprotectora madre de Vampi envía a una jovencita llamada Dolly a trabajar en las labores del castillo. ¿Podrá el Conde detener su sed de sangre? ¿Podrá la monstruosa criatura contener su furia y dominar sus celos? ¿Se convertirá la muchacha en una pequeña vampiresa? ¿Lograrán los tres armonía familiar? La trama escrita por Oviedo es sencilla, pero prevalece la idea de reconocer la diversidad que existe dentro de los valores familiares, propuesta por demás, atinada.

La joven directora Grace Humire (actriz en Árido) logra convincentes caracterizaciones por parte del elenco, que integran Andrea Díaz Ghiretti, César Gabrielli Neyra y el mismo Oviedo, ofreciendo  a su vez una entretenida historia con pertinente mensaje incluido. Sin embargo, la utilización de algunos trillados recursos, como algunos sonidos y gags harto conocidos de programas televisivos, no suma al propósito de generar una atmósfera propia, agravado además por la presencia de un piano que bien pudo ser utilizado para conseguir la musicalización en vivo, durante toda la obra. Vampi: La historia de un Conde de la compañía teatral Cientos Volando es un aceptable producto infantil, ciertamente con un vuelo creativo en su propuesta, pero que podría alcanzar mayores brillos si logra crear un propio y particular universo en el que se muevan sus curiosas criaturas.

Sergio Velarde
28 de julio de 2016  

miércoles, 27 de julio de 2016

Estreno: MI NOMBRE ES 23

Vuelve a la Paya Casa   

“Mi Nombre es 23”, el unipersonal del actor Cesar García vuelve a la Paya Casa. Este espectáculo se llevará a cabo bajo la  dirección de Paloma Reyes de Sá y producción de Gestus. Solamente contarán con 3 fechas (sábado 06, domingo 07 y vienes 12 de agosto).

El unipersonal habla sobre la curiosa vida del personaje “23”, un payaso de barrio que vive solo en su pequeño cuarto y nos invita a conocer sobre sus experiencias en divertidos fracasos que se involucra día a día después de una desilusión amorosa y en su búsqueda de algún trabajo que lo haga sentir completo y vencedor.

“Mi Nombre es 23” es un espectáculo de clown para adultos, un trabajo desarrollado a partir de números diversos que crean una línea dramática contemporánea, donde cada momento es contado a partir del absurdo y el humor, rompiendo con el paradigma de que un payaso solo puede ser tierno y adorable.

“23” es un payaso transgresor que  nos lleva a reírnos de su sexualidad, el abandono, el amor, la ira, la hipocresía y de sus dificultades para salir adelante en la vida. “Mi nombre es 23”, dentro de su universo, lleno de verdades humanas, le quita las máscaras a este payaso, que es nada más, que el mismo, en exceso de juego.

Gestus invita a todo el público a que conozcan su casa, sus pensamientos, su trabajo corporal, sus verdades y mentiras y que de la mano con este payaso atrevido, seas parte de su historia.

Fechas: 06, 07 y 12 de agosto (3 únicas fechas)
Sábados: 8pm y Domingo: 7pm Viernes: 8pm
Lugar: Paya Casa (Av. Bolognesi 920 – Barranco)
Entradas: Teleticket y en lapayacasa@gmail.com

Edad mínima: 14 años

martes, 26 de julio de 2016

Evento: CEREMONIA DE LOS PREMIOS AIBAL A LAS ARTES ESCÉNICAS

Premiando a los mejores exponentes del teatro nacional   

Con una concurrencia exitosa, con las personalidades más destacadas de la escena local, se realizó el pasado 20 julio la ceremonia de entrega de PREMIOS AIBAL A LAS ARTES ESCÉNICAS 2016 en el Teatro del Centro de la Amistad Peruano China.

El evento, creado y organizado por AIBAL, hizo reconocimiento a los artistas y obras destacadas del año anterior. Luego de un proceso riguroso de registro, investigación, revisión de materiales y deliberaciones a cargo de un comité de especialistas –cuyas identidades se conocieron el día del evento— la organización dio a conocer, entre casi 100 nominados, los que finalmente se llevaron las estatuillas especialmente diseñadas para la ocasión.

Entre lo más destacado de la noche de los PREMIOS AIBAL a las Artes Escénicas de Lima tenemos que para la categoría actor del año se llevó el galardón el actor Alberick García por la obra El Continente negro; en la categoría actriz del año la ganadora fue Martha Figueroa por la obra Otras ciudades del Desierto; en la categoría mejor actor de Obra Peruana el ganador fue Carlos Mesta por la obra Salir; y, como mejor actriz de Obra Peruana la ganadora fue Sofía Rocha por la obra Las Tres viudas.

Otra de las categorías esperadas fue la de Dirección: Alberto Isola fue el ganador por la obra El continente negro y, la obra ganadora como mejor espectáculo fue Un cuento para el invierno (Teatro Británico).

Y para cerrar la noche, en la Categoría Especial el Premio Sara Joffré a la Trayectoria recayó en Ernesto Raez, a quien se celebró sus más de 60 años de trayectoria. Recibió el premio su hijo Mario Raez.

Dentro de los principales objetivos de PREMIOS AIBAL están: reconocer el trabajo de  nuestros artistas, fomentar la alta calidad en las artes escénicas así como revalorar la actividad teatral que siempre es trabajo de más personas de las que se ven sobre el escenario.

Para mayor información: www.aibal.org
O escribir a: contacto@aibal.org

Teléfonos: 777 7950  / RPM: #998 934 590  RPC: 951 710 071

viernes, 22 de julio de 2016

Crítica #391: TRILOGÍA DE UNA DESPEDIDA

Un sentido trío del adiós   

Originada dentro de los talleres del colectivo Espacio Libre en 2010, la pieza Trilogía de una despedida vio la luz de los reflectores recién en el 2014. Escrita por Diego La Hoz y dirigida en aquella oportunidad como una muestra universitaria por Diana Hurtado, esta abordó tres conmovedoras historias acerca del adiós, tanto físico como simbólico. Los resultados obtenidos fueron muy correctos, estrenándose posteriormente en la ciudad de Arequipa con la dirección de La Hoz, la producción general de la Asociación Cultural Teatrando y la participación de la recordada actriz Sandra Santander. Este año, la mencionada obra regresa por tercera vez gracias al joven director Natalio Díaz (uno de los más aplicados pupilos de La Hoz) y a la productora D´NADA Teatro, en un nuevo espacio llamado Cuarta Maraña en el Cercado de Lima.

Los breves cuadros que conforman Trilogía de una despedida están escritos con emoción y sutileza: en  el primero, dos mujeres se separan debido a la enfermedad de una de ellas; en el segundo, una niña conversa con su padre ausente; y en el último y acaso el más conseguido del trío, dos hermanos separados por la tragedia se reencuentran en el jardín de su casa. El íntimo espacio que ofrece Cuarta Maraña, de gran parecido con la actual Casa Espacio Libre, es un protagonista más del montaje, con el público permitido ubicado frente a una pared con una ventana enrejada y una puerta, ambas bien aprovechadas por el director y los actores. Las historias, si bien independientes entre sí, encuentran algunos paralelos que Díaz inteligentemente propone en su montaje para enriquecerlo.

Por su parte, el elenco está conformado por jóvenes actores que cuentan ya con interesantes trayectorias: Ethel Requejo, la gran revelación de Los dos hidalgos de Verona; Miriam Guevara, que viene demostrando su versatilidad en montajes como Nosotros los burócratas y Auto; Johann Allpas, preciso actor en Tres y El león; y el también director Miguel Torres, responsable de Más pequeños que el Guggenheim. Acompañan con bastante soltura Ángela Berenice y Katty Llaja. Natalio Díaz, en esta su tercera aventura como director, consigue un efectivo resultado llevando a escena esta conmovedora Trilogía de una despedida, imprimiéndole además su sello particular.

Sergio Velarde
22 de julio de 2016

Estreno: FIESTA DE PROMOCIÓN

Presentará Mever Producciones   

Obra de teatro que logrará que te identifiques con los personajes.

Tras el éxito de sus seis primeras producciones teatrales, el escritor y director Gianfranco Mejía nos vuelve a deleitar con una historia que nos trasladará a un colegio de clase media donde los chicos, emocionados, organizan la “Fiesta de promoción”. En ese proceso pasarán muchas situaciones divertidas e intensas. Ahí todo puede suceder.

Este montaje se presentara en el Teatro Julieta (Pasaje Porta 132 Miraflores), los viernes y sábados de agosto a las 8:15pm (UNICAS PRESENTACIONES).

Contamos con  la participación de Carolina Álvarez, Gianfranco Mejia, Renzo Del Carpio, Fabiola Benavente, Andrea Reta, Antonio Lopez, Jimena Venturo, Jair Águila, Darío Gálvez, Wendy Rodriguez, Rod Diaz Sanchez, Roxana Chávez, Hernán Sotomayor, Cristian Pacora y Brunela Cano con la codirección de Jose De Las Casas.

Las entradas estarán a la venta en atrapalo.pe, papayapass.com y en la misma boletería del teatro (Entrada general: S/.25 nuevos soles)

lunes, 18 de julio de 2016

Reestreno: ¡OH POR DIOS!

Desde este 02 de agosto y por corta temporada   

Manuel Gold, Franco Cabrera y Guillermo Castañeda regresan a las tablas para narrar una vez más, fiel a su estilo, los pasajes del libro más popular de la humanidad: la Biblia. Bajo la dirección de Rocío Tovar, esta creación colectiva vuelve para seguir deleitando al público. 

¡Oh por Dios! narra las vivencias de tres nóveles actores que son escogidos por Dios para poder llevar su mensaje a todos los hombres y mujeres de la tierra. Así empiezan una gran prueba de fe, al mismo tiempo que resuelven sus dudas existenciales, sus posturas frente a la vida y a la religión sin perder esa gran dosis de humor que los caracteriza.

Los jóvenes sólo tendrán 90 minutos para cumplir semejante reto celestial. En el camino, sus diferentes puntos de vista sobre la religión los confrontará ocasionando más de un problema para llegar a tiempo a contar el libro más leído de la historia. 

Tras una exitosa temporada entre los meses de abril y junio del 2015, algunas presentaciones al interior del país a finales del mismo año y en el primer semestre del 2016, ¡Oh por Dios! regresa con una corta temporada desde este 02 de agosto, esta vez en el Centro Cultural Ricardo Palma, Av. Larco 770 Miraflores, los martes y miércoles.

Teatro del CC Ricardo Palma – Av. Larco 770 Miraflores
Desde el 02 de agosto.
Martes y miércoles 8:00 p.m.
Pre-venta hasta el 30 de julio

Precios en Lima
Pre-Venta: S/. 39.00
Entrada General: S/. 49.00
Entrada Estudiante y Jubilado: S/. 27.00

Carla Revilla | 99 812 1623 | carlarevilla@gmail.com

Rony López Mija | 94 715 8956|ronymija@gmai.com

domingo, 17 de julio de 2016

Crítica #390: CASI DON QUIJOTE


Libérrima versión del Caballero de la Triste Figura   

Conmemorando el cuarto centenario del fallecimiento de Miguel de Cervantes Saavedra, máxima figura de la literatura española, se viene presentando en el Teatro del Centro Cultural de la Católica la puesta en escena para toda la familia llamada Casi Don Quijote, versión libre de la novela cumbre por excelencia en nuestro idioma. Pero a pesar de las muchas libertades que se ha tomado la directora Paloma Reyes de Sá (responsable de la exitosa Los Fabulatas) para llevar a cabo su proyecto, la esencia del Caballero de la Triste Figura se mantiene intacta, en un montaje apoyado en el carisma del elenco, que interpreta precisamente a una troupé de actores que se embarca en el difícil reto de llevar a escena la historia del Quijote, así como también en un ingenioso y vistoso diseño escenográfico que ayuda a crear los ambientes para representar algunas de las clásicas aventuras del hidalgo caballero.

En cuanto a la puesta en escena, por un lado destacar el maquillaje y el vestuario de los actores, así como también la funcional y llamativa escenografía, pero que anticipaban ciertamente una historia atemporal ambientada en cualquier lugar del mundo y no precisamente en el Perú. Sin embargo, las constantes referencias localistas (además de una canción de Aerosmith) pueden funcionar como graciosos efectismos, pero rompen en cierto grado la magia que los actores van creando en escena: todos los cuadros, desde el primer encuentro del Quijote con Sancho Panza y su ilusión por Dulcinea hasta la obligatoria secuencia con los molinos de viento, están ejecutados diestramente, siendo prescindible cualquier detalle que sitúe innecesariamente la historia en un lugar o tiempo determinado. Por otro lado, el paralelo entre los sueños del Quijote y los de los actores por no dejarse vencer y cumplir sus objetivos resulta ingenioso y entendible en el montaje.

A destacar la actuación de Manuel Gold, prestándole su delgada apariencia física y su particular registro vocal a una joven y convincente versión de Alonso Quijano. A su lado, los versátiles actores Cesar García, Fiorella Kollmann, Francisco Luna y una divertida Lizet Chávez, lo secundan interpretando diversos roles con gran versatilidad. Casi Don Quijote, libérrima adaptación del clásico universal, vale como un sano entretenimiento para los más pequeños y funciona también como un pertinente homenaje a Cervantes. Queda en la talentosa directora Paloma Reyes de Sá el de crear universos verdaderamente propios para sus futuros proyectos, evitando así cualquier innecesaria referencia, para así lograr un producto completamente atemporal e independiente en su propia concepción.

Sergio Velarde
12 de julio de 2016

lunes, 11 de julio de 2016

Estreno: AMISH-TADES CON DERECHO A ROCE

Una comedia de enredos que cuenta con humor, la loca historia de amor entre un pícaro pirata informático y una joven Amish   

Del 14 de julio al 21 de agosto; 8:00 p. m.
Auditorio ICPNA Miraflores (Av. Angamos Oeste 120)
Boletería: S/.40 (entrada general) y S/.30 (lunes popular).

Dirigida por el actor peruano Carlos Bañuelos,  "AMISH-TADES CON DERECHO A ROCE" es una hilarante historia que recrea con humor el tópico clásico del matrimonio por conveniencia en un núcleo humano de rígidas tradiciones y costumbres como lo es la comunidad Amish.

Cabe recordar que los Amish, son un grupo etno-religioso establecido en los estados de Indiana, Ohio y Pensilvania en Estados Unidos, donde se dedican a las tareas del campo. No usan tecnología, reniegan de los autos (se transportan en carretas tiradas por caballos) y ni siquiera tienen electricidad. Los varones adultos, se caracterizan por dejarse crecer largas barbas sin bigote.

Es en este contexto que encontramos a un pícaro pirata informático, el cual se encuentra huyendo del FBI. En esta divertida travesía conoce el amor y tendrá que luchar entre eso y no dejarse al descubierto para evitar ser encarcelado. Producida por Hugo Shinki y Jesús Álvarez Betancourt, esta comedia que ha sido montada con gran éxito en España, está inspirada en el clásico español El sí de las niñas de Leandro Fernández de Moratín.


Actúan la reconocida actriz nacional Haydee Cáceres, Pedro Olórtegui, Vera Pérez-Luna y Carlos Bañuelos, quien también dirige y la escribe en colaboración con Raúl Bastante. La temporada va desde el 14 de julio hasta el 21 de agosto de jueves a lunes a las 8:00 p.m. en el Auditorio ICPNA Miraflores (Av. Angamos Oeste 120). Entradas a la venta en Teleticket y en el mismo ICPNA a S/.40 (entrada general) y S/.30 (lunes popular).

Evento: NOCHE DE PREMIACIÓN

6TO CONCURSO DE DRAMATURGIA PERUANA 2016 “PONEMOS TU OBRA EN ESCENA” Y HOMENAJE A SHAKESPEARE   

Fecha de premiación: Miércoles 13 de julio
Lugar: Teatro Británico (Jr. Bellavista 527, Miraflores).
Hora: 8:00 p.m.
Ingreso libre
Informes: 6153636

El Centro Cultural Británico llevará a cabo la ceremonia de premiación del 6to Concurso de Dramaturgia Peruana 2016 “Ponemos tu obra en escena”, y además se realizará un Homenaje a Shakespeare, con lecturas dramatizadas que han sido escritas por cuatro de los ganadores de las ediciones anteriores del concurso: Vanessa Vizcarra, Daniel Amaru Silva, Gino Luque y Eduardo Adrianzén; y con la interpretación de actores como Jimena Lindo, Emanuel Soriano, Alaín Salinas, Claret Quea, entre otros.

En la presentación se develarán también los ganadores de la sexta edición del concurso, quienes a partir de ese momento formarán parte de la historia de la dramaturgia nacional. La obra ganadora del primer lugar será producida en el Teatro Británico en el año 2017.

El primer premio consiste en:
US$ 2,000.00 (dos mil dólares americanos), como única retribución económica por la puesta en escena de la obra.
La puesta en escena de la obra, producida por el Británico en el 2017.
La publicación de la obra en el 2017 de manera conjunta con las obras merecedoras del segundo y tercer premio.
Pasaje y estadía en la ciudad de Edimburgo (Reino Unido) hasta por 7 días para asistir al “Edinburgh International Festival” a realizarse durante el mes de agosto de 2017.

El segundo premio consiste en:
US$ 1,000.00 (un mil dólares americanos).
La publicación de la obra en el 2017 de manera conjunta con las obras merecedoras del primer y tercer premio.
Pasaje y estadía en la ciudad de Edimburgo (Reino Unido) hasta por 7 días para asistir al “Edinburgh International Festival” a realizarse durante el mes de agosto de 2017.

El tercer premio consiste en:
US$ 500.00 (quinientos dólares americanos).
La publicación de la obra en el 2017 de manera conjunta con las obras merecedoras del primer y segundo premio.

Pasaje y estadía en la ciudad de Edimburgo (Reino Unido) hasta por 7 días para asistir al “Edinburgh International Festival” a realizarse durante el mes de agosto de 2017.

sábado, 9 de julio de 2016

Evento: CEREMONIA DE PREMIOS AIBAL A LAS ARTES ESCÉNICAS 2016

Miércoles, 20 de julio 2016, Teatro del Centro de la Amistad Peruano China   

Asociación Iberoamericana de Artes y Letras se complace en anunciar la ceremonia de entrega de PREMIOS AIBAL a las Artes Escénicas de Lima.

Luego de un arduo y riguroso trabajo de revisión, evaluación y deliberación a cargo de un Comité de Especialistas, la organización dará a conocer los ganadores de este año en 22 categorías.

PREMIOS AIBAL busca reconocer a los artistas y proyectos destacados que hayan provisto de una experiencia escénica valiosa durante el año. Los criterios generales de valoración son: calidad artística, fomento de la reflexión y aporte al sector teatral.

La ceremonia de reconocimiento se realizará el miércoles 20 de julio a las 7:30 p.m. en el Teatro del Centro de la Amistad Peruano China.

Vamos a celebrar lo mejor de nuestro teatro.

https://www.facebook.com/events/1779152138982187/

viernes, 8 de julio de 2016

Crítica: SILENCIO SÍSMICO

Radiografía nacional antes del desastre   

Nuestro prolífico dramaturgo nacional Eduardo Adrianzén tiene una serie de notables obras escritas y estrenadas en el Perú y en el extranjero, por lo que se hace muy difícil elegir, de entre todas, la mejor. El traspié que significó el montaje de Humo en la neblina (2015), su particular homenaje a Sebastián Salazar Bondy, no hizo olvidar sus aciertos anteriores en las acaso subestimadas Cómo crecen los árboles y Los veranos son cortos (2014) y especialmente, en la enorme La eternidad en sus ojos (2013). Y si bien en las puestas en escena de sus biopics puede acertar, como en Demonios en la piel (2007), así como también trastabillar, como en Sangre como flores (2011), nadie le gana a Adrianzén al querer retratar, desde su particular óptica de vida, el estado anímico de una nación golpeada por una violencia generada por los mismos habitantes.

En Silencio sísmico, estrenada en Teatro de Lucía, el autor vuelve sobre temas que conoce muy bien y tratados con anterioridad, como las brechas generacionales en El día de la luna (1996) o la necesidad imperiosa de migrar en busca de mejores oportunidades en El nido de las palomas (2000). Una joven comunicadora llamada Sole quiere viajar para empezar una nueva vida, antes de que se instale el nuevo gobierno; pero su madre Esther, dedicada a la lectura de cartas y una más de las sobrevivientes de la época de terrorismo, augura un devastador terremoto en la ciudad si Sole llega a viajar. Gran coartada dramática de Adrianzén: para lograr un verdadero y radical cambio en el ciudadano común, la amenaza del inminente sismo en la ciudad gana un enorme protagonismo; mucho más que el diluvio que finalmente la destruyó en Nunca llueve en Lima.

Pero Silencio sísmico no solo aborda este conflicto entre madre e hija: la sarcástica abuela Doris debe lidiar también con los genios de dos exnovios de su nieta, el indeciso Ariel y el acomplejado Cristian, cada uno con su propio "rollo" existencial, ambos escritos con maestría por Adrianzén. En medio de este cuadro familiar, un puñado de reconocibles personajes en cuatro secuencias independientes de la línea argumental principal; cada una hilarante y contundente en su propia y feroz ironía, nos muestra por qué no suena tan descabellado pensar que un desastre natural nos fuerce a tener un nuevo inicio: tres hipsters esperan frente a un restaurante al lado de una vendedora de frunas, tres actores de un comercial electoral tienen serias discrepancias para cumplir con la grabación, los asistentes a un mitin aguardan impacientes sus “regalos”, y los habitantes de un exclusivo balneario reciben un delivery de sushi. La dirección de Oscar Carrillo es inteligente, ordenada y efectiva, utilizando hábilmente los justos elementos para hacer creíbles los cuadros.

En el apartado de las actuaciones, solo queda celebrar el compromiso de cada miembro del elenco con los personajes que les toca interpretar. Ximena Arroyo, tremenda actriz en La eternidad en sus ojos, se supera a sí misma demostrando una enorme versatilidad tanto en comedia como en drama; mientras que su madre, la primera actriz Sonia Seminario, encuentra el equilibrio perfecto para sus intervenciones en esos papeles de apoyo, escritos por el autor especialmente para ella. Los jóvenes Giovanni Arce y Alain Salinas están impecables; pero es la excelente Rosella Roggero la gran revelación de esta pieza, que se convierte en una radiografía sobresaliente e imprescindible de un país que espera solo el desastre para empezar de nuevo.

Y sí, Silencio sísmico es la mejor obra de Eduardo Adrianzén.

Sergio Velarde
8 de julio de 2016

jueves, 7 de julio de 2016

Estreno: CONTRACCIONES

¿Qué serías capaz de hacer para conservar tu trabajo?   

De Mike Bartlett. Dirigida por Lucho Tuesta.

Estreno: jueves 21 de julio, 8:00 p.m. Teatro de Lucía

Llega CONTRACCIONES, la controversial comedia de humor negro del destacado dramaturgo inglés Mike Bartlett (Love, love, love / Cock), ganador de 3 premios Olivier, UK. Bajo la dirección de Lucho Tuesta y las interpretaciones de Sandra Bernasconi y Fiorella Pennano, la obra aborda con audacia los excesos que cometen las empresas contra sus trabajadores a través de políticas corporativas invasivas. Desde el jueves 21 de julio en el Teatro de Lucía (Calle Bellavista 512, Miraflores).

ARGUMENTO
A Emma le va muy bien en su nuevo trabajo. Sus cifras de ventas cada vez son mejores. Pero ha estado viéndose con su colega, Darren. Ella piensa que está enamorada. Su jefa piensa que está incurriendo en incumplimiento de contrato. Este es el inicio de una serie de reuniones que Emma (Fiorella Pennano) tiene en la oficina de la Gerente (Sandra Bernasconi) dentro una corporación multinacional que monitorea rigurosamente el desempeño de sus trabajadores, y donde los límites de la privacidad y la tolerancia serán puestos a prueba. CONTRACCIONES cuestiona, con punzante humor negro, los excesos de las políticas corporativas, y cuán lejos uno estaría dispuesto a llegar para conservar su trabajo.

ELENCO
SANDRA BERNASCONI – La Gerente
FIORELLA PENNANO – Emma

DATOS DEL MONTAJE
Género: Comedia de humor negro
Lugar: Teatro de Lucía, Jr. Bellavista 512, Miraflores
Estreno: jueves 21 de julio, 8:00 p.m.
Funciones: de jueves a lunes 8:00 p.m. y domingos 7:00 p.m.
Público recomendado: mayores de 14 años

ENTRADAS
General: S/. 53.00
Jubilados: S/. 37.00
Estudiantes: S/. 27.00
Lunes popular: S/. 32.00
Venta de entradas en Teleticket de Wong y Metro y en la boletería del teatro.

CONTACTO DE PRENSA
Aileen Watson Illich M.
987565351

aileen.wi@gmail.com

miércoles, 6 de julio de 2016

Crítica: CUANDO SEAMOS LIBRES

Estimable proyecto educativo de diversidad sexual   

El espectáculo de teatro testimonial Desde afuera (2014), estrenado por el colectivo No Tengo Miedo en la Casa de España, fue una pertinente puesta en escena que mostraba la dura realidad de cinco limeños no heterosexuales en nuestra conservadora sociedad: las de una lesbiana y un homosexual, así como las de una bisexual y dos transexuales de géneros opuestos. La amplia gama de testimonios, bien dirigidos en escena por  Gabriel De la Cruz y Sebastián Rubio, permitió conseguir uno de los montajes más interesantes y conmovedores de aquella temporada. Dos años después, la comunicadora Carolina Silva Santisteban llega al Centro Cultural Ricardo Palma con Cuando seamos libres, puesta en escena con el mismo formato, pero con una ejecución y resultados muy diferentes.

Cuando seamos libres, que forma parte de todo un proyecto educativo junto a un canal en YouTube y su canción con videoclip oficial, se estructura en base a, esta vez, los valientes testimonios de solo cuatro muchachos, dos gays y dos lesbianas, en medio de una ciudad tan hostil como la limeña. Sus anécdotas, algunas muy divertidas y otras indignantes en igual medida, logran conmover al espectador cuando estas se alejan del dilatado discurso (como algunas de las primeras) y van directo al grano (como casi todas las últimas). Apoyados por una efectiva musicalización en vivo y una curiosa y colorida escenografía que se podría prestar a múltiples lecturas, los intérpretes lucen carismáticos y espontáneos. Se nota un interesante uso de la cámara de video por parte de la directora, con acciones concretas desarrolladas en vivo (como, por ejemplo, el dibujo de la marcha en la plaza), que le otorgan a la puesta el carácter testimonial deseado.

Si bien es cierto, el montaje tiene indudables aciertos con momentos muy conmovedores, el histrionismo de Sergio Cano, Sergio Armasgo y especialmente, Alejandra Ibañez (actores en la vida real), le resta irremediablemente algo de aquella sinceridad escénica de la que hace gala la arquitecta y activista Gabriela Zavaleta, cuya carencia de trayectoria teatral le permite conseguir los momentos más emotivos y honestos de la obra. Cuando seamos libres es una apreciable contribución artística de sensibilización a cargo de Carolina Silva Santisteban y Vodevil Producciones, que alcanzará en sus ya anunciadas giras por el interior del país y en el extranjero, resultados mucho más positivos a los ya conseguidos, cuando el elenco deje aflorar los sentimientos sin saturaciones y pueda controlar los innecesarios excesos y disfuerzos en sus testimonios.

Sergio Velarde
6 de julio de 2016

Reestreno: 24 HORAS PARA MORIR

Presenta CUANDO LA LUNA SE CAIGA   

Comedia de Diana Gómez Muñoz con la dirección de Sergio García-Blásquez.
Integran el elenco: Mirtha Ibáñez, Anaí Padilla, Rosella Roggero y Fernando Castañeda.
La obra estará en escena desde el 22 de julio hasta el 12 de setiembre en el auditorio AFP Integra del MALI. Funciones de viernes a lunes.
Las entradas se pueden adquirir en Atrápalo y en la boletería del MALI.

El Museo de Arte de Lima y Cuando la Luna se Caiga inician la temporada de “24 horas para morir”, una comedia escrita por Diana Gómez Muñoz y dirigida por Sergio García-Blásquez, que se estará presentando desde el 22 de julio hasta el 12 de setiembre en el Auditorio AFP Integra del MALI. Las entradas se pueden adquirir en Atrápalo y en la boletería del MALI.
A través de esta puesta en escena se narra la historia de Pilar y Ana, quienes pertenecen a los “Mártires Revolucionarios de la Muerte”, un colectivo de talla mundial que pretende reivindicar la condición humana y llamar la atención sobre la falta de sensibilidad de las personas respecto a las miserias que padece la sociedad.

Es así que mediante la sátira y la ironía se muestra el radicalismo y el apasionamiento de las ideas de ambas jóvenes, que han programado un suicidio masivo y simultáneo en diversas partes del mundo; sin embargo, este evento se verá interrumpido por una serie de sucesos que las enfrentarán con el amor, la traición y el fanatismo desbordado.

Conforman el elenco de 24 horas para morir los actores Mirtha Ibáñez, Anaí Padilla, Rosella Roggero y Fernando Castañeda. La obra está sugerida para mayores de 15 años.
Dirección: Sergio García Blásquez

24 HORAS PARA MORIR
Lugar: Auditorio AFP Integra del MALI (Paseo Colón 125, Parque de la Exposición, Lima 1)
Temporada: del 22 de julio al 12 de setiembre de 2016
Funciones: viernes, sábados y lunes, 8 pm. Domingos, 7 pm.

Precio: General S/ 30.00. Estudiantes y jubilados S/ 15.00 Programa Amigos del MALI (PAM) S/ 15.00 / Lunes y viernes populares S/ 15.00
Preventa: S/ 15.00 hasta el 22 de julio
Venta en Atrápalo y en la boletería del MALI.

Saz Comunicaciones
Coronel Inclán 281 Of. 701 - Miraflores
243 - 0656
Facebook: www.facebook.com/sazcomunicaciones

Estreno: TRILOGÍA DE UNA DESPEDIDA

¿Qué podemos decir frente a una despedida?   

“Adiós. Hasta Luego. Hasta pronto. Hasta nunca quizás. ¿Qué podemos decir frente a una despedida? ¿Qué tan difícil es dejar ir lo que uno más necesita?

Seis personajes se enfrentarán a estos cuestionamientos. Cada uno con sus propias contradicciones en el amor, el tiempo y la vida. Tres maneras de despedirse. Tres historias simples de gente común. Tres Historias… que como todo en la vida terminarán en un Adiós. Silencio. Hoy habrá un minuto de silencio. Un Instante de eternidad.

Elenco:                                
Ángela Berenice
Ethel Requejo
Johann Allpas
Katty Llaja
Miriam Guevara
Miguel Torres      

Autor: Diego La Hoz
Dirección: Natalio Diaz
Asistencia De Dirección: Miguel Torres

Producción: D´NADA teatro
Composición Musical: Marianelle Mezarina
Fotografía: Marco González y Diego M. Domínguez
Diseño e imagen: Nilton Minaya

Del 08 al 17 de Julio
Los viernes y sábados a las 8:00pm y domingos a las 7:00pm
Lugar: Cuarta Maraña– Av.  Nicolás de Piérola 672 (4to Piso) – Cercado de Lima

ENTRADAS EN PRE-VENTA Y PUERTA DEL TEATRO - CAPACIDAD LIMITADA

Contacto
Natalio Diaz- 983155132

lunes, 4 de julio de 2016

Temporada: INGRÁVIDO 2110

UNA OBRA DEL FUTURO   

Puesta en escena estará todo julio en Microteatro

“Talentum” producciones presenta “Ingrávido 2110”, una microobra escrita por el joven dramaturgo trujillano Paris Pesantes. Bajo la dirección de Alain Salinas; se habla un futuro distópico en la que un astronauta despierta en un recinto acompañado de un tenebroso individuo que no lo deja volver a la tierra.

Cuenta con las actuaciones de Ray Alvarez y Claudio Calmet. La temporada va desde el 29 de junio hasta el 31 de julio, los días miércoles desde las 8:30, los viernes desde las 8:00 pm y domingos desde las 7:00 pm en la Sala 3 de  Microteatro (Jr. Batallón Ayacucho 271 – Barranco).

Las entradas están a la venta en el mismo local. Sin duda alguna una excelente opción para culturizarse diviertiéndose. 

Estreno: EL MONTAPLATOS

Trampa para dos actores y una audiencia   

Tras el éxito de “Piaf” de Pam Gems y “Ay Amor”, VNP presenta su más reciente producción teatral; EL MONTAPLATOS, trampa para dos actores y una audiencia, del ganador del Nobel de Literatura en el 2005, Harold Pinter.

“EL MONTAPLATOS”, trampa para dos actores y una audiencia, nos cuenta la historia de dos asesinos a sueldo, Ben y Gus, que esperan en un sótano las instrucciones para su siguiente trabajo.  A través de un montaplatos, los asesinos comienzan a recibir mensajes que no pueden descifrar, haciendo que la situación se vuelva intolerable.

Harold Pinter escribió EL MONTAPLATOS en 1959 y se estrena por primera vez en el Hampstead Theatre Club en 1960. Representada en muchos países, ha sido de influencia en numerosas obras culturales posteriores en cine, teatro y televisión. Los críticos consideran EL MONTAPLATOS, la pieza de Pinter que más se acerca al teatro del absurdo.

Detrás de la premisa donde dos asesinos esperan instrucciones para su siguiente trabajo, EL MONTAPLATOS es una reflexión sobre las relaciones sociales y la conciencia humana. Es una crítica a la obediencia ciega. Por un lado del que sirve sin pensar y por el otro de los que mandan que no resisten las dudas, interrogatorios, reflexiones y razonamientos de sus subordinados.

A lo largo de la obra vamos descubriendo la rutina a la que han estado sujetos estos hombres, la forma de sobrellevarla de cada uno y las consecuencias de sus personalidades dentro de la organización para la que trabajan: la víctima de ese día es Gus.

En este universo, el que no pregunta es el que vale hasta que se cuestiona; entonces pierde su función y resulta prescindible. Quien se hace preguntas se convierte en un ser peligroso para el sistema y debe ser eliminado.

Con “EL MONTAPLATOS”, trampa para dos actores y una audiencia, Harold Pinter nos presenta el mundo de las órdenes sin cara y del poder abusivo. Por primera vez en Lima y bajo la dirección de Joaquín Vargas Navarro, Fernando Luque y Juanjo Espinoza darán vida a los personajes Gus y Ben desde el 06 de julio en la Alianza Francesa, Av. Arequipa 4595 Miraflores todos los miércoles y jueves a las 8:00 p.m. Entradas a la venta en TU ENTRADA

DIRECCIÓN: Joaquín Vargas N.
PRODUCCIÓN: Pamela Stewart
ELENCO: Juan José Espinoza y Fernando Luque.

INFORMACION GENERAL DE TEMPORADA

Desde el 06 de julio
Miércoles y jueves: 8: 00 p.m.
Teatro Alianza Francesa, Av. Arequipa 4595 Miraflores

Venta de entradas: Tu Entrada de Plaza Vea y Vivanda y en Boletería AF

Preventa: 30 soles, del 3 de junio al 5 de julio. La promoción solo se aplica sobre el precio de adultos.​

Entrada General: 35 soles
Estudiantes y jubilados: 25 soles
Estudiantes AF: 15 soles

Recomendado para mayores de 14 años

Estreno: ODISEA

Un viaje como nunca antes se contó   

La Odisea es una de las historias clásicas más antiguas de los poemas griegos atribuidos a Homero. Es un cuento de alma universal y atemporal. El viaje de regreso a casa de Ulises, será el punto de partida para que Dioses, semidioses y hombres, descubran y reconozcan lo que nos hace humanos. El amor, la envidia, el odio, la duda, la perseverancia, la inocencia, las fantasías, la venganza, la espera, la traición, serán los que impulsen esta travesía que no pierde vigencia.

Ulises, el más amado y humano de los héroes, emprende el viaje de regreso a Ítaca, para compartir sus conquistas con los seres amados. Cruza sus aguas más bravas y preserva la cordura porque sabe que su inteligencia está al servicio de lo más sagrado: el regreso a casa.

Pero, ¿Qué hacen los seres amados mientras esperan el regreso del gran viajero? ¿Acaso se quedan estáticos e inmutables? ¿Acaso la espera en sí misma no es un viaje?

 “ODISEA” es una adaptación libre que usa el lenguaje de títeres corporales para contar este viaje. Ines Pasic, creadora de este lenguaje junto a Hugo Suarez, es la directora y creadora de esta creación colectiva junto a Silvia Bando-Landa, Franklin Chavez y Bruno Tarnecci.

¿Qué son los títeres corporales? Los títeres corporales son personajes creados a partir del movimiento y uso de algunas partes del cuerpo. La magia de lo simple y cotidiano está presente, pues la técnica de Ines Pasic y Hugo Suarez utiliza algo tan cotidiano para nosotros como lo son las manos y los pies y los transforma creando universos mágicos para contar historias.

El público se cautiva y conecta porque todos tenemos un cuerpo. Un cuerpo al cual le damos un uso cotidiano y no nos imaginamos la capacidad infinita que nuestro cuerpo es capaz de darnos, incluso para contar historias tan clásicas como “ODISEA”.

Esta “ODISEA” es la historia de una pareja que tiene que lidiar con las distancias, físicas y metafísicas. Una pareja sólida y frágil a la vez que intenta reencontrarse. Y cada odisea es única; la de Penélope, la de Telémaco y la de Ulises. Y el uso de los títeres corporales nos vislumbra la posibilidad de ser creadores de nuestro propio destino.

El proceso creativo de Gaia Teatro se desenvuelve dentro de la visión circular y ecológica de la conciencia humana. Con sus obras y propuestas artísticas a través del humor y el drama, se busca el encuentro con las verdades a las cuales el ser humano siempre regresa para nutrirse y fortalecerse. En su trabajo combinan técnicas de manipulación, títeres, títeres corporales y objetos con danza y mimo .

 “Lo que Hugo y yo hemos creado y que venimos haciendo desde hace más de treinta años, es explorar el mapa de la creación en el cuerpo humano porque pensamos que no hay historia que no se puede contar con el lenguaje de títeres corporales. Hemos descubierto que en el cuerpo humano están escritas todas las historias del universo, por eso nos gusta trabajar con mitos. Jugamos con la dualidad del macro y micro cosmos, las partes del cuerpo en contraposición con todo el cuerpo, el actor con el títere y el manipulador en oposición a lo manipulado”
Ines Pasic

FICHA TÉCNICA ODISEA
Creación y Dirección: Ines Pasic
Producción: Pamela Stewart
Elenco: Silvia Bando-Landa, Franklin Chavez y Bruno Tarnecci

INFORMACIÓN GENERAL DE TEMPORADA
Desde el 07 de julio
De jueves a Domingo a las 8: 00 p.m.
Teatro C.C Ricardo Palma. Av. Larco 770 Miraflores.

Venta de entradas: Teleticket y Boletería CC Ricardo Palma

Preventa: 25 soles, del 6 de junio al 6 de julio. La promoción sólo se aplica sobre el precio de adultos.​

Entrada General: 35 soles
Estudiantes y jubilados: 25 soles

APTA PARA TODA LA FAMILIA

Para mayor información contactarse con:

Carla Revilla | 942155642 | carlarevilla@gmail.com
Rony López Mija | 947 158 956 | ronymija@gmail.com

Evento: TEMPORADA CORTA DE OBRAS TEATRALES COMO RESULTADO DE LA R I C E

Residencia para la investigación y creación escénica 2016   

Estreno: viernes 8 de julio a las 8:00 pm

Luego de un trabajo arduo de intercambio y exploración escénica, la Casa Recurso e Imaginario Colectivo presentarán el resultado final de RICE 2016, residencia para la investigación y creación escénica. Para el público en general, se estrenarán las obras de los tres directores convocados: Rodrigo Chávez, Paloma Carpio y Alfonso Santistevan desde el viernes 8 de julio a las 8:00 pm.

La RICE es la Residencia para la Investigación y Creación Escénica. Es un programa lúdico y multidisciplinario donde tres directores son convocados para trabajar un proyecto artístico alrededor de un espacio en concreto; y así gestionar un espacio de intercambio intelectual y de investigación donde la creación, innovación y retroalimentación colectiva formarán parte clave del proceso.

La RICE fomenta el intercambio entre proyectos artísticos generando espacios para la confrontación y debate de cada una de las creaciones. Además, busca desarrollar e impulsar la discusión en materia de investigación escénica a través de los desmontajes y conversatorios posteriores a nuestras funciones.

Para la convocatoria se sumaron a esta Residencia los directores como Rodrigo Chávez, Paloma Carpio y Alfonso Santistevan. Cada director contó con nueve horas de trabajo durante cuatro semanas, y crearon una puesta en escena tomando como motor la sala principal de la Casa Recurso. Además, se les alcanzó algunas pautas específicas a manera de juego que también deberán estar presentes en su propuesta. También, durante la segunda semana de ensayos los directores compartieron sus proyectos e hipótesis de trabajo con un profesional invitado (Jorge Castro, director y dramaturgo) a manera de enriquecer y consolidar sus procesos.

Para iniciar la presentación de los trabajos de la RICE, el día viernes 8 y sábado 9 de julio se presentará la obra VOX HORRÍSONA creación escénica del residente director Rodrigo Chávez con las actuaciones de Daniel Cano y Vanessa Geldres. “Me pareció interesante ser parte de RICE porque es un espacio para probar, de libertad creativa y ahí he podido explorar formas teatrales de las que no estoy acostumbrado como el juego y otros lenguajes” señala el joven director de SOMA teatro. VOX HORRÍSONA es una exploración basada en el poeta peruano Luis Hernández: una entrevista que motiva a dos actores y dos músicos a conocer distintas formas de comunicación. En el mundo y lenguaje tan particular de Luchito Hernández vemos cómo sus palabras se pueden transformar en música, artes plásticas y diferentes formas de expresarse en niveles que de repente la voz no podría llegar. Los acompañan con música en vivo Arturo Chávez y Mauricio Mieses.

RICE 2016, liderado por Pepa Duarte, es una nueva apuesta por ampliar los espacios de investigación en materia escénica y confrontar a nuevos y experimentados directores de teatro en un espacio de intercambio y exploración. Los invitamos a ser parte de esta nueva experiencia.

PROXIMOS PROYECTOS A PRESENTARSE

Obra teatral: XY
Elenco: Alonso Núñez y Pepe Santana
Fechas de presentación: viernes 15 y sábado 16 de julio a las 8:00 pm

Obra teatral: ILUSA
Dirección: Alfonso Santistevan
Elenco: Marivel Arizan
Fechas de presentación: viernes 22 y sábado 23 de julio a las 8:00 pm

Lugar: La Casa Recurso
Dirección: Jr. San Antonio 203, Barranco
Entrada General: S/. 15 nuevos soles
Estudiantes y jubilados: S/. 12 nuevos soles
Reservas y venta de entradas al correo residenciarice@gmail.com
Kitty Bejarano / Rpm #998934590 / 9517-10071 (RPC)
Prensa y difusión de RICE