domingo, 31 de agosto de 2008

Entrevista: PAUL BERETTA

Constante preparación

Acaba de finalizar en el Galpón.espacio la temporada de “Perdidos”, en la que debutó como director y ya Paul Beretta se encuentra preparando nuevos proyectos para el próximo año. “Tomé la decisión de abandonar mi carrera como comunicador hace ya varios años y entrar de lleno en el mundo de la actuación, y no me arrepiento en nada”, afirma este egresado del Club de Teatro de Lima, quien tuvo de profesores a Pold Gastello, Paco Caparó, Sergio Arrau y Reynaldo D’Amore.

Paul recuerda con mucha emoción dos de los montajes que realizó en su segundo año de estudios: “Los pelópidas” de Sergio Arrau y “Un verso pasajero” de González Risco, ambas dirigidas por el profesor Paco Caparó. Con el primer montaje, menciona que “aprendí a trabajar en equipo, éramos cerca a 20 actores y todos hicimos de todo, independientemente de la calidad de la obra.” Con la segunda obra, Paul logró mejores resultados, pues “Un verso…” tuvo una temporada posterior como obra profesional. “Tuvimos un buen resultado artístico, lástima que el grupo que formamos, “El sótano” se disolviera tiempo después.”

Una vez fuera del Club, Paul decidió ingresar a diversos talleres para continuar con su formación actoral. “Creo que un actor nunca termina de aprender”, nos comenta convencido. Estuvo los talleres de actuación de Aldo Miyashiro, de expresión corporal con Franklin Dávalos, de dramaturgia con Mariana de Althaus, para finalmente completar el primer nivel con Roberto Ángeles. “Me interesan mucho los talleres, porque me sirvan como herramientas para mi trabajo de actor”, afirma.

Su primera obra como director fue “Perdidos”, una adaptación de Roberto Ángeles sobre el original de Plinio Marcos, en la que también interpretó uno de los papeles principales. “Me animé a realizar este proyecto, pues quería generar mi propio trabajo, no quería esperar que alguien me llame para hacer algo”, nos cuenta. “Una vez escuché a Edgar Guillén decir por televisión: “el actor tiene que tener un motor propio”, así lo entiendo yo: el actor debe generar su propio trabajo”, concluye Paul. Es muy difícil hacer teatro en el Perú, pero no es imposible.



Sergio Velarde
31 de agosto de 2008

Entrevista: ROBERTO CUBA


Comunicador y actor  

Si bien incursiona actualmente con pie derecho en la actuación, antes que nada Roberto Cuba es un comunicador. El chico de FAQTV se inició en el teatro profesionalmente desde hace sólo dos años, pero antes ya había llevado talleres orientados básicamente hacia el baile. “A sugerencia de un amigo, entro a participar en estos talleres”, recuerda Roberto. “Participé en festivales de la mano de Miguel “Cocoa” Huamán, quien me enseñó diversos estilos coreográficos, desde Broadway hasta hip-hop.” 

En lo referente a actuación, quien sentó sus bases fue Joaquín Vargas en los talleres de Iguana. “Otro profesor muy importante que tuve fue Daniel Dillon, un gran maestro que es un gran respaldo para la formación actoral aquí en Lima”. Otros profesores que influyeron en la carrera artística de Roberto fueron Paul Ruíz y Antonio Aguinaga. “Recuerdo con mucho cariño, antes de Iguana, a Raúl Varela y a Elva Alcandré”.

Roberto está próximo a reestrenar la puesta en escena de “Los profesores” de Juan Rivera Saavedra en el Centro Cultural CAFAE, en la que interpreta doble papel: el díscolo profesor de arte Gauguin y el renegón jefe de impresiones Curi. “Todos los profesores de la obra están chiflados”, comenta entusiasmado sobre el espectáculo. “Están tan locos que deciden atentar contra la vida del Ministro de Educación. Se parece mucho a "Los justos" de Albert Camus, pero en clave de comedia. Se desarrolla mucho el humor negro y el sarcasmo en los diálogos.” La pieza fue censurada en el gobierno de Odría y 50 años después se logra estrenar finalmente. “A pesar del tiempo transcurrido, la coyuntura actual calza en muchos aspectos”, afirma.



Actualmente Roberto está involucrado en un proyecto personal de entretenimiento en Internet: FAQ TV, en el que incluye entrevistas, sketches, parodias y sana diversión para los cibernautas, en colaboración con el joven actor y director Fernando Montenegro.



Sergio Velarde
01 de setiembre del 2008

Entrevista: LUCHO PAREDES


Un crítico en plena actividad  
Uno de los críticos de teatro más representativos del medio es, sin a lugar a dudas, Lucho Paredes, quien escribe con regularidad en la comunidad virtual de Perú Teatro (siempre despidiéndose con un fraternal abrazo) y que viene integrando jurados de diversos festivales y muestras teatrales, tanto en Lima como en el interior del país. “Estudié en la Escuela de Arte Dramático, primero Escenografía y luego Actuación”, recuerda Lucho. “Luego entré a estudiar sociología a la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, para después escribir en periódicos, sobre todo, crítica teatral”.

Sus primeros profesores de teatro fueron básicamente Alicia Saco y Ernesto Ráez, pero también llevó talleres en la Escuela con Rafael Hernández, un especialista de Brecht en el teatro peruano. “Tuve la oportunidad de participar como actor en la Escuela”, señala Lucho. “Actué en obras de Estela Luna, Osvaldo Dragún y Enrique Buenaventura”.

Entre los aspectos más importantes que Lucho considera para criticar una obra de teatro se encuentra el texto mismo. “Pero todos los elementos de la puesta en escena se evalúan: la actuación, la dirección, la iluminación, la escenografía, y especialmente el texto, que es muy importante.” Para Lucho la crítica teatral es “una especie de esquematización de la obra de teatro, que debe estar dirigida a un público mayor, no sólo a los teatristas en sí”. Entre los críticos peruanos que admira se encuentran los recordados Alfonso La Torre, Hugo Salazar y Pipo Ormeño, aunque considera que existen aún muy pocos críticos de teatro en el país.

Siempre polémica y puesta a prueba, la crítica ayuda al desarrollo del movimiento teatral en nuestro país. Lucho afirma que ésta “es una estancia muy importante en el arte, pues está en estrecha colaboración con el artista”. La responsabilidad del crítico teatral es muy grande, por eso Lucho está convencido que tanto los críticos como los artistas deben estar en constante preparación. “El crítico debe buscar y encontrar elementos nuevos en el espectáculo, que permitan que los artistas, que también deben estar en renovación, pueden ser cada vez más interesantes en sus propuestas”. Asimismo, la investigación, tanto para críticos como para los artistas, es muy importante. “Existen nuevos y muy valiosos aportes para el teatro, especialmente los de Luis Alberto Ramos de la Universidad de Minnesotta”, concluye.



Sergio Velarde
01 de setiembre de 2008

sábado, 30 de agosto de 2008

Colaboración: ENCUENTROS PERDIDOS

ENCUENTROS PERDIDOS


Esta creación colectiva demuestra las posibilidades del teatro de reflexionar sobre los personajes literarios que surgen del propio caldo social de una determinada sociedad. Escritores como Vargas Llosa, Arguedas, Oscar Malca, etc., muestran personajes con cuya experiencia se pinta una relación muy viva con la contingencia de lo que nos acontece. Este grupo propone un dialogo con estos personajes y una atmósfera que se enriquece con la intervención de la música y la danza.

Encuentros perdidos es un oximoron que va revelando su sentido a medida que transcurre la obra. Se trata de personajes y situaciones que se nos hacen propias por vivir en medio del "sustento histórico" que les dio existencia ficcional. La manera cómo se apropian del escenario es singular. Poco a poco van apareciendo las partículas de historia de las cuales son elementos insustituibles. Si uno se pregunta qué tiene que ver LOS RIOS PROFUNDOS con CONVERSACIÓN EN LA CATEDRAL, probablemente nuestra respuesta sea NADA. Pero en el fondo de las conciencias de estos actores y quienes los han dirigido siento que hay una idea muy fuerte de que estas obras tienen un hilo conductor que las puede convertir el una. La experiencia del niño Ernesto, puede ser parangonable con la experiencia de Santiago Zavala, en la medida que dan cuenta de un mundo azaroso y contradictorio.

Así ocurre con las otras novelas de las cuales no toman las partes principales sino los momentos en que pueden construir dramáticamente "algo".Ese "algo" no se nos escapa de las manos (de la cognición) por el tejido tan a propósito que realizan los actores, que se ayudan de algunas imágenes fílmicas para redondear el sentido de su propuesta.

Inevitable el referirse a la violencia; inevitable también que en el proceso cronológico de las obras esta se abrá paso sensiblemente entre las obras. En unas estaría en estado de latencia y en cambio en otras cobra el centro de su expresividad artística. Bueno hay tanto que comentar en Encuentros perdidos que lo dejo ahí para que otros puedan también hacerlo.

Luis Paredes
Asociación Peruana de Crítica e Investigación Teatral

Colaboración: ILUMINARE


ILUMINARE


Nuevamente LA TARUMBA nos vuelve a conmover con un espectáculo de circo que enfocando el tema del amor " a las maneras de La Tarumba", con mucha adrenalina, con mucha imaginación física y musical, nos conduce por los vericuetos de este sentimiento y desnuda imágenes interiores muy trascendentes.

Hemos asistido una vez más a ver un espectáculo de La Tarumba llenos de la expectativa que nos dejan sus puestas anteriores. Vemos a un elenco afiatado en las suertes que desempeñan, muy sólido y con una expresividad superior a otras citas.

ILUMINARE, tiene el ritmo de los tonos jazzeros de su música y muchas veces durante el espectáculo volteamos a ver a los músicos que van realizando su parte de creación correspondiente, pero con un convencimiento que compite perfectamente con la acrobacia más espectacular que hayamos visto sobre el escenario (y de ellas hay muchas).

ILUMINARE, ilumina nuestro interior para sacar de él los elementos que puedan asir el AMOR con mayúscula...los personajes van tejiendo un camino del amor que todos compartimos y celebramos, este encuentro de los personajes que son el centro de esta historia, se produce con todos los aderezos que puede dar el movimiento y el espectáculo.

El AMOR es un leit motiv que La Tarumba sabe desarrollar con sus imágenes circenses y con toda su teatralidad. Esos seres que surgen del espectáculo y que estaban envueltos en burbujas gigantes son la muestra de que todo espectáculo guarda un nacimiento. Somos nosotros que nacemos ante la maravilla. Y son los seres imaginarios que pueblan nuestros mejores sueños.

La Tarumba, logra conmover con la destreza de sus chicas en las telas, donde sus evoluciones están el servicio de una idea mayor, dar belleza y poesía al tema...Salimos alagados por La Tarumba...Salimos impulsados a emprender mejores luchas por ese sentimiento...Y salimos convencidos que para el amor todo esfuerzo será pequeño...Que siempre nos esperan grandes cosas por este AMOR como lo dice La Tarumba con ILUMINARE.

Luis Paredes
Asociación Peruana de Crítica e Investigación Teatral

domingo, 17 de agosto de 2008

Entrevista: LAURA BRAIN


Experiencia en comerciales

Si Ud. alguna vez ha visto un afiche o panel publicitario, entonces conoce a Laura Brain. Con aproximadamente 160 comerciales realizados, la actriz participa actualmente en la puesta en escena de “El enfermo imaginario: versión libre y criolla” en la Sala Alzedo. “Empecé en el 2002 en el taller de Teatro de la Municipalidad de Pueblo Libre y a los 3 meses participé en mi primera obra: ¿Quién miente a quién?, en total hemos realizado 13 montajes con la Municipalidad.” Laura también participó en obras con los grupos Sendar y Aleli, así como actualmente con Era Azul.

Sobre “El enfermo…” comenta que esta obra “me llena como actriz, es un papel muy importante para mí, me gusta ser la fastidiosa de la obra.” A pesar de las críticas, Laura resulta sumamente competente en su papel de Antoñita, la sirvienta de la casa, que termina finalmente solucionando los enredos que se producen en el montaje. Además, ella tiene una particular opinión sobre las artes escénicas: “Me gusta el teatro, pero me gusta más que la gente se divierta, se relaje un poco.” Es por eso que prefiere las comedias y también, como no, el teatro infantil, en donde participó en numerosas piezas como “La cenicienta”, “Blanca Nieves”, “Una canción de navidad”, “La bella durmiente”, entre otras.

Con una extensa trayectoria como actriz de comerciales, Laura reflexiona sobre la actual situación de la publicidad televisiva. “Existen tantas personas sin trabajo y de bajos recursos que aceptan hacer comerciales al precio que sea, y que perjudican a los actores y actrices de experiencia”, nos comenta preocupada. “Si antes habían 20 personas en un casting, ahora hay 110, la competencia es muy fuerte”. Además considera que existe mucha vanidad en el medio. “Le paguen lo que le paguen muchos aceptan, pues sólo les interesa ser “populares”. Además, la experiencia de los actores favorece a los directores, pues las grabaciones no se hacen tan largas”, concluye.

Laura se apresta a participar en dos proyectos infantiles: “Voces de los sumisos”, obra infantil con temática ecológica, y en “Almacén de fantasía”, que lleva un mensaje de compañerismo a través de la historia de unos maniquíes en una tienda de ropa de teatro, que se presentará en temporada en el ICPNA de Lima, todos los sábados de setiembre en doble horario: 4:00 p.m. y 6:00 p.m.

Sergio Velarde
17 de agosto de 2008

domingo, 10 de agosto de 2008

Entrevista: JOSÉ MEDINA


Grupo Renacer de aniversario


“Me inicié de casualidad en el teatro”, recuerda el actor José Medina sobre sus inicios en las artes escénicas. “Iba a ser sonido en una obra, faltó un actor y me mandaron al ruedo. Luego me di cuenta que debía prepararme, necesitaba saber, pues no bastan sólo las ganas”. Luego llevó talleres cortos con profesores como Sydney Stacio y Enrique Avilés, para posteriormente fundar el grupo de teatro Renacer, que cumple este 2008 cinco años de actividad.

Renacer se forma en septiembre del 2002. “Martín Medina consigue el Palais Concert y nos convoca a Ángel Morante y a mí”. Pero si bien se pactó en ese entonces estrenar una obra con textos de Abraham Valdelomar, presentan finalmente la obra infantil “Inocencio y el puma”. El grupo Renacer inicia así sus actividades el 19 Octubre del 2002, que continúan hasta el día de hoy. “En octubre de este año estrenaremos en el Teatro Larco, con la dirección de Martín Abrisqueta y con algunos amigos como Ysela Castañeda, Jackeline Chuquillanqui, Patricio Villavicencio, entre otros, “Réquiem para siete plagas” de Gregor Díaz, el autor cábala del grupo.” Renacer obtuvo la mejor crítica en un diario local, luego de su presentación el Muestra Regional 2004 con la pieza “Cercados y cercadores”.

Actualmente José participa en el espectáculo de la Asociación Cultural Pegaso “La mosca doméstica y Un dolor agudo y punzante” de Juan Rivera Saavedra en el Club de Teatro de Lima, con la dirección de Mary Oscátegui, los días sábados a las 8:00 p.m. y los domingos a las 6:00 p.m. “Agradezco la oportunidad para expresarnos y también el apoyo de la crítica, pues siempre viene bien, porque sea bueno o malo, es ventajoso para todos”, concluye.



Sergio Velarde

10 de agosto de 2008

Entrevista: ALEXANDER PACHECO


Entregado al teatro infantil


Actor, director y dramaturgo, Alexander Pacheco ha publicado un libro titulado “Piezas infantiles de teatro para niños y adolescentes”, algunas de ellas ya estrenadas por él mismo. “Sólo dirijo mis propias textos, para no faltarle el respeto a otros, por respeto a los mismos”, nos comenta. Actualmente se encuentra abocado a la presentación de la obra infantil “Las aventuras de Pinocho” y al reestreno de la comedia para adultos “Ardientemente Cinderella”, ambas de su autoría.

Alexander se inició en el teatro por necesidad de manifestación, “primero a través del basket; al ver que no llegaría lejos en eso, decidí entrar en el teatro.” Al principio estudió Comunicaciones en la Universidad San Martín, para luego ingresar a la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático (ENSAD) por el lapso de dos años. “También tuve oportunidad de visitar otros talleres”, recuerda. “Tuve de profesores a Diego la Hoz y Fernando Petong. Este último fue mi maestro al inicio, me ayudó mucho en lo corporal, en trabajar desde el exterior hacia adentro y no a la inversa, y que se convirtió finalmente en mi forma de trabajar.”

En el camino Alexander se fue formando, a través de la experiencia. “Yo me divido en mis tres facetas: actor, director y dramaturgo”, nos explica. Además guarda buenos recuerdos de su primer proyecto como director. “Dirigí mi primera obra con mis amigos de la ENSAD, se llamó Un maravilloso talento y estuvimos en el Mocha Graña. Me lancé a dirigir por lógica, por hacer algo netamente por juego, como deben hacerse las cosas, jugando. Fue una obra pura, pues nació del juego”, concluye.

En la obra “Amores quebrados” del grupo Eureka, estrenada el 2006 en la AAA, Alexander interpretó un complejo personaje de nombre Jair, un cocainómano, marihuanero, obsesivo y bisexual. “A pesar de no estar muy relacionado al teatro dramático, fue un trabajo muy intenso con el director del montaje Juan Carlos Díaz, le debo mucho por ese personaje”. Pero Alexander prefiere las puestas en escena de teatro infantil. “He escrito doce obras infantiles hasta el momento”. Si optara por escoger la que recuerda con más nostalgia, esa sería “Cyrano de Bergerac”, estrenada en el teatro Británico en el 2006. “Adapté el texto de Rodstand, y conservé algunas de sus líneas”, recuerda. “Fue espectacular poder recitar esos textos en el Británico, así como utilizar la esgrima”.


Alexander dicta talleres de teatro y espera conseguir que sus alumnos obtengan algunos conceptos básicos para continuar en esta carrera. “Primero, el saber qué están haciendo los personajes, saber de dónde vienes, adónde vas, etc.”, explica. “Me parece importante también la estética del actor, el no tener movimientos sucios, ser consciente del compañero y por supuesto, de sí mismo.”

Sus montajes podrán ser vistos en el Teatro Auditorio Miraflores (“Ardientemente Cinderella” los viernes y sábados a las 10:30 p.m.) y en el Teatro de Cámara (“Las aventuras de Pinocho” los sábados y domingos a las 4:00 p.m.). Cualquier informe pueden llamar al móvil: 998242090 o comunicarse al correo electrónico: pachekovsy23@hotmail.com .




Sergio Velarde
10 de agosto de 2008

Colaboración: IL DUCE


IL DUCE O LA NOSTALGIA DE NO HABERNOS COMPROMETIDO 

En el Teatro Británico de Miraflores se viene presentando IL DUCE escrita y dirigida por MATEO CHIARELLA. La obra enfoca la vida del dictador italiano con recursos que nos hacen pensar en un juego de intertextualidades escénicas que logran dibujar no sólo el contexto en el cual se inscribe Mussolini sino también las proyecciones que de esa época sobreviven hasta hoy.

IL DUCE necesariamente es una obra que maneja en cierto modo las visiones ideológicas de determinada época. Visiones que más o menos de la misma forma se van desvelando en otras épocas y espacios. El compromiso con la visión del mundo que mueve a Mussolini a hacer lo que hizo es un punto central de la obra de Mateo Chiarella. Este compromiso se ve reforzado por estos personajes iniciales que pretenden recobrar el cuerpo "impoluto" del dictador y se ven sumidos en la más triste desilusión.

El juego de tiempos entre la experiencia del dictador y el otro momento en que buscan su cadáver es muy expresivo de lo que se quiere decir con la pieza. La idea de tratarse de dos tipos de hombres: los que se comprometen y los que no lo hacen, es muy fuerte y se respira hacia el final de la pieza en que el personaje que lucra con la muerte es muerto a su vez por un fascista fanático.

Los personajes tienen una fuerza expresiva sorprendente. Salvo dos de ellos, en los que yo creo faltó sustento dramatúrgico: uno es Grandi, que es ninguneado en todo momento por Mussolini (en impecable interpretación de Coco Chiarella) y otro es el yerno de éste que teniendo que representar lo que una facción católica del fascismo, solamente apenas esboza su contradicción al final de la pieza con un dictador a todas luces decadente.

Digo esto, porque hubiera sido mucho más rico que estos personajes que no tienen el relieve de caricatura que en buena hora tiene el Rey, sean los depositarios de cierta fuerza moral que se va manifestando contraria al dictador y solucionar su apariencia falsamente esquemática.

Con todo la puesta en escena se expresa en su universo de decisiones ideológicas y políticas que se repiten a lo largo de la historia y llega a ser un momento propicio para reflexionar sobre la carga de los acontecimientos si otras hubieran sido las determinaciones y la catadura moral de las personas.

Todo movimiento revolucionario tiene sus propias circunstancias y depende de las personas que lo llevan a cabo. Resolver las distintas disyuntivas de acuerdo a la moral y a los reclamos de las mayorías es siempre una regla que exige sus esfuerzos y no siempre los líderes están a la altura de ese esfuerzo.

Los que se comprometieron con Mussolini quizá tuvieron una expectativa más sana que el propio líder. No haberse comprometido con él o con otro cualquiera no nos exime del juicio de la Historia. Al contrario, nos hace perder la oportunidad de ser partícipes de algún enrumbe nuevo que quizá haga cambiar de signo moral al movimiento.

La política tiene sus "suciedades" como lo manifestó el propio Chiarella (padre) en la versión de LAS MANOS SUCIAS de Sartre. Ensuciarse un poco en ellas no es del todo negativo. Quizá sea más negativo permanecer indiferentes.

Luis Paredes
Asociación Peruana de Crítica e Investigación Teatral

martes, 5 de agosto de 2008

Crítica: LA MOSCA DOMÉSTICA y UN DOLOR AGUDO Y PUNZANTE


Dramaturgia atemporal


Siempre es grato ver en escena obras de autores nacionales, especialmente las del dramaturgo “más prolífico y distinguido de América Latina” (según mención de la Universidad de Texas - U.S.A.) y actual Secretario General del SAIP, Juan Rivera Saavedra. La Asociación Cultural Pegaso, bajo la dirección de Mary Oscátegui, lleva a escena en el Club de Teatro de Lima las comedias: “Un dolor agudo y punzante” y “La mosca doméstica”, escritas por JRS en 1967, y que dejan ver la aguda y certera visión del autor, pues ambas lucen muy actuales, o en todo caso, atemporales.

En “Un dolor…” se juega con la contraposición de caracteres en el espacio temporal: luego de un leve accidente, un muchacho vuelve a casa para lamentar exageradamente su suerte ante su sufrida madre. Con el transcurrir del tiempo, y de manera sorpresiva aunque gradual, la situación inicial se invierte, la víctima se convierte en lo que tanto temía y la madre adquiere un fuerte carácter, que la lleva incluso a dar rienda suelta a su lado socialista, siempre acompañada por el fino humor negro del autor.

Mientras que en “La mosca doméstica”, una de las pocas comedias peruanas de ciencia ficción representada frecuentemente desde su publicación, no se da tregua al espectador con las constantes e inesperadas vueltas de tuerca que tiene su historia. Un matrimonio en decadencia regresa a casa luego de asistir a un funeral, en el que ella perdió los papeles. La histeria y la soledad por la pérdida se ven acrecentadas por la paranoia generada por una sirvienta muy particular. La interpretación por parte de los actores genera la comedia y hacen creíbles los increíbles reveses del texto, que sorprenden hasta el final.

La puesta en escena, minimalista y ajustada, se sostiene básicamente en la dramaturgia y en el histrionismo del elenco. A destacar la actuación de Mary Oscátegui, quien se luce en ambas obras, construyendo personajes muy diferentes entre sí, tanto en expresividad corporal como en el manejo del ritmo y la voz. José Medina (en “Un dolor…”) y Walter Huallpa (en “La mosca…”) acompañan acertadamente a la actriz y directora del espectáculo, superando los baches en la operación de las luces y el sonido. Dos simpáticas comedias, no carentes de reflexión, muy recomendables para apreciar la atemporal creación dramatúrgica de JRS.

Sergio Velarde
05 de Agosto de 2008

lunes, 4 de agosto de 2008

Crítica: SOLO DIME LA VERDAD


Mentiras verdaderas o falsas verdades 

Una apacible y poco ventilada florería, en donde sucede el encuentro entre la guapa administradora de nombre Julia y dos jóvenes de la calle, es el sencillo y singular escenario en donde se dicen y se hacen muchas cosas, pero que ni el público ni los personajes de la obra saben a ciencia cierta, si carecen de absoluta verdad o desbordan de aparente mentira. En la obra “Solo dime la verdad”, de autoría de Daniel Dillon y con dirección de Carlos Acosta, la “normalidad” de Julia es resquebrajada con las historias (o cuentos) de estos dos conflictivos y conflictuados personajes, decididos a todo por sobrevivir, pues utilizan las mentiras como la mejor arma para lograr sus propósitos.

Tal vez el mayor acierto de la obra (o quizás para algunos, su mayor yerro) sea el de no precisar con exactitud la moraleja de la historia. “La mentira nunca es buena, mata el alma y la envenena”, una frase que todos conocemos, pero que aplicamos parcialmente (en mayor o menor medida) en nuestra vida diaria. ¿Pero es sólo este trillado mensaje lo que el esforzado grupo Libre Palabra quiere darnos a entender? Toda la puesta en escena, que busca aprovechar al máximo el espacio que ofrece el centro Cultural CAFAE, luce una especie de “artificiosa” naturalidad, que deja al espectador mucho en qué pensar al abandonar la sala.

El buen director Carlos Acosta, tan acostumbrado a dirigir obras teatralistas como “Hamlet Machine” o “La lección”, no logra ceñirse con la firmeza necesaria el corsé del naturalismo de esta pieza realizada por encargo, pero que en todo caso sirve para el lucimiento de una buena actriz, como lo es Fiorella Díaz en el papel de Julia, y para apreciar los avances de los jóvenes Gisella Estrada y Henry Sotomayor, quienes aportan nervio y convicción a sus personajes.

“Sólo dime la verdad” encontrará su sendero correcto con el transcurrir de la temporada, cuando las acciones de los personajes engranen perfectamente con los objetivos compartidos en dramaturgia y dirección, y que promete envolver (de verdad) al público asistente con estas falsas verdades o mentiras verdaderas, que constituyen las emociones humanas y que se dejan ver en este sencillo pero inspirado texto de Daniel Dillon.

Sergio Velarde
04 de agosto del 2008

sábado, 2 de agosto de 2008

Entrevista: DANIEL MANCHEGO

Trasgresor y polémico

“Me inicié a los 16 años en el TUC, más tarde en el Club de Teatro de Lima y luego participé en algunos talleres en Cuatrotablas, Yuyachkani y con el español Mel Rocher.” Así nos cuenta Daniel Manchego, actor de la polémica versión libre y criolla de “El enfermo imaginario” actualmente en temporada en la Sala Alzado, sobre sus inicios en el mundo de las artes escénicas. “En el Club de Teatro de Lima tuve como maestros a dos grandes como Reynaldo D’Amore y Sergio Arrau”.

Sin bien es cierto, Daniel escribe teatro desde el colegio, es en el mencionado Club donde por primera vez dirige profesionalmente una de sus obras, “El orquestador” presentada por el grupo Forasteros, la cual figuró entre las mejores puestas en escena del año por un diario local. “Veníamos de hacer un trabajo en grupo con mis compañeros y queríamos buscar un estilo propio en el teatro y generar así, una combinación de trabajo de energía y movimiento con la actuación sicológica”, recuerda. En la misma sala, estrenó posteriormente “Amores especiales”, un complejo drama sobre una relación madre-hijo poco convencional. “Fue una obra mucho más íntima”, afirma Daniel. “Pero a la vez, muy complicada y enredada en la construcción de los personajes”.

Como director de los talleres de formación actoral en el Teatro Segura, con el auspicio de la Municipalidad de Lima, Daniel busca “generar personas capaces de ser sensibles a los diferentes estilos de hacer teatro, de descubrir nuevas formas de expresión, de probar nuevas maneras de comunicarse, de defender ideas, innovar y transgredir, nunca de quedarse en la actuación tradicional y parametrada.” Este año Daniel y su proyecto Era Azul cumplen tres años formando jóvenes talentos, que aplican lo aprendido en sus muestras finales.

Sobre su reciente incursión como un disparatado médico en “El enfermo imaginario, versión libre y criolla”, Daniel tiene un particular punto de vista. “Es una experiencia muy agradable la de conocer un estilo que no había probado hasta ahora: el humor popular.” La consigna de la mencionada puesta en escena es valerse del salero criollo y la picardía para la construcción de los personajes. “Si bien no se están presentando las características principales de una obra de Moliere”, aclara, “sí se realiza una mofa hacia los doctores, se sigue la estructura básica de la historia y se logra el entretenimiento y esparcimiento de la gente.”

Los próximos proyectos en los que está involucrado Daniel incluyen, entre otros, un montaje sobre las tradiciones peruanas de costa, sierra y selva; así como también las muestras finales de sus alumnos y el próximo inicio de nuevos talleres en los meses de setiembre y enero. “El enfermo imaginario, versión libre y criolla” se presenta en la Sala Alzedo del Teatro Segura (Jr. Huancavelica 267 - Centro de Lima) todos los viernes, sábados y domingos a las 8 p.m.
 
Sergio Velarde
2 de agosto de 2008

Entrevista: WALTER HUALLPA


En defensa del artista

Walter Huallpa tiene una extensa trayectoria teatral de casi 30 años y se encuentra próximo a estrenar dos obras de Juan Rivera Saavedra en el Club de Teatro de Lima. Comparte su carrera de actor con su labor en el Comité Ejecutivo del Sindicato de Artistas e Intérpretes del Perú (SAIP) como Secretario de Defensa. “Comencé haciendo teatro aficionado en la Academia del Sindicato de Artistas, luego en el Cocolido y posteriormente a un nivel profesional en la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático (ENSAD)”, recuerda sobre sus inicios.

Walter tuvo la fortuna de contar con excelentes maestros de actuación. “Tuve de profesores a Ernesto Ráez, Ernesto Cabrejos, Segundo Vara, Luis La Roca, entre otros.” Entre las diversas obras teatrales en las que participó, recuerda dos en particular. “Hicimos Electra con Ernesto Cabrejos, y Don Gil de las Casas Verdes con Sergio Arrau en el Teatro Pardo y Aliaga, este último fue un montaje destinado exclusivamente para todos los colegios de Lima”, afirma.

Como miembro de la Directiva del SAIP, Walter se apresta a celebrar los 64 años de esta institución, que vela por los derechos de los artistas. “El sindicalizarse ofrece varias ventajas; parte de nuestra labor es velar por los actores de antaño, muchos de ellos desprotegidos y en abandono.” Walter está convencido que los actores realizan un trabajo, el cual debe ser remunerado justamente y que deben respetar sus derechos cuando pasan al retiro.

Sobre la situación de los jóvenes que recién empiezan en el mundo de la actuación, especialmente los que intervienen en producciones televisivas, Walter ofrece algunos consejos. “Si hubieran demoras en los pagos, previamente se debe solicitar a la productora el número de capítulo y la escena en la que se está participando, así como recordar el día de grabación.” Igualmente para los actores que graban spots publicitarios, Walter nos comenta que “los comerciales tienen vigencia de un año, si la productora desea reutilizarlo, el actor tiene derecho a un nuevo pago”. El SAIP está ubicado en Jr. Manuel Segura 315 Oficina 302 Santa Beatriz, cualquier consulta pueden llamar al 2656777 o al mismo Walter al 95176398.

Junto al actor José Medina, Walter estará en temporada todo el mes de agosto los sábados a las 8:00 p.m. y los domingos a las 6:00 p.m. en el Club de Teatro de Lima (Av. 28 de julio 183 Miraflores) con las obras “La mosca doméstica” y “Un dolor agudo y punzante”, ambas de Juan Rivera Saavedra y bajo la dirección de Mary Oscátegui.



Sergio Velarde
02 de Agosto del 2008

viernes, 1 de agosto de 2008

Entrevista: RENATO IBERICO y KIKE TORRES


Nueva aventura sobre ruedas

La nueva obra rodante que se presenta actualmente tiene la dirección compartida, Renato Iberico en la artística y Kike Torres en la ejecutiva. “Perú Vas Two Much” es la inevitable secuela del éxito de público del año pasado “Perú Vas” y que convierte a este original concepto en una verdadera franquicia. “Definitivamente se trata de una franquicia, pues el 16 de agosto estrenaremos “Perú Vas Kids”, un espectáculo exclusivo para niños y para octubre presentaremos uno sólo para hombres”, nos comenta entusiasta Kike.

Cada uno de ellos comenzó en el mundo del teatro de manera muy diferente. “Empecé el 92 como extra en un programa de televisión”, recuerda Renato. “Luego en el 99 me inicié en el teatro con un papel muy menor en un unipersonal. Es a partir del 2001 que comienzo a dirigir profesionalmente hasta el día de hoy.” Kike, por el contrario, empezó formalmente en el 94 llevando cursos en el Museo de Arte y talleres paralelos, hasta entrar a la Facultad de Artes Escénicas de la Universidad Católica, en donde recibió clases de maestros como Aristóteles Picho y Lucho Peirano, entre otros. “Pero siempre mi inquietud fue hacer cosas poco convencionales”, remarca Kike sobre esta temprana idea. “Quería salir de la sala de teatro propiamente dicha y hacer que el público fuera parte del espectáculo.”

Sobre la génesis del proyecto que tenemos actualmente en cartelera, Kike nos comenta que “nació por la inquietud de haber producido un espectáculo dirigido por Marlene Banich en el 2002, que se llamo “Adonde Vas”, realizado en un formato mas pequeño, en una custer.” El tiempo y los diversos proyectos fueron los principales impedimentos para la demora en su estreno, pero que ahora, en el 2008, se convierte en una palpable realidad. “Para el proyecto se convocó a un grupo de 15 actores que llevaron un laboratorio en base a improvisaciones, de los cuales sólo quedaron 8, entre ellos Renato Iberico.”

Justamente Renato es el director artístico del montaje, que cuenta con siete actores que interpretan dos personajes diferentes en las dos historias presentadas. “Primero se crean los personajes y se graban en video”, nos cuenta Renato sobre el proceso de ensayos. “Luego se estructuran las historias; esa la mecánica con la cual se ha venido trabajando”. Participan en la obra César Torres, Alexandra Bianchi, Jaime Lozada, Patricia Biffi, Paúl Ramírez, Gabriela Merino y Jefrie Fuster. La productora responsable de “Perú Vas Two Much” es Factum, a cargo de Kike, que nació formalmente en el 2005. “Hacemos espectáculos de este tipo, interviniendo espacios públicos, además de conciertos, fiestas temáticas y recitales, así como también traemos artistas de fuera del país.”, concluye.

Las entradas para ver “Perú Vas Two Much” se adquieren en Teleticket de Wong y Metro. La entrada general es de 25 soles, pero existen promociones como los lunes populares y los domingos femeninos a sólo 15 soles. El bus parte de la Librería Crisol del Óvalo Gutiérrez, los días viernes, sábados y lunes a las 8:00 p.m. y 9:30 p.m. y los domingos a las 7:30 p.m. y 9:00 p.m. La temporada se extenderá inicialmente hasta el 25 de agosto.

Sergio Velarde
1º de agosto del 2008